声乐教学论文全文(5篇)
第1篇：声乐教学论文范文
1、激发学生对声乐的兴趣
教学的过程是由教师和学生共同组成的，二者都是缺一不可的，教师的工作并不是一味的讲授，而是要引导学生进行有效的学习，探索新知识的过程。传统的声乐教学方法只重视教师的教，忽略了学生的参与，学生是具有主观能动性的，对感兴趣的东西当然会全神贯注的倾听，但是不感兴趣的东西自然注意力就会不集中，不利于声乐的学习。声乐的学习中，学生的是否感兴趣决定了学习的状态，同时也会对声乐教学的效果产生极大的影响。所以声乐教师要采取有效的方法激发学生对声乐的兴趣，例如为学生创造一个自然的学习氛围、有效降低学生的压力等。另外教师也可以充分发挥出自身的人格魅力，通过自己舞台的表演征服学生，有效的激发学生学习声乐的积极性。
2、丰富教学的形式和方法
声乐教学的形式和方法会对声乐教学的授课质量产生直接的影响，通常情况下，声乐教学的形式是一对三、一对四的来进行授课，这种教学方式虽然能够提高声乐教学的针对性，但是这种单一的学习方法很容易就会让学生厌倦，教学的方法过于死板，长时间下来就会对声乐的学习丧失兴趣。所以，声乐教师要在授课的过程中积极寻找一些新颖的元素来增强声乐课堂中的活力。例如可以经常性的开展公开示范课、舞台实践分析课等，也可以开展一些由多位教师对一名学生的声乐教学会诊，提高学生的声乐能力，这些不同形式的活动能够激发学生对学习声乐的兴趣，更新学生的观念，拓展学生的思路，有效的消除厌学的情况。另外，对于任何一种形式的授课方式，声乐教师都要做好充分的准备工作，对每个环节都要完善的设计，尽最大的可能激发学生对声乐的兴趣，有效的提高声乐教学的质量。
3、声乐教师要提高教学的能力
3.1具备歌唱能力
声乐教师要具备良好的歌唱能力，声乐课堂才能更加吸引学生的注意力，好的示范演唱不仅能激发学生的兴趣，还能使课堂变得生动，学生通过教师的演唱能有效的学习声乐，体会声乐作品中所蕴含的感情，能够更加深入的把握好声乐作品。一旦缺失了示范演唱，这对学生掌握声乐是非常不利的。
3.2具备良好的听觉
声乐是一门靠听觉进行的艺术，声乐教学中的很多问题必须通过听觉来感受、体会，这就要求教师要具备良好的听觉，才能凭借良好的听觉去正确的判断学生的演唱是否到位，咬字是否准确，这些都需要教师靠敏锐的听觉来判断，然后进行正确的调整。
3.3具备较高的文化素养和专业知识
声乐教师要广泛的学习语文、美学、音乐理论等方面的知识，最大程度的提升自身的文学素养，充分了解艺术学科的艺术特点，另外还要懂得心理学、教学等理论知识，只有具备较高的文化素养和专业知识的教师才能称得上是合格的教师。
3.4掌握正确的歌唱方法
声乐教师只有真正掌握了正确的演唱方法，才能有效的指导学生进行声乐的学习，教师要自觉的通过多种渠道去学习歌唱理念，提高自身的歌唱水平，掌握多种风格的歌唱作品，才能让学生学会正确的歌唱方法。
二、总结
第2篇：声乐教学论文范文
（一）树立正确的声乐观念
伴随教育体制改革的逐渐深入，在高校声乐教学过程中，越来越强调音乐审美的重要性，以满足声乐教学的基本目标，因此，在声乐教学过程中，为充分发挥声乐教学的艺术性，这就要求教师和学生具有一定的审美水平。
（二）改进和完善教学模式
在高校声乐教学过程中，以往的教学方法是“一对一”，伴随我国教育事业的快速发展，教学模式应当由单一化转变为多样化，可以从“一对一”转变为“一对多”。例如，在声乐教学过程中，教师可以采用一对多的教学模式，通过学生之间的交流和讨论，师生之间共同歌唱，之后，对歌曲进行分析与点评，以不断提高声乐教学效果。在声乐教学过程中，教师可以采用个别课的教学方式，对于部分相对优秀的学生，教师可以进行特殊培养，进而不断提高学生的声乐水平；教师也可以采用小组课的教学模式，不仅能够优化配置教师资源，还能够强化学生的音乐基础，以为学生学习音乐奠定稳固的基础；此外，教师还可以采用设疑的教学方法，以逐渐增加教师与学生之间沟通和交流的机会，以满足素质教育发展的要求，有利于提高学生的创新能力和实践应用能力。
（三）调整和优化教师配置
在高校声乐教学过程中，应当处理好师生之间的配置问题，在第一学年之后，学生已经大致的了解声乐知识，演唱水平也不断提高，在第二学年之后，通常情况下，会进行小组课的学习，在此阶段，教师可以依据学生自身的实际情况，有针对性的进行教学。在师生配置方面，学生可以依据自身的意愿，选择教师，教师也可以依据学生之间的不同状况，选择学生，这种师生配置方式，不仅能够调动教师的积极性，还能帮助学生树立自信心，以不断提高声乐教学质量。
（四）强化教师的专业技能和专业素养
教师的专业技能和专业素养直接影响声乐教学效率，因此，教师的专业技能对学生发展至关重要，在声乐教学过程中，教师应具备扎实的基础知识，逐渐适应并且接受现代化的教学理念，尊重学生的个性发展，以不断体提高学生的声乐能力。
二、结论
第3篇：声乐教学论文范文
音乐声学理论运用声带发声时是闭合状态，歌唱者要感觉歌唱发声时声带像剪刀的两片刀片在合力运动，气息柔和的搭上声带的闭合力量，进一步平滑地送出口腔，完成歌唱发声的一套基本路径。声带发出的声音以基音为主，就是通常所说的“真声”，到了中高音区，声带要更有力地闭合，要配合更充沛的气息就能发出“假声”，在训练声音的过程中，必须贯穿“真声”和“假声”的训练，以及“真假混合声”的专门训练。声带的运动与变化，除了拉紧或放松运动以外，还有张合运动，即两条声带间的距离可大可小，发高音、强音时距离较小，发低音、弱音时距离较大，同时声带的厚薄也在变化，如发高音时，声带的边缘处会变薄。在歌唱过程中，声音的音质、音量、音强都和声带的科学运动闭合分不开。当气息有控制地经过声带，声带闭合发出声音，这过程中声带运动的主动性不容忽视。在学习声乐过程中，有些初学者独立控制声带肌肉的意识和能力都不够，声带运动是被迫和被动的，不能主动完全闭合声带，加上喉咙里各个肌肉群体不能协调合作，导致歌唱者音质差、音量小，更无从谈起共鸣了。在歌唱中如果声带和气息的配合作用力不够，没有在需要发声的瞬间给力，那么声音就不能快速送到各共鸣腔体去加工，从而就不能获得高位置的声音共鸣。
二、歌唱中声音共鸣运用要符合声学原理
高质量的声音是指歌唱者经过系统的训练，制造出来的声音能在歌唱者自身各大共鸣腔体游走，并能进一步滚动送远，达到共鸣共振的音效。要想声音共鸣做到位，也要从科学理论上了解声带的共鸣原理。器乐演奏的声学理论研究已经非常成熟，我们可以触类旁通地研究一下，从而借鉴到声乐演唱中去。一般乐器中的共鸣箱，在演奏过程中声音传播的空气振动是一种稳定的振动状态—驻波。由于驻波的特性，一端开口，一端闭口的共鸣箱，箱长约为基音波长四分之一，各频率为f=c/4L、2c/4L、3c/4L、…、nc/4L(n=1，2，3，…)，最低的频率c/4L对应的音叫做基音，其他频率对应的音叫做泛音。两端是固定的共鸣箱，二端点必定是波节。由于二个相邻波节之间的距离为半个波长，弦的长度一般为半波长的任意正整数倍，即弦上可能的频率为f=c/2L、2c/2L、3c/2L、…、nc/2L(n=1，2，3，…)，每一个频率相应于一种可能简正模的运动。即共鸣箱的振动与弦的振动简正模相同，产生共振。当琴弦由于长度变化，音阶每升高八度，琴弦基音升高一倍，比如由f0变到2f0，共鸣会移到2f0附近，同时谐振的模式范围还取决于:箱体的横截面积、长度和宽度之比，箱是直圆筒还是圆锥筒，所用的材质都有关系。人体共鸣腔的声学原理与器乐共鸣箱有相同之处，但不同的是，人体共鸣腔不仅有固定容积的共鸣腔，歌唱者还能根据歌曲的需要和个人的演唱技巧及表现力，任意调节和改变其容积的共鸣腔，以此更贴切演唱作品本身所需要的情绪表达。器乐能够对振动频率有倍数关系的音高发生共鸣，而歌唱者经过适当的调整，也能够与发出的音高相配合而引起共鸣，使得歌唱发声得到进一步加强和改善。歌唱者本来就是一个非常完美的共鸣箱，人体拥有胸腔、咽喉腔、口腔、鼻腔、头腔等共鸣腔体，都应该积极参与到歌唱运动和共鸣中，歌唱者应该清楚地认识到，只要是有空间感的身体部位都可以储存和处理声音，把声带闭合发出的“简单”声音努力送达到各个身体空间部位去获得声音的共鸣，这样处理是必要的。原始的发音气从丹田而出，经过喉腔共鸣直接从口腔发出来，这是一种“想唱就唱”的状态;有共鸣处理的声音，虽然同样气从丹田而出，但发音时喉腔经过调整压缩，完全打开后咽壁，提高软颚，将声音送入头部各腔体，通过科学的共鸣，声音能达远闻而近听又不觉其尖厉，这就是“边唱边想”的歌唱状态。发声声区是由音高和共鸣腔的运用以及调节共同形成的。人声划分为低、中、高三个不同的声区:低音区对应共鸣区以胸腔为主，口腔、咽腔次之，头腔更次之;中音区对应混声区，以口腔、咽腔为主要共鸣腔，头腔、胸腔次之;高音区对应头声区，以头腔为主，口腔、咽腔次之，胸腔更次之。上下三个声区实际运用时，必须努力使之成为统一、连贯、完整的声区，充分运用自身“混合共鸣”，以达到在演唱不同音高时流畅自如。歌唱者要学会理解声学原理，科学的利用自身腔体特点，注重声音与自身共鸣的协调运作，要更多地练习声音的“外在共鸣”，尽可能轻松地歌唱。
三、歌唱姿势与呼吸是正确实现声学原理的重要因素
(一)培养正确的唱歌姿势
气息的运用、共鸣的调节以及歌唱的效果都离不开正确的唱歌姿势，同时也是唱歌者良好心态的表现。声乐训练是以人体的有关器官作为“乐器”来进行演奏，在训练时，应让歌唱者养成良好的演唱姿势，做到头自如，两眼平视有神，下颌内收，胸肩松宽，小腹微收，保持脊柱、腰挺直不紧直。歌唱发声有时会因为姿势影响了呼吸，如果呼吸运用跟不上，声音就会憋在喉咙里唱不出来。纠正了不正确的姿势，发声上的毛病就能得到改进。协调好身体各器官，在发声过程中有机配合。共鸣箱体从歌唱者头顶到脚底的波节有相对确定的位置，声音才能形成相对稳定的驻波。“混合共鸣”才能达到最佳的效果，例如在发声练习中进行弯腰发声的声音训练时，随着腰的弯曲程度不同，发声时头顶共鸣的感觉明显出现差异，从共鸣的声学原理可以理解姿势对于歌唱的重要性。
(二)良好的呼吸支持
吸气时口腔打开，硬软腭提起，将下肋骨和腰围向外松张，自然地，流畅地吸气很深，尽量不要有声响，不抬肩膀，使得腰一圈以及后背都充满“气感”，可以用“打呵欠”去感觉以上动作。呼气是自然，有“叹气”感，胸、腹部不能僵硬，否则会影响发声的灵活和音高的准确，不能影响歌唱的艺术效果。只有在正确的呼吸基础上，依靠呼吸支持，保持喉腔的稳定、放松、打开，才能使得喉腔内各个软骨和肌肉协调自如地工作，训练中需要加强喉腔内软骨和肌肉的动作控制能力。真声演唱时，气从丹田自下而上，通过声门，经过喉腔共鸣的处理，根据不同的音高，使声带全部振动，或者使全段声带的边缘振动。假声演唱时则需要气息经过喉腔时，歌唱者将喉腔缩小，声带闭合力增强，发出比真声较高的音调，发音时气息将声带的一段吹开，并使其边缘的一部分振动。真假声在歌唱中的运用要衔接自然，高中低音能够运转自如，不露痕迹，使得歌唱者音域拓宽。歌唱者需有效训练声带运动的主动性，让它闭拢、分开阻挡气流的能力更强，从而对呼出的气息产生的压力大，声带本身能发出的声音是有限的，通过共鸣作用扩大后就能发出更纯净、更响亮的声音。歌唱的呼吸方法有:胸式呼吸、腹式呼吸、胸腹联合呼吸和膈肌肋式呼吸。无论选择用哪种方法呼吸，歌唱时呼吸都要充分饱满，气息既是发声的动力，又是声波传导到各共鸣腔的载体。在呼吸过程中，吸气是收缩肌肉群，使肋骨向外扩展，膈肌中心下沉，胸腔扩大，从而使气息吸入;呼气则是收缩肌肉群，使肋骨内收，膈肌中心回升，胸腔收缩，使气息呼出。气息自然通畅了，才能够发出圆润通畅自如的声音。气息要能够托起声音从喉腔迅速地到达后咽腔，然后找到后咽壁的反射点，从而去折射声音通达各个腔体。要通过反复练习熟练掌握自己身体共鸣箱的反射点，这样声音的驻波能够相对稳定，谐音丰富，音色才能够更完美。歌唱呼吸是歌唱的动力源泉，训练完美的呼吸技术支持，是完成声音共鸣的保障，是声波传导到身体各共鸣体的工具，是能够正确实现发声物理原理的重要因素。
四、结语
第4篇：声乐教学论文范文
积淀是表现人声艺术美的重要基础歌唱是一种用人声器官表现的声乐文化艺术产品。在教学中只单纯地强调学生掌握发声技巧是不够的，还需要不断提醒学生要表现声乐的艺术美，这就要求学生通过平时的大量阅读与学习，丰富自己的音乐基础知识而达到文化内涵积淀。学生在学习一首声乐作品时，在有了深厚文化底蕴的基础上，通过对作品进行透彻、准确地分析研究学习，熟练掌握歌曲作者的生平、写作时代背景、歌曲创作意图、风格等内容，在理解的基础上进行歌曲演唱，才能完整、准确、到位地表现人声艺术美。假如学生在歌唱之前不作任何准备，对歌曲相关内容一无所知或不熟，这就无法理解作品，就不能准确的表达歌曲所反映的意境和情感，只能是机械发声，就不会有更大的进步与提高。
二、引导学生用灵魂歌唱歌唱，重视艺术表现力
在声乐教学的过程中发现，有着良好的嗓音条件，并相应地掌握了一定的科学的发声方法和技巧的学生所表现的声乐作品演唱却不能打动人。这是因为学生对歌曲的内涵没有深入了解，对作品的风格把握不到位，从而没有真正表达出歌曲的意境和音乐美。就像著名歌唱家苔尔巴迪所说：“他们想到的只是怎么唱得更响些，而根本没有考虑到歌唱的表现力和自己的理解。”所以，在教学中要求学生通过查找资料等途径对歌曲的内容、作者、音乐背景等做详实了解，然后通过进一步教学讲解，启发学生的形象思维，将歌词内容认真、细致地分析，深入到唱词的情景中，使学生正确把握歌曲的风格，进行有表现力的歌唱。有表现力的进行歌唱，首先是抒发自我的情感，在表达自我情感的同时用优美的声音打动他人，这是艺术表演追求的目的与效果。因此，在歌唱教学中时刻提醒学生：要演绎好每一首声乐作品，都应该全身心投入，深入到歌词意境中，为其感动、受其感染而后感动他人。真实的情感来源于生活的点点滴滴，要想成为一名好的歌唱演员，就应该深入生活，用心体验，时时刻刻用心观察，积累情感素材并用之于表现音乐。
三、重视伴奏在歌唱艺术中的表现力
声乐演唱虽然以人声为主，但伴奏为完整体现歌唱的音乐的艺术魅力，烘托歌声，起着相当重要的作用。因此在教学中教育学生不能忽视伴奏的重要性。学生在进行歌曲学习或舞台表演时，首先应注意歌曲前奏。就是指在进行歌曲演唱时当伴奏响起第一个音符到演唱开始之前学生就要立即进入歌曲所要求的歌唱状态和氛围之中，同时也为学生准确把握歌曲的其他音乐要素提供依据。学生在进行歌曲主体部分的演唱时需注意加强对歌唱旋律的和声衬托和渲染，不能脱离伴奏进行声音自我表现。当歌曲出现间奏时，学生虽然没有演唱，但内心感觉应与间奏同行，不能因间奏而产生情绪上的音乐的空白或断裂。到达歌曲的尾声时应加强歌曲的结束感。学生在歌曲结束之后，不能立刻松懈下来，内心仍应保持与尾声相一致的音乐感觉，直到尾声结束。这样的歌唱才能使歌声与伴奏统一、完美。
四、注重歌唱的舞台形象表演
第5篇：声乐教学论文范文
教学方法通俗的说，就是“怎样教”的问题。因为声乐演唱是一门技术，所以声乐教学中多采用口传心授、讲述示范等传统的教学方法。虽然这种教学方法有其合理性和优越性的一面，但是其弊端也是显而易见的。其中一个突出的表现就是忽略了学生在学习过程中的主体性地位。以一首新歌曲的演唱为例。教师先要求学生在课下了解和熟悉作品，课上对作品进行讲解，并对一些技术重点和难点进行分析，然后进行示范，课下学生进行演唱练习，再次上课时唱给教师听，再由教师予以点评。看似是一个科学而有序的过程，其实整个过程都是在教师的主导下完成的，学生只能跟着教师的节奏前进，而自身的一些想法、感悟等，则得不到探索和表现的机会，使学习的兴趣和主动性受到了很大程度的影响，自然也限制了教学质量的提升。所以要求教师以探索的精神，主动将一些新的、科学的教学方法引入到教学中来。如对话式教学法。这是在国外声乐教学中普遍采用的一种教学法，即在一般的教学过程中，引入更多的师生交流，通过师生之间平等和民主的对话，完成知识的构建。比如在讲解一首新作品时，教师先不进行讲述，而是给学生以表达的机会，阐述他们对于这首作品的认知和了解，然后教师再予以有针对性的补充和完善。在具体的演唱过程中，也要鼓励学生进行个性化的表现，然后通过师生之间的深入交流，让学生获得更加丰富和全面的指导。这种教学方法，能够有效打破教师“一言堂”的局面，提升学生作为学习主体的主动性地位，获得了教学质量的提升。又比如小组教学法。之前的声乐教学中，多采用集体教学和一对一教学。集体教学虽然使教学效率得到了提升，但是难以保证教学的针对性；一对一教学虽然能保证教学针对性，但是对教师、教学设施等教学资源则有着极高的要求。而小组教学方法则正好结合了以上两种教学法的优势，并规避了其劣势。具体来说，教师可以按照学生的性别、性格和当下的演唱水平，将学生划分为一个个小组，每个小组人数以三到五人为宜。一方面，对于学生存在的共性问题，教师可以采用集体解决的方式，由此大大节省了时间和资源；另一方面，因为小组成员不是太多，所以对于一些个性问题，仍然可以采用单独辅导的形式。所以说，教师要对教育界发展保持关注，并结合声乐教学实际，主动将一些新的教学方法引入到教学中来，以此推动教学质量的提升。
二、实施合理的教学评价
所谓教学评价，是指教师针对学生的学习情况所做出的价值判断，不但具有独特的导向、激励和反馈作用，而且对学生的学习态度有着积极的影响，在整个教学过程中发挥着特殊的价值。但是长期以来，在中职声乐教学中，该环节却始终没有得到充分的重视，要么是评价十分简单，要么是没有评价，使教学质量的提升受到了很大的影响。所以应该予以及时的变革。首先是丰富评价主体。传统教学中，因为教师是整个教学的引领者，所以自然成为了唯一的评价者。但是一个人的评价毕竟有一定的局限性，难以做到公平和全面。所以要在此基础上引入更多的评价者。如学生自评。可以给学生以自我陈述的机会，在演唱完一首歌曲之后，谈一谈这首歌曲应该怎样去表现，自己在歌唱技术还有哪些差距等。又如学生互评。引入学生自评，能够让学生对别人的表现有更为深刻的认识，而观察和评价别人的过程，正是自我对照和改进的过程，由此获得了一个双赢的结果。其次是变革评价方式。量化制是传统声乐教学中最为常见的评价方式，学生们经过长时期的准备后，所换来的仅仅是一个简单的分数。如果这个分数与自己的心理预期相距甚远，那么很容易会挫伤他们的积极性。所以应该在量化制的基础上，加入辅助评价方式。如过程性评价，就是一种关注于学生学习过程的评价方式，因为在最终的考核中占有重要的比例，所以有效避免了学生在临近考试前的各种突击，对学生的日常学习起到了一定的监督作用，由此形成的评价也更加真实和客观，使评价得以贯穿于教学的全过程。所以说，要对教学评价的作用和价值有深刻的认识，充分发挥出其独具的作用，成为教学质量提升的重要保障。
三、开展丰富的实践活动
