景观手绘精选(九篇)

第1篇：景观手绘范文

论文摘要：景观手绘图纸是景观设计师（国外称景观建筑师）的语言。掌握手绘表现的几种有效途径：临摹解析名家作品、照片的重塑、 寓情于景的表现、观悟生长规律、主题性创作。

一、景观手绘图纸是景观设计师的语言

这种语言赋予在每一个设计作品中，是设计师表现未来设计作品的一种交流工具。然而计算机制图的广泛应用，势必会排斥个性，使设计图纸趋向于统一的规格，在这种趋势下，景观设计的作品表现趋同，也使设计师们的创造能力面临消亡的困境。

1、培养手、眼、心相结合的造型能力。首先要有一定的悟性和绘画基础，经过长期的专业训练，才能掌握手绘设计的基本规律和技巧。

2、透视学的理论与设计空间尺度相结合进而表现出设计的合理性。加强速写的训练是培养良好的空间概念与形态捕捉能力的绝好途径。

3、开阔的视野、广博的知识和良好的艺术修养使景观手绘者拥有良好的艺术修养。每张手绘表现图不仅仅是设计构想，它也传递着设计师的个人修养，文化底蕴、个性的张扬、情感表达对艺术的追求。因此，手绘者要学习渊博的文化知识，具有开阔的视野和对艺术执着追求的心，使设计表现图的境界不断攀升。

4、手绘技能的培养决非一蹴而就。要想画出一幅漂亮的表现图，需要更多的艰苦努力。同时要多观察，勤思考，不断学习他人的经验成果，融合各种知识于心中，才能站得高，看得远，心手并举，不断创作出有自己风格的优秀作品。

手绘表现作为设计师的一项必备的专业技能，要熟练掌握，必须要通过大量的线条训练，“线条是手绘表现的生命和灵感”。力求用线条的力度、速度与虚实表现物体的造型、空间的尺度与层次关系。

二、线的基本训练方法

1、首先直线的练习时由慢到快，由规整到随意，并试着用不同的笔尖进行练习。之后再练习弧线、交叉线等更复杂一些的线条。要不断在训练中找感觉。中学课本卖油翁的故事，是最好的耐心培训典型。没有时间的积累，就没有灵活的技巧，也就不可能画出好的作品。

2、线与调子：面对所要表现的对象，它有多样的丰富的色阶，我们往往要将对象加以概括，简化。最亮处可以空白或稍加色调，最暗处，可以用纯黑色。明暗色调的区分调整有两种基本方法：线条间距和粗细的变化。线与线之间加线，使调子更深一层，也更匀称。加粗原有线条，会使结构更突出，有虚实、层次。

3、线与明暗质感：用线表现明暗时，间距和轻重缓急是不同的。在表现园林景深时，还要注意空气透视变化（大气阻隔产生的色调区别）。线条要遵循向灭点处渐远渐小的消失关系。

在绘制景观表现同时，所要表现的质感种类是丰富的。如果对象的材料不同，表现的手法就因材而异。物像变化万千，要多写生、多临摹，经过磨练才能灵活掌握各种技法。

三、掌握手绘表现的几种有效途径

（一）临摹解析名家作品

想要在短时间内使手绘表现水平提高快一些，最有实效的方法就是先临摹，通过临摹再过渡到写生。国内外有很多插图大师的作品是我们学习的最好典范。挑选一些自己喜欢的、表达风格相近的作品来临摹。在临摹的过程中，也应遵循从简到繁、从慢到快的原则。通过借鉴前人的经验，能使自己少走弯路，在较短的时间里能更快地提高速写的技艺。

（二）照片的重塑

设计师通过手中的笔，有侧重地改写成钢笔画或线条画，赋予对场景的重新理解，培养和提高画者对整体的把握能力，对画面的布局控制能力以及肉眼对尺度的衡量水平。作为学习阶段，这种积累过程必不可少。

（三）寓情于景的表现

一张具有良好表现力的透视图，除了必须清晰、准确地传达设计理念及意图，还应该表现出该场景所营造出来的氛围与意境。

1、市民休闲娱乐广场，就要体现它的参与性，就宜画人多，表现其热闹，为市民提供休闲的好平台。人物的组合应该做到合理、美观，或静或动，有老人在练习舞蹈，打太极，也有小朋友在放风筝等，加入各种故事情节，使观者产生共鸣。

2、小区中心商业街，要表现其活力四射、繁华的景象，在场景的渲染中多画一些鲜艳的旗帜，亮丽的广告牌和露天的咖啡座椅之外，更加少不了人的参与。这时可考虑多布置一些动作、情态各异的年轻人，提升品牌的时尚度。

3、校园的文化广场，作为学生聚集的场地，适宜多画人，其形态和表情还要结合校园文化的时代特征。还可以设定一个特定的活动场景，例如，广场中心有人在进行吉他表演，周围看台上的同学欢欣鼓舞。这种呼应关系使场景的“磁场效应”马上发挥出来。

4、清幽的中庭绿化空间。办公空间中的中庭绿化是幽静的场所，此景中人物就应较少，人物也应以静态为主，且应在中、远景出现，更利于体现场地的清幽情景。通过对人物在场景中的活动表现去强化主题，让观者领悟设计意图，并产生情感共鸣，创造新意。

（四）观悟生长规律

自然界的物种繁多，形象特征各异。在画表现图时，各种物种都可能是表现和创作的重要题材，因此，画表现图必须做生活中的有心人。“常以无心观悟它的奥妙，常以有心观察它的分界”，遵循物种生长规律，细心观察，用心琢磨，才能画出生气灵动的表现图。

（五）主题性创作

第2篇：景观手绘范文

一、老式景观设计专业教学方式

过去的教学方式主要是采取灌水式教学，这样会严重阻碍学生思维的拓展、缺乏创造力，在实际设计的过程中容易出现抄袭的情况。还有就是过分注重技巧，而忽视理论，对于学生创造力的培养不够重视，主要表现在以下几方面：

1.在空间的描绘上和素描知识不相融合。

假如学生没有建立坚实的物体塑造功能，不能把实际的绘画知识和手绘技巧有效的融合起来。

2色彩知识和空间观念不相融合。

假如学生不能从空间的范围去认识色彩和塑造色彩，在手绘设计图纸色彩方面就容易出现平面化的问题。

3.手绘训练中主要以临摹为主要方式。

所以，在实际教学的过程中，要注重培养学生的创造性思维，在教学的时候适当加强学生的创新精神，利用一些切实可行的办法来改革教学思维和教学方式。

二.手绘表达对景观设计专业教学的作用

1.转变过去的临摹训练模式

手绘表现技巧的掌握需要不断的进行练习，通过进行数量的增加才能达到相应的效果。但是机械的临摹只会让学生产生依附感，这样就能有效地提升学生学习的主动性。为了更好的提升教学水平，我们可以让学生在进行临摹的时候，适当地转变临摹作品中的视角位置，在一些原来不注意的角度进行作品的观察，进而加入自己的思想，转变景观环境和原来的设置空间，有效的调动学生学习的积极性，帮助学生建立三维的空间观念。在进行线条学习的时候，可以让学生感受线条的独特美感，运用不同的笔墨进行相应的对比等，让学生充分地发挥自己的创造力，更好的实现绘制手法的多样化。

2.设计模式和艺术表现形式的融合

表现技法课的任务就是教授学生运用多元化的绘图工具来培养学生的空间思维能力，它不是简单的绘画，还要引导学生认识表现图和设计之间的联系，让学生的艺术创造力和设计能力进行有效的结合，进一步培养学生的综合能力。

3.融合已学的知识，保证作品的原创性

手绘表现技巧课不但需要学生奠定坚实的基础，还要具备熟练的技巧，并且准确的认识和观察图纸也是十分重要的，这些都需要学生融合已学的知识。让学生利用已学的知识去进行图画的解读，建立良好的尺度感、把握画面的整体性和控制性。最主要的问题还是在于老师的指引，让学生建立空间观念，并且能够及时地形成三维空间形象，还要进行准确的表达。而且，针对空间环境，不但要注重色彩的搭配，还要对物体材料也进行深入的描绘。在表现方法上进行不断的练习，对于综合知识的使用也是十分必要的。在表现方法上进行不断的训练，建立独特的风格也是十分必要的。作者可以根据色彩的相互融合，对物体的感觉和光影进行有效的融合，合理的处理各个阶段的关系。增强面的整体感，让学生学会熟练的使用多种绘图工具和材料，使得绘图更加具有空间感，并且表现手法也更加的多样化。

三.结语

手绘表现方式是为了更好地锻炼学生的空间概念和表达技巧。手绘表现技法的教学内容和教学方式是相互融合的，不但要尊重客观规律，还要敢于突破，不能单纯的进行临摹，要表现出学生的创新能力，要注重学生举一反三的能力，随着教学制度的不断变革，要适时的进行课程的改革，从而培养出更多的综合性景观设计师。

作者：张弢 单位：南京铁道职业技术学院

参考文献

[1]任全伟.论手绘表现与园林景观设计教学的关系[J].美术大观,2013,(8):144

第3篇：景观手绘范文

计算机电脑绘图软件已成为建筑景观设计中重要的工具，许多学生与年轻设计师看中了计算机软件的“易修改”、“可复制”、“易掌握”、“多兼容”特点，认为学会了计算机制图就是学会设计；一些设计绘图软件中带有大量的已经设计好的模块，学生在设计绘图时可以不假思索地拿来就用，动手能力降低，设计语言与创新思维异常匮乏[1]。笔者认为手绘表现依然是建筑景观设计与过程中极为重要的一部分，特别是在方案概念阶段，它无法被电脑制作代替，作为立志成为一名优秀的建筑景观设计师的人，应该重视对于手绘的练习。

1 手绘艺术表现在方案概念设计中的运用

1.1 草图方案概念调整

建筑景观方案设计是一个从无到有的创新性过程，它需要将建造意图融入设计，将具象的物体抽象化；通常一个优秀的方案在初期需要经过至少5次以上的调整。

在概念创作过程中，许多信息依靠文字表述既难以快速表达清楚，也容易流失一闪而过的灵感，而手绘可以快速地将一定设计内容转化成简易的图形，同时经过每次调整，许多在开始阶段非常模糊的概念、图形得以不断地调整而变得详实；方案概念推敲是一个反复的过程，电脑制图强调精准性，初期的模糊概念会使利用电脑软件进行设计的人员产生较为强大的压力，丧失对设计的兴趣。如同样表达徽派建筑“四水归堂”的内容，手绘只需30秒就能快速表现在纸面上，而电脑制图则要求通过输入具体尺寸进行建模，耗时耗力。

1.2 设计想法沟通

甲方与设计方之间的项目沟通时间与机会都是宝贵的，双方在进行沟通时，要求设计方通过手绘快速草图的形式将甲方的意见进行记录，在图纸上快速修改。电脑作品的半成品效果远远不足手绘草图表现时的张力与想象力。例如在实际方案中，设计方提出在景墙上挂上木刻的岭南佳果图案，而甲方希望采用传统纹路框成镂空景窗，利用手绘概念草图就能快速表现出做成镂空景窗之后产生的情况，在短时间内解决大量问题，加快整体设计施工的速度。

1.3 周边环境状况记录

建筑景观的设计需要综合考虑周边环境对主体的影响，这其中包括外界自然因素、场地本身限制、社会因素等，这些信息对方案设计有重要的作用，许多设计公司与设计场地相隔很远，除了利用相机、录像机记录之外，通过手绘记录完整的环境状况也是常用方法，它可以将许多非物质的因素如历史、传统文化民俗等信息集合在图纸内，方便设计师思考；同时手绘表现也可以帮助设计师整理资料，对优秀方案优缺点进行深层次的理解[2]。

2 手绘艺术表现在后期方案表达中的运用

手绘艺术表现在建筑景观后期方案中的表达也不逊于电脑制图。电脑制图虽然较为精准但缺乏良好的艺术扩张力，笔者根据多年实际经验，总结出了建筑景观设计中常见的手绘表达方式，并逐一做出了分析。

2.1 水彩

水彩是建筑景观后期表达中较为传统也要求较高的手绘表现形式，由于它的特点是依靠水来绘画，因此着色顺序一般由浅入深；水彩表现需要用到水彩颜料、水、画笔、湿毛巾、卫生纸甚至是吹风机，较为繁琐，掌握这一类表现手法需要一定的绘画功底。

对于年轻的设计师与在校学生而言，应该自主加强对水彩的练习，因为水彩能有效地提升学生对于色彩感知能力以及轻重度的把握，掌握好水彩也有助于在未来马克笔绘画时能习惯由浅色入深色的绘画方式。

在题材上，建议在场地面积较大，较为广阔雄伟的场景中使用，利用水彩柔和过渡的特性，借助粗犷的大笔触线条完成整幅图画，不必拘泥于小细节；而对于较小的场景，受到水彩笔头不够坚硬，无法用力的特点限制，许多初学者无法娴熟地驾驭。

2.2 马克笔

马克笔又称为麦克笔，是近年来随着科技的进步而出现的新型绘图工具，它将颜色预先调和在笔管内，通过笔头的羊毛毡均匀出色，有单头与双头之分。它在手绘设计表现技法训练中较受欢迎，马克笔分成油性、水性2种，具有快干、不需用水调和、着色方便、绘制速度快的特点[3]。

2.2.1 油性、酒精性。油性马克笔主要采用甲苯、二甲苯作为溶剂，这些物质对人体有微毒，因此在进入21世纪以后，油性马克笔开始逐渐退出历史舞台，但它的特点是色彩稳定，效果优秀。取而代之的是酒精性马克笔，它的主要成分是染料、变性酒精、树脂，可以在任何光滑的表面书写[4]。且对使用者无毒，无副作用，但由于变色程度较大，稳定性不强，时常笔上的标示色彩是一种颜色，画上去是相近颜色，过一阵子又成了另一种颜色，因此需要设计师在绘图前要熟悉掌握色彩的最终效果。

在此，笔者建议使用酒精性马克笔前，可以将每种颜色按照惯用的力量和速度分别划在约2cm×1cm的小纸片方框内，剪下贴在笔杆上，方便使用者对照；另一方面，对于使用过的马克笔不要丢掉，可以向内注射医用酒精重复使用，避免了浪费；同时，注射过酒精的马克笔在色彩上较原先的会略淡一些，色彩层次更丰富，在画面表现中更占优势。

第4篇：景观手绘范文

环境图像体现出人类对理想的居住环境生态的表达与追求，它是人居环境科学的哲学追问。发掘文化内涵是目的，手绘是把文化内涵转化到形态中去的重要媒介。研究手绘图示，从某种意义上说，也是在自然观、生态观的层次上对人类生存环境的一种认知。手绘图示是以人居环境科学为主导的规划与环境景观视野下的意义典型，从功能上说，它更倾向于人居聚落的精神承载;从设计对象来说，是包含自然、文化、人与建筑物质实体在内的整体环境格局;从具体设计方法上说，赋予先哲艺术特征的精神图景和文化流线落实了人在聚落中的精神感怀，它还通过与周边大尺度山水环境建立的、不同层级的整体格局，强化表达了先哲们意蕴深远的生存智慧和哲学信仰(尤以中国界画为甚)。手绘图示呈现于建筑营造的精神意蕴，是驾驭在传统的、独特的、自然美学认知之上的，关乎人格信仰与精神文化、心灵和精神的作品。它展现了祖辈们关于城市与景观塑造的基本观念，这是当代中国城市与景观发展亟待延承的智慧财富。如何理解、欣赏它们，并从中得到启发与镜鉴，是值得我们做一番学习、研究与探讨的。作为化育人文的人居环境经典的环境手绘图示的研究，势必为我们提供一种关于城市与景观建设的全新的认知角度。

二、环境设计手绘图像学的研究意义

1．探讨环境设计手绘表现图的综合价值，为设计手绘图像“立言”

一枝笔，一张纸，描绘精彩世界，这就是环境设计手绘图像，其内容主要是人居环境的表达，一般被认为是艺术家构思、表达、记录和沟通的工具和手段。当下尽管手绘表现的综合功能及价值已经得到广泛的认可，但其被忽略被边缘的事实不可否认。究其原因，大抵两类:一方面是由于文化基因及审美惯性的影响，多数人(尤其是书画界)称之为小画种，难登大雅之堂;另一方面是对设计手绘表现图像的“解读”关注不够，探讨的话题的关注点大多是表现方法和技巧，忽略了设计表现图其内在的观念、情感和哲理以及手绘图像和设计本身、设计发展的互动关系，尤其忽略了探讨绘画者(设计师)对环境的美学期待，对文化的传达，对社会愿景的展望，甚至自己的政治立场。这些画种虽小，却经历了千年的积淀，亦是人类“发现自我”、“创造自我”的载体途径。其材料技法的能量、形式风格的容量、精神内涵的深度等内在特征，具备其他画种难以替代的魅力。无论是文化传承的责任驱使，抑或是人类丰富多维需求的满足，设计手绘图像学的系统研究亟需开展并迫在眉睫。长期以来，此类“小众绘画”边缘现象，小到院校设计史论教学，大到全国美展皆可管窥。试问，浩瀚的天空，只有太阳和月亮，没有繁星点点，是视觉的寡淡，还是心灵的孤单?

2．继承中华文化的传统智慧，吸收西方的先进经验，为当下我国城镇景观建设“集智”

纵观人类文化的传承，图像和文字一直是符号系统的重要载体。图像以线的飞动、色的润华，法天、取象，立境、体仁，追求审美与人生合一，达到“通天地之德”、“类万物之情”，成就了卷帙浩繁、阐释精微、义理深远而又意趣无穷的“宏大画卷”。环境设计手绘图像对于景观建设研究的意义不仅在于为环境手绘史论提供历史的实物佐证以及更多的内容与细节等，更重要的是，手绘图像与环境乃是同一社会形态、思想观念、思维方式的产物，因此，它们是研究景观建设最直接、最可靠的材料。人居环境科学并非就城市论城市，就环境论环境，而是将其与所在的地域自然环境和生存生活于此的“人”建立紧密联系，来研究探讨人的生存与发展。在英国20世纪早期，环境和城市空间设计的主要依据是戈登•卡伦(GordonCullen)的城镇景观(townscape)的理念，强调环境予人的丰富空间感知体验，这种感知体验大多来自视觉。当时的设计导则和规划法案都是按照这个原则制定的。而20世纪早期的美国，流行了城市美化运动(citybeautifulmovement)，把视觉的美提到了前所未有的高度，当时的公共建筑和城市环境都要强调有序，中轴线，整齐的绿化，地标，归根到底是美跟物质环境的一个直接关系。因此对手绘的研究对当今中国的城镇化将有直接的启示意义。城镇化的目的是改善乡村和小镇的物质条件基础设施，同时保护其自然环境，留住“乡愁”，重视精神层面的关照。而对手绘的研究就可以抓住物质与精神的联系，真正理解这种乡愁到底是何物。今天对经典手绘的深层解读，有利于我们提出对中国人居环境建设若干问题的新见。当下不能迷误于西方中心的“世界主义”，也不能一味厚今薄古、弃旧逐新，而应肯定前人的文化观念、艺术精神和经验智慧。必须在自己文化精神的沃育下，广集博采、统筹兼顾、因地制宜，我们的城镇景观建设才能焕发出勃然的生机。

三、结语

第5篇：景观手绘范文

关键词：园林绘画；教学方法；教学实践

中图分类号：G642.1 文献标识码：A?摇 文章编号：1674-9324（2012）05-0142-03

随着城市化的进一步加速，人们生活水平的不断提高，城市建设、美化环境等相关行业逐渐成为热门，现在，园林相关行业得到快速发展，园林、风景园林、城市规划、艺术设计（环境艺术设计方向）、等专业成为就业前景最为抢手的专业之一，园林绘画等相关课程是园林专业的基础课，是学生设计技能体现的主要手段，但是很多高校的园林绘画课程都是由纯美术专业的教师任教，没有抓住园林专业的特色，笔者认为上课质量并不高，因此，对园林绘画课程的教学方法和教学内容进行较为全面的研究是很有必要的，是提高园林专业教学质量，提高园林专业毕业生就业能力的重要手段。因此，对园林绘画课程教学模式进行适当调整教学方法进深入研究显得尤为重要。

一、园林绘画与专业美术的区别

《园林绘画》是一门园林专业的基础课程，具有针对性、实用性、可操作性和提高学生鉴赏水平、审美能力等特点。园林绘画教学的质量直接影响园林专业学生培养的质量。园林绘画与专业美术绘画关系密切，都要求学生有较强审美能力、创造能力、动手能力。但与专业美术又有很大的区别，专业美术对人和静物要求较高，而园林绘画课程主要训练学生对植物、建筑、空间的表现能力，是为以后专业《园林设计》、《城市园林绿地规划》等课程立面图、效果图的表现打基础的课程。绘画基础既是园林绘画的主要内容也是专业美术的基础，都是培养学生观察方法和造型能力的基本手段，但是园林绘画要反映了设计者的思想和社会群众要求，要能表现园林具体构想的个性创作。所以专业美术课程与园林设计之间有很大的相关性，但教学过程中各有侧重点，不能混为一谈，园林手绘表现是培养学生的动手及整体空间设计的表现能力，优秀的园林设计师不仅应该有创新的设计思维还应具备表达设计方案的能力，并且针对园林景观中的植物、建筑、山石、水景、小品等特殊景观元素具备熟练的表现技能，园林绘画课程则是完成这种高能力水平的重要教学环节。园林设计平面图、效果图表现是以环境景观设计、工程施工为依据、通过绘画手段直观而形象地表达园林设计师的构思意图和设计最终效果。景观设计图的制作应以园林设计理论为基础，运用园林绘画的理论知识、掌握钢笔淡彩表现的主要手段，充分发挥设计师空间构图能力来创作。因此，学生要熟练掌握景观表现图技法，就必须要较强的园林绘画基础知识。

二、教学内容的讨论

1.园林绘画的教学环节。园林绘画应该是以绘画艺术为基础并处于园林环境规划设计和绘画艺术两者之间，在园林设计专业中占有重要的地位。而园林专业的学生入校时不是艺术类招生，绝大多数没有美术基础，所以课程教学环节安排很重要。根据以往的教学经验，结合园林设计专业的特点，笔者认为绘画基础是园林绘画课程的难点，因为学生不具备绘画基础知识，而教学过程主要培养学生具有正确的观察方法及扎实的造型能力，这都不是短时间能完成的，园林绘画课程的主要教学环节应该由三部分构成，第一部分是绘画基础：主要应该包括素描、水彩、钢笔画等，课时应该安排90学时左右；第二部分是空间构图及表现：主要包括三大构成、彩色铅笔技法、马克笔技法、钢笔淡彩，课时应该安排90学时左右；第三部分是实习教学环节：园林环境实景写生，应该安排至少1周。具体针对非美术专业的园林设计和城市规划等相关专业的绘画教学中，基础部分即石膏几何体与静物的课程，基本以室内的实物写生为主，穿插部分优秀作品的临摹作业。风景园林专业课程，以临摹、照片改绘、写生和创作四个部分组成，这是在绘画水平上的由低到高的四个基本教学环节。

2.园林钢笔画的重要性。在众多的绘画表现手法中，究竟何种绘画表现形式，最适合园林设计专业呢，笔者以为，钢笔画可以作为该专业的主要学习内容。钢笔画工具简单，绘制方便，笔调清劲，轮廓分明，具有峭拨清俊、刚劲夭矫的气质，其特有的表现力是其他画种无法与之媲美的。中国绘画数千年以来，就是以线条为主的水墨风格，应该说中国人对线的理解，线的表现具有独特的深度和高度。中国古典园林绘画大都以观赏和私人收藏为主，与今天的景观效果图的功能完全不同，其始终强调山水画的传统美学思想。但是这种程式化手法对园林效果图的绘制提供了便利，它既符合中国园林的美学原则，又能为多数人接受。古人根据不同地质结构的山石、地貌用半抽象的符号准确无误传达设计者的构想。而要表现园林设计树木的自然美，像松、竹、梅、柏等观赏性强的植物，线条的运用很重要。近几年来，随着钢笔画技法的不断完善和钢笔工具的不断科学化，使钢笔画已逐步成为一门具有独特审美价值的绘画门类。目前，在园林设计，城市规划等设计艺术中，采用钢笔画，钢笔淡彩作为创作表现手法越来越普遍，无论室内、室外、环境、自然景观等，也不论平面、立面鸟瞰、效果等，钢笔画这一独特技法，越来越显示出独特的艺术感染力。钢笔画工具简单，有其独特优美的表现形式，它可以寥寥数笔表现事物的动态和情景，也可以以速写的形式出现，因此成为设计师深入生活捕捉精彩瞬间的有效手法。而设计图最基本的内容就是钢笔线条，当然还有后来发展的马克笔、彩色铅笔和淡彩与之共同完成一幅设计效果图。但风格突出、场景传神的表现图取决于是否练就一手漂亮的钢笔线条，这也是一幅表现图的骨架和根本。绘画基本功的优劣直接关系着能否成为一名出色的设计师，完美的设计构思，若没有手头上良好的绘画功夫也是无法表达出来的，钢笔画恰是培养优秀设计人才必不可少，又行之有效的训练方法。

三、教学模式的探讨

根据园林绘画在园林专业课程中的地位以及园林绘画的教学现状，应从最简单的美术常识和基本功入手，导入理论知识，慢慢加深难度，在理论的指导下练习处理画面的技巧。除此之外，还要在理论课上让同学们了解学习园林美术课的目的、要求和意义，重在培养学生的审美鉴赏能力。针对园林专业学生的特点，在教学中我们应采用多种教学方法相结合，因材施教的形式。近几年的教学中，有一种教学模式值得探讨，针对园林专业的钢笔淡彩教学，教师可以先画好某一建筑或某一小品，剩下的空间让学生去画植物和道路，每一个学生的答卷都不相同，这样既培养了学生的空间构图能力，又加强了学生园林绘画的基本技能，学生完成课程作业的过程中创造性也得到了最大程度的发挥，学生学习兴趣高涨。而传统教学方式多是从画石膏开始到静物再到风景，以老师讲解为主，辅以范画，最后在画室完成一些写生作业。这种教学方式虽能让学生打下一定的美术基础，但缺乏互动性和趣味性。在园林设计类专业绘画教学中，风景实体的现场写生可以培养学生发现美与塑造美的能力的教学过程中，是必不可少的环节，同时，优秀作品与风景实体的参照对比，对培养学生从不会画，到学会能够运用艺术的语言来慨括与提炼风景物象的造型能力，具有重要的作用。多年实践教学证明，在教学过程中适当穿插优秀的钢笔画作品临摹训练，可以产生很好的效果。临摹不是绘画教学的目的，但是一个绘画教学的重要手段。

四、展望

园林绘画是园林专业的基础课程，是园林景观设计和美术相结合的学科。教学的主要目的是在注重培养学生绘画技能、空间构图能力的基础上提高其艺术修养水平和美术鉴赏能力。要使学生的园林设计作品建立在真实性和科学性的基础之上，也必须建立在造型艺术严格的基本功训练的基础上。钢笔画是一种既简便，又有表现力的创作方法，应该成为园林绘画中的主角。

参考文献：

[1]李锛.中国古典园林绘画的文化背景和在今天的运用[J].东方艺术，2005，（19）：96-97.

[2]宫晓滨，高文漪.园林钢笔画临本[M].北京：中国林业出版社，2008，7.

第6篇：景观手绘范文

关键词：绘画；绘景；平面；立体；材料；工具

中图分类号：J2　文献标识码：A　文章编号：1004－2172(2007)03－0122－03

“戏剧”是一门综合艺术，需要文学、音乐、舞蹈、表演、美术等各方面的密切配合。这里仅仅从戏剧影视美术设计基础教学――绘画课与绘景技术课的教学技术环节简单做一个论述。

一、绘画与绘景的渊源

“美术”这一名词始见于欧洲17世纪，也有人认为正式出现于18世纪中叶。现代对“美术”基本统一的一种释义，指其以物质材料为媒介，塑造可观的静止的，占据一定平面或立体空间的艺术形象的艺术，表现作者思想感情的一种社会意识形态，同时也是一种生产形态，通常指绘画、雕塑、工艺美术、建筑艺术等在空间开展的、表态的、诉之于人们视觉的一种艺术。17世纪欧洲开始使用这一名称时，泛指具有美学意义的绘画、雕刻、文学、音乐等。我国“五四”前后开始普遍应用这一名词时，也具有相当于整个艺术的涵义，但在后来，“美术”一词成为专指绘画等视觉艺术的名称。绘景是从绘画衍生的一支，在历史上很长的一段时间里，是画家在为戏剧演出而制作的布景作画，所以绘景的早期定义就是“布景绘画”。

绘景是舞台美术设计重要的体现手段，但绘景要根据设计意图来体现，设计的风格变化左右、制约着绘景的体现方式。我们知道不同的艺术形式总是相互联系、相互影响的，绘画艺术的发展对舞台布景风格的影响尤为重要。

从文艺复兴时期，意大利画家帕来格瑞尼・达・乌地尼将一幅以透视的方法画出的作品挂在一个演出泰伦斯戏剧的舞台后面，就开始了透视布景的时代。透视绘画技法的不断发展促进着透视布景的前进，在很长一段时间，布景是跟在绘画后面的，在欧洲的16世纪到19世纪前半叶，都被人们称为“画家”、“布景画家”，还没有“设计者”的称呼。布景由绘画艺术转变为设计艺术经历了―个漫长的过程，到20世纪初，很多有名的舞台美术家都是画家兼的，而很多舞美设计师也是著名的画家，俄罗斯的戈洛文就是一个代表人物。戈洛文曾为《大雷雨》、《假面舞会》、《费加罗的婚礼》等剧目作过舞台布景设计，他把绘画性、装饰性与空间性巧妙地结合在一起，并且最早尝试了伸出式舞台的演出形式。他与斯坦尼斯拉夫斯基、梅耶荷德等大师都成功合作过。他不仅是优秀的舞台美术家，还是一位著名的画家，在他的肖像画与风俗画中，《伊凡雷帝》是其最成功的代表作品。还有许多不同流派的著名画家都直接参与了戏剧的舞台美术设计，如现代派大师毕加索曾在20年代为舞剧《三角帽》设计了立体主义风格的布景，后来又设计了《俄狄浦斯王》；夏加尔为芭蕾舞剧《阿列科》、《火鸟》设计了舞台的画幕，波普派画家霍克尼曾设计了莫扎特的歌剧《魔笛》。

既然绘画与绘景关系亲密，到了已是互为影响，互为融合的地步，画家可以作舞台美术家，绘出漂亮的布景，那么绘画课和绘景课的内容是否相差无几呢?绘画课是否可以代替绘景课呢?绘画和绘景都是在平面材质上作画，只不过尺寸大小不―而已，对于戏剧不是很了解的美术同行，很可能会有以上误解。当真正认识了戏剧、认识了剧场、认识了舞台，明白了戏剧的含义和魅力，才会认识到舞台美术发展到今天已是具有独特艺术特点的、独立的一个造型艺术门类。19世纪和20世纪交叠之际，也是西方艺术转变的重要时期，多样化发展的造型艺术让舞台美术打开了新的艺术视野，从此吸收进了更多的造型艺术手段，紧跟着时代的步伐，新科技、新材料不断融进，绘景也脱离了简单的以绘画为主要表现手段的单一局面。

二、教学中绘画、绘景异同分析

(一)共同性

因为绘画与绘景同为视觉艺术，绘画与绘景的基础教学都会注重对学生的造型艺术语言的高度把握能力和视觉审美能力的培养，都会告诫学生：学习的核心任务是学习正确的观察方法和正确的表现方法，在长期实践中去体会与掌握造型艺术的规律，诸如多样性、统一性、平衡性、和谐性，以及对比、节奏和韵律等。从而提高学生的审美能力，而审美能力的高低正是以后学生设计创作的关键。

(二)相异性

虽然在绘画与绘景教学中有一些共性存在，但由于画出的布景是要放在“舞台”这个特定的环境中去欣赏，必然在教学中不同于绘画的地方更多些。绘画是在二维的空间制造三维的幻觉。绘景是用二维的元素，构造三维的视觉空间。一幅画可以保存长久，而绘景，面对着的却不仅是放在画架上的一块画布，又是一座有三度空间的舞台，它所创造的“画面”，最终结合灯光、服装等才构成舞台美术的完整画面，只有在演员面对观众表演的演出过程中存在，演出结束，也就随之消失，它只能留在观众的记忆里。所以，在这一方面可以说绘画是二维的“平面”，绘景是三维的“立体”。

三、材料，工具的同异性

画的布景既然是要放在舞台这个特定的环境中去欣赏，因此必须考虑到它与舞台灯光的关系。如果演出中一块景片被要求有透明或半透明的、甚至可变换色调，由此改变环境气氛的特殊艺术效果，那就需要利用舞台灯光的不同角度、色光、明暗投射造成。那么在绘制这幅景片的时候对颜料就要求选择透明性很强的来体现，比如选染料；相反的，如果一块绘画性很强的景片则只需正面投光就能表现它的艺术效果，而一般绘画都只会从正面投光的角度去欣赏，不用考虑外部光源的过多影响。此外，还有一些已逐步从舞台美术领域退出的绘景技术手段，比如水在天幕上的表现、舞台上燃烧的火焰、飘动的云彩、洒落的雨点等等，这些烘托气氛、渲染环境的手法都是绘画所不可企及的。

(一)颜料的同异

综上所述，可以看出教学中绘画的颜料与绘景的颜料准备存在很大的不同：只要是绘画，就要使用“颜料”，绘景的“颜料”范畴大于绘画。绘画、绘景颜料的选择都以色相丰富、色彩纯正、质地细腻、不变色、不龟裂为上品。

但是，绘景颜料不能一味追求高质量，因为所要绘制的景片种类很多，有绘画性很强的，也有绘画性相对较弱的，甚至有的景片只需要平涂一种简单的颜色就成了，所以对绘画性强的景片可以而且必须用质地好的颜料，而对那些绘画性并没有太高要求的景片就可以选择质地较差的颜料。

颜料的种类是非常庞杂的，从它们存在的状态来看，可以分为两大类――天然的和人工合成的；从它们的化学属性来看――有酸性、碱性和盐基性之分；从每种颜料本身的性能上看，它们又有透明性、不透明性、耐光性，另外还有染色率高低、遮盖力的强弱，因地域、气候引起的干湿变化、龟裂程度等种种特质。让学生熟悉这些性能，在绘景中运用得当，颜料本身的长处就可以得到充分的发挥，如果运用不当，就会起到相反的效果。比如油画材料中的调色油是慢干性 油，不适用于作布景绘制颜料；而粉质类颜料，除了绘画常用的水粉、水彩颜料，还有化工颜料商店出售的散装粉质颜料、加工颜料等。“加工颜料”是将颜料的原材料、填充剂、防腐剂等和水混合后经加工后形成的，这类颜料色相丰富，质地细腻，是较为理想的绘景颜料。丙烯颜料近年来被广泛使用，这种颜料的特点和优点就是集透明与不透明于一身，它在厚涂时可以像粉质颜料一样的不透明，而用水稀释后它又像染料一样的透明。

还有一些特殊绘景方式运用特殊材料作“颜料”，比如建筑外墙涂料、化工染料等，室内装修用的乳胶漆也是非常合适的绘景颜料，这类材料适合单纯的大面积匀涂。染织工业用的染色剂，相当于普通绘画颜料中的水彩画颜料。因此它是绘制透明效果布景的主要颜料，尤其是在画纱幕的时候，它是不可缺的。染料的优点是使用方便，宜画宜喷。用热水冲开了就可以用，不必加胶(特殊情况例外)。颜色也不易剥落，用它绘制的景片也轻，还可以与其他以水作为调和剂的颜料共用，也是大面积涂底色的好材料。另外，当舞台上需要出现某些特殊效果的时候，一般的绘景颜料往往难以达到要求，比如要表现一个星光闪烁的夜空，那些若隐若现闪烁不定的星星，若用一般的颜料去画很难画得出来，就要使用荧光颜料结合荧光灯来表现。

(二)工具的同异

绘景与绘画都会用到油画笔。各种大中小号的油画笔都是绘画也是绘景必备的工具，绘景在起稿、画线和做细部描绘的时候是离不开它们。除此之外，大部分的绘景用笔是平时没有接触绘景的美术同行们想不到的，比如喷雾器作画笔使用，而油漆刷可以加工改装成多种非常好用的专用绘景笔，改装的方法很简单，只需把长度合适的木条加工，使它表面光滑并且容易把握，牢牢地钉在油漆刷的短木把上就成了。不过在选择木条时，不要选用有结疤的，否则绘景时稍一用力木条就会从结疤处折断，在我国南方盛产竹子的地方经常选用粗细合适的、轻而有弹性竹竿代替木条。打稿子用的笔――通常在画对形象的要求不是十分精密的景物的轮廓时，只用―般的绘景长杆笔蘸上稀薄的颜料就可以了，但是在画要求细致的景物时就要用炭条或粉笔起大样。国外还有一种圆头长杆笔，样子就像放大了的我国传统的毛笔。

根据具体绘景要求制造绘景“笔”，是绘景过程一个很重要的环节，也是绘景独有的特点。比如用人造毛制作的滚筒，生活中多用来涂饰墙壁，它的型号大小不一，画景时主要用来平涂，更重要的是还可以配合镂刻了花纹的模板进行工作，比如绘制墙面上的图案花纹。又如利用人造海绵(泡沫塑料)制作的滚筒，它是在用人造海绵制作的棍轴上做各种不同的加工，从而创造出不同形状的纹理。如在人造海绵上缠上金属丝，让金属丝将其分割成各种连续的小图案，画(涂)出来的纹路是有规律的图案纹理。

绘景调色盘一般是自搪瓷或白塑料的，四周边有高度约在5毫米的围圈，一般每位绘景人员应不少于4个的调色盘。绘景必需会用到各种的绘图工具，在绘画中则一般是不主张用尺子作画，现代绘画和一些民间绘画另当别论。

(三)材料和技术应用的同异

前面已提过，绘画是在二维的空间制造三维的幻觉，绘景是用二维的元素，构造三维的视觉空间。从呈现的不同方式看绘画的平面特点与绘景的立体特点：比如体现一个写实的山林自然景色，绘画只能在画面上利用各种绘画技巧表明远近层次，疏密关系，固定的光影效果。绘景则首先将近景与远景区分，分别以不同材料、不同造型手段体现，拿远景和天空来说，天空是绘画性很强的布景，远景可以画在天空布景上，也可以单独存在，除了用绘画的方法直接表现外，往往借助于纱、豆包布之类的材料，利用其透明性能绘制远景，结合灯光渲染，使远景和天幕衔接得非常自然，从而造成逼真的无限深远的空间环境。同时，因为灯光的作用，光影投射角度可以发生变化，同样的白天画面可以变成夜晚。

近年来绘景逐渐重视肌理在体现上的运用，利用材料本身具有的肌理质感通过灯光的作用，可以创造出与演出环境十分贴切、吻合的舞台效果。比如在舞台上使用最多的材料――纺织面料，品种很多，各品种的质地也不同，它们对光的吸收和对光的反射的性能也不同，纹理粗糙的麻布比质地细腻的白布反光弱，绒布类又比粗糙的麻布反光更弱等，它们的这些特性在光的混合作用下带给观众千变万化的视觉感受。

(四)体现过程的同异

第7篇：景观手绘范文

关键词：现代风景绘画；中国山水画；西方绘画；艺术表现

中图分类号：J212 文献标识码：A文章编号：1005-5312（2011）20-0177-02

中国现代风景绘画是受西方艺术的影响，特别是西方风景绘画艺术对其有着极其深远的影响。中国现代风景绘画是在中国传统绘画艺术的基础之上，历经近百年的发展与演变，才逐渐的成型。他既吸收了西方风景绘画艺术的精髓，同时又融合了中国传统艺术的精华，所以中国现代风景绘画无论是在绘画技巧或绘画风格上，都有着很明显的西方绘画艺术和中国传统绘画艺术的踪迹。

一、中国传统绘画艺术和西方绘画艺术相结合的影响

其实，谈到中西方绘画的融合，人们习惯将中、西绘画比作两座高峰。潘天寿曾说过：“东西两大系统的绘画，各有自己的最高成就。……在吸收之时，必须加以研究和试验。否则非但不能增加两峰的高度和阔度，反而可能减去自己的高阔，将两峰拉平，失去了各自独特的风格”。

西方现代主义艺术流派对中国艺术的影响巨大，争论的时间也更持久，经过长期的观察和讨论，我们对欧洲古典艺术和现代艺术的认识已经更为全面和科学，态度也更为冷静与理智。一个值得我们思考和研究的现象是，中国人对介于古典写实与现代主义之间的印象派艺术很早就持有另外一种态度，那就是承认和赞赏。

研究中国现代风景绘画，可以根据中国山水画和西方油画风景融合的发展趋势，归纳一些具有代表性的特点。总的来说，中西艺术融合的过程是一个由外到内、逐渐发展的过程。现在，中国现代绘画出现了很多浮躁、流于表像的绘画形式，其实这些急于求成的做法也许都只会是昙花一现，不会有长远的发展。中国现代绘画艺术的发展过程是由表及里的，从工具材料到形式技巧，从绘画内容到艺术观念，这样一层层渗透和融合的。

中国山水画的水墨、宣纸和西方油画风景的油彩、画布，都是经过长期发展实践而留存下来的作画工具，它们用各自的材料，自然的沿着各自选定的历史方向发展。在中国20世纪的绘画艺术发展史中，将中西艺术融合得比较成功的画家，例如徐悲鸿、林风眠、吴冠中等都是用油画材料画的自然风景好过用水墨画的自然风景。

林风眠主张中国绘画从传统、摹仿和抄袭中走出来，尽量吸收西方绘画的优势，主要从三个方面来看：第一，在整体的把握复杂的自然物象中，寻求绘画上的单纯化，而不是依靠文人随意的几笔技巧去取得这种单纯化；第二，改进绘画的原料、技巧和方法；第三，绘画的基本训练，应采取自然界为对象，以科学的方法进行绘画训练(《中国绘画新论》，林风眠 1929)。

1.从材料运用上看，其实中西方绘画艺术最根本的区别就是中国山水画的材料对其有着很大的局限性。中国山水画主要的作画纸张是宣纸，而宣纸是无法使用油画颜料进行作画的，因此，在艺术创作上受到了很大的限制，无法创造出那么多的肌理，进行反复的修改,就无法在宣纸上发扬西洋风景画的优势。但是在油画布上用油画颜料却基本上可以达到水墨山水画的效果，而且可以充分体现出中国山水画的特点。由此可见，在表现自然景观的绘画艺术中，中西艺术融合的最好方式是“油画山水”。

2.从表现形式上看，有中西艺术相互交融的特点。油画风景和中国山水画的各种技巧都可运用到“油画山水”之中。特别是一个好的油画风景画家必须有丰富的中国山水画技巧；一个好的中国山水画家必须有足够的油画技巧，才能真正创作出优秀的“油画山水”作品。

3.从内容上看，油画风景注重室外写生，中国传统山水画提倡“行万里路”；同是对自然景观的直接描绘，油画风景重光影色调，中国山水重形体结构；油画风景从自然整体中选择局部构图，中国山水则偏重将局部挪移和拼接来构成画面的整体性。“油画山水”就要尽可能地吸收运用中西绘画的优点，从大处着眼，从小处着手，不仅仅是只看画面的尺寸大小，而应该更多的注重体现画面的内在涵义。

徐悲鸿，刘海粟等一代绘画大师都在用与中国传统绘画完全不同的观念来进行着现代绘画艺术的探索。这种在中国传统绘画艺术领域里的全新艺术形式与西方绘画的造型观念是水火不容，因此，他们的绘画在观念和语言上倍受限制，从而使这一代油画家们无论对于西方艺术精神的理解还是对于艺术技巧的掌握，在当时都难以得到真正的认可。

二、中国现代风景绘画的发展

中国现代风景绘画的发展方向更多的受到了这些艺术思潮的影响。无论是中国传统的绘画艺术还是西方的绘画艺术，在各种艺术领域创造中呈现的所谓“美”，不论其通过何种表现形态和表现方法，其内容都有相通的一面，也就是说，美的内部核心即精神是共同的，但因各有其特异的审美追求而别具特色。

就西方近代以来的绘画而言，古典主义、浪漫主义、写实主义和印象主义和其他各种现代流派，都各有其文化内涵和艺术价值，它们不会因为时代变迁所造成的人们审美趣味的变化而失去其意义和价值。正是这种特异的审美追求使艺术园地愈来愈绚丽多彩，也使人们的艺术体验和享受愈来愈丰富多样。

引用达芬奇的一句名言“到自然中去，做自然的儿子，惟有从自然那里认出自然的真实面目来，才能得到技术上真实的而且基本的训练；也惟有得到真实的基本技术，我们才能表现真实的美的概念”。从模仿自然到主动地去组织画面对于绘画者来说是一个很艰难的过程,通过对大自然的写生描绘，由三维空间到平面的表现，由客观反映到主观的表现，使得作者自信于一种对绘画形式和语言的挖掘，才能体会到创作一张好的风景画的深刻含义。

在进行风景绘画艺术创作的同时，要能准确的感受到在绘画语言的主观上的认识和把握。在色彩的运用上，不再是单纯的再现自然的景象，而是让色彩语言有非常丰富的表现性，这正是绘画艺术对色彩价值的发现。例如中国传统绘画中所表现的物象，用写实逼真的绘画手法来表现，使得观众看到后有真实的感受，这种欣赏自然是趋向于实用目的，而现代绘画则在艺术形式上做了抽象化的处理，脱离了写实艺术的局限性。

因此,中国现代风景绘画，不仅在形和色彩上摆脱了描述性的再现的限制，是可以向观者会用另一种语言来进行交流，甚至倾诉，而这种抽象的绘画语言往往赋予出比写实更多的含义，给予观者更宽广的想象空间，达到艺术传播和交流的目的。然而，尽管摆脱了自然表面的束缚，这样的绘画形式和内容仍然会存在一种和自然物象相交的东西，也不会是完全臆想，毫无意识的表现。认识到这一点，就抓住了现代风景绘画表现的本质，作者才能完全主动的掌控绘画语言的表达方式。现代风景绘画正是以这种丰富的画面语言，赋予了作品无限的延展性，这既基于传统又超越传统。这正是中国现代风景绘画的特点，也是是区别于那些没有任何意义的糊涂乱抹的绘画的根本所在。

现代风景绘画已经放弃了传统绘画对物象明暗、体积过多繁复的描绘，在造型上直接将其概括为各种点、线、面的形式。抽象出单纯简练的形和色彩的表现，画面中的自然物象会在观者的视觉意识中被削弱，从而更突出的表现了抽象的形式美感。所以，在画面中对点、线、面的组织和艺术处理，使得画面产生了有节奏、有规律的丰富的艺术效果。

在构图上，将表现对象抽离出来的点、线、面有序的组织起来，画面还是观者所熟识的自然风景，却因为这样的构图意识、对物象的表现形式和色彩关系的处理，使得作品更具艺术美感，将传统绘画和现代绘画巧妙的融合，会带给观者带来截然不同的艺术视觉感受。

构图可以是为表达画面的意境而故意夸张或者精简，让画面构图尽量简洁而富有情趣的意味，它的色彩是经过作者对物象的理解和艺术处理，进行概括深化了，如色彩对比，明暗对比等。

对于色彩的表现，并不在于画面有多么丰富、微妙的色彩变化，而在于能够大胆成熟地提炼出抽象的表现物象的色彩，以及摆脱自然形态对色彩表现的限制，赋于色彩更大的张力和表现力。注重意境的表达与境界的营造，在创作的思维模式与审美心理的构成上，在具体的艺术语言与表现手法上都融合了中西方绘画的艺术精髓。

作者本身所体现出的意识的概念，无疑比绘画作品更为宽泛、深刻得多。要摆脱自然表象的束缚，向自己心中的自然迈出一步，就是离自然远了，离自己近了。在探索中国现代绘画语言的过程中创作的风景绘画作品，是取材于山川、村落、田野等自然风景，简单质朴本来就是大自然的本质，对自然风景绘画有着更多更深的认识之后，作者才会有更完善的绘画意识和更好的艺术表现，把大自然无尽的美不断的拓展出来。

中国现代风景绘画艺术的概念不仅有着深刻的意识形态的要求，而且在认识和实践上很容易产生狭隘与肤浅的诠释，它特别容易走进的一个误区，就是在没有掌握绘画基本语言之前就用所谓外在的简单的艺术语言形式去理解或替代绘画本身语言的特殊性，而作者自身意识则强调把多种艺术语言体现为艺术和审美心理的语言，它注重的是艺术和审美心理对于绘画艺术语言的投射与渗透。

参考文献：

[1]潘天寿.潘天寿谈艺录[M].浙江人民美术出版社，1985.

[2]邵大箴.印象派绘画和中国人的审美趣味.

[3]朱朴.林风眠[M].上海学林出版社，1988.

第8篇：景观手绘范文

【关键词】古诗词 景物描写 手法

写景状物是古典诗词中经常表现的内容，展示了我国古典诗词文化博大精深的创作内涵。景物描写是作者在文学创作过程中针对能够融合自身主观情感的客观景物的具体艺术描绘。从文学角度来说，诗词景物的描写，必须注重诗人写景状物的语言表现形式与技巧。本文结合自身对文学诗词的认识，阐述了古典诗词景物描写的表现形式。

一、动与静的结合

在中国古代诗歌里，诗人们为了创设意境，特别注意动态描写，动静结合是常用的一种写景手法。在这种手法的运用中，诗人往往独出心裁，“每着一字”，而使“境界全出”。比如王安石《泊船瓜洲》中“春风又绿江南岸”的“绿”字，将形容词用做使动动词，是动态描写的典范，在动词的使用上做了不少文章。作为动静结合的写景方式，往往是在一种意境里描写动态与静态，并且往往是以静为主，以动衬静的方式，形成意境和形象的和谐统一。因此，动静结合的写景手法，往往与衬托又不可截然分开。再如王维的《山居秋暝》“空山新雨后，天气晚来秋。明月松间照，清泉石上流”，诗人王维不愧描写山水的高手，动静结合是其主要写景手法之一。诗人在描绘的景物中，静中有动，以动衬静，动静结合，构成了动人的意境。第二联写物，“明月松间照”是静景，是所见，写的是月光透过松枝洒遍大地；而“清泉石上流”是动景，是所闻，动静融为一体，构成了一副清幽可爱的风景画。第三联是诗人用“竹喧”烘托山静，是所闻，用“莲动”衬托水幽，是所见，见闻交错，“喧”“幽”互衬，颇具艺术感染力。

二、正面与侧面描绘的融合

古典诗词的景物描写可以从正面入手，直接描写景物的特点，使人一目了然；也可以不从正面景物入手，而是从与其有关的侧面景物写起，来揭示该事物的特点，同时还能提供给读者丰富的想象空间。如刘禹锡的《石头城》“山围故国周遭在，潮打空城寂寞回。淮水东边旧时月，夜深还过女墙来”，题为“石头城”，明显是写“石头城”，但诗歌不从石头城入手，却从石头城周围景物――山、潮水、月――入手，写出了石头城这一“故国”的没落与荒凉。

三、虚实对比与变化的结合

古典诗词中的虚实，具体地说就是景物的无形与有形、抽象与具体，意象与现实的体现。诗人在诗词创作中常常运用虚实相生的方法，去表现各种景物，实现借景抒情达意的文学艺术效果。诗词中的“虚”是指诗人通过感觉、联想或想象而虚拟出的看不见、摸不着，却又能在字里行间体味出的虚像和空灵境界，也即心中之景、可想之景；“实”是指诗人描写的客观世界中存在的实像、实事、实境，也即眼前之景、可观之景。虚与实往往是相对的，虚实相生可以使作品的结构更为紧凑，形象更加鲜明。如坡的《念奴娇？赤壁怀古》这首词虚写叱咤赤壁的周瑜：雄姿英发，年华方盛却卓有建树，实写诗人自己光阴虚掷，早生华发，“虚”“实”对比，有志报国与壮怀莫酬之情溢于言表。

四、远近层次变化的结合

自然物象的再现，由于观察者所处的方位、远近、角度不同，造成的视觉形象会千姿百态、变化万千。古典诗词中诗人从不同角度进行景物描写，能够引导读者对所描写的景物产生全面、完美的感受。如杜牧的《山行》，前两句描绘了秋山远景。第一句描写了秋山高远的景象，表现了诗人勇于攀登的精神。第二句描写了秋山中的一个特定场景，在白云浮动的天空下有几户人家隐约可见。后两句描绘了秋山近景。“霜叶红于二月花”一句，生机勃勃，鲜艳夺目，清新刚劲，形象鲜明，给人一种秋光胜似春光的美感。诗中分别描绘了秋山远景与近景，生机勃勃，清新刚劲，给人一种视觉变幻的层次美感。

五、景物对象点面形体概括的描绘

诗词中描绘的景物对象不是孤立存在的，是由不同的点线面形体元素构成的概括性物象。诗人在写景状物时，往往不单独表现主体景物，还运用点面结合的衬托手法，描绘出相关的景象，使主体形象更丰满。如柳宗元的 “千山鸟飞绝，万径人踪灭。孤舟蓑笠翁，独钓寒江雪”，通过对人、鸟、孤舟的描写，烘托出千山、寒江的辽阔，运用了点面结合方式，刻画了诗人坚忍不拔、卓然而立的品格。

六、声与色的结合

第9篇：景观手绘范文

关键词: 小品设计；园林景观；必要性；表现内容；表现方法

中图分类号：S611文献标识码：A 文章编号：

景观小品兼备艺术性和实用性，在满足人民群众精神需求的同时，能起到点缀环境、活跃景色、丰富城市景观、展示地域文化、塑造城市特色等作用。因此,在城市园林景观设计中，创造优质的景观小品,对丰富与提高环境空间的品位具有重要的意义。

1 景观小品设计主要内容

景观小品是景观中的点睛之笔，一般体量较小、色彩单纯，对空间起点缀作用。小品集具有实用功能，又具有精神功能，包括建筑小品——雕塑、壁画、亭台、楼阁、牌坊等；生活设施小品——座椅、电话亭、邮箱、邮筒、垃圾桶等；道路实施小品——车站牌、街灯、防护栏、道路标志等。小型建筑物和装饰设施。随着风景园林行业的不断发展，景观小品范畴应得到进一步拓展。好的景观小品可以烘托出优美的景观环境，而景观环境又是景观小品广阔的背景空间，二者关系是密不可分、息息相关。

2 景观小品设计表现的必要性

2.1 景观规划设计发展快，但缺乏创新

因造型新颖、技术含量高，兼具功能及实用性，极具代表性的景观小品达到了表现手法上的特色性。但不理解物体很难表现出物体，不表现物体也很难完全理解物体，只能是生搬硬套。考虑到人在不同景观环境下生存、生产、娱乐、休闲活动等多项功能的需要，国家扩大支持基建项目并不定期组织各类设计效果图创造艺术作品赛，有力地促进了景观工程的发展、繁荣与创新。

2.2 就业对景观小品设计表现提出新的要求

在当前强大的就业压力趋势下，各种职业分工细化，专业性要求越来越高。加之国家政策对基本建设的支持，活跃的城市规划使绘制表现效果图迅速从设计行业中脱离出来，逐渐成为独立行业并迅猛发展、日趋成熟。

2.3 景观建筑小品设计对设计师的主观要求

设计表现是设计师研究、深化设计的手段，是设计师与业主沟通的桥梁，是发展商与客户交流的重要方式之一。也是用来阐述设计思想的一种表现形式，它是设计者表现设计意图的媒介，同时也是传达设计师情感以及体现整个设计构思的一种设计语言。一个好的景观小品设计能否实施，关键在于能否用图画来表达、推销一种小品设计概念，然后用预想的形象检验、观察设计形象的实现、变化。

3 景观小品设计表现的方法

设计表现就是设计者把计划、研讨等思维意图及发展通过某种媒介使其视觉形象化来表达预想过程的方法和技巧。设计首先开始于头脑中的一个想法，然后，在纸上能勾勒出二维的概念草图或构造一个三维的模型，主要有透视图、平、立、剖面图、轴测图等。以便于查看并评价景观小品形态。它不仅是设计的层次显示，还是设计完成品的展示。

设计表现涵盖了多种意义:它可以帮助构思和设计某个特定的景观环境，并用图来说明景观要素的结构和构造要点，进行可行性研究、投标、满足市场需求等方面；也可以用来阐述景观设计的本质；还可以用来推敲设计构思及其影响。现做以下具体分析:

3.1 初期构思表现

构思表现包括运用设计观察能力和形象思维创造能力及设计语言表现能力等来表达设计思路，并通过具流畅性、灵活性、独创性、精致性特点的发散思维方法和原型思维方法及形象思维法与环境启迪法来综合塑造方案。如:临摹照片是设计形象思维创造能力的一种有效提高途径。临摹照片会增强画者的透视概念，并提高删繁就简的技能，促进画者对设计作品的观察与学习。

3.2 画类表达

无论关注的对象如何，表现画还是难逃绘画艺术的草案的，那毕竟是它的母体、本源。现就具画类表达进行如下分析:

1）手绘的效果图

设计手绘表现是表达构思和创作的一种有效手段，是集绘画艺术与工程技术知识、景观规划为一体的综合性表现方法，是广大设计者提高设计能力的一个关键因素，可通过手绘快速表达来检索自己的设计，利用图解符号表达自己的创意并用于跟同行进行交流、与业主进行沟通。根据使用着色工具的不同，设计表现形式主要有以下几种方式:铅笔技法、彩色铅笔技法、铅笔淡彩技法、钢笔技法、钢笔淡彩技法、水彩技法、水粉技法、色粉技法、马克笔技法等。

⑴铅笔、钢笔技法

多为速写形式，时间、速度都可以控制，是细致入微还是简单传神表达取决于时间安排。率直、生动，融入色彩的逸趣与流韵是其优点。对于铅笔和钢笔技法来讲，线条是最基本的语言，根据线的浓淡、粗细、虚实、软硬在绘制的语言上寻求更多的变化，其变化关系建立在对象结构形态上。通过物象的轮廓线、结构线、转折线等组成。能体现空间中的前、后、远、近、深、浅、厚、薄等设计效果。例:钢笔线条，宜表现空间与物体的结构，画风严谨，效果突出；铅笔表现独具魅力神韵，往往也能打动观赏者。

⑵水彩渲染

水彩颜料透明，对基本功相当重视。可以多次渲染，能够运用退晕等多种技法。但画面修改及深入较困难，画面感觉较单薄。

淡彩表现在色彩运用上更加大胆，色彩鲜艳活泼，淡彩表现又分为铅笔淡彩、碳笔淡彩、钢笔淡彩、喷笔淡彩和综合淡彩等形式．淡彩注重用色彩、墨线、笔触来表现设计师丰富的情感，它最适宜于对环境场景的表现。

⑶透视表现图

强化视觉的能力就是透视图的关键所在。该画法力度感强，线条运用灵活，空间结构表达清晰明确却不失画面丰富感。常以一点、二点透视为主，多点透视为辅来绘制。

⑷水粉画法

这种画法表现力强，色彩饱和浑厚，具有较强的覆盖力，具有厚重、易于修改、刻画深入等优点，适用多种环境小品的表现。但由于水粉的干湿变化大，较难掌握，因而对使用者的绘画基础要求较高。

⑸色粉、透明水色、喷笔以及马克笔等画法

从80年代中后期开始，这四种方法受到人们的青睐。色粉画勾画细腻、真实感强，勾画时需要遮挡，画完后需要定型处理。它在表现产品设计时有一定优势，但不易保存，所以较少有人采用。

2）电脑类表达

⑴电脑绘图软件表达

因为手绘自身也存在较大的不足，如:设计和创意有更改，即便是小的新意，其他系列图纸都需要变更，，而且容易失误。增加了设计的工作量，周期延长。所以一种新的表现方式必然能得以发展。随着CorelDRAW、Photoshop、3dsMAX、3dsVIZ、Lightscape、Lightswave、Maya、Painter以及国产的天正、圆方、等等一系列绘图软件的出现能够为我们营造出丰富的空间层次和逼真的艺术效果，对国内手绘表现领域的冲击可以说是致命的。致命冲击主要表现:电脑绘图最大的优点是集软件操作、审美筛选及技术知识表达为一体的表现方法，能在已完成图面基础上，重新设置形体、色彩，材质等。其次效果的形象、直观；透视的准确，材质清晰的表现；远距离联系、准确传递邮件的需要及多角度地展示设计师设计方案构思，使设计者最终做出比较理性的设计选择。

⑵多媒体表现

常用表现手法有PowerPoint课件、Flas。这些软件操作已能插入图片、声音和链接，能产生一定的动感效果，基本可以诠释作者的设计理念并能营造一定的视听效果。但要让业主全方位认识、认同、接受你的作品，似乎视觉冲击和审美享受方面还是弱了些，期待有更多的新软件开发、运用，并积极争取现有软件能参与进来，比如:动画漫游、3dsMax、Combusio(n3D动画特效)、AfterEffects(特效制作)、Premier(e后期剪辑)、Illusion(粒子制作)等。

4 景观小品绘画中细节表达分析

4.1 景观小品配景表现

1）交通工具描绘

重点画好车头及轮子的透视变化，注意道路行驶规律。为增强透视效果，在构图时应强化远中近景中的汽车的表达。

2）表现近景人物

为增强图面的生命力，常在中景中加入表现性别的人物，在远景中绘制人物外轮廓。近景是表现重点，运用人物动态、着装来渲染气氛。

3）陈设与植物的表现

陈设、植物因其装饰和修补作用在画处中是不可缺少的。平时要多收集、临摹环境小品造型，扩充设计元素在大脑中的存储量，以便随心所欲地表达设计预想。常用树来衬托画面，而树的描绘重点在树干、树冠和分枝上，可以将其图案化、抽象化。也可以只画出外部形态，形成类似剪影效果。

4.2 明暗、光影和色彩的表现

明暗关系可突出前景、中景、远景，形成画面焦点；光线效果能创造一定的戏剧性，但需注意描绘出投影变化；在用色方面应尽可能遵循以下规律:单纯、简化，不宜过分表现色彩冷暖、复色变化及渐变效果。

4.3 最终渲染表现

在完成以上各项工作后开始渲染，取舍各种渲染技法在表现中的优势和缺陷，提倡不择手段和灵活运用的态度。

5结束语

总之，城市园林设计是一项复杂的大型工程，尤其是对于景观小品的设计。因此，应通过我们的努力，将传统美学和现代美学合理地应用在景观设计当中，准确把握景观设计的内容及表现方法。使景观设计及表达艺术达到新的设计高峰，从而设计出大众所需的、高质量的景观小品。

参考文献