意式设计的美学特点精选(九篇)

第1篇：意式设计的美学特点范文

由于日本独特的地理位置和历史背景，使其在造型、建筑、园林等设计美学上与其它国家相比有其独特之处，具体来说有以下几方面：

1、反映人性的美学观——瑕疵美学

瑕疵的美学观，是认为完美是不切实际的意念，转为欣赏残缺的事物，这种美学观强调的是“不完整的状态”也就是在事物不完整或不足的情况下，借由“缺”“拙”来表现美，因为有瑕疵，缺憾或不完美才有余韵的空间来体会感受不足之处，进而延伸、体悟物象传递的观念或涵义，通过观者与物象的互动将这种“不完全”的空白空间加以“完全”。瑕疵因为不完美才更具有人性化，正如禅学所主张的不完全的形式与有瑕疵的状态更能表达精神特性，因为完美的形式容易使人仅仅注意形式本身，而忽略内在的精神。“没有终极”的理念代表着未完成的状态，也因此预留了极大的空间予观者来演绎这个未完成的空间。同时因为不足衍生出无限增进的可能性，带给观者更大的想像空间。

这种“未完成”的设计观念，传达出“设计的开放性”，在这种设计理念中一直存在着正向和反向的思维，设计者面对正反的设计思辨扮演着诠释的角色，注重平衡完成与未完成的状态，并利用不同的正反假设来评估最终完成的形态。在我们长期接受的知识与训练追求完美无暇之际，接受这种从日本文化涵构所衍生的瑕疵美学，使我们能从不同角度及观点去欣赏、学习不同文化所衍生的美学及美学背后的人文思想，进而创造出更体贴人性的设计哲学。

2、极少主义

鲁道夫.阿恩海姆曾论述：“一个物体用尽可能少的结构把复杂的材料组织成有秩序的整体，我们说这个物体是简化的。”特征是事物的结构特质，结构特征因总体式样而确定，局部成分的特征越少，其总体结构的特征的数目反而会越多，换言之，局部越简单，整体反而越复杂。这就是“极少主义（Minimalism）”的美学宗旨。即“少即是多”的设计理念。

西方这种简单的、功能性的美学精神，与当代日本的设计理念相对照，二者殊途同归。

在这种近乎禅宗的设计理念影响下，日本的建筑设计、园林设计、室内空间设计及平面设计产生了独特的美学观。在建筑设计方面，房子的规模一般适中与周围环境共融共生甚至建筑延伸至环境中去。建筑的外观形式也最大限度地与环境相融，体现了“所有事物的和谐价值，都是以自然为基础并顺应自然、与自然共存的和谐之美。”的美学思想。

由于日本环境空间的狭小，同时受禅宗的影响，日本的室内设计表达出对简朴信念的尊崇。简朴的精神体验是清除多余物质回归本质。因而日本室内空间中的视觉符号很精炼，由于被减至最基本元素，因此设计元素之间的平衡关系就变成设计中的关键，极少主义在室内设计细节上的处理上十分低调，以似无设计中体现出设计感，无声的阐述抽象、无形的难以言传的美学精神。这种方式体现出极少主义的最本质特征。

极少主义用简洁的方式回到了设计的起点,在设计形式的表达上由于去掉了多余的元素，因此无论立体和平面空间的都显现得异常纯净。如同美国建筑师莱特所言：“琐碎的排除“。当物体的所有组成部分，所有细节以及所有连接都被减少或压缩至精华时，它就会拥有这种特性。这就是去掉非本质元素的结果。这种减退的状态促成精炼的形式，将内在特征隐藏在表象的特征上，以最少的元素表现丰盈的内涵意义。其形式表征即呼应了“极少主义”美学观，也体现了日本讲究和谐论与折衷论的形式原则。设计语言能够达到精炼的状态，无疑是艺术层次中的最高表现——恰到好处，任何增减都会破坏它的纯粹之美。精炼的美学不仅是外观表征上的简约，在内在层面的思维中亦传达出一种精炼的思想层次。日本当代的平面设计正是以这种样式在多元化的世界平面设计中独树一帜，一般来说设计者很少以开门见山的明喻方式呈现符号的意义。常借用造型、色彩等设计元素，以暗喻的手法运用符号的观念让观者自行去转译。使得观者借由符号的点状暗示，进而连成线，并由线构成面，最后纵观整个设计的全貌。在设计中出现的诸多隐而不显的设计传达，除了表现传统文化的智能外，更展现了设计师匠心独具的巧思。

3、阴阳美学

日本的阴阳思想来自于中国的宇宙论，其论点就是宇宙间的所有现象以阴阳二元论来加以说明，因为各类事物，现象都具有阴阳两极，且彼此对立，但到达另一极的顶点时即相互转化达到统一的状态，亦宇宙的和谐状态。此极具哲学意念的宇宙观，日本将之运用在设计美学、设计思维上，就形成了独特的美学主张。即所谓的均衡与和谐的日本设计美学。阴阳美学是相对两极的和谐论，从理性与感性的角度来解释：理性着重“逻辑、技术与功能”的运作，感性则着重“意象、精神”的塑造，因此可将“理性／感性”的表征延伸为“功能／美学”的对照，并进一步地对应“形随机能而走的设计主张。由于必须兼顾功能与美学上的协调，前者着重“外在的秩序”，后者着重“内在的混沌”，因此阴阳美学亦可称为“折衷美学”。依照阴阳美学的诠释以及形态学的意涵，属于阴性的图案设计，形态以圆形或曲线为设计表征，属于阳性的图案设计，则以直线或以直线所构成的尖锐形态为主，使得日本在处理图案的构成设计与西方有所不同，同样装饰一个以直线构成的表面，西方会倾向水平或垂直的平行分割，以达到平衡的状态。而日本设计家在设计中更倾向于在画面上采用对角线不对称的分割，以留白空间造成对比的丰富性。这种模糊的边界既避免了直接的分界，又使得图案具有视觉动感。

日本的阴阳美学观主张利用对立的两个元素取得和谐的理想状态，极力避免对立的状态的产生。纵贯日本设计中利用表面肌理的光滑与粗糙、造型的曲线与直线、主体与局部的形态呼应，图形与画面留白的配置，都是通过阴阳元素的调和传达出感官之美，使对立状态相互和解。正如日本传统的各类容器、橱柜大多以直线构成，诉求秩序性的理性表征，呈现阳性美学的表征。而这些传统器物的表面由漆器工艺表现，上面缀以细致、精巧的以流畅性曲线构成的图案，呈现高雅、阴柔的阴性美学意象。

当下设计的全球化是一种趋势，但设计的民族风格和人文特色在多元化发展中却随之增强.日本的平面设计用30余年的时间走完了西方近一个世纪的发展路程。并形成了独特的日本风格，就是因为他们在吸收外来文化的同时，更加强烈的意识到弘扬本民族文化传统的重要性，在传统与现代，东方与西方之间找到了一条适合本国设计文化发展的道路。

参考文献：

1.李佩玲著《和风赏花幕：日本设计的文化性格》吉林科学技术出版社2004

2.斯蒂芬•贝利、菲利普•加纳著罗筠筠译《20世纪风格与设计》.

四川人民出版社2000

第2篇：意式设计的美学特点范文

关键词:美学；公共艺术；西方美学；中国传统美学

1.传统美学观念

1.1表理论

美是一种直觉，直觉就是表现，纯粹的直觉获得纯粹的表现，直觉是具有特殊的目标知觉，是一般意志的实践转化为道德活动。因此，美既不是有用的，也不是愉悦的或者真善的。

1.2朦胧论

认为美是一种朦胧的清晰、模糊的明确、似是而非、不似之似、似而不似的直觉感受。美的理论是凭直觉中的感受，美中含有一定成份的真与善，但是美的事物特别是形式美，当美达到相对的审美标准时，具有一定虚假和丑恶成份的事物仍然觉得美。

1.3幻觉论

美是“观念的外观”("dasScheienederIdee")。这一定义，部分是形而上学的，部分是实在主义的。美，依赖于这些第二性的质的组合，因此，美不能存在于外在世界真实的物理对象之中。

1.4精神分析论

弗洛伊德(Freud)及其许多门徒初创并发展了精神分析美学的基本原则。

基本原理的主要定义是怎样从永恒的“冲突”的观念出发，再进一步，这一压抑的行为又是怎样在无意识当中创造出一个观念相冲动的体系。这一体系，从人格的其他部分孤立出来，术语上称“情结”(complex)。

1.5体验论

近代科学美学创立者费希纳，把关于美的科学当作普通心理学的一个特殊领域，他所开创科研理论，是把实验的方法介绍到美学中来，就是一种“从下而上”("vonUnten")的方法，从特殊到一般的方法。他用这一方法来代替旧的形而上学的方法，即“从上而下”("vonUnten")的哲学方法。

1.6移情论

对于这一特别生动的美感经验—近年来多数哲学家都称之为移情(Einfuhlung)—所作的还不够成功的解释，不是在《小宇宙》中找到的，而是在《德国美学史》中找到的。在这本书中，作者批评了赫尔德的极其类似的看法。在赫尔德方面，曾经以炽烈的想象的热情维护过内在生命的自由而又完整的表现。作者告诉我们，这一过程是建立在观念多样化的联想或回忆上面的。

1.7现象学论

只从事于现象("phanomene")的描述，只关心显现在知觉中的对象，而完全不管对它们在因果上的说明。它抓住对象本质的内在特性。“所采用的是一个特殊的例子中抓住每一个对象的一般特性。象这样所显示出来的事物的内在基本特征。

1.8完形心理学美学论

完形心理学美学是当代西方美学的重要流派之一，完形心理学又称“格式塔心理学”。“格式塔”是德文”“Gestalt”一词的音译。他通过对音乐曲调的研究，认为音乐绝非仅仅是曲调音响的总和，音乐中的曲调旋律除了一系列的音响外还有别的东西，这种东西就是“格式塔特质”。

2.城市公共艺术设计对西方传统美学观的传承

2.1模仿说

古希腊美学家认为:艺术就是模仿自然。准确地说，就是艺术是模仿自然、社会和现实。依据模仿论的美学观，艺术品的审美判断标准就直接取决于模仿的真实与否，这样艺术家的创造力就大大削弱。

如今的城市公共艺术设计，很多设计作品就是这种对生活和现实的再现，特别体现的城市雕塑上。

2.2表现说

艺术表现论认为:艺术起源于情感表现，艺术的本质也在于情感的表现。

所谓艺术的表现论，主要指:艺术家作为个体感情的存在，强调艺术的目的仅仅只是表现个体独特的、微妙的、难以言说和不可重复的感性体验。而产生与人类心灵之中的情感有一种内在的力量，一种冲动，只能借助外在的形式把感情表达出来，成为可以观照，可以感受的东西。

2.3形式说

形式之于艺术的重要性是不言而喻的。就艺术而言，反映现实生活也好，表现主观感情也好，都必须纳人一定的审美形式，才能成其为艺术。“艺术的形式性”就是认为形式构成了艺术之最根本的特征。

对形式的认识，后来逐渐发展为“有意味的形式”。

具体显现为:对称与均衡;反复与节奏;多样与统一。

城市公共艺术设计通过对交通的组织、用地功能的分区、各种公共设施的配套、绿色环境的开发、街景形象的塑造、特色环境的创造、城市天际线的表现，把城市的各种环境要素进行合理的安排，从形态、功能、人的行为心理等各个方面，使景观组群由无序变为有序，使城市的景观环境得以发展和完善。

在城市公共艺术设计创作中必须把握好组织与被组织的关系，在制约中寻找自我，使设计师更客观地对待创作的客体，进人无模式的境界之中，再自由地走出来。这样创作出来的客体不会与其他的城市公共设计雷同，不会是随便从别处抄来，也不能随便搬到他处，而是“特定”环境中的特殊表现。

3.城市公共艺术设计对中国传统美学观的传承

3.1意境说

意境，是中国传统美学的核心观念。

意，指创作者在作品中流露的主观思想感情。

境，指创作者对客观形态的描绘与刻画。

中国传统美学认为，写实，不是自然主义的描绘对象具体的形态，要求达到内在精神的神思，强调“似与不似之间”，现代画家齐白石说:“不似为欺世，太似为媚俗，象用在似与不似之内”。;当今，许多城市公共艺术设计作品继承了意境说美学特点，尤其是雕塑作品。

3.2格调说

中国传统美学往往强调“虚实相生”、“以简就繁”、“计白当黑，妙在无处”、“无法而法，乃为至法”。城市公共设计是对人类的生存空间进行的设计，公共艺术设计的对象是构成人类生存的空间，而产品设计创造的是空间中的要素。这就需要设计师对其进行总体的综合的规划与设计，首先要注意协调各对象之间的关系，协调各要素之间的虚与实，简与繁的关系。

3.3气韵说

气，本是中国传统哲学中的概念，指构成万物的基本元素。韵，本指和谐的声音。气构成事物，韵则决定事物的雅与俗，高与低，美与丑。气韵，就是说，具有高雅气质的人才能做出高雅的艺术品。

中国古代美学重神而轻形，这种美学理念直接影响当代的城市公共艺术设计。在城市雕塑和城市水体设计时，往往追求一种意境。如由北京大学景观规划设计中心等单位合力完成的奥林匹克公园，主要创意是整个设计像荷花在荷塘中繁茂生长一样。运动员、裁判员和其他参与者之间的相互关系好比被荷叶呵护的水中和水面上丰富多彩的生命活动。中央的步行区域和必要的交通设施是关键。整个设计弱化了具体形态的描绘，极力营造出一种荷塘意境。

4.小结

本文重点对城市环境艺术设计美学传承进行概述:

4.1以传统美学理念为切人点，首先阐述传统美学观念，解决什么是美?什么是美学等问题;

第3篇：意式设计的美学特点范文

美术字具有多种艺术效果，比如具有我国装饰手法的美术效果，还能具有一定的宣传效果，我们可以用它进行各种形式的宣传，另外它也是建设社会主义社会所必不可少的重要工具，美术字已成为人们沟通的重要渠道。我国汉字的造型由结构、笔画组成，汉字具有象形、指事、会意等特点。我们可以利用文字的特点进而设计出各种形式的美术字，这样的美术字不仅具有高亢、别致，还具有刚劲、细腻的特点，也是重要的表达方式，同时也是重要的表示图案，往往会给人一种美好的形象。汉字结构美是在汉字自身特点基础上进行挖掘出装饰美，这种美经过了反复，符合时代的特点。美术字不仅要从内容上出发，还要兼顾生动、确切的形象，通过这样的形式反映出合理、简单的装饰效果。传统汉字艺术设计与现代艺术设计有着千丝万缕的联系，可以说汉字艺术设计是符合当时时代生活的，一般经过了当时官方的认可，也代表了时尚的字体形式，书法家在一定程度上影响着时代文字形式的设计。

二、关于现代字体设计教学中美术字教学的思考

字体设计教学过程中，笔者认为美术字应该融入美感，美术字形式值得研究，下面结合笔者工作实践进行一些探讨。

1、有关基础理论讲解。

理论教学过程中，教师首先要求学生要了解文字即中国历史的文明发展史，认识中国汉字中所包含的审美要求。而美术字的形式感是和其所需表达的内容紧密结合的。绘写时应先从内容出发，对文字内容要进行艺术加工，从而将内容和形式完美结合：生动、概括，非常突出的表现文字内容的精神含义，进而增强宣传效果。

2、原型解析。

文字的结构形式是通过人类文明活动过程中沉淀下来的，具有约定俗称的结构形式。其结构形式应该符合人们习惯性的认知，也就是说文字结构形式应该与社会活动相适应。笔者认为教师应该要求学生在课余时间多临摹具有一定设计风格的字形作品，通过这个过程可以激发学生文字设计的灵感，进而发现字形结构美，字形特征以及字形形式。

3、案例分析。

教师应该结合文字设计典型案例进行讲解。比如，以传统书法为元素的标志设计、包装设计、广告设计等；08年北京奥运一些列文字艺术设计，靳埭强的设计作品等；日本文字吸取了中国文字的一些精华，教师可以通过对日本文字的讲解，使学生在此过冲中汲取艺术设计营养，更全面的学习东方文化，可以学到不同形式的美，毕竟当代日本文字设计已经达到了较高的水平，日本文字同时也在向国际先进字体设计靠近，设计出了一系列文字艺术设计效果。通过以上专项讲解，学生可以自行选择几组自己感兴趣的字或词进行文字艺术设计，发挥主观能动性以及丰富的想象，通过尝试可以验证之前学习的效果。但同时也必须注意到，美术字和其他艺术作品一样，应注意以其自身的艺术性去吸引和感染读者。不可随意增减笔画，避免字体奇行怪状，难读难认。

4、结合实践。

熟练掌握绘写标准字体，在此基础上可以设计美术字，这是一个连续的过程。任何美术字都是通过标准字体形式衍化而来的，只有具备了扎实的绘写标准字体的能力，才能够设计出美观并且大方的美术字体。所以，学生可以先学好标准字，在此基础上进行艺术设计创作。通过以上扎实的学习，教师可以利用一些浅而易懂的主题让学生去设计艺术字，比如教师可以要求学生根据传统艺术字体设计方法，再结合一个特定主题去完成字体艺术设计。经过以上几个阶段的联系，学生可以懂得美术字体的实用性以及懂得如何去设计文字美术形式，进而发挥自己的想象设计出新的具有一定内涵的文字艺术形式。

三、结语

第4篇：意式设计的美学特点范文

【关键词】艺术设计理论 实践性 多学科性 系统性美学

【中图分类号】J01 【文献标识码】A 【文章编号】1674-4810（2014）16-0015-02

艺术设计作为一门学科的科学范畴，是指“现代工业批量生产的条件下，把产品的功能、使用时的舒适和外观的美有机地、和谐地结合起来的设计。”艺术设计是与大工业的社会基本实践相关联的，艺术设计还借助于现代高科技手段电脑网络系统，设计理论综合了多学科的理论，其中不仅包括一般的美学理论和艺术理论，还包括自然科学和技术科学的理论，在方法论层次上，不仅运用传统的哲学理论，还引进系统科学的最新成果，这一切都使艺术设计理论作为具有鲜明的时代特点，代表了美学发展的方向，对美学发展具有重要的意义。

一 艺术设计理论的实践性对美学的意义

艺术设计因为与大工业相联系，使其理论具有强烈的实践性。现代艺术设计的诞生就表现出强烈的干预社会生活的愿望。其最早的理论代表人物英国的艺术理论家、画家、诗人和政论家罗斯金，就密切关注艺术和技术相互作用的伦理方面，从道德主义立场批判资本主义社会。罗斯金在牛津宣称，在各种艺术领域中，从高级的艺术到低级的艺术（指衣服、器皿、家具等产品的制造），艺术的健康方向首先取决于它在工业中的应用。他认为，工业艺术、日用艺术是艺术大厦的基石，而这些艺术的基础是天赋、美和效用三位一体。罗斯金的这些想法和做法对于美学的发展具有跨时代的意义。

罗斯金的观点涉及一个重大的理论问题，即美学、艺术和生活三者关系。传统的美学基本上是建立在纯艺术上的，由于在文明社会，社会的分工决定艺术与其他社会实践的距离和艺术家与其他社会成员的角色的不同，就使得传统美学非常强调审美意识的“非功利性”，康德对美学定义集中地反映了这一点，“审美趣味是一种不凭任何利害计较而单凭或不来对一个对象或一种形象显现方式进行判断的能力。这样一种的对象就是美的。”康德美学的定义在美学史上往往被当作经典而制约着美学的发展，尤其对中国现代美学理论影响更大。西方分析思维的特征决定其思想家相互之间各执行一端相互补充，因此，康德的理论受到后世的不断置疑和否定。而国内理论界由于特定的学术背景，对马克思主义采取形而上学的态度，过分重视德国古代哲学，对康德美学的部分结论过分重视。

艺术设计理论与传统的艺术理论的不同之处就在于这种理论直接和社会生产、社会生活相结合。艺术设计理论的核心是明确功能与形式的关系，强调艺术的功能性特点，完全否认康德美学的“非功利性”原则。美学理论是对审美经验的总结，是对各种艺术理论的概括，但在特定的时期，往往以某一种艺术美类为基础，问题是这样以某一种艺术美类为基础的理论是否与其他艺术门类相矛盾，是否揭示美的本质，有没有普遍意义。从当代文化的角度看，康德美学的理论不仅内部结构不完整，甚至在阐释纯艺术时都不完全适合，更与艺术设计等当代审美经验相矛盾。而以明确功能与形式的关系为本质特征的艺术设计理论却能够揭示审美意识的本质特征。历史和逻辑是统一的，事物的本质在历史的过程中展开。

艺术设计的历史经历了一个形式附丽于功能到形式追随功能到形式和功能的内在统一的过程。功能并不是人类文化要排斥的属性，而是人类文化要加强的属性，对功能的深入研究表明，功能也是审美文化的核心。产品的功能是产品设计的核心，在艺术设计中，无论是材料的利用、结构形式的选择、造型形态以及功利的处理，都不能离开产品的功能这一核心。它可以体现社会生产的目的性，即不断满足人们日益增强的物质和文化的需要。但产品的功能是多样化的，不仅包括产品的物质实体功能，而且包括产品的形式特征所具有的美感特点所具有的精神功能，以及产品与环境的协调所具有的社会功能。工业设计的实践表明，艺术的形式不是从外面加到产品中的，而必须从产品本身的功能中引申出来。如现代化的交通工具的设计，就模仿了自然界的有机形态，利用了空气动力学的原理。艺术形式和功能的有机结合，极大地丰富了艺术的形式内涵。现代美术的诸多流派有些是和艺术设计相关的，如风格主义的简单而富有感染力几何形式、未来主义的动感形式造型等。

艺术设计理论中功能和形式并不是互相排斥的，而是相互促进这一基本观点对美学具有普遍意义，把这一基本观点加以引申，说明审美意识没必要排斥功利性，而是要扩张功利性，就是扩张审美意识在整合人类心理、协同人类关系中的社会文化功能，各种艺术形式都有特定社会文化功能，在形式和功能的辨证关系中，各种艺术理论都可以统一起来，给美学理论奠定基础，使得美学理论可以站在新的历史高度，深刻揭示审美意识的实践性本质。

二 艺术设计理论的多学科性对美学的意义

艺术设计理论具有多学科的支撑，这是其优越性所在。在美学理论的大框架中，艺术设计理论作为形而下的艺术理论，在研究方法上，具有鲜明的现代特点，在各门艺术理论中，艺术设计理论所涉及的学科面最广。在乌尔姆高等造型学校1966年制定的教学计划中，已经涉及众多的学科，如人体工程学、20世纪文化史、控制论、方法论、经济学、政治学、文化学、社会学、艺术设计理论、结构几何、设计技术、技术物理、视觉交际学等等。多学科的交叉和渗透，使得艺术设计理论能够超越任何一门科学的局限性，更深入地揭示审美意识的本质和揭示艺术活动的规律。

艺术设计理论体现了自然科学、技术科学、人文社会科学的统一。从来没有一门科学像艺术设计理论这样有如此多的学科在统一研究对象中协同起来，有如此大的学科跨度。艺术设计产品要具有物质实用性，技术、工艺、经济的可行性，形象的美观性，环境的协调性，真正实现了客观规律与主观合目的性的统一。仅仅在造型规律上，如在数学上就不仅运用到传统的几何学，还运用到现代模糊数学、突变数学、拓扑学等等，在物理学上运用到空气动力学、固体力学等；在技术上运用到仿生学，在美学上运用到各种理论，这种多学科的写作，可以揭示艺术思维的规律性。通过人文科学和社会科学的协同，使个体的多样化精神追求与社会的规律能够统一起来，使得非理性的本能、直觉、情感、意志与社会的理性和普遍性的文化统一起来，体现审美意识的文化整合功能。

三 艺术设计理论的系统性对美学的意义

艺术设计理论的最大特点是系统性。在乌尔姆高等造型学校1966年制定的教学计划中就把当时刚兴起的控制论理论作为方法论基础。其实，早在古希腊时期，亚里士多德关于“质料、形式、动力、目的”的四因说就说明了以目的为指向的事物从潜能到现实的运动过程，由此形成具有普遍性的有机结构的形式特征，这也是美的特征。这是那个时代的天才思想，与20世纪40年代诞生的系统科学有着内在一致性。系统科学认为说明远离平衡态的系统，在与环境的相互作用下，系统内部不同层次、要素发生非线性的相干作用，随机涨落，各自的自由度受到整体的约束机制的控制，发生自组织的协同效应，系统从无序走向有序，实现系统的整体功能。艺术设计理论本身是多学科构成的系统，其内部形成多层次的结构，形成形而上的理论与形而下的理论的协同；高层次的方法论与具体操作的实体性学科的协同；自然科学、技术科学与人文社会科学的协同；艺术设计的对象是要（人）素、结构、功能的系统，内部要素构成的有机结构与外在形式的协同；艺术设计的核心功能是一个以主体（人）的多层次需要为价值指向的有机系统；艺术设计的语言是人与人相互沟通的社会文化媒介，实现人与社会和谐的系统；艺术设计的最终产品要实现人与自然环境、社会环境的协同。

总之，艺术设计理论揭示了自然结构、人的生理结构和社会结构的一致性，使自然美、社会美、艺术美达到高度的一致性，揭示了美的内在本质是实现和谐性社会的最终目的。

参考文献

[1]凌继尧、徐恒醇.艺术设计学[M]上海：上海人民出版社，2006

第5篇：意式设计的美学特点范文

关键词：地方民间美术 艺术设计教学 创造力 视觉语言

民间美术是最丰富、最生动、最质朴、最健康的民族文化的组成部分，其中蕴涵民族的哲学观念、情感气质、文化意识和心理素质，反映着质朴的审美观念，涉及到人们的心理、情感、思维方式、民族性格等各个方面，是一种具有普遍意义的民间审美文化。它从基础性文化特征、设计思想、丰富寓意、纯真风格等诸多方面，丰富了艺术设计的语言和思想内涵。地方民间美术是地方民间艺术和地方民间文化的一种表现形态，是普通劳动群众在漫长的历史过程和日常的民俗生活中创造、应用并与生活相融的美术形式，是一切其他美术的渊源和基础。

一、地方民间美术的基本特征

1.实用性与审美价值的统一性

地方民间美术始终遵循着实用与审美紧密结合的创作原则，它是在人民群众的劳动与生活中产生和发展的，在日常生活中是实用品，具有实用性，同时又是具有艺术价值的装饰品。

2.稚拙、自然、质朴的原发性

民间美术是直接来源于人民大众的美术形式，具有原发性。民间艺术家创作美术作品时思维不拘常规，构图视点随需要来回移动，表现的效果是动态的、四维的。艺术灵感直接来源于生活实践和对生活的感受，作品具有稚拙、自然、质朴的原始艺术的基本品质。

3.充满浓郁乡土特色的地域性

民间美术有着自己发生、发展、传播的土壤。地方民间美术蕴含着当地人们的生活方式、风俗习惯、人情意味及文化观念。造型原始纯朴，内容寓意深刻，是民间创作者审美情趣和精神世界的生动体现，充满浓郁的乡土特色。同一个品种的民间美术，其形式因为使用材料、制作工艺、地方民俗等的不同，在不同的地域也会体现出各自的地方风格。民间美术是劳动者的艺术，为人民创造和利用，与人民生活息息相关。民间美术没有因其表面的粗糙而掩盖其内在意义，民间美术浓厚的生活气息和独特的构思，反映出人们真实的思想和热爱生活的真情。民间美术有着浓厚的乡土气息，展示了当地百姓质朴、善良、憨厚的品格。

4. 充分利用物质材料和自然美的工艺性

利用物质材料和自然美的工艺性是民间美术的另一特征。民间美术选用的材料没有严格的规定，木、石、泥、布、草、竹、麻、柳，甚至玉米叶、高粱秆都可充作材料。在作品的创作过程中，材料自身的肌理、纹饰、硬度、光泽等自然形态都会得到充分的利用。在制造技艺方面十分自由，往往是因材施艺。

二、地方民间美术资源在艺术设计教学中的现状及作用

中央美术学院于1986年成立了民间美术系，中国艺术研究院也开始招收民间美术专业的研究生，并取得了一定的研究成果。但是，地方民间美术的教学与研究还需深入。目前，我国只有部分美术院校将民间美术作为研究发展的方向，单独将民间美术作为一个独立的专业还不多见，这种状况对于学校艺术设计教学来说是一种严重的资源闲置，如何有效地利用这一课程资源，有待于我们重新认识地方民间美术在学校艺术设计教学中的意义与价值。

地方民间美术资源在艺术设计教学中的作用有以下几点。

1.地方民间美术为现代艺术设计提供了丰富的图像资源

地方民间美术图式是劳动人民在长期生产劳动中创造出来的，为现代艺术设计提供了丰富的图像资源。汲取地方民间美术中的造型元素和图式符号，抽取其可用之处并将其进行解构，转化为可利用的设计元素、图式符号，结合现代艺术设计，尝试视觉的冲突和语义的转换，重新进行组合、变构、再创造，赋予新的形式和含义。

2.地方民间美术的造型手法扩展了艺术设计的思维和创造力

地方民间美术的造型手法不按客观形态逻辑去造型，而是按形式美法则的逻辑去造型，如民间剪纸用展开式的思维方式，打破自然的客观法则和空间的限制，将不同时间和不同空间的物体放在同一个平面上。有的提取原有形象中具有代表性的形象并加以突出、强调；有的在归纳、提炼的基础上对主体进行细部刻画，强调纹样的象征性；有的把纹样分解成基本形，通过构成的形式法则加以组合从而产生独特的剪纸纹样。这种创造性思维的培养，能使人在设计中想得更深、更广、更合理周到。将传统图形的创作手法通过现代的表达方式用于平面设计作品，可以创作出富有浓郁中国特色的作品来。

3.地方民间美术资源拓宽了艺术设计的视觉语言

将地方民间美术的实用性、题材的丰富性、形式的多样性融合在艺术设计教学中，学生从民间美术中寻求素材，将拓宽现代艺术设计与本土艺术语言互通、互动、互补的广阔空间。在艺术设计教学中，通过收集地方性民间美术原始素材，将传统地域文化元素作为设计素材，加以创造性的变化，在理论化、系统化、学术化、创新化之后，通过概括、取舍、变形、夸张的艺术加工来指导教学，构成新的设计作品。这个过程将大大激发学生的创作热情，进而使学生创造出既有民族特点又有鲜明时代感的优秀设计作品。

不仅民间美术的造型可以给我们提供新鲜的创作灵感，而且民间的造物思想和造物行为也能为今天的设计理念提供启示。好的设计不但美在形式而且美在内涵。教师在设计教学中指导学生对地方民间美术进行全面的分析、整理、归纳和提炼，寻找地方民间美术与时代特征的结合点。将地方民间美术的象征性艺术语言和特定的文化内涵结合，以强化作品的张力为目的，在赋予其新的活力的基础上，延续和拓宽设计的视觉语言。在现代艺术设计教学中，要把传统的民间美术的精华融入其中，在设计中追求传统与现代的统一，将设计作品与传统文化融会贯通，充分展示传统图形元素在现代设计领域里的社会价值。

参考文献：

[1]唐家路，潘鲁生.中国民间美术学导论[M].哈尔滨：黑龙江美术出版社，2000.

[2]张鹏.推动民族本源文化的可持续发展[J].美术研究，2003（1）.

[3]孙建君.中国民间美术教程[M].天津：天津人民美术出版社，2005.

第6篇：意式设计的美学特点范文

传统民间工艺品种繁多，艺术独特，历经千百年的锤炼，蕴含着丰富的历史价值、文化价值、科学价值和经济价值。世代相传，融合中外，推陈出新，闽南民间工艺从单纯的手工技艺上升为一种独具特色的文化，具有鲜明的民族性和地域性，是闽南文化和艺术的活化石。它以物化的形式融合于闽南民间的日常生活，体现出民间艺人质朴、纯真的情感和对美好生活的向往。闽南石雕整合了工艺元素和文化艺术，化顽石为神奇，极富艺术之魅力，繁多的种类、独特的风格和浓郁的地方色彩，驰名中外，独树一格。闽南木雕始于先秦，兴于唐宋，成熟于宋元，明清时期步入巅峰。既有古朴、淳厚的中原雕刻工艺的痕迹，线条流畅，人物造型生动，又具有闽南文化精巧的成分，充分表现出闽南侨乡的艺术特点，作品更是享誉海内外。闽南陶瓷均属民窑，从内容到形式，处处反映出民族化、大众化的特色。独特的瓷烧技术，精巧的工艺，简洁的装饰，体现了民众淳厚、质朴的审美情趣。闽南花灯将雕刻应用于骨架的设计上，绘画和书法融于纸面的花色调配上，造型和漂染工艺应用于花灯创作的整个过程。丰富的造型、柔美的线条、精巧的工艺，创造出一种意蕴和谐之美。闽南纸扎千年传承，内容丰富，造型生动，简练概括，经过剪、镂、镶、贴形成强烈的装饰效果，作品在海内外颇具影响力。闽南民众创造的丰富多彩的民间工艺美术资源具有丰厚的民俗内涵，艺术的原发性、创造性和手工技艺正是一切艺术表现取之不尽、用之不竭的源泉，同时也成为具有闽南特色的民间艺术手工制作课程的资源库。

二、闽南民间工艺美术融入当代艺术设计的有效性和可行性分析—以漳浦剪纸为例

漳浦以“中国民间（剪纸）艺术之乡”享誉中外，素有“金漳浦”之美誉。漳浦剪纸艺术源远流长，据《漳浦县志》记载：“元夕自初十放灯至十六夜，乃已神祠家庙，或用鳌山运傀儡，张灯烛，剪彩为花，备极工巧。”可见唐宋时期漳浦剪纸艺术就开始应用于花灯装饰等民俗活动。⑤剪纸俗称“铰花”，与刺绣艺术有关，常被应用于刺绣底样的创作。在中原文化如贴“窗花”习俗等影响下，漳浦剪纸逐步以独立方式使用在各种婚庆典礼、祭拜祖先等民俗活动中。如今漳浦剪纸已被世界认可，并在对外文化交流中发挥作用和产生影响，具有一定的经济价值和社会价值。继承传统、力求创新是任何民间艺术发展的关键，没有创新就没有生命力。漳浦剪纸在中国民间艺术中占有一席之地，主要表现在其艺术风格的独特性、艺术技法的原始趣味性和艺术品自身焕发出的美感。通过高校艺术设计教育从理论上探讨漳浦剪纸的构图形式、造型手法、创作意识等，增强在当代艺术设计中民族性、本土化的创新与应用，并在具体的艺术实践中探索漳浦剪纸与环境设计、装饰设计、平面设计等多个专业领域的结合点，注重传统与现代的结合，以新的设计艺术形式、设计语言符号使设计产生新的飞跃。

1.漳浦剪纸在环境设计中的应用漳浦剪纸所反映的内容非常丰富，其中包括闽南地区的地理环境、百姓的日常生活和传统习俗活动以及民间神话传说等，这些都以独特的符号融入剪纸作品中。例如，茶壶就是剪纸中最常见的装饰图案，这无疑渗透着闽南人爱喝茶的习惯；剪纸中常加入一些龙虾、鱼、螃蟹等水产品，这充分体现剪纸的闽南地域性和其来源于生活的传统特征。作为一种独特的设计素材，无论是在思想上还是文化的传承上，都将成为本土风格环境设计的创作源泉。同时漳浦剪纸在艺术表现上立足本土，注重主观想象，艺术构图奇巧、简练明朗、古拙抽象，表达着古老的民俗文化传统，具有浓厚的“原生态”趣味及“乡土味”气息，这对设计本土风格的环境设计具有重要意义。设计师应该以保护和传承历史文化为己任，唤醒人们对本土文化的记忆，将其融入现代城市功能设计中，赋予建筑内外部的空间乃至整个城市浓厚的本土特色风情。漳浦剪纸主要运用红色，通常以单色为主，其他颜色作陪衬，在对比色中求谐调，颜色上的创新运用突出了工艺装饰效果。这对设计闽南本土风格的室内空间有着重要意义。例如，在现代环境设计中可运用漳浦剪纸的图案，采用闽南地区的红砖、白石为装饰材料，设计出有关闽南红砖文化的主题浮雕、壁雕等作品。漳浦剪纸造型独特，收放自如，运用在现代室内外立体造型的细部装饰上，如隔断花墙、装饰品花架、屏风等，具有通风采光、借景叠景等功能，不仅起到了特殊装饰和美化环境的作用，而且也增加了艺术氛围。另外，还可以运用闽南文化元素的剪纸图案制成各种镜框式、挂历式的装饰画和装饰品，以此带动室内陈设品行业的发展。窗帘、沙发靠垫、沙、桌旗、布艺床品等都可以采用漳浦剪纸传统图案，这不仅使室内空间更具本土色彩，还能寄托民众美好的愿望。

2.漳浦剪纸在装饰设计中的应用漳浦剪纸将闽南人民物质生活和精神生活以图案的形式表现在作品中，形成了一种独特的艺术表现形式，折射出闽南人的性格和意识形态。漳州剪纸利用本身图案的抽象造型来反映闽南地区的意识形态和思想，糅合闽南传统文化。现代装饰设计对于诸如漳浦剪纸这类传统工艺的应用遵循“批判和继承”的原则，既尊重其自身发展特性，又对其进行产品创新，既将其作为现代装饰的补充，又在现代装饰中很好地对漳浦剪纸进行有效地传承。传统漳浦剪纸在线条、构图、剪功等方面具有特殊性，折射了闽南文化多元化的特征和细腻雅致的审美取向，传达了浓郁的乡土气息。现代装饰艺术中对于漳浦剪纸的应用可从以下方面为出发点：一是结合装饰设计作品的主题，充分挖掘漳浦剪纸的特点，在作品中对其在材料、线条、构图等方面进行大胆创新。二是根据不同设计作品的特殊风格，在刺绣种类、色彩选择、图案设计等方面进行搭配，凸显出漳浦剪纸的固有特性，同时又在装饰作品中呈现出典型的剪纸特性。3.漳浦剪纸在平面设计中的应用鲁迅先生说过：“在现在，艺术上是要有地方色彩的，有地方色彩的，倒容易成为世界的，即为别国所注意。打出世界，即于中国之活动有利。”⑥漳浦剪纸蕴藏着特有的文化内涵和艺术韵味，具有特殊的地域性和造型手法。比如，漳浦剪纸通常采用“排剪”技法，结合“阳剪”为主、“阴剪”为辅的表现手法，形成其在工艺上纤巧细腻，构图上线条简练、圆满匀称、对称平衡的特征。同时在物象形态的刻画上应用的简约意象表达方式或夸张的艺术表现形式等都可以为现代平面设计所利用。因此设计师可以从以下三个方面去考虑，一是将设计主题与剪纸图形意蕴相联系，从创意选题的角度思考选择恰当的主题表意，有目的地去把握对象的整体结构式样；二是从创新的角度在图形、材质、风格等方面上将漳浦剪纸包含的图形图像或其他意象特征进行夸张变形、化繁为简、重组创新，深化对漳浦剪纸艺术的价值认识，同时与现代平面设计的构型审美相结合，利用剪纸图形的形似和神韵创造出贴切的图形语言；三是在表现技法上运用“排剪”技法创造出新的设计表现语言，扩展设计的表达形式，将漳浦剪纸的视觉特征融入现代平面设计之中。

三、民间工艺美术融入高校艺术设计教学的方法

“生产者的艺术是世代人民所创造、所传播并表现他们审美观念和艺术情趣的文化艺术形式。”⑦民间工艺美术作为生活世界的认知和诉求，是群体意识与思想认识的一种反映方式，不仅包含了大量原生态艺术图形和工艺技法，还体现了人类本源的思维意象、审美观念和情感表现。因此，在艺术设计教学中不仅是要拓展学生的技法表现手段和途径，更重要的是要引导学生正确认识民间工艺美术的文化价值，真正体味到民间工艺美术的文化内涵和情感魅力，并应用于现代设计。

1.在艺术设计教学中开设民间工艺美术课程审美认知与创造力的培养是高校艺术设计专业教育的核心，民间工艺美术样式几乎都同时具备了高校艺术设计专业教育的基本要素。在艺术设计教学中，应以其审美鉴赏、技艺造型、品格精神等为基本内容，积极开设具有本土特色的民间工艺美术题材的艺术课程。在教授过程中，采用教与学的互动方式，增加学习的趣味性，突出创造的成就感，培养学生的动手能力、造型能力、材料的把握和认识能力以及创新思维精神，激发独立思考的意识，并在教学实践中引导学生去发现美、感受美、鉴赏美、创造美。诸如剪纸、雕刻、漆艺、陶艺、编织等课程，着重把研究民间美术功能的实用性、技巧的高明性、题材的丰富性、装饰的生动性、形式的多样性置于首要地位，把创造具有独特性和地域性的艺术文化作为教学的宗旨，做好民间工艺美术资源向地方工艺美术课程的转化，由此将传统与现代、现在与未来相互融合，形成未来艺术设计教学的新方向。

2.成立地方民间工艺美术研究机构，定期举办展览和讲座发挥地方的民间工艺美术文化优势，发掘和整合地方文化资源，成立高校民间工艺美术研究机构。组建一支以地方高校教师为主的研究团队，同时聘请地方各个门类的工艺美术大师、领军人物为客座教授，共同探讨民间工艺美术资料的收集、整理、理论研究和相关教学工作。通过对传统工艺的传承、保护、创新、开发和研究，积极运用现代艺术设计理念，将传统工艺的实用性、经验性和学术性特征应用于校本教材的编写中，用时代和科学的态度加以继承和改造，通过条分缕析、去芜取精、发展提高，形成一个特色鲜明而又具有时代感染力的文化产品体系。在教学中将民间工艺如雕刻、剪纸、编织等引入课堂，活化课堂教学，同时又让学生能够直观地感受到民间工艺美术的独特魅力以及其在设计领域中的突出表现。另外，可以让民间工艺大师将制作工艺直接带入课堂，通过举办专题活动，从表演技艺开始给学生讲授和示范制作工艺，让他们亲身体验民间工艺美术的神奇。定期开展民间工艺美术展览、学术交流、课题研究和专题研讨等，形成多种形式的教育方式，将民间工艺美术资源真正融入现代艺术设计教育。

3.创立民间工艺美术校内工作室和校外实践基地根据民族民间工艺美术的种类，结合其美术特点对艺术设计教学实验室进行改造形成专门的工作室，以工作室为载体，通过选修等方式实行开放式教学，将理论与实践融为一体，如漳州剪纸工作室、惠安雕刻工作室、闽南“妆糕人”泥面塑工作室、树脂彩绘工作室等。工作室的教学主要采用艺人的“技”和教师的“艺”结合，即通过教师对设计作品创作思想的理论阐述与“请进来”的民间艺人的技术培训相结合，实现与艺人零距离的“手手相传”，将工作室中的工艺技术应用于作品的创作中，寻找与作品主题的契合点、差异点，改进民间工艺的表现形式，突出表现民间工艺技术的独特性，从而引导学生用民间工艺的手法来进行创新设计，提高设计水平。同时，“走出去”设立校外民间工艺美术实践基地，让学生到民间亲身去感受当地乡土乡情，欣赏原汁原味的民间艺术品，培养学生对民间工艺美术的情感和认同感，创造学习民间工艺美术的氛围，提高实际操作能力和研究水平。

四、结语

第7篇：意式设计的美学特点范文

关键词：整体环境；功能；审美意义；室内设计

中国分类号：TB482.1文献标识码：A文章编号：2095-4115（2014）05-130-1

一、前言

随着我国国民经济的快速发展，广大人民群众的审美思维也在变化，对于室内设计中的美学要求也在相应地提高，室内设计不仅需要对人们的心理、生理等要求予以满足，还要对实用功能、文化内涵、人际交往、人与环境等多项关系基于环境整体的不同程度来进行综合性地处理，同时还需要将审美价值和审美意义充分地体现出来，对审美情感进行有效地表达，本文就室内设计中的美学法则进行探讨。

二、基于形态学视角看室内设计中的美学法则

室内设计的本质就是造型艺术，它是组合多种视觉的物质元素，使之能够具有三维空间形态特征，但是室内设计又不同于其它纯粹欣赏艺术形式，实用的动能属性是室内设计的重要特点。基于形态学视角来看，室内设计中的内容任务及美学要素可以分为以下一些方面：

（一）美学装饰要素

室内整体空间中顶、墙等各界面及柱子等建筑构件，对其进行适当的装饰，构成了完美室内环境的重要组成部分，利用丰富多变的装饰形式和不同装饰材料的质地能够将不同地域的历史文化特征充分体现出来，同时也能够展现出不同风格的魅力，体现出设计者的思想与风格设计。

（二）空间要素

室内设计中的基本任务就是要给人们以美的感受，同时要合理化布局空间，所以，设计者要赋于空间一种全新的形象，同时也要对时代审美特点和技术特点勇于探索与创新，而不能只是拘泥于过去形成的空间形象。

（三）美学色彩要求

室内色彩除了会影响到视觉环境外，还会对人们的心理、情绪造成直接地影响。科学的运用色彩能够有助于健康、有利于工作，只有将室内设计中的色彩处理得当，才能够获得美的效果，也能够符合空间的功能要求。

美学装饰要素、空间要素、美学色彩要求虽然都有各自不同的价值，但是却不能孤立对待，它们一起构成了室内设计中的美学价值，缺一不可。形态学提供了各美学要素的组合法则，同时还将其应用在研究艺术设计的特征和甄别艺术设计的风格、流派等方面，具体到室内设计而言，主要是考虑如何张扬设计的个性，对室内设计中自我创造的思维特征以非中心、非总体性的思维方式来进行规范、审视，由此可见，形态学视角对于室内设计的创作带来了许多富有成效、且又积极向上的影响。

三、整体环境观念下的功能与审美意义的表达

当代室内设计应该要树立起整体环境的设计观念，这里的“环境”有两层含义：其一是指大环境概念，包括建筑外观在内的广场、街道、庭院，乃至整个社区、地区、城市的人文景观和自然景观；其二是指狭义的室内环境，主要包括室内声、光、热、空气质量环境、视觉环境、空间形态等心理环境、物理环境。

每个地方都由于当地的生产力水平、社会背景、气候条件、地理位置等因素的差异，进而形成了当地所独有的理想精神、审美取向、价值观念、生活方式，进而形成了丰富多彩、具有个性差异的地域文化，它和气候、物种、地貌等结合在一起构成了当地的文化景观和自然景观。室内设计强调“以人为中心”，那么就要求不仅要基于功能方面来对符合人们生存和生活方式所需的实用要求出发设计，而且还应该对不同文化背景下人们的人文关照予以考虑，满足人们的心理愿望。室内设计应该基于大环境整体的高度来表现其风格形式，把室内环境视作一个符号系统，运用符号学的方法、理论来符号化处理设计元素，能够通过对设计形态符号的隐喻功能、象征功能充分运用，来体现审美价值、审美意义，表达审美情感，将室内设计的时代特色和地域文化内涵准确地反映出来。室外大环境的“外”和室内设计的“里”，二者均是不可分离、辩证统一、相辅相成的。室内设计作为大环境系列“链中一环”，切记不可脱离大环境中的社会意义、社会特征、文化、自然来进行孤芳自赏。从目前来看，室内设计还存在着缺乏个性、缺少创新、相互类同的情况，这主要是来自于很多室内设计师不了解大环境这个整体，进而使得设计构思封闭局限，让整个设计流于一般、缺失内涵。

参考文献：

[1]黄薇.中国传统建筑室内设计之美学精神初探[J].中国新技术新产品，2009，（07）.

[2]张雪，詹秦川.浅谈技术美学在室内设计中的运用[J].美与时代（上半月），2009，（07）.

[3]王钰锋.浅析我国传统室内设计的意象之美[J].艺术教育，2008，（01）.

第8篇：意式设计的美学特点范文

【关键词】艺术设计基础 三维空间 三维造型 材料 教学

纵观国内艺术设计教育的发展，设计基础的教学自上个世纪八九十年代就一直以平面构成、立体构成、色彩构成为主体。“三大构成”的体系初始于上世纪初德国包豪斯设计学院，六七十年代在经济崛起的日本得到完善和更新。21世纪的今天，艺术设计行业的发展和设计教育的发展联系更紧密，国外艺术院校早已将多元的设计基础课程替代了局限的构成体系。国内的设计基础教学还相对滞后，构成体系的教学模式早已不能满足国内艺术设计专业的细分和艺术设计理念的更新。基于这样的现状，有必要对设计基础课程进行新的思考。

三维设计基础是艺术设计基础课程之一，旨在强化学生三维空间造型意念与三维形体造型的意念，培养学生对材料特性的感知力和应用能力，力图探讨如何将材料与三维形体造型相结合的技艺。在教学过程中，教师应注重运用将设计基础与专业设计相衔接的启发式教学模式，使学生在学习设计基础的同时“知其然，还要知其所以然”，掌握三维设计基础知识如何灵活应用于专业设计的方式和方法。

一、三维设计基础教学目标新思考

传统的立体构成教学是以“构成的形式”为教学重心，学生在大量的构成手工练习中为了完成某种“构成形式”而设计制作，缺乏构成方法与专业设计的思维联系。很多学生结课后都不知这些抽象的点、线、面、体造型有何用处，和以后的专业设计有何关联。所以，三维设计基础首先需要向学生解析的是“设计基础最终为设计而服务”的教学理念，锁定明确的教学目标可以让学生在学习过程中有的放矢，获得积极主动的学习效果。

三维设计基础的教学目标应根据艺术设计专业的细分和多元化的现状来锁定：1.让学生形成正确的三维空间意识，了解三维范畴内艺术设计的细分；2.培养学生对材料、材质敏锐的感知能力，学会欣赏材质美，体会材料的特性；3.培养学生三维形体和空间的造型意念及技艺；4.培养学生正确的三维设计审美观念；5.三维设计基础在专业设计中的正确运用技艺。

二、三维设计基础教学内容新思考

（一）引导学生感受材料与材质的美

学生在学习三维设计基础之前，对于材料的设计概念了解得较为局限，不懂如何欣赏材料质感所呈现出的美。如此必须建立材料审美观，启发学生用视觉和触觉去发现材料的质感个性，感知不同材料的审美特性。在教学方式上，教师可以用优秀的设计作品作为案例分析，直观地说明不同的材料美在三维设计中的应用原理和表现形式。诸如产品外观的设计、室内空间的装修设计、建筑外观的造型设计等。引导学生对不同的材料产生观察的兴趣和审美的感觉，这是学习三维范畴内专业设计的重要的第一步。

鼓励学生从身边的环境中去寻找、搜集、甄别人工材料和自然材料，揣摩不同材料的特质，并运用这一特质重新整合、表现出新的构成状态。完成“发现材质、感受材质、组织应用材质”的过程。让学生用自己的想象力创造性地去发掘各种材料的视觉、触觉能量。

（二）有效地将材料特质与三维形体造型相融合

材料只有融入实体的形态里才具有真正的造型意义，完成这一过程后，材料本身也已是形体的一部分。三维造型设计过程中，重要的环节是解决如何将材料的特性与形体的造型融合，两者关系相辅相承，三维造型要充分展现材料的质感美，材质也要充分体现形体造型的个性美。

学生在具备对材质的认知与基本的组织应用材料的能力后，紧接着就是要学习如何在体积形态中合理地选择材料，并用这种材料营造有效的材质界面，使材料、质地、形态有机地合为一体。

（三）创新三维造型设计的形态语言

将二维设计中的点、线、面等基本造型元素立体化，也就是增加其宽度和厚度，就可以成为三维造型设计中的基本形态语言了。通过对各种形态的点状、线状、面状、体状物的组织与构成，创造出不同的三维形体与三维空间形态。

树立宽泛的、敢于突破常规的三维造型意念是这一阶段教学的关键。学生在这一学习阶段必须大量地认知和发现各样规则的、有序的点状、线状、面状和体状形态以及不规则的、自由（自然）形态的点状、线状、面状和体状形态特征。学生要特别重视对不规则的、自由状态的造型语言的认知和创造，体会并掌握如何将自然材料转化为三维造型语言的技巧。

（四）培养三维体积构建的创造力

三维体积形态的创造是三维设计基础的核心内容。用同一种材料建构三维造型可以让学生在充分熟悉材料特质的基础上，挖掘材料表现的潜能，运用设计想象思维创造大量的具美感的形体。通过量化的创造性训练可以激发和培养学生对于三维形体构建的创造力。

例如，指定10×10厘米的125克卡纸作为材料，学生设计制作20件以上数量的三维形体造型。软硬适中的卡纸可塑性较大，学生可以采用折叠、粘贴、切割、镂刻等方式造型，完成从相对平面的制材构建三维立体造型的创造。从课堂效果来看，对这样具有挑战性的设计训练，学生都能积极构思、努力尝试，学习兴趣浓厚。

（五）将设计基础与专业设计实例相衔接

设计基础的学习最终服务于专业设计。三维设计基础的学习使学生具备三维造型意念、三维空间意识、正确的审美观念等能力。在前文每一阶段的教学过程中，教师应穿插具有代表性的专业设计案例分析，重点讲解三维基础设计元素如何在设计中应用与演变。使学生真正对设计基础的学习知其然，还要知其在“设计中所以然”。设计实例可以从工业产品设计、艺术雕塑设计、建筑空间设计、空间展示设计、环境景观设计等涉及三维的设计门类中选取。

参考文献：

[1]王雪青，郑美京.三维设计基础[M].上海：上海人民美术出版社，2006.

第9篇：意式设计的美学特点范文

关键词： 初中美术教学 导学案 高效课堂

学案导学的方式在中小学各学科已被广泛使用，不同学科的老师仁者见仁、智者见智。学案是新型的教学观念和教学方式，是课前教师设计教学活动，学生拿到学案预习到练习的全过程。针对美术学科特点，在学案设置上要求教师根据美术学科四个领域的不同特点编写具有针对性的学案。我校美术学科导学案是在不断摸索和实践中编写出来的：从初步拟定学案、课堂教学实施、学生问卷调查、反馈修改完善，学案之路经过了艰难的历程。针对美术课四种课型我们进行了初步探索，同时暴露出一些问题。

一、欣赏·评述：引导练习效果好，活动检测形式需思考。

欣赏·评述学习领域指学生通过对自然美、美术作品和美术现象等进行观察、描述和分析，逐步形成审美趣味。针对这个领域的内容，在学案的设置上除注意引导学生掌握基本的美术欣赏方法外，更要通过有效的学案环节设置使学生在欣赏的同时，尝试用多种方式表达自己的感受和认识。

从课堂观察来看，欣赏·评述课运用导学案上课的成效有：1.“高效利用课堂”：学生能根据学案提示对本节课的内容和知识点有一个较为清晰的认识，在课前预习时做到有的放矢。2.学生对美术课关注度更高，导学案中带有一定检测性的小练习让学生学习兴趣更为浓厚。3.学生能了解更多的美术常识，为高中美术鉴赏课的学习打下基础。4.课堂反馈“有据可依”，在导学案最后我设计了学生个人的“课堂反思”。通过课堂的书面反馈，教师能及时发现问题，在接下来的讲课时给予一定补充。在学案设计上也存在一些问题，如文字性描述教多，注重美术知识点的整理和类似于文化课的理性化设计，没有很好地突出美术学科的特点。通过何种方式呈现学生学习效果，将美术欣赏与评价活动设置得更贴近学生生活也是值得思考的地方。

二、造型·表现：教学方法与学案评价巧妙结合。

“造型·表现”领域的课程指运用多种媒材和手段进行美术创作。在《一版多色版画》这节课，导学案的设计与教学过程紧密结合，注重学生学习的评价。在本节课学案中对本课重难点，吹塑纸版画的制作步骤及印刷注意事项，学案中有清晰说明。采用的是“先学后教”的教学方式，学生根据学案制作步骤指导，以“小组合作探究的方式”先尝试制作，之后针对制作中出现的问题教师集中讲解。在导学案中设置学生作品评价表，供版画作品评价环节中学生互评：6人一小组，组员互评（作品内容表达、造型、色彩搭配布局、制版印刷技法）。通过学案中评价表，这种学生自评的方式，学生懂得了如何更好地从艺术角度评价版画作品，较好地实现了生生互评的有效性，节省了课堂时间。

三、设计·应用：学、练结合效果好，作业形式分层次

“设计·应用”课型重在对学生设计意识和动手能力的培养，学案中作业形式和学案设计可以融为一体。如《居室的色彩搭配》这节课，作为“色彩搭配”知识的一个重要部分，能否把“学”与“练”在学案中一起体现呢？根据教材及学情，本节课导学案的设计集中体现了学生自学预习和练习结合的特点。在导学案“展示提升”中：1.为居室线稿进行色彩设计；2.设计你理想的居室并进行色彩设计。这里作业设计体现分层次教学，不同能力水平的学生可根据线稿提示或自己独立设计居室进行练习，练习部分占据导学案的半页纸。这种学案的设计学生能比较轻松地接受，学练结合突出了美术学科导学案的特点。

四、综合·探索：有一定主体倾向性的设计，体现美术学科的综合特点。

综合·探索是四种课型中综合性最强的美术活动，体现了美术与生活与现实社会的联系。在现实教学中，综合·探索课往往被教师“忽略”，原因就在于其复杂性，难以给它一个确切的学习标准，学生的学习体验在课堂上很难呈现。在导学案的设计上，教师感觉延伸的面很广无从下手。那我们何不从课程本身入手，把学案设置成具有一定内容倾向性和学科性的表达呢？如《旅行团的标志和旗帜》、《文化衫的设计制作》、《吉祥物的设计》这些课程，在学案的设置上可以把它划分为侧重于设计性的课程，学案中做相应的环节设计；如《策划一次出游》、《艺术节策划与美术设计》则偏向于学生活动策划类的学习，学案中学生对一个活动的组织、合作、交流的体现就多一些。在综合·探索课学案设计中，通过何种形式把“复杂”到“某一领域类型”或“学科”内容的转换是值得思考和不断探索的地方。

五、回归本质，倾听学生的心声。

学案从学生中来，最终到学生中去，对学案最客观直接的评价就是学生。在学案实施中期，我校对美术学案进行了问卷调查。学生的整体配合度很高，能够根据上学期对美术课学案的应用形成客观评价，针对学案怎样改进，很多学生给予了一些建设性意见：1.有学生认为学案“图文结合”的形式很好，希望在形式上更多样。2.有学生建议在学案中加入一些名画赏析或者知名画家的介绍，可以增加美术常识。3.关于导学案中根据课题内容设定的线稿、图例的练习，大部分学生认为很好。这次问卷调查很有必要而且很及时，我们及时做了学案修订。新学期的学案设计逐渐呈现知识内容简化、清晰；形式丰富化、图文并茂；文字性叙述较少，深入浅出的表达更亲生；作业设计分层设置，针对不同水平的学生。

不少美术老师在思考美术课是否适合运用学案，我们“费尽心思”设计出的学案学生是否“领情”。我认为美术课并不是不适合用学案，其重点是美术不同领域学案设计侧重点的把握。如何通过学案引导使学生对美术课乐学、爱学、会学，这就要求我们在学案的设计上体现学科特色。真正实现学案与课堂的“学思结合，知行统一”，通过课堂的继续实践和学生的观察逐渐完善和发现。不管怎样，最重要的还是聆听学生的声音，使学案真正服务学生，服务课堂学习。

参考文献：

[1]肖川.义务教育美术课程标准（2011年版）[M].湖北：湖北教育出版社.