元代工艺美术风格特点精选(九篇)

第1篇：元代工艺美术风格特点范文

关 键 词：新古典主义 室内设计 风格 审美观

1、新古典主义的特点

新古典主义是对古典主义的改良，新古典主义的最早渊源是文艺复兴运动，建筑世界是新古典主义的反映和延续。从艺术风格上来说，它以庄重、充满理性和简洁的风格特点将洛可可和巴洛克的过分奢华绚丽之气一扫而光。新古典主义虽主要流行于欧洲。但却因为各个地方的国情的不同而略有差异。总体来说，在法国流行的是古罗马样式，而英国等国家却是崇尚古希腊风格。而新古典时期在艺术设计领域成果较为突出的是家具设计和建筑设计。

新古典主义建筑在格式上与古典主义风格相仿，追求经典而传统的建筑符号和构图规整，提倡要复兴古罗马和古希腊的建筑艺术装饰。一般新古典主义建筑表现特征可分为上、中、下三段：上段的檐口及天花周边一般用西洋线脚装饰，正面檐口或门柱上往往以三角形山花装饰，与下段重块石取得互相呼应的效果或在屋顶沿街或转角部位加穹隆顶阁楼亭。中段用古希腊、古罗马的五种柱式；下段通常用重块石或画出仿古砌的线条，显得稳重而雄伟。 [1]

2、新古典主义向田园风格的渗透

近年来，田园风格愈来愈受欢迎。田园风格就是指运用带有乡村艺术和生活的形式元素为表现手段，以田地和园圃特有的自然特征表现出带有一定程度农村生后或乡间的艺术特色，及自然闲适内容的作品或流派。它是以回归自然为设计核心，属于自然风格的一支。表现出闲适生活的特色，体现出人与自然的和谐。

在田园风格室内装饰中同样具有新古典主义室内设计风格的元素。在建筑构件上有新古典时期的经典柱式和“拱券” ，柱的设计有的设计为典型的罗马柱风格和希腊柱式，使整个空间具有更强烈的西方传统审美气息；在家具上欧式田园风格家具具有典型的新古典主义家具风格，甚至直接将现代新古典主义的家具融入其中；在灯具与灯饰造型上均具有典型的新古典主义风格，其壁灯、水晶宫灯在其整体明快、简约、单纯的房子里，传承着西方新古典气息；在陈设艺术上，新古典主义时期的陈列品；还有门和柜门的造型，不但有突出的凹凸感，还有优美的弧线，两种造型相映成趣；还有设计中有设计真的壁炉，它是新古典主义的典型载体，再辅以灯光，营造了恬淡自然的复古风。

现代新古典家具在田园风格中占有一席之地，特别是现代新古典家具的涂装为仿古漆，式样厚重，不单特别注重细节上的精雕细琢，而且具有浓烈的大自然粗糙质感。造型端庄、凝重、简单大方、以大框架的形式呈现，突出了田园风格舒适、惬意、自然大方的居室特点；它比仿古风格和新古典主义传统风格的雕刻装饰线条更加简洁明了。另外材料多为实木，所以在外观上仍然保持了自然朴实的风格，例如在新古典现代家具中隐藏的抽屉的设计不仅收纳了空间，而且使其在外观上看起来更整洁、美观。粗狂的体积、简化的线条、质朴的气息也透露出乡村田园的气息。

在现代田园风格中，一些商家为了迎合一些奢侈的消费及对田园风格不是很理解的消费者，故意抄袭了新古典风格元素，比如罗马柱、拱券、水晶宫灯等等。虽然这类新古典元素一般适合在复式、别墅等，较大及层高较高的室内空间。但这些元素经过设计生产磨合，现已溶于田园风格中。这些投机的商家和追求奢华的消费者，间接的使新古典主义风格向田园风格中渗透。

田园风格和新古典主义风格追求真实，尊重自然。虽然田园主义追求一种自由朴实的自然风格，但还是能看出新古典主义的风格影子。人们可以通过一些古朴的古家具，营造舒适的田园气息，这种低成本营造别样的生活状态，透露出新古典主义元素向田园风格中渗透。

3、新古典主义在现代主义风格中的符号化

现代主义风格是一种国际化的风格，现代主义也称功能主义，是工业社会的产物，起源于1919年包豪斯学派，提倡突破传统，创造革新，重视功能和空间组织，注重发挥结构构成本身的形式美，造型简洁，反对多余装饰，崇尚合理的构成工艺；尊重材料的特性，讲究材料自身的质地和色彩的配置效果；强调设计与工业生产的联系。[2]

随着社会经济的发展，新材料的出现（玻璃、金属等），人们生活节奏的加快，对于生活中的审美也随之发生了变化，在设计的艺术流派中产生了简约风格。当代家居风格一再的简洁，失去了年轮的积累和沉淀。[3]工业化生产的现代主义家具，风格比较生硬，缺少传统家具的柔美过渡。对新古典主义风格对传统装饰元素进行提炼，或保留其形态气韵与特征，滤去复杂的细部；或用几何直线、曲线对新古典风格元素处理概括处理，重新组成几何体；或是对局部构件、配件图案用现代审美观念进行改造。可将传统的边纹和底纹，加以变形，改变线条的回转方向，构成新的图案于室内装饰。

现在，在一些现代主义风格装饰中，有的直接导入新古典家具。比如水晶宫灯、新古典椅桌等等，欧式吊灯多以树脂、纯铜、锻打铁艺为主。其中树脂灯造型很多，可有多种花纹，贴上金箔银箔显得颜色亮丽、色泽鲜艳；纯铜、铁艺等造型相对简单，但更显质感。与简洁的现代主义风格结合起到画龙点睛的作用，显得沉稳有格调。新古典桌椅多半以木质为主，造型优雅、庄重。在现代主义风格空间中，新古典桌椅本身已蜕去了功能性，而作为别致的艺术品符号发挥着艺术陈设的作用，营造了高雅的视觉中心。如果搭配一幅油画或人物风景照片，可以增强其视觉冲击力。

4、新古典主义文化观对新中式风格的启示

新古典主义是对古典主义的改良，以简洁、庄重和充满理性的特点将洛可可奢华脂粉之气一扫而光。保持了古典文化的庄重典雅，又赋予了新的思想内涵。新古典主义不是传统元素简单的堆砌，而是通过对传统文化的认知，并将现代元素和传统元素结合在一起，用现代人的审美需求来打造富有传统韵味的事物。

“传统文化作为一种意识形态，是在自然环境、经济模式、政治结构等客观条件的作用下所形成的文化现象与文化沉积。它既有深刻的内涵又有广泛的外延，它散见于经典文献、制度规章等客体形式之中，又存在于中华民族的思维方式、知识结构、价值取向、伦理规范、行为方式、审美情趣等主体形式之内，经过数千年的演绎与扬弃，这种文化沉积已经深深的融进了中华民族的思想意识和行为规范之中，渗透到社会政治、经济、精神生活等各个领域，成为制约社会历史发展、支配人们思想行为和日常生活的强大力量，它是中国国情的重要组成部分。”传统文化可以增强民族凝聚力和向心力，启发全体社会力量的爱国主义热情，对形成有中国特色社会主义价值观、人生观和世界观具有十分重大的现实意义。传统文化是民族文化创新和发展的基点，是民族智慧的结晶，任何一个国家的繁荣昌盛都根植于民族传统之中，以传统文化为前提。所以，我们要重视传统文化对中国艺术的艺术发展的导向性。

在当代中国室内设计中对传统文化的传承表现为两种，其一是利用中国传统装饰元素运用现代材料抽象化表现，如传统边饰和底纹中用得非常广泛的回纹图案，可将其基本线条加以变形，改变线条的回转方向，从而构成新的图案。还有对植物装饰纹样的简化，保留了其形态特征与意蕴，省略了较为复杂的细部，而且不失其装饰美感。回纹就是由陶器和青铜器上的雷纹衍化而来的，是将雷纹的线条直线化，用于边饰和底纹。第二种是保留中国传统装饰形式，用现代材料重新诠释出来。例如，把古代的茶几用现代的玻璃材质、金属材质等，表现出稳重、时尚、高雅的特点。在塑造新中式室内设计风格的同时，注意与人的情感和传统文化的融合、与自然的亲近等人文因素，而不是单纯的技术至上的空间分隔及简单的室内装饰。用当代材料、新工艺技术，加上中国古典元素，（观赏石、纸皮灯笼、秦砖汉瓦、木雕等装饰）配以灯光、色调，营造出“天人合一”的审美理想，同时也体现了一种文化价值。利用中国传统装饰元素共同组成新中式室内设计风格。

新中式是在当代背景下的，对中国传统文化的充分理解基础上的当代设计。其糅合中式盛唐的贵族格调，秉持中国一直保留的中庸文化之人文精神，保留精致高雅气质，摈弃不必要的奢华铺张，以一种充满和谐与优美、庄严与秩序的经典生活方式，缔造出了现代人期盼已久的至简至易至尊的生活。

新中式风格可以通过对传统文化的理解和提炼，并以现代人的审美需求，将现代元素与传统元素相结合，打造富有传统韵味的空间，让传统艺术在当今社会得以体现。唐代、明清时期家居理念的精华，被新中式风格在设计上所继承，并将其中的经典元素提炼并用现代工艺及元素加以丰富，同时摒弃原有空间布局中等级、尊卑等封建思想，给传统家居文化注入了新的气息。中式新古典主义将西方制造工艺引入，结合中国传统文化，打造了最纯正的中式新古典家居奉献给世界。

新古典主义室内设计风格是对古典主义的风格改良，是运用现代材质及工艺去表现人类的古典时期文化；是对自己传统文化以现代艺术形式的展现；是推动我国设计艺术的新的发展动力之一。新古典主义结合当代科学技术创造出的成果形成新的民族文化和风格，而传统是历史流传下来的社会习惯力量，存在于制度、思想、文化、道德等各个领域。本人利用新古典主义的室内风格化的成功，从新古典的构成进行剖析，从实质上了解新古典主义室内风格体系（包括界面形式、材料工艺、陈设、装饰元素）。再说明新古典主义在其他风格中的衍生，启示当代中国重视自己的传统文化及在用自己的传统文化时，向新古典主义室内风格体系学习。

注释

[1] 拱券是一种建筑结构。简称拱，或券，又称券洞、法圈、法券。除了竖向荷重时具有良好的承重特性外，还起着装饰美化作用。

参考文献

第2篇：元代工艺美术风格特点范文

高校教学是动画事业的起点，课堂教学，就应当立足于民族化、原创性的艺术价值观。对浙江传统工艺美术中的艺术元素进行研究，吸取其精华，提炼其内涵，将其引入动画创作的领域，融入高校的动画教学实践中，将会起到以下两个方面的作用：第一，有助于培养具有创新精神的动画高级人才，提升原创动画作品的艺术性和文化内涵，进而改变本土动画一味模仿外国、缺乏本土特色的局面。第二，传承传统文化，大力弘扬浙江地域特色文化，促进浙江地区文化“软实力”的提升。研究浙江传统工艺美术艺术元素在动画教学中的应用，具体结合课程包括：动画角色造型设计课程、动画场景设计课程、原画设计、FLASH动画、漫画与插画、动画短片创作等课程。

（一）课堂教学方法

1.案例教学法在课堂教学中，通过分析优秀案例，讲解这些案例是如何借鉴传统艺术，从而形成独特风格，使学生了解如何吸收浙江传统工艺美术中的精髓，借鉴其中的艺术风格和造型元素，创作出独具特色的动画作品。通过对案例设计过程的剖析，使学生能够了解整个设计流程，学习并掌握其中的方法。2.项目教学法在教学过程中，应用“项目教学法”，引入实践项目，这个项目有虚拟的，也有来自企业真实的项目，按照项目需要，将学生分成若干个项目小组，设立组长，明确组员的分工，每组完成一个项目。学生通过调研与查阅大量资料，从浙江传统工艺美术艺术中获取灵感，借鉴其造型设计手法，提出创作方案和构想，与企业动画师进行沟通与探讨，从而确定创作方案，制作出有浙江传统工艺美术特色的动画作品。

（二）教学实践与应用

1.展开调研与搜集素材安排学生充分利用课余时间，展开实地调研。学生先后赴浙江省博物馆、西湖博物馆、中国丝绸博物馆等地进行调研，直观而深入地了解了浙江传统工艺美术的艺术特点和艺术文化。同时，要求学生充分利用图书馆以及网络资源，搜集大量了浙江传统工艺美术的相关图片，作为创作时的参考资料。2.研究与提炼在课堂教学中，指导学生研究其中的艺术风格，提炼造型元素。在《动画角色设计》课程中，安排了大量课堂练习，绘制大量的角色设计的草图。针对人物进行造型提炼，吸取人物中的造型特点，把握适度夸张的表现手法。提炼出来的人物面部造型圆润，神情喜悦；人物服饰，线条柔和，并提炼出人物圆滑的曲线形体特征。在《漫画与插画》、《动画场景设计》等课程中，指导学生提炼出丰富的场景元素，注重表现具有象征意义和夸张效果的场景。夸张其中的景物设计，利用嫁接手法，移植、拼合其他的景物元素，设计出富有想象力的场景。在《动画短片创作》、《FLASH动画》等课程中，指导学生根据其中的风格特点，进行创作，创作出具有原创性、民族化的动画短片。3.创意与创新设计在一系列的动画课程中，指导学生结合浙江传统工艺美术的艺术特点，并依据提炼的造型元素，进行创意构思，设计出传统与现代相融合的动画作品。在一系列的动画课程教学中，注重培养学生的创新精神，鼓励学生勇于创新，探索和尝试多种不同的动画表现风格；要求学生，在作品中既要突出民族化艺术内涵，又要符合现代人的审美趣味，迎合市场需求。

（三）教学成果

1.学生作品通过对浙江传统工艺美术元素的教学应用研究，融入一系列的动画专业课程教学中，得到了很好的教学效果，学生创作积极性高涨，课堂教学反应良好，并受到广泛好评。2.竞赛成果在本课题的实践环节中，引入设计竞赛，以竞赛促教学。充分调动了学生的学习热情，学生都能积极相应并参与其中。利用本课题的课堂实践成果，结合竞赛设计要求，创作出富有浙江传统工艺美术艺术特色的动画作品。辅导学生参加的设计竞赛包括：指导学生参加“杭州市大学生科普动漫创意设计竞赛”，获二等奖；指导学生参加“全国大学生白金创意比赛”，获入围奖；指导学生参加“中韩现代广告设计大赛”，获铜奖；指导学生参加“安吉竹文化跨界创意设计竞赛”等。

二、与当代动画教学体系的融汇思考

第3篇：元代工艺美术风格特点范文

油画自传入中国已有近三百年历史,20世纪是中国油画发展极重要的一百年,这期间经历了风雨飘摇的社会剧变,伴随着政治与经济的变革,油画逐渐成为融入了具有中国人特有的意识形态与传统文化特色的画种,自中国改革开放以来,关于西方油画的信息从多种渠道引入中国,大大开阔了艺术家的视野,为艺术家创作提供了可以借鉴的平台,油画语言也变得丰富了。艺术家们逐渐将油画民族化问题放在了比较重要的位置,在一代代艺术家的努力探索下,油画开始慢慢摆脱了西方绘画的影子,渐渐走向了中国本土化的道路,期间当代油画经历了几个比较有特点的时期,出现了一些风格独特的派别。艺术家以自己的审美趣味来表达自己的艺术观念,显示自己的艺术风格。中国当代艺术家广泛吸取西方传统油画的长处,西方油画历经几百年形成自己的科学体系和发展规律。我们要做到“洋为中用”,首先要学习西方油画已经取得的成果,又要结合中国积淀千年的传统文化,从而形成中国自己的油画。通过对油画创作中中国元素的运用,可以让我们的作品摆脱西方油画的影子,更好地与所处的地域、时代特点与艺术发展规律结合,顺应社会需求,创作出符合时代、历史特点的好作品。

二、油画艺术语言的形成

艺术家用艺术语言表现精神。思维方式和操作方式两方面构成了艺术语言。以“艺术的方式进入”是艺术家的思维方式,将个人对社会化的问题或艺术家个人情感以艺术的方式呈现出来①,呈现的过程即“画”的过程。艺术家的思维方式决定着艺术的形式、风格,也直接影响了艺术语言特征的形成。油画家用自己的审美趣味来选择合适的油画创作方法,目的是更充分地表达自己与别人不同的观念,显示自己的艺术风格。中国当代油画艺术形式举不胜举,绘画理念不尽相同。艺术家在探索艺术之路的过程中,很自然的对画面本身的关注越来越重要。而对于观众来说,除了欣赏画面的内容,更重要的是对作品自身的挖掘,人们对艺术作品自身的关注使画家们借助作品内容表达情感的同时也加强了对画面形式语言的研究,充实作品的趣味性,使作品耐人寻味,增强其艺术感染力。

油画经过几百年欧洲艺术家们的探索,油画技法、表现语言走向成熟,积累了大量杰出的作品,产生了艺术史上光辉璀璨的艺术流派:弗兰德斯画派、威尼斯画派、荷兰画派、巴洛克风格、洛可可风格、新古典主义风格、浪漫主义风格、现实主义风格、印象派、现代派……在油画诞生不久,伴随着欧洲传教士这个画种传入了中国,“西画东渐”从此拉开序幕。由于文化与意识形态的差异,油画并没有像欧洲那样繁荣发展,根本在于西方油画的人文主义与东方的中国封建社会集权制的本质区别。中国的油画体系源自欧洲体系,发展到现在只有一百年。在一百多年发展过程中,中国的先辈们学习西方艺术历史、了解发展油画样式、模仿借鉴者他们的形式、风格、艺术观念。做出决定性贡献的老一辈艺术家李铁夫、徐悲鸿、林风眠、刘海粟、吴作人等先驱们为油画传入中国做出了卓有成效的工作。随着西画运动的推进,中国主要形成了由徐悲鸿、颜文为代表的写实和由林风眠、刘海粟为代表的现代主义。由于政治的因素,现实主义油画成为主流。解放后特定的社会背景使得油画作为宣传政治思想,歌颂新社会的工具,油画的西方艺术观念被淡化,油画民族化问题越来越鲜明。但此后的二三十年,政治环境限定、自身的艺术规律及表现方式被禁锢,油画的发展受到影响。②

改革开放后,畅通的文化信息渠道给予艺术家了解西方油画体系的机会,使他们不断深入实践,在一种科学的艺术体系指导下平静理智地边学习边摸索,挖掘自己的艺术语言。伴随着吴冠中对绘画形式美的讨论,中国油画开始从政治的工具中解放出来。中国油画拉开了个性化创作的序幕。迎新春画展、十二人画展、星星美展、以罗中立的《父亲》、陈丹青的《组画》、何多苓的《春风已经苏醒》为代表的一批优秀作品问世,是中国油画个性化创作的开始。随之乡土绘画、伤痕美术引发的艺术思想的解放,最终引起了85美术新潮运动。这是西方现代主义哲学和艺术冲击在中国本土的反应,由此出现了一批以传达观念思想为主的现代主义风格画家。与此同时随着乡土写实风格的延续出现了中国新古典主义风潮,靳尚谊、孙为民、杨飞云、王沂东、陈逸飞等古典主义扞卫者占据了中国油画写实主义的主流地位直延续到今天的写实画派。随着中国经济改革的发展,中国当代文化的复杂性与多样化使得中国油画进入了多元化状态。政治波普、艳俗艺术、玩世现实主义、新表现主义等等。③

三、当代油画艺术语言特征

回望近十年公开展示的作品,以传统技法创作的写实性绘画,多取材于本土少数民族或画家生活当中的人与物。这类作品汲取西方绘画样式结合本土少数民族特色,所画人物以东方含蓄、内敛的审美为主,具有地域和时代特色。也有不少静物画、风景画,借鉴中国画的某些因素而别具风味。这类作品大多以一种具体或半具象的形式表达一种抽象的情感,超越了画种的界限更具画家个性化。以抽象语言表达材料本身美感的画家则更具探索性,因为他们抛开形象的束缚,使得材料成为画面的支撑,材料也就必须更讲究,使画面不会空洞。

中国幅员辽阔,地大物博,传统文化积淀丰富,民族文化差异东西南北各不相同,为画家创作取材提供较大空间。中国元素内容包含深远,中国特有的哲学、文化、民族、地域风貌、审美习惯等。这一切造就了中国画家的艺术思维方式,形成了特有的艺术语言。中国传统审美区别于西方古典艺术的真、善、美。西方古典艺术绘画在文艺复兴开始至17世纪形成,主要表现有三个特征:1.重理性原则。把人的理性提到第一位,给理性规律以绝对意义;2.重形式原则。注重艺术修饰,题材上分类严格;3.重类型原则。重视画面的永恒性,不受时间的限制。④而中国艺术更注重表现性,强调主观感受、情感的表现,形式美感。⑤当代油画家以中国人的艺术思维方式融合西方的艺术形式创作出千差万别的中国特点鲜明的艺术作品。

油画创作借鉴中国元素的方式从某一角度看可以划分为三类:1.绘画技法继承西方绘画体系和审美继承中国文化传统;2.表达中国传统审美文化精神,在技法上有创新;3.表达现代观念与精神,艺术手法自由。

在中国,油画作品中体现传统文化或样式的画家屡见不鲜,且有很多当代名画家。如:艾轩、陈逸飞、刘孔喜、杨飞云、王沂东、张利、郭润文等,这些目前活跃于中国画坛的成熟艺术家为中国元素在油画艺术中的使用起到了很大作用。艺术内容表达的形象美和古典艺术静穆单纯的艺术表达方式使传统艺术形式经受住时间的销蚀,历经代代画家仍为很多画家学习并继承。技法较传统的画家学习古典大师的技法材料,也借鉴古代大师的审美风格。张利的作品以少数民族人物为内容,强调东方人特定的形象,艺术手法承袭17世纪荷兰画家伦勃朗。作品对西方传统绘画技法和中国少数民族形象的选用很到位:人物形象经典、特征明确,具有典型性;绘画着重对人物头部进行描绘,先做出肌理,再细细塑造;画人物的衣服让人觉得随性而不随意,用薄薄的颜色一笔带过简单帅气,给观众造成松散、虚实、变化丰富的效果,画佩戴的首饰用厚厚的颜色做出肌理,与薄薄的衣服质感形成强烈对比。等颜色干了,形成丰富的笔触,再用透明颜色层层罩染,凸出笔触的地方油画色白,凹处笔触形成色垢。张利的作品与众不同在于:他的画中的首饰很厚重随着笔触与肌理被抽象化,没有细细描摹勾勒,帅气粗放的抽象表达形式打破画面细腻柔和的整体性,加深了画面感染力,展现出现代人的审美特点。⑥刘孔喜沿用传统坦培拉材料创作。他的作品近年以描绘“”时期知青在兵团的生活为主。显示了中国特定社会时期的人文主义怀旧情调,古代常见的坦培拉绘画材料色彩淡雅、清新,笔触造型细密丰富,刘孔喜在向古代大师学习绘 画技法的过程中摸索到自己个人的表现技巧,作品继承传统西方绘画静穆、单纯的审美,更表现出他个人艺术素养与时代精神。这些画家的作品崇尚古典精神,追求理性和唯美,取材于现实,追求永恒与宁静的审美情趣,运用西方古代技法,沿袭中国传统样式,传达现代审美意识。这种艺术风格在整个当代油画艺术占据主流地位。王沂东的作品形式上借鉴中国年画的平面性,作品内容和色彩源于中国农村生活,构图和情调借鉴西方大师经典,让观众看到作品既亲切,又有艺术美的享受。

表达中国传统审美文化精神,在技法上有创新的画家多以借鉴中国传统绘画元素。画家尚扬、洪凌、曹吉冈的作品减弱了形的因素,利用抽象语言表达出材质本身的美感。科技的进步带来绘画材料上的进步,画家们对绘画媒介的灵活运用增强了绘画表现力和个性。借助传统技法材料或运用新材料借助古代艺术语言,利用颜色层的相互隐映与底层肌理结合,产生了极具传统中国画意味的油画作品,给观众带了与众不同的形式美感。

表达现代观念与精神的画家:张晓刚、毛焰、刘晓东、方力钧等画家,以表达现当代人文精神,虽然是写实手法,表达的精神及观念是一种特定的抽象化的中国当代社会生存状态和文化特征。

油画家从个人审美趣味的角度选择合适自己的油画创作方法,为的是便于更充分地表达个人艺术观念,显示特殊的艺术风格。中国元素的使用在艺术创作中把艺术和人合二为一,形式与内容统一在一起,在中国当代艺术变革中全面学习了西方的传统,同时又把中国传统的东西继承下来,里面有精神、文化、品德、学术目标和学术深度,我认为这是弥足珍贵的。

四、结语

第4篇：元代工艺美术风格特点范文

关键词： 国立艺专 蔡元培 美术教育

中国近代艺术专科院校筹备工作的发端，可以追溯到清末勤工俭学运动：1920年，以林风眠、林文铮、李金发、吴大宇为代表的留学生远涉重洋赴法国学习西方艺术理论和美术技法。他们在学习西方绘画、文学和艺术史的艰辛历程中时刻探索、介绍中国艺术和融合中西文化以正兴中国当代艺术风气。林文铮和林风眠等人在法国成立了艺术社团——霍普斯会，并于1924年在德法边境重镇斯特拉斯堡举办首届“中国古代和现代艺术展览会”，1925年巴黎国际装饰艺术和现代工业博览会筹备中国馆展会工作。国立西湖艺术院（即国立艺专）的教育方针在“中国古代和现代艺术展览会”时期就已经初具雏形，而蔡元培透过这两次展会发现了中国美育运动的第一批骨干力量：林风眠、林文铮、王代之、刘既漂、曾以鲁等一大批有天分的艺术家。

1927年11月27日，艺术教育委员会在上海法租界马斯南路98号召开第一次全体大会，蔡元培亲自主持该会。本次大会最重要的是两大提案，一为大学院美术展览会的设立，另一就是筹办国立艺术大学。提案中写道：“欲谋全国艺术普及，须于长江流域，环境适宜，风景佳胜之地，先建设一艺术学院，次及其他各地。”这个提案在蔡元培看来当然是绝对的赞许，于是中国南方第一所艺术最高学府的筹备活动就此拉开帷幕。林风眠、林文铮、王代之受命开始进行艺术院的筹办准备工作。

1927年12月27日在南京成贤街大学院会议厅召开的艺术教育委员会第二次会议上正式通过创办国立艺术大学案。蔡元培亲自拟写《创办国立艺术大学之提案》，国立艺术大学在1928年1月正式确定名称为国立艺术院。蔡元培亲自书写校名——“国立艺术院”五个大字至今矗立在中国美术学院的大门口。该校的创办从提案开始，到具体办学经费的筹措及落实、教职员工的人数配备、院系专业的课程设置，甚至连学生人数和学校地址的选定，蔡元培都亲历亲为，一一给予悉心安排。

在1928年4月9日举行的学校开学典礼上，他发表热情洋溢的演讲：“艺术是创造美的、实现美的，西湖既有自然美，必定要再加上人造美，所以大学院在此地设立艺术院。宗教是靠着自然美，而维持着他们的势力存在。现在要以纯粹的美来唤醒人的心，就是以艺术来代宗教。所以大学院在西湖设立艺术院，创造美，使以后的人都移其迷信的心为爱美的心，借以真正地完成人们的生活。”①呼吁人们用对美的崇拜代替宗教的崇拜，实现他的“美育代宗教”的理想，在全社会掀起美育新气象，以达到恢复民族精神、提高国民道德、培养艺术兴趣的目的。并对艺术院的师生提出了要进行学术研究和创作活动的要求。而学校在林风眠、林文铮的领导下，以“介绍西洋美术；整理中国美术；调和中西美术；创造时代美术”为其办学方针和目标，以培养专门艺术人才，倡导艺术运动，促进社会美育为宗旨，成为中国近代美术教育的基地和传播西方现代美术的重镇。该校的成立带来了清新、独特的学术风气，其崇尚艺理、宽容谦和、会通中西的教学思想与“兼容并包”的北大思想如出一辙。蔡元培则成为该校的精神导师和学校灵魂之所在。

1928年秋，蔡元培辞去大学院院长及中央政治会议委员、国民政府委员、司法部长本、兼各职，仅保留中央研究院院长一职。他离开教育领导岗位后，美育的社会重要性不为当政者所认同，艺术教育再度受到轻视。1929年秋，南京政府“中央政治会议”认为艺术院不合大学组织法②，被降格改为专科学校，校名改为国立杭州艺术专科学校，学制改为3年。

林风眠等学校负责人认为艺术教育年限太短，不易造就较高层次的人才，同时，普通中学毕业生一般艺术修养太差，缺乏高质量的生源，于是创设专门培养预备生的艺术高中部，一方面为本科培养生源，另一方面培养中专美术人才。高中部学制3年，招初中毕业生入学，毕业后升入专科学习，使学生有6年的学习时间。因此，学校性质虽然由学院改为专科，但对学生的学习要求并未降低，学习时间的延长和课程的增加保证了教学质量，这一学制上的大胆改革，蔡元培非常赞许，此举开创艺术院校设立附属高中之先河。1930年秋，高中部首届62名新生入学。

学制改变后，学校对课程安排也进行了调整，更强调基础课的重要性，而且为了促进中西画风的交融与互相学习，融合中西画法双方之传统及优势，进而培养出兼长中西画法而能创造新风格的艺术人才，遵从蔡元培在办学提案中提出的中、西画合并的主张，把绘画系中的西画和国画合并为一系，在绘画系内不再分专业，规定中、西画必须兼习。

学校教务长林文铮在《本校艺术教育大纲》中对这一论点作了具体的表述：“一切艺术，即使表面毫无关系的音乐与建筑，在原理上完全贯通的。现代西方新派绘画深受东方艺术的影响，而郎世宁的国画又岂非国画受西方影响的明证？根据历史与西方现代艺术的趋势，我们更不宜抱艺术的门罗主义以自困。”③从当年的一份六年制绘画系课程表④中看出课程目的在于扩展学生知识面，同时更重视美术基础训练，特别突出木炭画（即素描）基本功的培养。学校毅然把学生入学后的前3年时间大多投入素描训练，在高中部阶段这门课占总课时的60%之多。学校规定学生选修系别是以素描的优劣为标准的，进入专科后不再设素描课。学生在此种教育模式的熏陶下，基本功非常扎实，为以后的发展打下坚实的基础。蔡元培对这一举措很赞赏，认为：“无论何系学生，第一年均习木炭画，即预备于绘画科中专习中国画者，亦从木炭画入手，为将来改进中国画之基础。”⑤

学校还出台了各课程的课程纲要，明文规定各学科不同阶段学生需要学习的主要内容及必须达到的标准。课程纲要上明确了各课程的形式、内容、目的及要求，特别是外语类课程还详细列出了所用的教科书。首任校长林风眠曾对艺专的高中部做过这样的评述：“附中既学素描、色彩，又学国画、书法，对打好扎实的基本功，很有好处。”

该校具有创新意义的是其进步的教学理念及独特的教学法，林风眠、林文铮等人认为学校虽然不能在学习时期培养出艺术家，却必须给予未来的艺术家基本方法及经验。这成为艺专教学的一大特点，并使学生毕业后受用无穷。这从学校培养了一批当代艺术界精英人物的事实中可以得到佐证，事实表明学校当时制定的培养目标和教学方法在塑造一代艺术人才上起到了正确的指导作用。艺专高中部的教育模式陆续造就一批在不同程度上学贯中西或各擅其长的艺术人才，这些人遍布全国各地和世界各地，以其卓越的成就扬芳艺坛，如吴冠中（油画家，1936年入高中部）、王朝闻（雕塑家、艺术理论家，中国艺术研究院副院长，1932年入高中部）、李霖灿（博物院副院长，1932年入高中部）、罗工柳（油画家、中央美术学院副院长，1936年入高中部）、群（画家，1935年入高中部）、赵无极（画家，1935年入高中部）、力扬（诗人，图案画家，1931年入高中部）、张晓非（女画家，鲁迅美术学院副院长，1936年入高中部）等。培养目标、教学方法等都包括在林风眠、林文铮制定的《国立杭州艺术专科学校组织法》、《艺术教育大纲》中。这些重要文件都得到蔡元培的首肯。

杭州艺专高中部与大学部的教师不分界限，林风眠、潘天授、吴大羽、刘开渠、林文铮、蔡威廉、李超士等著名教授都同时为高中部学生执教。艺专教师群体的原始班子分三个来源，一是留学欧洲学成归来的，其中不少本来就是海外艺术运动社的成员。如：林风眠、林文铮、吴大羽、方干民、蔡威廉等。二是北京国立艺术专科学校的优秀毕业生，如：刘开渠、雷圭元、李朴园等。三是国内思想新进、有创造性的艺术家，以国画家为主要教学骨干，如潘天寿，他为高中部开设中国画课程。杭州艺专还聘请许多外籍教授。学院对不同学派和学术观点的教师，只要有高水平，都不惜重金聘任。

从上述教师群体构造中，我们可以看出这一群体大致是由海归派、本土派和外籍教师组成。教师群体中，虽然个人的风格和流派迥异，其艺术主张大相径庭，融合派侧重于吸收、借鉴西方艺术，而传统派却更重视传统。但他们决不互相轻视，互相攻击，而是互相促进、互相发展。就学术团队来说，这不能不说是一个奇迹。这一点也构成了学校最鲜明的风格之一。而该风格的出现和蔡元培的“兼容并包”的办学理念是紧密相关的。学校负责人不以自己的学术观点统治整个学校，相反的，学术上只要言之有故就有存在价值，于是各个流派的艺术家都汇聚在艺术院。可见，蔡元培学术团队的构建作风已经融入学校的办学过程中，成为艺专的办学精神和指导方针。这种特征一直影响了学校日后的发展，成为它自身传统的一个重要部分，并使它成了中国艺术教育史上贡献最大的学院。各种不同教学方法相互促进，不同流派相互竞争，不墨守成规，大胆创新，形成艺专高中部的教学特色。

杭州艺专高中部严谨而创新的办学风格，为国立艺术院真正办成艺术大师的摇篮打下了坚实基础。这所艺术院培养出来的艺术大师数量之多，影响之广是空前绝后的。正如前文所述艺术院造就了一批轰动海内外艺坛的学贯中西、博古通今的艺术大师。这些艺术家影响全国艺术界乃至世界艺坛，创作出无数精美的艺术作品美化人类的生活。可以这样说，中国现代视觉艺术领域的大师多半都诞生于国立艺专高中部，这所大师摇篮为现代中国创造了全新艺术图景，为当代中国艺术矗立起宏伟的艺术殿堂。

注释：

①高平叔编.蔡元培全集.中华书局，1988，第五卷：219.

②1929年4月26日通过的大学组织法规定：大学分文、理、法、农、工、商、医、药、教育、艺术及其他各学院，凡具备三学院以上者，始得称大学，大学教育注重实用科学之原则，必须包括理学院或农、工、医各学院之一。教育杂志，第二十一卷，第九号。

③亚波罗，十三期，转引自潘公凯编：艺术传薪，中国美术学院出版社1998年版，第15页

第5篇：元代工艺美术风格特点范文

关键词：抽象；风格派；极简；现代家具；现代风格

1.风格派（De Stijl）的特点形成

1917年在荷兰出现了几何抽象主义画派，以《风格》杂志为中心，因此得名。风格派的主要成员有杜斯伯格、画家蒙德里安（Piet Mondrian）、里德维尔德（Gerrit Thomas Rietveld）、美术家V.胡萨尔、列克、建筑师万特霍夫（Matn·Hoff）、奥德（JJ·P·oud）等。他的一些主要成员的接触不多,但他们有相似的美学观念,即绝对抽象的原则。风格派从一开始就追求艺术的“抽象和简化”。风格派拒绝使用任何的具象元素，主张用纯粹几何形的抽象来表现纯粹的精神。艺术家们共同关心的问题是：简化物象直至本身的艺术元素。在抽象化与单纯化的口号下，风格派提倡数学精神。从后印象主义经过立体主义走向抽象创造的蒙德里安，使黑和白的分割、黑与黄的冲突达到原色的和谐。因而，平面、直线、矩形成为艺术中的支柱，色彩亦减至红黄蓝三原色及黑白灰三非色。艺术以足够的明确、秩序和简洁建立起精确严格且自足完善的几何风格。风格派是绘画史上的革命，更是对之后的艺术风格产生了深远的影响。二十一世纪，许多著名的设计师对风格派的艺术运动更是念念不忘，时时在他们的作品中发现风格派精髓被运用。

2.风格派艺术在现代家具设计中的应用

风格派对三原色、精密的矩形和几何构图、四维空间的设计等强烈要求，开启了实用主义（functionalism）的先河。里特维尔德设计的红蓝椅（Red Blue Chair，1918）即为风格派最有力的代表作。在现代的设计中，我们常看到风格派艺术的影子。抽象表现为把事物的某一个细节、功能夸大而设计出的一种新的事物。在家具中，通过这种夸大某个细节的设计理念带来的简洁家具，简练而又丰富，往往令使用者回味悠长。风格派通过提炼去表达简约。风格派家具有醒目的色彩、简练的造型、精巧利落的线条和多种材质的混搭等特点。风格派的家具设计特色是点、线、面和色彩等设计元素、材料都很单一。尤其以在德国科隆国际展览会上展出的家具为流行的风向指标，此风格的在2012年1月科隆国际家具展上，中国抽象艺术家潘微、薛松携手世界顶级家具品牌Domicil，推出了三款抽象艺术沙发。潘微的《梦》和《花》采用中国文字造型，繁复工整，情绪丰富，他大胆采用了中国红、宝蓝、祖母绿、亮橙等艳丽的色彩，使作品有跳跃的梦幻之感；薛松的《意象书法》则用印刷品碎片为载体，将中国书法和图像信息重新拼合，是浴火重生后的洒脱与自在。三件作品均呈现出中国传统文化体验与德国精神。

随着时代的发展，风格派家具的设计更专注于研发新式材料和对人体工程学的研究。或是强调舒适感的沙发，或是造型独特的椅子，或是注重环保性能的家具，都使其功能性与装饰性恰到好处的结合在一起，倍受人们的喜爱。现代人生活压力大常让身体处于疲惫的状态，抽象风格家具用简单线条表现雅致生活，强调功能至上、造型精美、工艺精湛，犹如一场春雨过后般的清新、明快，让人倍感舒畅，这样的家居空间也不失为是一种减压方式。风格派艺术运动体现的是一种美学思想，不同的设计师都有自己的理解和诠释，在家具设计上也就表现出不同的风格特征。

风格派对“极简”的追求表现在装饰上并不是空间的简单，而是设计感强烈的简洁。建筑大师密斯·凡·德·罗（Ludnig MiesVan DerRohe）提出“少就是多”的设计思想，在这里得到很好的体现。在现代的家具设计中我们可以看到抽象图案的应用，抽象的图案本身是抛弃了传统之形，留传统之韵，带给人们的是一种可以自由发挥的愉悦，家具设计师很好的利用了抽象图案的这种特点，把抽象图案应用到家具设计中，给人们创造一种梦幻意境，从中体会一种心灵上的放松、一种不受限制的自由。风格派家具的设计，强调精粹的凝练，是一种透着意韵，滤去城市喧嚣与浮躁的明快而悠扬的表达。风格派家具作为一种功能性极强的艺术品，设计时功能与艺术的有机结合，才能在家具创作才思不竭。

3.风格派艺术在室内设计中的应用

风格派极力主张艺术应不断净化以达到和谐、有序与清澄的境界,并严格遵循作品的质朴化和几何形体化，构成画面的是直线与纯原色这些最简单的元素。认为抽象的,无个性和情感的艺术才是最纯粹的艺术。风格派的这种艺术理念,对二十一世纪的建筑和纯设计领域中有广泛的影响，特别是对现代室内设计有深远的影响。

室内设计中，运用抽象元素如鲜明的色彩、活泼的图案，会有很多人感觉难以适应，且与传统的设计风格又格格不入，其实，抽象元素很容易与现代室内风格相配合。很久以来，传统的设计装饰图案：点、锯齿形、重复的条纹与自然的、生物的形状常被用于装饰设计之中，现代的艺术家和设计师们延续了这一传统，使用现代设计手法古为今用、变形改造等获得强有力的表现效果，在色彩上常常运用黑白两色强烈比对的形式。黑白两色与三原色的组合是抽象艺术设计的典型表现，能够形成一种明快的色彩设计，中性色的墙壁使得抽象图案成为空间的主角，装饰品和布艺的多种色彩相映成趣，这就使抽象完全融入到了设计之中。

风格派艺术家们的艺术理念为室内设计提供了灵感，远离烦琐的细节，大面积运用简单色彩，创造一种宁静、简洁的内部装饰。运用淡灰色、桔黄色、鲜绿色等简洁大方的色调巧妙组合，或者加入中性色的微妙变化，共同营造出一种非常简约活泼的氛围。

4.结语

风格派艺术在我们的生活中广泛应用，无论在家具设计还是室内设计中都在发挥着作用。风格派艺术的那种追求简练、舒适、自由、畅快的艺术风格是值得我们设计师吸收并加以利用的。等，所有艺术的本质就是人们大脑活动反映出来的，因此我们生活的空间本身就是一件艺术，所有的一切都可以是抽象的。对于我们现代设计师来说，生活的艺术、交往的艺术、语言的艺术中都有我们汲取的养分，我们要在学习过程中，不断寻求适合我们的艺术表达方式，在设计过程中不断吸取前人的经验，更大的发挥我们自身的创造力，为我们今后的设计搭桥铺路。

参考文献：

[1] 胡景初 等编著.《世界现代家具发展史》.中央编译出版社.2008年6月第一版

[2] 彭亮 胡景初 编著.《家具设计与制造》. 高等教育出版社; 2008年第二版

[3] 托马斯?L?弗里德曼 编著.《简约之美:现代主义风格》.天津科技翻译出版公司. 2002年6月第一版

第6篇：元代工艺美术风格特点范文

估价第二高的是编号66，尤金・普林兹设计的《棕榈木氧化铜双边办公桌》，19世纪30年代出品，估价为150,000-200,000美元。这张办公桌的一边是可调节的活动架，另一边有四个抽屉可用，桌上有EP字样的签名。尤金没有接受过专业的设计训练，他只在他父亲的工作室中学习如何制作家具，制作具有历史感的家具，但他所设计的家具却别具一格，受到人们的喜爱。估价第三高的是巴黎设计师莱恩・沃特兰63号拍品《塔罗糖树脂玻璃镜子》，估价为30,000-40,000美元，设计于20世纪50年代。沃特兰除了设计镜子外，她还喜欢设计手镯、化妆盒、药丸盒、吊坠等等。

除了以上几件高估价的作品值得特别关注之外，拍卖行还重点推荐了六件人气作品：

如编号1的拍品《银篮子》，1905年，科罗曼・莫塞尔(Koloman Moser 1868-1918)设计，估价20,000-30,000美元。玫瑰花形的外轮廓，非常的精美。莫塞尔是一位奥地利艺术家，他被誉为是影响20世纪平面设计的重要设计师，同时也被誉为是维也纳分离派最重要的艺术家。在莫塞尔的一生中，他设计了大量的艺术品，如邮票、杂志插图、彩色玻璃、瓷器、吹制玻璃、餐具、银器、珠宝和家具等等，设计范围广泛。他曾就读于维也纳学院和艺术高等学院，并于1899年任教于艺术高等学院。大约1901年左右，莫塞尔出版了一本关于挂毯、纤维、墙纸的设计素材书，此书影响广泛，受到许多设计师的追捧。他的作品于2005年被选作设计欧币的母题，即奥地利100欧斯坦赫夫教堂纪念币。

编号45是拍卖行重点推出的第二件拍品，意大利著名建筑师和设计师吉奥・庞蒂(Gio Ponti)设计的《“水手”抛光陶瓷花瓶》，设计于20世纪30年代，估价4,000-6,000美元，由理查德・吉诺瑞制作完成，花瓶上有理查德・吉诺瑞的签名。庞蒂1891年出生于米兰，是意大利著名建筑师和设计师，曾参加过第一次世界大战，1921年毕业于米兰工艺美术学校建筑专业。他广泛参与了建筑、室内、家具、灯具、包装、展示及玻璃等领域的设计。1928年起，庞蒂先后创办过《多姆斯》和《风格》两种设计刊物，大力宣传现代设计思想，曾发表过依据功能结构重新塑造产品形态，摒弃传统求得“真实形式”的见解。他还是意大利蒙扎设计双年展和米兰设计三年展积极的组织者，“金罗盘奖”的发起者、“设计工业协会”的共同创办者。庞蒂在战后最重要的建筑作品，是与著名工程师纳尔维共同设计的皮瑞利大厦，该作品被公认为具有国际水准的杰作。

此次的拍卖会还特别推出了许多20世纪重要的家具设计品。编号62《四张可卸椅子》，是法国南锡著名家具设计师简・普鲁威(Jean Prouve)的作品，设计于1948-1954年，估价为12,000-15,000美元。椅子桌脚部分是上漆的钢材，桌面是由夹板构成的。普鲁威虽生于巴黎，却是南锡人，父亲是著名的“南锡艺术学派”的创始人之一。普鲁威从1916年到1919年在著名金属工艺师艾弥尔・罗伯特(Emile Robert)的作坊学艺。后来又去巴黎学习金属工艺的制作。所以普鲁威的家具设计大都与金属有关。普鲁威的设计不仅注重形式，还注重金属的特性、木质的特性、其连接和生产的方式等可行性的探索。普鲁威经过对折叠技术的反复研究设计出的桌子轻便实用。早在20世纪20年代，普鲁威就将预制家具这种新型设计理念运用到巴黎电气公司的家具设计上。普鲁威的设计极其新颖大胆，并时常结合机械装置设计出各种可调节的椅子来，为此他曾多次获得奖项。

虽然20世纪欧洲的家具设计一直都处于领先地位，但是具有东方特点的日本家具设计也得到了许多收藏家的青睐，如编号79《胡桃木曲面沙发》，由日裔美国著名设计师乔治・中岛所设计，设计于1964年，估价22,000-28,000美元，是拍卖会重点推荐的第四件拍品。中岛是20世纪家具设计的革新者，被誉为“美国工艺美术运动之父”。1983年，他接受了日本天皇和日本政府颁发的瑞宝奖章。乔治・中岛1905年出生于美国华盛顿，1929年毕业于华盛顿大学建筑专业，学士学位。1931年，获得麻省理工学院建筑专业硕士学位。毕业后，他卖掉了轿车买了一张环游世界的船票去巴黎、南非和日本旅游。在日本时，他为美国建筑师安东尼・雷蒙工作，利用业余时间游玩了整个日本，吸收了日本建筑设计的精华，使他往后的设计极具日本传统风格特点。1940年回到美国，并在美国学习日本传统木工制作和连结技术，他最具特色的便是用蝴蝶节把家具的各个部件连接起来。

而日本著名设计师仓俣史郎的作品，编号95《“月亮有多高”钢合金网椅》，1986年设计，估价为7,000-9,000美元，是拍卖会推荐的第五件拍品，在拍行重点推荐的6件拍品中，日本设计师的作品就占了两件，可见日本家具设计的影响力。此椅采用膨胀的金属网面材料，造型简洁，无任何装饰，椅子泛着淡淡的银白色的光，让人联想起发光的月亮――最初仓俣史郎的想法就是要设计一款不受重力感觉的椅子，而这款椅子最终完成了他这一设想，椅子膨胀通透的设计刚好可以给人以飘忽的悬浮感觉。仓俣史郎善于使用压克力、玻璃、钢丝等革新性的材料，并且抓住这些材质的特点，经过别具匠心的设计使产品失去重力，产生轻盈的视觉。他将西方文化与日本美学结合起来，使作品简洁大方，却又创新性地保留了日本的传统风格。他著名的设计《月亮扶手椅》，就很好地体现了他的设计风格：将抽象、极简主义、包豪斯现代主义的要素融入到东方文化艺术的特征中。

第7篇：元代工艺美术风格特点范文

本课的教学内容选取自中国人美版《美术鉴赏》普通高中新课程标准实验教材第15课“民族文化的瑰宝——辉煌的中国古代工艺美术”中的陶瓷艺术鉴赏部分。本课陶瓷一节，分别介绍了原始彩陶和宋元等朝代的瓷器，特以《人面鱼纹彩陶盆》、《白瓷孩儿枕》、《青花八吉祥纹扁瓶》为例，说明中国古代陶瓷的巨大成就和深远影响，同时反映其艺术特色和多姿多彩的面貌。课本中文字讲解简洁、精练，配图少而精，8张图片中有4张是青花瓷器，可见青花瓷的魅力和地位。

二、学情分析

本课的教学对象是高中一年级的学生，他们通过前面14课的学习已经掌握了一定的美术鉴赏知识和方法，他们喜爱美术欣赏，学习充满热情，一部分学生能主动、独立地对艺术作品进行较为专业、全面的鉴赏和分析。但是由于文学知识和审美能力的积累有限，所以教学设计应以基础知识为本，用深入浅出、灵活多变的教学形式使学生掌握基本的人文知识和审美方法，用以引导他们今后的专业学习。

三、教学设计理念

高中美术鉴赏课是以视觉艺术鉴赏为主要内容，透过视觉形式来理解人文背景、形成原因、情感诉求，并进行艺术再创作的课程。美术鉴赏课是一种文化学习传播，影响着学生的、生活方式和良好的性格、素养的形成。

本课设计重在培养学生的审美方法、爱国情怀、乡土与国际意识，以及能进行终身学习的能力。分为以下三个步骤：

1.音乐导入：以学生喜爱的流行歌曲《青花瓷》吸引注意力，适时导入主题。

2.欣赏环节：紧扣主题，以精选的青花瓷图片进行深入欣赏，找出其特点、价值，实现教学目标。

3.知识拓展：学生运用青花瓷的装饰风格进行创作。

四、教学内容

1.鉴赏知识：元青花的特点、创烧的历史背景、与中国文化精神的关系、艺术价值。中国各历史时期瓷器简介。

2.专业技能学习：掌握基本的鉴赏、观察、比较、分析方法；学会提炼青花瓷的装饰纹来进行创作。

3.人文情怀的培养和知识拓展：积极地师生互动学习，鼓励学生综合运用其他自然学科知识独立深入思考艺术作品与科学、历史、文化、情感的关系（即各学科知识的整合学习）。

五、教学目标、重点、难点

（一）教学目标

1.使学生掌握正确、科学地观察、欣赏中国瓷器艺术的方法。进而激发学生的爱国热情和对中国传统艺术学习的兴趣。

2.学生初步认识元代青花瓷产生的历史背景、原因，艺术特点和艺术价值。并能独立思考与分析艺术现象，举一反三。

3.学生基本掌握一种青花瓷装饰图案画法，设计制作一件现代青花风格的物品。

4.培养学生表达、沟通和分享的能力。

（二）教学重点：学生发现元青花瓷器的艺术特点，理解其形成原因和艺术价值。

（三）教学难点：审美方法的掌握及运用。

六、教法设计

1.多媒体展示：制作图、文、音同步的教学课件，其中大量的精选图片给学生视觉上的审美震撼，配以优美的乐曲，使整堂课产生不间断的审美行为，强化美术欣赏课的特点。

2.互动教学：设计关键问题，师生互动问答，培养学生独立思考、自我表达、创作的能力。并活跃课堂气氛。

3.启发教学：引导学生用仔细观察、比较、探究、联想、归纳、情感品味等方法进行独立学习。

4.实践：学以致用，手工制作。

七、教学过程设计

（一）组织教学

（二）欣赏歌曲《青花瓷》，引入主题（配图欣赏）

教师介绍中国陶瓷史，导出本课的主题：元代青花瓷。

（三）“人世间百媚千红，我独爱你那一种”——进入元青花的世界（课件展示）

1.欣赏元青花瓷器《鬼谷下山》，一件创世界拍卖纪录的瓷器（2.3亿人民币），题材简介，激发学生的学习兴趣，找原因——引出元青花瓷的艺术特点。（配图欣赏）

互动提问：

A.元青花为什么是蓝色？（配图欣赏）

学生观察作答，教师归纳，讲解它的烧制时间、历史原因、基本制作过程、清新独特的图案风格、特殊的青料。（配图欣赏）

B.元青花的纹饰图案有什么特点？（配图欣赏）

学生仔细观察，找出图案的内容有：花卉、鱼藻、翎毛走兽、龙凤、人物、戏剧故事等。（题材丰富多样）

历史、文化的原因：受元曲和小说的影响，有情节。元后期，朱元璋在景德镇对陶瓷生产一定的影响。

纹饰构图：满密、层次丰富、绘画工整。

纹饰色彩：蓝白对比鲜亮，把艳丽和清雅完美结合。

纹样设计：缠枝花卉纹有大花、大叶的特点，主宾协调、繁而不乱，尽显高雅气质。

引导学生分析元青花纹饰特点生成的原因。

C.元青花为什么大器特别多？（配图欣赏）

以元青花高足杯上写的字“人生百年常在醉，算来三万六千场”为线索，教师分析、讲解元青花的造型特点及形成原因。

2.图片欣赏几件元青花中的精品，认识元青花的艺术价值和经济价值。

A.《鬼谷下山》等系列高价的原因（配图欣赏）：是由它的题材、历史背景决定的。

B.元青花开中国陶瓷装饰的先河：强烈的色彩、画意、质量都是登峰造极的。

C.“天方夜谭的故事”——元青花葫芦瓶欣赏。学生独立鉴赏，谈谈对元青花价值的认识。

（四）青花瓷的艺术风格在现代社会的运用（配图欣赏）

1.现代陶瓷中的青花瓷。

2.其他领域的青花艺术。

（五）学生互动学习、创作（配图、音乐）

1.学生搜寻自己喜欢的青花图案，并思考如何运用。

2.学生设计制作一件青花瓷装饰风格的现代物品。

（教师巡视指导绘画技法，点评作业）

（六）教师总结：为什么元青花在中国陶瓷中能形成霸主的地位

1.它是汉族文化、波斯文化、蒙古族文化的一个结晶。

2.市场的青睐也是元青花繁荣的一个动力。

A.优雅悦目的蓝色，为陶瓷开辟了装饰新路。

B.质地优良具有极强的市场竞争力。

C.确立了景德镇瓷都的地位，700年来无法撼动。

D.独具魅力的艺术风格创造了惊人的现代商业价值。

3.我们有责任继承和发扬中国经典的传统工艺美术。

（七）课外阅读、知识拓展

1.明清青花瓷。

2.古代波斯艺术。

3.钴料——苏麻离青。

课程结束。

（八）课后小结

综合评价本课教学目的、实践程度，总结教学中的得失，进一步改进教学过程。

第8篇：元代工艺美术风格特点范文

一、传统文化的内涵

中国传统文化优秀元素是很深刻的,需要我们这一代对艺术的追求者不断的挖掘。现代设计更要以传统文化作为砥柱,不断传承,创新。

1.形而传蕴的传统文化

中国传统文化所遗留下来的艺术元素是我们艺术领域的宝藏。有好多标志的灵感的构思就来源于中国传统图案元素,比如说湖北台标的构思就是由此来源,其形状的特点:明快简洁,充满现代感,其优美的线条与凤喙和凤冠相呼应,凸显是凤鸟的鸣叫,婉转的笔锋塑造了的凤鸟活灵活现,主要是表示长江与汉江,整个设计浓缩了深厚的传统文化内涵。

2.传统元素带来的影响

中国传统绘画艺术作为传统元素中最原始的艺术表现手法,凝聚了几千年来中华民族的智慧结晶,同时也传承了民族特有的艺术精神。如:敦煌的飞天、瓦当、太极图纹、民间剪纸、皮影、蜡染等具有象征传统绘画内涵的图案和纹样举不胜举。这种具有象征意义的图案和纹样内涵的延展更是中国传统绘画元素的精髓所在,并深深的影响着现代设计。将中国传统造型元素引入到现代设计当中,不是传统图形元素的简单再现,而是以传统文化营养来丰富和拓展现代设计的创作思维,设计出具有民族、时代、国际特征的现代设计作品,将中国传统元素引入国际轨道世界级设计中。

3.中国传统文化在创意设计上的应用与传播

艺术观念的全球化,得到了广泛群体的呼吁,在各个领域,中国传统元素都被巧妙的运用到其中,设计作品更是屡见屡新,现代设计多元化成为必然的趋势。很多作品在展现现代设计观念的同时,也反映出了本民族、历史的审美价值取向和文化特征。例如:奥运会标志五星,五环,中国结以及与中国传统文化精髓——太极拳结合,使得标志如行云流水般生动和谐。所以,只有在现代设计中重视中国本土特色和传统文化并入到通往国际的艺术轨道,才能使中国传统文化站立在国际的T台上,被万众瞩目。现代设计不仅要传承,吸取,同时又要丰富,用新一代的设计眼光和审美观念,为之注入新的生机与气息。在社会的大潮流中,商业化趋势不断蔓延,消费品行业与日俱增,水墨设计商品充斥市场,单凭绚丽的包装,是远远不满足于大众的口味的,如何在社会上脱颖而出,占有一席之地,需要提升文化品位的内涵。被大众所熟知的荣获"世界之星"的贵府酒,就是运用了中国的传统文化语言——青华瓷,清淡大方的色调,简洁的设计,文化的沉淀,博得了大众的芳心。

二、水墨元素的产生和内涵

在中国传统元素中,水墨画是最为被人熟知的,它的艺术地位也是可想而知的。是好多国内设计大师一直备受推崇的传统设计元素之一。"水墨丹青"是水墨元素新风的代表，在古代人们绘画时常用朱红色、青色,所以称画为"丹青"。在海报平面设计中，水墨元素的应用体现了水墨文化与现代艺术相融合,目前水墨元素应用在艺术设计中已经成为一种潮流。

三、水墨元素在现代展示设计中的应用

在展示现代设计中,从中国传统文化中迸发出提的灵感配上展示设计的一种思维的加工过程,这需要对文化现代技术的了解熟练。这样设计出的作品就融合现代化的民族特色。如当下的商品房的陈列中,很多设计就利用了江南水乡建筑文化的和谐,体现了设计的灵魂。这些都成为了现代展示与文化空间的展示结合。其别体现中国风水墨画的庆典展示当属2008年北京奥运会开幕式,利用一副巨大的丹青墨色卷轴平铺在体育场最中心,加上动态投影,舞蹈演员的全情投入,音乐和灯光的相称,向世界展示了中国文化的大气恢宏和浓浓的人文情怀。

结语

第9篇：元代工艺美术风格特点范文

1．纺织品面料流行趋势呈现艺术染整的肌理美感

从2012年春夏纺织品面料趋势来看，艺术染整工艺仍然是面料开发的主要工艺手段。但是面料开发的设计思路较前几年有了新的突破，带来很多生活中不容易被发现的设计元素，将其运用在面料开发上，呈现意想不到的肌理美感。其中仿生态染整就是一种表面的肌理像木炭、烟灰一样;面料呈现渐变的、朦胧的虚幻感;边缘烧焦、面料渗色，看上去轻柔飘逸，既不张扬也不失品味。

2．面料流行趋势呈术染现艺整的工艺表现力

从2012年春夏纺织品面料流行趋势来看艺术染整的另一个方面:工艺创造呈现出开放性、艺术性、交融性。开放性体现在不再拘泥于传统扎染、工业印染的固定形式，而是最大限度的研发艺术染整工艺;艺术性体现在紧跟现代流行艺术走势，注入行为艺术元素，站在时尚的前沿;交融性体现在三维记忆技术和三维后整理技术交融的综合集成工艺技术被大量的运用，还在继续创造中。这些工艺的应用性研发，拓宽了染整技术空间，为染整工艺表现力更艺术、更丰富提供了技术保障。特别是三维快速记忆成型技术面料结合数码图案呈现现代的虚拟风格，感觉像穿运动服那般舒适，这个工艺模糊了材料和形态之间的边界。

艺术染整在服装面料再造中的运用

每种面料都有自身的风格体现，经过设计师的创作之后表达不同的意义和情感，给人不同的心理感受，所以开发创意风格面料已经成为行业核心竞争力。备受瞩目的2012年秋冬时装周流行风格特征风向抛洒出奢华曲线，在四大时装周秀场上，有些潮流元素是被大师们经常使用;它的重复出现也代表了2012年秋冬这一季女装设计的新方向。

1．在服装面料中的运用体现风格特征

方向一传统经典风格:黑色浪漫主义一直是经典传统风格中最重要的主题之一，Gucci、BottegaVeneta、Givenchy、Giles等品牌都不约而同地试图利用黑色主题。很多正是运用提花织锦染整技术融入奢华的蕾丝元素升华设计价值。方向二文艺复兴风格:文艺复兴继续延续着巴洛克时期繁复夸张、气势磅礴、金碧辉煌的艺术风格，特别是在Dolce＆Gabbana和Aquilano品牌系列中淋漓尽致地体现出来。其中金色光感刺绣这一类的闪亮细节为体现华丽风格增色不少。方向三东方民族风格:东方风格来源于古代丝织品元素，那么最具有代表性的就是中国古代纹样、图案和织锦、贡缎。其中有很多新款运用中国传统金银线织锦工艺更贴切地展现了这一充满东方神韵的主题。方向四军装中性风格:网状镂空染整在高级成衣秀场中被广泛运用。它们打破以往仅仅在针织面料上运用其工艺，而更多地通过数码镂空网眼来呈现网状的视觉效果，给人一种强硬感，再配上干练风格设计，女性中性风被鲜明的体现出来。

2．在服装细节设计中的装饰性运用

一般从人们的视觉习惯来观察，首先从整体搭配上赏析整个服装，然后会随着视觉的移动把目光聚焦到服装的局部细节上。那么毋庸置疑，服装的细节设计师服装最精彩的部分，也应该是视觉中心点所在。细节的处理是设计师审美情趣表达的关键点，往往就是通过一个部件、一个装饰线、一个结构线给服装整体效果增添光彩。例如高级女装中领部装饰性运用，采用新激光剪切染整工艺，达到完满镂空图案的效果;高级女装中袖部运用，采用波点、方格数码拔染染整工艺，靓丽不失优雅气质;高级女装中下摆部运用，采用三维立体记忆褶皱染整工艺，大摆拖尾长裙加上规则的褶皱，显得大气精致。

3．在家纺面料再造中的应用

目前流行的一句“轻装修，重装饰”，其实早已说明家用纺织品拥有广阔的市场空间。“家”在人们内心是亲情与温暖的象征，家用纺织品开发的方向趋向“返璞归真、回归自然”的时尚主题，传达一种人性化、贴近自然、质朴的时尚理念。在这样的理念驱使下，家用纺织品设计更加注重面料多次加工、面料材质反复加工开发。(1)物理法物理法通俗的解释就是不产生新物质，或者不改变原有物质的情况下使用的方法。也就是说通过物理法进行再次设计的面料没有发生本质上的改变。(2)化学法运用不同属性的面料对化学物质的抗酸碱性能不一样，腐蚀的程度也不一样，再通过一些化学成分或者高温、高压等后整理手段使面料性质性能发生改变。最主要工艺技术就是印花、染色、喷绘和功能性整理方面工艺。