关于绘画的基础知识精选(九篇)

第1篇：关于绘画的基础知识范文

关键词：绘画基础 游戏美术 关系

一、好的游戏美术与绘画基础是相辅相成的关系

1.游戏美术和绘画基础的概念

对予游戏美术，通俗的说就是游戏中所能看到的一切画面都属于游戏美术。

人们通常的观念中，会觉得游戏美术与广告美术的工作在本质上没有差别。但实际上，一般广告制作的基本要求是务必实现让人眼前一亮的效果，而游戏界面的基本要求则是必须经得住玩家注目几个小时而不引起视觉疲劳。不仅细看之后找不到问题，还能发现被制作者精心设计了的细节。因此，游戏美术的工作流程与广告制作之间的区别还是很大的。

相对于游戏美术，绘画基础的概念更加简略。绘画是一种在二维的平面上以手工方式临摹自然的艺术，是模仿场景。绘画是一个捕捉、记录及表现不同创意目的的形式。绘画的性质可以是自然及具象派的、影像绘画、抽象画、有叙事性质的、象征主义、情感的或政治性质的。绘画中最强调的就是三大面，五大调。在这个基础上，对于构图也有很多的要求，它包括：1、艺术形象在空间位置的确定。2、艺术形象在空间大小的确定。3、艺术形象自身各部分之间、主体形象与陪体形象之间的组合关系及分隔形式。4、艺术形象与空间的组合关系及分隔形式。5、艺术形象所产生的视觉冲击和力感。6、运用的形式美法则继而产生的美感。

2.两者相辅相成的关系

游戏美术作为一门新兴的艺术门类，在艺术手段，表现内容等方面都受到的绘画基础的滋补。例如：色彩饱和度的对比；对比度的变化；线的导向性；虚实的对比。从绘制材质的角度来说，最后能被玩家所注意到的才是细节。满眼的细节等于没有细节，因为它分散掉了我们的视觉中心。

二、游戏美术必须尊重绘画基础

1.绘画基础的重要性

绘画基础是美术一个重要部分，它是通过传述美术基础知识进行美术基本技能的训练，通过对美术作品的赏析和艺术表现实践，学习运用物质材料和手段塑造静态的视觉艺术形象，表现自己的生活和他们对世界的认识与感受，提高人们的审美文化素养，以达到培育美的，和谐的精神境界的目的。绘画基础知识是指人类长期认识自然和社会生活积累起来的带有共性和规律性的知识。运用这些知识去认识现实世界，是人们认识世界的途径之一。

2.绘画基础在游戏美术中的表现

游戏美术的表现手法呈现两种状况：1.游戏美术现实性的这一类主要追求是真实，尽量贴近现实的角色。2.游戏角色卡通风格。

以游戏美术中的网游角色制定为例，首先模型的制作还是以传统的多边形起稿，在制作过程中没有刻意以先整体后局部再整体的形式建立模型，但是我们注意的是尽量让每一条结构线都能发挥它的作用。在合理的面数中彰显人物的气势，保证画面的美感。当模型展好UV之后，我们做的工作就是开始画贴图。贴图讲究的主要是形体的张力，体积的把握，颜色的丰富以及细节的描绘。绘制贴图一定要画出角色的整体光感和颜色的丰富性。更重要的是要画出来的角色的每一部分材质的属性。画贴图考验的是对材质的把握，也是一个对传统绘画的考验。

如果说贴图是角色成败的关键，那么我认为模型就是整个角色的灵魂所在，当做完一个角色，就应该体现出模型的霸气与张力，体现出角色性格。

三、绘画基础可以给予游戏美术丰富的养分

1.绘画基础的基本技法

绘画艺术由来已久，作为中国的国粹，国画的技法我认为是非常值得我们学习的。早在两千多年前战国时期楚国的两幅帛画，就以其生动的气韵，简洁的笔墨，流畅的线条，表达出完美的意境，确立了中国绘画艺术以线条造型的名族风格形式。

说到绘画基础技法，不得不提同样作为四大造型之一的油画技法。古今中外，油画技法有三：一是北欧尼德兰画派，以扬帆爱克为代表的透明薄图画法；二是南欧意大利画派以威尼斯提香为代表的不透明厚涂画法；三是以佛兰德斯画家鲁本斯为代表的融合南北画派技法的暗部透明薄涂，亮部不透明厚涂的折中画法。

2.绘画基础在游戏美术中的体现

在游戏美术中，综上所述的国画和油画技巧有了淋漓尽致的体现。同样以游戏角色为例，角色形体的加强和质感的表现是贴图绘制的主要内容。只有我们将绘画基础中的技法发挥的淋漓尽致，才不会在绘制途中犯颜色混淆，不够直观，容易厌烦这样的错误。

四、绘画基础可以给予游戏美术丰富的养分

1.绘画和游戏美术的受众群

我们的生活中无处不存在绘画的影子，无论人们的衣食住行，还是日常生活中需要的柴米油盐，都烙印上了绘画的痕迹，可以说，绘画的受众群是所有的人民大众。相对绘画的受众群，游戏美术的受众群就小了许多，游戏美术的受众群主要就是喜爱游戏的玩家。

五、结合毕业设计证明绘画基础对游戏美术的重要性

本次的毕业设计，整个片子的模型充分展示了网游角色的制作要求，所有的角色在气势，体积，颜色，细节这四个方面上做的比较完整。游戏美术作为动画系学生毕业后择业的一大重要分支，因此在我们的毕业设计中，我们将游戏美术和影视动画相结合，在动画的过程中，展示了网游角色的制作需求。

第2篇：关于绘画的基础知识范文

关键词:基础素描;素描审美;造型方法

素描是绘画艺术的基础,有着无可超越的地位,基础素描教学也是众多院校相关专业的必修基础课,素描绘画涵盖的题材极其广泛,从静物、石膏到人体绘画,从风景到建筑,处处都能体现对造型的要求和审美的能力。对于学习素描的学生来说,在造型技巧中学习审美,同时在审美过程中提高自身的造型技艺。素描既可以作为独立的艺术形式存在,同时也是学习绘画,解决众多问题的必经之路,素描需要解决的问题几乎包罗绘画中的全部,形体结构、比例关系、透视关系、解剖结构、点线面的应用、黑白灰层次、空间塑造等。

一、素描是造型艺术的基础

长久以来,学习素描都是以写实为开始,要求学生尽可能的客观描写写生对象,构图之后比例关系是第一个步骤,不管静物还是石膏像,亦或是风景,比例透视关系是首要解决问题,只有在大的框架内抓住对象的基本比例和透视关系,接下来的形体塑造才具有写实意义。绘画过程是一个艰巨的过程,是自主能动性得到发挥的过程。手脑眼并用,抓住对象的内在关联,各素描关系的合理统一是需要整体和局部观察、刻画相交替的,既需要遵循客观对象,又需要在现实中去提炼。所以,观察是绘画的前提,学习绘画也是重构观察方法的过程。绘画形式因人而异,观察方法跟艺术家的创作也有先天的联系。敏锐的观察力是深入绘画的一个重要能力。高校素描基础课的侧重点理应放在培养学生观察力上。素描的学习不能是技艺的不停重复。重复性训练最后出来的只是有着扎实技艺的匠才。学生的观察力也是学生总体能力的一个反应,任何艺术形式的实践都需要跟理论知识相结合,这种结合是内在的积累。比如,除了素描相关的课程以外,美术史论,美术批评理论,设计学,哲学等课程都是很好的培养学生认识对象、观察对象的途径。

二、素描是造型思想和观念的延伸

在高校中基础素描解决的一般是造型写实问题,这个是最低层次的要求。艺术设计专业学习素描的目的不是为了客观还原对象,而是能够更好的创造“对象”,绘画专业学习素描是尽可能从主观中去理解和认识对象。这种创造、理解或认识的目的都是去延伸自身对艺术的感悟,这是更高一个层次的造型艺术。每一个人对艺术的理解都是不同的,在艺术领域去追求和毕生挖掘的都是这种“另类”,所以在基础素描中,也不能用同一个标准去衡量素描绘画。启发式、,逆向思维、或是延展性教学都是应该加强和实践的方向。素描既能作为一个独立的艺术体系存在,也是加强各艺术形式之间联系的纽带。在艺术院校里不乏基础较好,技艺强的学生,但是对于创作缺乏与之匹配的能力,这也是院校教学的一种失败,建立完善的素描教学体系不单单是看学生能够客观的描绘出什么,更应该关注学生在看的时候能够想到什么,这既能让学生结合本专业的特点进行创作,也能打破学生对于素描绘画狭隘的简单认知。艺术主张和艺术理解需要教师去引导,通过学生对自己的绘画意识的培养逐渐到艺术主张的培养,并能够不断的更新已知的思维观念,通过观察,用心去感受作品的内在。

三、基础素描教学的手段与形式

素描教学需要系统、严谨、完整的过程,讲究循序渐进和正确的观察及作画习惯,新生入学带来考前班的素描绘画习惯,极其讲究方法而不是所谓的“观察”。一个地方或是一个考前班出来的学生几乎统一的作画工具,统一的画风,统一的作画步骤和方法。这已经脱离了绘画中对“观察“的要求,不管是静物还是石膏又或是人物写生,打轮廓都是切直线,铺大调子都是一遍遍的画颜色,画面中心或是近的区域必然是重点塑造的亮点。这明显已经进入到素描的“套路“中来了。基础素描绘画讲究的是结构及体块关系的表达,以这个目标为中心,不要求线条排的多美,画面多么千净。基础素描的要求说来不高,无非是解决轮廓、形体与结构、明暗关系以及空间的塑造。通过绘画者的观察,把实际的对象搬到画面上来,这个过程重点考虑的是“观察”的问题。以人物写生为例,每个人都千差万别,去抄表面的光影或是黑白,无法画出紧凑、质感、立体的人物形象,缺少精神气。观察要建立在良好的解剖知识下,才能更加主动的把客观对象变为具有一定个人审美的绘画作品。另外,画的像不像的问题是初学者以及大众作为衡量好不好的一个重要指标。个人认为画的像不像只是绘画过程的一个附属“产品”,遵循和掌握以上造型能力,画的像就会必然产生。其实通过大师的作品我们也能发现其中的解剖也不尽准确,但是这并不会影响作品的美感,相反,还能增加作品的视觉冲击力。德加“素描画的不是形体,而是形体的观察”。这也从而证实,素描其实就是发现的行为,准确也只是感觉上的准,而不是客观的准。在素描教学过程中,需要引导学生并不是简单的描出外形;素描不是单单由轮廓组成。画素描,更多的是思考和理解的过程,同时也需要时常停下来,否则很容易过犹不及。刚刚进入校园的新生,对绘画的套路都很熟悉,可能身边的应试高手是他们崇拜的偶像,但是问及德加、安格尔、丢勒,了解的也许就不多了。大师经典的作品是我们学习的源泉,临摹其作品是学习的的门槛,大师的作品超越了所有的时代。

四、素描表现语言以及媒介的探知

素描既是相对独立又是融入到各类艺术范畴中的艺术形式,其带有的艺术表现语言及方式也是通过绘画方式及媒介表现出来的。画面形式语言的研究和训练在高校的基础教学中也是应当被重视和培养的。通常面对写实绘画,画者更多的是关注物体本身,很容易造成画面局部的割裂,整个画面的构成关系应当是和谐且统一的。素描是一种用单色或少量色彩绘画材料描绘生活所见真实事物或所感的绘画形式,其使用材料有千性与湿性两大类,其中干性材料有铅笔、炭笔、粉笔、粉彩笔、蜡笔、炭精笔、银笔等,而湿性材料有水墨、钢笔、签字笔、苇笔、副笔、竹笔、圆珠笔等,习惯上素描是以单色画为主。尝试众多的表现方式,运用更多的媒介进行素描创作往往会有意想不到的收货。即使是在同一主题下进行创作,利用不同的工具、材料、媒介来表现也会有很大的变化。即使是同样的材料,在不同的机理效果下传达出的质感差异也会很大,这就给素描提供了很大的施展空间和舞台。素描的绘画空间被扩大,表现语言相对也得到了扩大。研究各个时期的素描,研究不同材料带来的质感各机理效果,打破习惯性思维找到适合自己的表现方式和语言方式,同时通过此来技法和提高创造空间。

参考文献:

[1]蒂尔•塞勒,克劳迪亚•贝迪著.《当代素描新概念训练教程》.上海人民美术出版社,2006.1.2

第3篇：关于绘画的基础知识范文

园林专业绘画艺术相对其他视觉造型艺术来说，绘画只是园林专业的一项基础知识，因此，在园林专业绘画基础课的训练课时量安排较少，但时间虽少，需要掌握和学习的内容却很多，这在实践和内容上就形成了矛盾，如何解决好这个矛盾，是当前园林专业发展的关键，这里就需要解决一个突出的重点问题。就是如何安排绘画基础课的训练。例如，传统写实、现代变形以及介于二者之间诸多绘画的表现形式，尽管它们的训练方法各有不同，但它们都具有共同的艺术规律，在绘画基础训练时都应该加以注意，这样就可以事半功倍。就素描课训练内容而言，明暗素描可适当减少，可以利用绘本来临摹练习，都可以很快的掌握绘画的基础。应加大速写训练的力度。如要掌握人体绘画基础，就是要掌握先方后圆的基础训练，就是不要一上来，就急于用弧线画人体外形，要先学会掌握把人体可以按比例轮廓打成方框，比如可以把模特的头部、躯干、腿，按模特的动作画出大概的框架，然后在这个框架内再用线勾画出模特的外形，这样就会逐步提高绘画的基础。这样利用速写的能力，不仅可用来快速地收集园林的素材，而且在园林设计画草图时也常用，这些绘画基础对于园林专业的学习具有重要的作用，这是他们未来从事园林设计必备的基本功。速写看似简单其实要画好也很难，需要较长的一段时间练习才能掌握。如果掌握了这些基础训练，那么你在园林设计专业学习时就会得心应手，显现出绘画基础训练对园林设计专业教育中的重要作用。因此，要把握园林设计专业教学内容的丰富多样性，就是在突出重点的同时，适当地安排其他训练课题。使学生通过学习传统的书画艺术，才能有助于学生更好地理解中国传统造园艺术的内涵，提高学生的审美鉴赏力，为学生今后的工作打下坚实的基础。

2绘画基础的技能训练和理论知识

空间构型，这种重技法轻理论的做法，导致学生对物象的观察认识和表现还只是停留在表层肤浅的层次，使学生停留在只要考虑画面的造型合理，很难深入到对象内部本质层次。这就使学生虽然掌握了一些绘画技巧，但艺术整体的素养却难以得到提高。因此，学生在这种条件下，很难对那些有生命、无生命、有形、无形的物象来组合搭配，利用它们各具的功能，进行重新组合，使它们能够构成视觉中的美感。这时候绘画的过程就是“画人物不能只想到画肖像“”画物体不能只想到画物体”，技法训练在绘画基础训练中，固然是园林设计教学的一个重要方面，但更为重要的是要让学生了解技法背后的“道”。就是理论基础，在园林设计构思中，要通过剥离对象，净化对象，只有将复杂的形体单纯化，才能够使中国传统艺术主张和艺术创作达到“技进乎道”的境界，就是要把“技”上升到哲理高度来加以认识；这样才能够使模糊的形体明朗化。这样才可以使各种微妙的感觉压缩到构思的形体之中，建立一种空间的形体概念，才会具有最佳美感。因此，在绘画基础训练时，作为教师不仅要教学生画画，还要教学生构思物象整体的空间构型，这样才可以对那些有生命、无生命、有形、无形的物象来组合搭配，使它们能够构成视觉中的美感。在绘画基础训练时，只要向学生讲明白为什么这样画。讲清楚其中的理论知识，这种理论知识一方面是指绘画技法理论，另一方面是美学原理和艺术理论知识，这时候绘画的过程，就达到了“画物体不能只想到画个体”，在构思中，这样才可以将各种微妙的感觉压缩到构思的形体之中，才会表现最佳的美感。

3结语

第4篇：关于绘画的基础知识范文

[关键词] 中职学校 ；园林美术；学习兴趣培养

【中图分类号】 BF64 【文献标识码】 A 【文章编号】 1007-4244（2013）12-361-2

园林美术是指通过绘画来展示园林美的一门绘画艺术，园林美术将园林内景色与园林的相关设计理念与绘画有机结合，呈现出一种特有的园林艺术之美。园林基于美术却高于美术，基于园林设计也高于园林设计，是介于绘画艺术与园林设计两者之间的热门学科。无论是什么阶段什么学科的学习，兴趣是最好的指导教师，而中职学校的侧重点一般在于培养学生技能与实践能力，忽视了对学生兴趣的培养，本文将针对中职学校学生的特点以及中职学校园林美术课程的具体教学需求明确分析中职学校园林美术学习兴趣培养的具体策略。

一、课程安排上要针对中职生的身心特点，为培养学生的学习兴趣打下基础

中职学校学生的来源较为分散，一般不过高的要求学历与基础，这就导致学生的个人素质参差不齐，在美术绘画方面很多都是零基础的学生。针对这样的学生群体与学生特点，传统意义上美术基础绘画课时的间断安排与高难课程学习时间段靠前的现状不利于学生学习兴趣的激发，因此中职学校要及时改革课时与课程安排上的误差。

一般来讲，中职学校对于园林美术专业在课程上的安排基本是从进入学校的第一个学期开始，但是由于中职生来源的问题，很多学生在绘画上是零基础的状况，零基础进行学习的情况会导致学生在进行园林美术学习时感到在绘画上的力不从心，而且没有美术功底的绘画作品很难表达清楚绘画主题。大部分的中职学校已经开设美术基础课程，但是课时较少，课程的实践不连贯，这样的课程时间与课程内容间断性长，连续性不好，会使学生在学习的过程中由于学习课程不连贯而掌握不扎实。总而言之，现阶段中职学校的课程安排较为不合理，不但时间短，课程涉及的内容少，甚至有些中职学校在零基础的情况下就对学生进行园林美术专业的授课。这样的课程安排与零基础授课，会使学生在学习绘画上的力不从心而产生厌烦情绪，更不利于培养其学习兴趣。因此中职学校想培养学生关于园林美术方面的学习兴趣，首先要改变课程安排上的不合理，针对中职生学习绘画基础较低的特点，在入学第一学期多对其进行关于绘画基础的教学。这样的做法是中职生可以了解美术，提升自己的绘画美术功底，并在此基础上对美术产生浓厚的学习兴趣。

没有充分地了解就无从谈起兴趣，现阶段中职学校要改变一直以来零基础美术授课的现状，要针对中职生的自身特点与素质，多进行美术功底的训练，在此基础上进行园林美术的授课。只有这样才能使学生有较好的美术功底，在此基础上进行园林美术的创作，并在掌握绘画技巧和了解园林美术的同时对该课程产生浓厚的学习兴趣。对中职生进行美术功底的强化训练是中职学校园林美术课程培养学生学习兴趣的最根本要求，之后所有关于学生兴趣的培养都是以此为基础的。

二、积极开展美术写生，使中职生在自然景观中产生浓厚的学习兴趣

无论何种学科的学习，兴趣的产生都是建立在对该学科热爱的基础上，园林美术课程也不例外，使学生热爱一个学科的最好方法无疑是使学生在实践的过程中感受到该学科的魅力。因此中职院校教师在进行园林美术教学兴趣培养时要积极开展美术实践，在园林景观中进行美术写生，使学生在写生的过程中通过感悟到美术的魅力产生浓厚的兴趣，同时也有助于提升学生的美术绘画的水平。

就园林美术教学来说，园林写生本身就是应该加以重视和被大力推崇的教学手段，另外园林美术写生可以使学生接触到怡人的园林景色以及各具匠心独有的园林设计理念，使学生在接触的过程中产生对园林美术浓厚的学习兴趣。写生过程中有以下几方面需要注意的教学要点：一方面写生的时间要掌握好，明确一定的时间段以及每次写生的具体时间长度，一来避免时间过长学生会产生厌学情绪，二来避免时间过短学生意犹未尽；另一方面教师要要求学生在写生的过程中注意观察所写生景区的设计理念以及具体布局方式，要学生了解到各种园林建筑无论是自然还是人文上的建筑特点，使学生在提升美术绘画水平的同时对园林方面的知识也有所掌握；最重要的是在写生的过程中学生要不断的加深对绘画的理解和驾驭能力，通过园林写生培养园林美术的学习兴趣，并在兴趣的指引下进行学习和提高。

总之，若想培养中职生在园林美术方面的兴趣单一的美术知识传授是不够的，要在教学过程中带领学生走出课堂进一步的了解园林景观，通过对园林景观的美的感受和设计理念的具体感知而产生浓厚的学习兴趣，这种培养学生学习兴趣的方法是最行之有效的。

三、美术教师要从思想上进行根本性的美术教育，使学生在内心深处喜欢美术

第5篇：关于绘画的基础知识范文

关键词：园林专业；美术课程；教学；改革

园林美术课程是园林专业的重要专业基础课程，主要以美术绘画技法为教学基础，培养学生艺术地表现园林设计思想和园林规划设计图，由此培养学生的动手能力、观察力、造型能力。园林美术教学过程，也是学生艺术修养循序渐进的提高和思维方式不断扩展的过程，是融绘画和园林规划设计为一体、艺术与实用相结合的课程。所以，园林美术课教学的效果，不仅决定着学生园林景观手绘的表达能力，还将会影响到学生后期设计作品水平的高低。

1绘画在园林设计中的重要性

园林艺术是一种依照美的规律来改造或创造园林环境，使之更自然、更美丽、更符合时代与社会审美要求的艺术创造活动。一个园林设计者应该具备一定的审美水平、艺术修养和生活积累，以及表现设计意图的技能。

1.1对园林设计方案的影响

园林审美与中国传统文学、绘画有着密切的关系，园林设计图也受到传统楼阁绘画的影响，依此来营造一种画境。中国优秀的古典园林之所以有着极高的艺术价值，主要体现在园林设计与中国传统绘画的密切关系上。一个园林工作者的美术修养影响着他的造园水平，园林艺术设计中，造园师会以绘画的艺术手法为基础，在布局和造景理论上借鉴绘画艺术，对自然的追求始终以意境的表达为核心，巧夺天工，使园林成为人化的风景。而绘画艺术本身就有着独创性的艺术审美情趣，二者的艺术审美情趣是相通的，中国古典园林的精华，被称之为“文人写意山水派”园林，可见山水画对中国园林的影响之大。正是一些文人画家参与营造设计，中国园林的设计原则遵循着“以画入园，因画成景”的规律，重在诗情画意，追求含蓄之美，以创造诗情画意为园林设计的核心，使之成为一个有主次、有烘托、有呼应、有多样统一的完整布局的艺术品。因此，园林就有了比自然美，比生活美更浓缩、更精炼的艺术美，园林景观中处处体现着绘画艺术的意境。

1.2表达园林设计意图

园林设计图主要包括总平面图、鸟瞰图、局部效果图、道路铺装图、植物效果图等。这些图纸在进行手绘时采用的是焦点透视的绘画表现手法，通过线条、明暗、造型、色彩等绘画语言，以素描、速写、水彩、水粉、国画、油画等形式进行表现，是设计成品的效果表现，是传达园林景观设计的最佳方法。一名合格的园林设计者，即便有较高的设计天赋，如果不会用手绘表现设计意图，那么在工作中也会面临困难的局面。在如今电脑普及的时代，计算机辅助设计亦占有较大的比重，但电脑终究不能代替人脑，设计师的表达意识、直觉等灵感是转瞬即逝的，电脑未必能快速抓住这一灵感，只有手绘能将人脑中的地形、建筑、山水等园林要素的组合，在纸面上迅速记录下来，再经过后期整理清楚地表现出来，而且绘制的同时能融入 设计者的个人情感，体现出设计者的绘图风格，从而更具人性化和美感。设计者大脑中美妙的亭台楼阁，浸润婉约的小桥流水，“两岸花柳全依水，一路楼台直到山”的灵动曼妙的园林秀雅风光，通过画笔传递给观者。所以，绘画目前仍然受到设计师及爱画者的青睐。

2园林美术教学中存在的困难和问题

其一，学生的美术起点低，教学要求过高。园林专业学生多为没有美术基础的理科生，但要在有限的时间内掌握园林画技法，这就要求学生短期内要掌握绘画的基础知识和基本技能，如果按照传统方法教学，将难以达到这种水平。学生如果在短期内掌握不了这么多技法，就会使学习的热情有所下降。

其二，大班教学，不便个别辅导。传统美术教学中以小班教学为主，人数在20人左右，便于一对一的辅导。但园林专业学生一个班的人数一般远多于20人，按传统美术教学方式，教师示范时不能顾及所有学生，导致学生学习积极性下降，教学效果不佳。

其三，授课内容覆盖面广，与专业结合不够紧密。园林美术以表达园林效果图为主，不同于传统绘画的范围广，任何内容都可表现，但目前的园林美术教材囊括的范围较广，课程内容与园林专业的方向脱节，学生感到很迷茫。

鉴于以上情况，园林专业美术课程必须结合学生实际，以提高学生应用能力为导向，调整课程内容和教学方法，为专业服务，探索为专业课程学习服务的教学内容和方法。明确园林美术教学内容的专业指向性，将园林美术教学与后续专业课程教学紧密结合。在有限的教学学时内，让学生具备表现形体结构、空间透视、构图等素描知识，以及认识色彩、感受色彩、调配色彩的能力，为后续专业课程学习打好基础。

3教学改革建议

作为专业基础课程的园林美术教学，如何配合园林专业教学课程体系的发展，是该课程教学的重要任务。无论是园林素描，还是色彩，在教学内容和表现方法上，都要与传统美术教学有所区分，将课程内容进行精简、筛选，重点放在与专业相关的园林元素及园林景观的练习上，使其具有鲜明的为园林专业服务的特点，总体应分三个步骤进行。

3.1素描基础知识训练

这部分的内容包含美术基础理论和基本技法。理论知识的学时安排根据专业要求，应大幅缩减美术史、名作赏析等美术专业知识的学时比例，注重园林专业绘画所需要的透视、结构、造型、线条、构图等知识地讲解，园林作品的欣赏及文化底蕴的讲解，可在绘制园林单体元素和景观效果图的练习中逐渐渗入，在学生练习过程中结合所画内容进行渐进式的熏陶感染，使学生潜移默化地接受。这样不仅对实践教学有所帮助提高，也使理论知识不至于抽象枯燥。

技法课是园林美术的重中之重，但在教学内容上应有针对性地进行筛选，不能对传统绘画技法课的内容全盘接收。园林美术的基本技法应从石膏几何体开始画起，到静物结束。在训练内容上减掉传统绘画教学中与专业无关的石膏头像、人物头像、半身像、全身像等课程。在表现形式上弱化传统教学中调子素描的练习，以结构素描练习为主。因为结构素描摒弃了调子素描中光影的干扰，缩短了绘制时间，注重形体结构及线条表现的练习，符合园林专业绘画的特点和学生的认知程度。通过用结构素描来进行石膏几何体和静物练习，使学生掌握基本的透视规律，形体比例、结构、构图法则及线条表现力等基本技能，让学生有意识地实现从“二维”到“三维”空间概念的建立，为满足风景园林与景观设计的技术性要求奠定综合训练基础。

3.2单体园林元素效果图的表现

单体园林元素包括园林建筑类、植物类、山石水体类等构成园林景观的各单体要素，它们是园林景观的基本物质基础。单体园林要素的不同组合，会形成不同的园林风格和效果，点缀着园林的情感意境，这部分内容的练习是学生必须掌握的重要内容。

单体园林元素的练习要求用素描线条表现各单体园林元素的造型特征及材质，用色彩强调材质及各元素的不同颜色特点。所以，单体园林元素的素描表现适宜用素描的形式之一速写来进行，色彩的表现选用钢笔淡彩的形式进行。单体园林元素的练习，改变了传统风景画教学的一开始就画整体景观的方法，降低了园林专业学生的学习难度，能与后续专业课程相衔接，尤其是单体元素中建筑和植物的练习，初步奠定了《园林制图》《园林建筑》等课程的绘制能力，使教学具有专业针对性。

结构素描通过基础的几何石膏体和静物练习，学生初步掌握了形体结构比例和一定的线条表现能力，再进行单体元素练习。这部分内容以钢笔画的形式来表现，这样能提高学生绘画的速度，训练表现力和创造性思维，符合园林专业快速表现以及传达设计意图和理念的要求。色彩教学也须针对专业特点，减掉基础的静物、石膏像、人物等画法练习，直接进入园林元素画法练习，以钢笔淡彩的形式进行表现。工具选用水彩，因为水彩比较容易掌握和控制，真实感强，易于接受，能提高园林专业学生的色彩表现力，是园林专业初学者学习色彩画的基础和必经之路。

3.3园林景观效果图的表现

园林景观效果图是设计者对景观效果的设计意图和构思进行形象化再现的形式。这部分的内容是前面知识学习的整合与运用，这一训练已进入到学生自己完成风景画的创作阶段。园林景观效果图的内容包括平面图、透视图和鸟瞰图，素描的表现手法仍然是钢笔画，色彩先进行水彩钢笔淡彩画法练习，后进入马克笔淡彩画法（可用彩铅笔进行辅助绘制）。通过单体园林元素和景观效果图的水彩画法练习，使学生基本掌握色彩的绘画技法后，再进行马克笔淡彩的训练，使课程循序渐进地衔接起来，利于学生理解、接受。马克笔的快速表现能力是其他色彩画所不能比及的，且马克笔作图快速便捷，色彩剔透、着色简便、笔触清晰，给人一种随意、自然、生动、轻松之感，在园林表现图的色彩表达上具有很强的优势，是设计人员所青睐的绘画工具。

景观效果图的画法与专业美术相比较，两者之间要求有所不同，园林美术对画面中园林元素的准确性与真实感要求很高，绘制透视图和鸟瞰图时都必须尽可能地忠实于实际，画面的内容仅限于由各园林元素组成的园林景观，不包括带有主观随意性创作的纯粹的风景画。园林画中的亭台楼阁、地面铺装、花草植物、山石水体以及简单的路标指示牌等园林小品，都要尽可能地和建成后的工程相吻合，不能离开设计意图用写意变形的方法来表现对象。所以说，园林画既可以单独成为设计图，也可以成为赏心悦目的风景画，但不是所有的风景画都可以成为园林画。因此，在教学中，应增强各园林元素表现的训练力度，提高构图技巧、表现形体的能力，运用透视规律完成物体的空间立体到平面表现的转换，从“画”到“图”的转换，建立起真实的园林景观与画面之间的表达联系。这一阶段的练习，已不是简单的对物体的组合、描摹，而是能够使画面上的各园林元素协调、对应，形成非常舒适的视觉体验，并且将自身的设计情感融入画面中，让作品体现出不同的层次感，让画面变得灵动且有活力。课程训练的最终目的是要求学生通过构思，用最适宜的绘画技巧绘制一幅效果图兼风景画作品，培养学生将园林风景画的绘画技巧运用于专业设计图的能力，为后续专业课程《园林规划设计》《园林植物造景》等提供美术基础保障。

第6篇：关于绘画的基础知识范文

关键词：高校教学绘画基础美术教学

随着社会的发展，人们对于艺术教学的重视程度越来越高，越来越多的高校开始开设美术专业课程，培养美术专业人才。绘画基础是高校美术专业的一门必修课程，该课程讲述绘画基础的理论知识，为学生今后的学习打下坚实的理论基础。该课程作为一门必修课，也是绘画基础课，其重要性不言而喻。美术是艺术的典型代表，学生通过学习可以增强对绘画的感悟，感受美，发现美，掌握专业的课程内容。

一、高校美术专业绘画基础教学存在的问题

绘画基础是高校美术专业的基础课程。然而，随着高校的发展，学生人数的增多，部分教师的教学方式与教学手段难以较好地适应当下的教学环境，导致教学中存在一些问题，难以取得良好的授课效果。对此，教师需要给予足够的重视，以保证教学质量。

1.高校扩招影响

近年来，我国一些高校大幅扩招，使学生人数大幅上升。国家高等教育改革使更多的年轻人有机会接受高等教育。由于高考压力大，一些家长选择让学生走艺考这条路，其中部分学生是临时起意，其水平难以真正达到高校的教学要求，影响了部分高校绘画基础教学的质量。

2.教学理念落后

教学方式与教学理念落后是影响教学的主要问题之一。对于绘画基础的教学，部分教师认为应该主抓学生的绘图基础，让学生练好基本功。然而，高速的社会发展使创新显得尤为重要。在美术方面，创新同样是不可缺少的元素，没有创新支持的创作将会阻碍学生今后的发展。3.理论教学不足理论结合实践才能够更有效地提升学生的绘画能力。部分教师在教学中侧重于对学生绘画技巧的培养，忽略理论教学的重要性，加上对学生个人情况不了解，容易导致教学脱节。学生的学习兴趣也很重要，无论从事何种工作，兴趣都能够提升人的热情。现在部分学生对于美术理论学习的热情不足，被动学习，导致学习效率降低。

二、美术专业基础绘画教学改革方式

对于目前的基础绘画教学问题，教师应当给予足够的重视。笔者通过对当前存在问题的分析，针对上述问题提出相关解决措施。

1.创新教学理念

现在，部分学生创新意识淡薄，以往的基础教学法容易扼杀学生的创作能力。对此，高校的绘画基础教学要教出新意，充分发挥学生的主观能动性，在保证基本功教学的基础上加入创新元素。这就要求教师要充分把握课堂节奏与了解学生对知识的掌握情况，因材施教，提高学生的创作能力。

2.合理设置教学课程

现在，部分高校的课程设置不合理，导致课程数量减少，部分学生难以合理掌控自由时间。因此，高校应合理设计教学课程。教师在绘画基础课程教学中要进行细致讲解，保证学生能够充分掌握教学内容。

3.推动理论与实践相结合

无论从事何种行业，若想真正有所成就，必须掌握基础理论。在当下的课程学习中，教师应该提升理论教学所占的课程比例，让学生具有扎实的知识基础，而不是一味传授技巧。教师通过理论的教学，可让学生不仅能够加深理解，而且能够通过对理论的理解、升华，总结出属于自身的绘画技巧。同时，实践教学也必不可少。教师可以增加一些创新元素，让教学更加生动。

4.创新教学手段

为了全面提高高校美术专业的绘画基础水平，高校在扩招的同时要建立健全考核制度，避免因扩招而影响整体教学进度。同时，教师需要积极改革教学方式。以往的教师讲述、学生练习的方式过于死板，课堂效果不佳。当前，随着信息技术的高度发展，教师应将多媒体教学引入绘画基础教学，尤其是对晦涩难懂的抽象部分进行教学时，教师可利用计算机丰富的资源为学生创建不同的教学环境，丰富教学手段。

第7篇：关于绘画的基础知识范文

【关键词】素描教学；有效性；策略方法

随着教育体制的不断改革以及新课标的实施，社会越来越注重德智体美劳全面发展的人才，而且家长也越来越注重对于学生艺术方面的培养，特别是绘画，而且大部分素质教育阶段的学校也都开设了绘画课，培养学生的艺术鉴赏能力。素描作为绘画的基础，主要是通过简单的线条、淳朴的颜色进行绘画，素描对于学习绘画的人来说是非常重要的，要想在绘画方面有所造诣，素描是最基本的绘画能力。但是现阶段大部分学校对于素描这项绘画技能并不是特别重视，导致学生对于素描也并没有特别的重视，所以教师必须引导学生对于素描有一个端正的态度，为绘画打好扎实的基础。

一、为学生重新塑造素描的重要性，培养学生学习的主观能动性

对于一个成功的绘画作品来说，最主要的就是整个作品所体现出的整体美，所以我们可以看到很多美术家的成功作品都是利用一个简单的画笔、简单的线条勾勒出来，而且在塑造作品的过程中不会出现差错，但是对于大部分绘画初学者来说，在学习过程中总是会出现这样那样的差错，用了无数纸张，主要原因就是对于绘画缺乏整体意识，成功美术家在进行作品的创作前总会在大脑里提前构思好绘画方式，但是绘画初学者并不具备这样的整体性的绘画意识，所以总是会犯各种各样的错误，而且总是会在犯错误之后才发现自己的错误。

对于教师来说应该意识到学生在学习绘画的过程中遇到的问题，在绘画课堂上注重对于学生绘画整体性的培养，并且引导学生在进行一幅作品的创作前必须对绘画的方式以及绘画的过程进行构想，利用这种方法可以有效地提升学生的绘画效率，对于激发学生学习的主观能动性也具有积极的作用与影响。另一方面，老师也可以培养学生学会欣赏一些比较优秀的作品，并且为学生讲解大师在完成这一作品时的构思与方法，学生通过对这些作品的学习，也会不自觉的了解素描对于绘画的重要性。

二、利用一定方法激发学生的学习兴趣，让学生真正的喜欢素描

对学生进行素描方面的教学，主要就是为了提升学生的绘画水平，而学生作为学习的主要责任人，老师只能引导学生积极地去学习，如果学生没有兴趣对素描进行学习，老师即使在寻找学习方法，那也是枉然，所以必须激发学生的学习兴趣，让学生真正的喜欢素描，比如可以让学生对自己特别喜欢的动物或是物体进行绘画，学生对这些物体感兴趣，肯定会有将其画在纸上的欲望，那么如何将这些物体画的更符合原物呢，只能对自己的绘画水平进行练习，而且必须对老师所讲的素描教学内容进行掌握，采用这种激励学生学习素描的方法，可以有效地提升其绘画水平。

三、引导学生对自己的绘画水平进行不断练习，对素描绘画技巧进行由浅至深的学习

俗话说，量变引起质变，这种理念同样也可以运用到学生的学习过程中，学生在进行素描的学习过程中，必须对这项绘画技巧进行不断的演练，只有不断对其进行练习，才能更好地掌握绘画技巧，这样在进行素描创作时才不会出现各种各样的错误。对素描绘画技巧进行由浅至深的学习，同时对于学生的身心成长也是一种促进。老师在对学生进行素描教学时，可以根据学生接受知识的水平以及学习特点，对学生进行循序渐近的教学模式，这样可以为学生打下良好的绘画基础，在这一过程中也可以对绘画技巧进行有序的掌握，但是学生在进行练习的过程中，老师要对其采取比较有效的措施或是科学性比较高的方法，这样才能锻炼学生的耐力。对于素描老师来讲，可以在学生刚开始接触素描的阶段，给学生找一些比较简单的物体让学生学习，等学生将这些学会并且达到一定的熟练程度之后，素描老师可以选取一些比较有难度的作业给学生练习，但是在数量上要减少一定的量，利用这种循序渐近的方法，可以让学生在潜移默化中掌握素描技巧并喜欢上素描这项绘画能力。

四、在掌握基本造型的基础后，教给他们一些素描的专业画法

大部分比较有能力的绘画者仅仅用一枝铅笔就可以描绘出比较逼真的画，而且特别形象生动，其实这种绘画水平中就嵌入了光学物理知识，因为这些创作者都可以运用相关的光学物理知识，对作品进行阴影部分的刻画，并且根据光线的作用，提升作品的形象性，使其逼真的展现在观众面前。所以对于老师来说，在掌握基本造型的基础后，教给他们一些素描的专业画法，深入的学习应该由外部向内部发展、由外轮廓向内部结构深入、由共性向个性深入。比如在对物体进行描绘时，可以先对对基本形状进行描绘，在观察其反光方向，以及立体效果，最后在对其进行勾勒，这样才能更好的掌握绘画技巧。

五、结束语

本文通过对素描技巧的分析，提出不同的实现素描教学有效性的策略方法，如：（1）为学生重新塑造素描的重要性，培养学生学习的主观能动性；（2）利用一定方法激发学生的学习兴趣，让学生真正的喜欢素描；（3）引导学生对自己的绘画水平进行不断练习，对素描绘画技巧进行由浅至深的学习；（4）在学生掌握最基本的绘画技巧后，老师可以教给学生关于素描的光学知识等，对于老师来说，可以根据学生的特点，重视对于素描的教学，这样才能真正实现素描教学的有效性。

【参考文献】

[1]吴安丽.当代语境下高等师范院校美术学中国画创作教学模式研究[D].华东师范大学，2011

第8篇：关于绘画的基础知识范文

通过对美术基础课程教学环节的研究与探讨，从构建高效课堂的角度出发，重点引申出构建高效课堂的四个基本要求———要求高标准的教学目标、要求以学生为主的教学环节、要求以培养学生自主学习能力为宗旨的教学方法、要求师生融洽的教学环境，以此促进美术基础课程教学的高效化发展。高效课堂具体而言是指在有效课堂的基础上、完成教学任务和达成教学目标的效率较高、效果较好并且取得教育教学的较高影响力和社会效益的课堂，因此构建高效的美术基础课堂要求做到以下几点。

关键词：

高效课堂；基本要求；以学生为本；教师为辅

一、美术基础高效课堂要求学生对教学目标的“实现度”要高

完成教学既定的目标是每一门美术基础课程教学的根本目的，教学目标的实现水平直接反映了教学效率的高低。在美术基础课程中实现高效的教学目标，首先教师要做到能够根据每一门课程标准的要求和班内学生的实际绘画水平合理地确定课堂的教学目标。以素描基础课堂教学为例，一是要看重素描以明暗空间造型为教学目标在课程的落实情况，例如在静物的素描绘画中强调明与暗在空间上的层次安排，在着衣人物和人体素描绘画中强调光与形体在明暗层次上的变化等；二是在素描教案中教学目标设置一定要做到明暗造型空间重点的突出，以及素描教学中的难点———平面与立体绘画表现方式在教学中的具体化，并且使素描教学目标与学生在各自专业发展方向（美术学和设计学两大类）上保持一致，例如以绘画为主的美术学油画专业素描绘画中重点强调的是明暗的三维立体造型，而国画类方向则强调的是平面或者是二度半空间的明暗造型空间训练；三是素描教学目标一定要保持可操作（课程教学可研持续发展）、可测评（课程教学目标的设置具有评价的标准）、可达成（在既定的时间和范围内可以实现），并且在课程完成后要有学情分析，及时对教学目标进行完善与改进。其次美术基础教师要根据课堂的实际情况对课程的教学目标做出适时调整。例如在素描基础教学中因为纯绘画与设计在专业发展方向上的不一致而导致明暗在造型方式上的侧重而发生了根本的改变。因此教师必须得做出专业的调整，使设计类的学生更侧重平面的明暗造型方式，使纯绘画专业的学生更侧重立体的明暗造型方式，还要处理好在素描教学目标的预设与生成的关系，最大限度地使教学目标与学生实际的专业发展方向达成一致，而不是一味地照搬教学大纲上的教学目标进行教学，并且在教案中要有教学反思，使自己的教学效率不断得到提高。

二、美术基础高效课堂要求以学生为本，促进学生全面发展

教师在美术基础课程教学中要转变原有的单一的教与学的教学模式。高效课堂的教学过程首先必须是以学生为本，学生是教学活动中的主体，也是学习意义的主动参与者，同时也不能忽视教师的协作作用，整个教学活动应该是师生互动的过程。其次教师要根据不同的学情，善于运用相应的教学策略和方法去灵活机动地调动每一位学生学习的积极性，教师在课程设计上要充分考虑到学生参与学习过程的可能性，要使学生能有更多的时间和机会参与到学习当中，要让学生真正体会到自己才是知识的真正意义建构者。例如在色彩基础教学中，传统的教学模式都是教师大概讲授色彩的一般知识，学生依据这些基础色彩知识进行独立训练，这种教学方式很容易造成学生学习色彩的枯燥感。如果我们在课程设计上预先布置学生色彩知识问答、以多媒体示范教学去对平面与立体绘画形式进行色彩空间造型分析、以小组为单位对名画名作进行临摹与学习等教学方法与策略的调整，就能充分调动学生参与学习色彩的积极性，同时也能通过优秀作品分析培养学生独立思考色彩问题的能力。其次教师在教学活动中要充分体现自身的辅导角色，要对学生以及班内小组合作学习进行学习方法的指导。例如在风景速写课程中，教师要教会学生怎样去发现线与明暗两种造型方式的运用规律，在小组临摹学习的过程中要引导学生去发掘速写表达形式的美感以及怎样去表现自然风景的复杂层次关系等，以此实现学生从“学会”到“会学”再到“学好”风景速写。最后美术基础高效课堂必须是面向班内全体学生的过程。针对不同的学生、不同的美术基础课程教学内容及不同阶段的课程安排等，教师应当设计不同的教学目标与教学方法，并且在美术基础课堂训练中要做到教学目标有逻辑性、教学安排有阶段性、训练方式有针对性。教学中教师要适时跟进与监测，课后也要及时收集反馈信息，充分巩固学生的学习成果。

三、美术基础课程高效课堂要求精讲多练，注重培养学生独立自主学习的能力

教师在美术基础课堂上要做到“精讲多练”，所谓“精讲”是对课程教学内容的精细化、明确化、客观理性化。例如对静物基础素描的讲解上教师不能凭各自绘画经验去进行教学，而应该在静物绘画的构图上通过黄金分割线的客观理性绘画知识去阐述平面空间怎样进行大小切割和怎样利用三角构图法去阐述物置安排的合理化；在对静物素描绘画的明暗层次空间安排上教师要从平面的固有色层和立体中的明与暗之间的对比强度上去进行理性讲解，使学生懂得利用物体的固有色去进行平面空间上物体色层的区别和在立体上掌握明与暗对比，越强物体越靠前，对比越弱物体则越推后的明暗层次的空间安排；在对静物素描绘画的整体与细节上教师要从视觉的纵深空间上讲解清晰与模糊的概念，使学生懂得物体的整体感是依据视觉的焦点向四周而慢慢变得模糊的道理。通过上述这些理性的绘画原理使静物素描课程的每一个关键部分的学习内容都显得清晰明了，而且使复杂的绘画视觉规律通过绘画原理的讲解变得通俗易懂，使学生容易掌握。所谓“多练”是课堂上的绝大部分时间都留给学生进行实践操作，教师通过少量的时间对学生进行个体的辅导，并且在学生练习的过程中一定要培养自身独立的学习能力。在高效的课堂学习中“多练”。首先强调的是学生的自我学习的主动性，这种主动性表现在学生会预习，会听课、会训练、会复习、会独立思考，例如在美术学高年级的人体素描绘画中，在课程开设前学生必须对人体的结构与解剖进行预习，在写生训练的过程中要学会独立地利用以往的素描造型认知方式去对人体复杂的形体进行推衍，甚至有些更主动学习的学生还会借鉴优秀画家的表现形式去追求画面的美感。其次在“多练”的过程中必须培养学生的独立学习能力，要使学生在训练的过程中发现绘画的视觉规律，并在规律的基础上对同一类绘画课程做到举一反三。例如在基础素描的绘画中学生研究的重点是黑白的视觉绘画空间，而色彩同时也隐含了明暗的造型语言，因为它是色彩的三要素之一，从古典油画的作画过程就能深深体会到明暗对于色彩造型的重要性。对于这种隐藏在色彩之下的素描绘画知识恰恰是对学生培养自身独立学习能力的表现所在，因此在训练的过程中教师一定要培养学生养成独立思考的习惯，并且通过这些好的学习习惯进一步调动学生的学习积极性。最后在“多练”的过程中教师要起到辅导的功能，教师在学生遇到无法解决的困难时要适时地对学生的主动学习给予恰当地点拨与讲解，使学生对所学知识做到融会贯通。

四、美术基础课程高效课堂要求师生关系融洽

一是教师在课堂上的讲解要热情洋溢，且讲授的知识还要深刻易懂，教师对一门课程的理解深度往往能决定学生对该门课程的掌握程度，随着学生对知识的掌握程度越高，师生间的相互信任度也越强。以笔者从事十几年的美术基础教学中经常发现：例如在素描涉及到明与暗的层次变化教学中，由于不同教师对明暗的不同层次理解往往会对学生接受素描基础知识产生比较大的影响，有些教师在强调物体的三维立体时往往忽视了物体在平面中的固有色层的变化，这样很容易使整个画面各个物体间在色层变化上分不开，或者由于物体各个色层之间变化太弱使画面的物体从远处观看时模糊不清，从而使整体画面缺乏层次感，最终导致学生失去对素描绘画的学习积极性。而有些教师在对素描的明暗变化中会从平面和立体两种造型方式进行逐步讲解，并且还会运用聚光的光学原理去对物体的受光程度进行理性分析，以此使学生能够更系统化地掌握明暗层次的变化规律，最终让学生在学习素描的过程中愈发积极与自信，因此教师对课程的掌握程度往往能深刻影响到课堂中学生的学习态度，以及二者之间的信任程度；二是在课堂教学中要尊重和信任学生，要让学生深刻体会到自己是学习的主体，是知识意义的真正建构者，而不是完全被动地去接受知识，教师要使学生深刻体会到每一门所学美术基础课程，都是通过师生间的相互讨论和交流才会去获得“真知”；三是教师要善于去激发学生的学习兴趣，以此充分调动学生的积极性，让学生真正做到乐于学习。

五、结语

构建美术基础高效课堂应当以学生为本，教师在教学的方法与策略上要灵活机动地调动学生的学习积极性，在有限的课堂教学时间中培养学生自主学习的思维模式和实践能力。

作者：丁君君 单位：邵阳学院艺术设计系

参考文献：

[1]蔡红梅.高校课堂教学质量评价指标体系的构建[J].高等工程教育,2013,(03).

[2]付维维.构建高效信息技术课堂的方法研究[J].科技信息,2011,(04).

[3]俞柳杰，杭月明.构建高效教学模式促进课堂转型变化[J].上海教育科研,2011,(04).

[4]陶立国.抓住关键环节构建高效课堂[J].教育理论与实践，2012,(06).

[5]王永塘.实施有效教学构建高效课堂[J].吉首大学学报,2014,(12).

[6]龙宝新.走向核心知识教学:高效课堂教学的时代意蕴[J].全球教育展望,2012,(03).

[7]许方文.打造高效课堂教学的误区及其对策[J].教育实践与研究,2010,(10).

[8]王永塘.实施有效教学构建高效课堂[J].吉首大学学报,2014,(12).

第9篇：关于绘画的基础知识范文

传统艺术教育始于欧洲，欧洲传统的艺术教育为大学艺术教育的教法理论做出了巨大的贡献，既为职业教学提供了教学理论和论文联盟方法,又为学生提供了社会训练。

欧洲的艺术与设计教育是从传统艺术教育中延伸出来的，艺术与设计教育在西方开始于视觉艺术，也就是传统的绘画和雕塑。早期与艺术设计有关的教育，主要是传统工艺品的设计，它在很大程度上是受到了欧洲传统艺术教育基础的影响。在西方，如果追根溯源，最早的艺术学校是在公元前400年左右在希腊建立的，在帕拉图的著作中提及到有关画室教授学徒。欧洲传统的艺术教育中，就是以写实型的绘画训练为基础，我们称之为“学院派”，起因是出自于在17世纪中期就形成了这个教育训练方法的法兰西皇家美术学院。欧洲传统绘画的特点，就是再现与强调描述。长期以来画家们都是把如何有效地表现故事场景、描绘具体的情节或表达某种寓意来进行艺术创作的。

早在艺复兴时期，艺术教育在意大利就发展得比较成熟了。文艺复兴时期的艺术家们，在艺术教育的教学教法领域中提出了许多有价值的想法。在技法纯熟的艺术大师们不断地创作过程中，获得了独特的艺术教育的理论和方法,这些都是按照被保留下来的古代文明的碎片进行了整理和收集。艺术家们不仅恢复了博大精深的欧洲传统艺术,也为欧洲传统艺术教育创造了艺术教育历史上的里程碑,达到了人类不为所知的高度。在14-15世纪早期，画家乔托等就对大自然的景象进行了十分逼真的描绘，与当时的人文主义思想相结合，虽然有些呆板僵硬的痕迹，却也显示出了与中世纪所不同的现实主义风格。15世纪末到16世纪中叶，出现了达芬奇、米开朗琪罗、拉菲尔“盛期三杰”。 提香·韦切利奥被誉为西方油画之父，继承和发展了威尼斯派的绘画艺术，提香对于欧洲后来的绘画艺术有着很大的影响。艺术泰斗们使得这一时期的艺术水平达到了前所未有的高度,同时也到达了最为繁荣和鼎盛的一个时期。

14到16世纪间的人文主义是用来描述比较先进的思想，这段时间里文化和社会上的变化称为文艺复兴，而将教育上的变化运动称为人文主义。在当时的社会，是人们对于拥有崇高的理想和知识教养具有惊人的吸引力的时期,而要实现对于人文主义知识的尊重,就要联合起最不相同的人们：地主和穷人，艺术家和商人，贵族和知识分子。他们不按社会特征区分自己,甚至不按出生地位和财富而按照人文知识的态度来进行划分。人文主义成为了他们拥有对自我征服现实生活的完整性,而沉醉于人文知识的人文理想，为意大利佛罗伦萨的人文精神，没有疲劳和懒惰的感觉,允许他们毫无保留的杰出的创造，从而意味着获得真正的高尚。

在当时著名的人文圈子中,像公爵卡西姆.美帝奇那样,经过自己的学习教育和所有的著名的艺术家,诗人和哲学家一起使得文艺复兴驰名。

在文艺复兴时期，已经形成了传统绘画艺术的三个主要系统：透视学、人体解剖和色彩学，老师们通过工作室将这些技巧传授给学生，就是传统的艺术学徒制度，从此就形成了较为系统的艺术教育教学方法。到18世纪，欧洲大多数国家都设立了这样的美术学院，法国、荷兰、比利时、瑞典、波兰、德国、奥地利，一直到俄罗斯，都有美术学院的设立，并且基本都直属皇家管理，显示其艺术服务对象是皇室贵族。随着当时社会经济的发展，需要很多艺术装饰的专业技工，从而衍生出各种工作室，绘画，雕塑，建筑和各种各样的装饰技法。 到17世纪中叶，法国的皇家美术学院设立了绘画、雕塑、建筑三个学院，有了更加明确的专业设置，但是教育方法还是和文艺复兴时期意大利的画室制度相似，还是以视觉描绘技法为主要训练目标，这种画室制度至今都在影响欧洲其他许多国家。在19世纪中叶，因为皇室贵们族对艺术品、工艺品的需求量越来越大，各个艺术学院都增设了与设计有关的专业，比如家具设计、室内装饰、园林设计、首饰设计、陶瓷设计、编织和印染设计等等。虽然教授艺术技巧，各自所教的不同，但也都是通过教学提高学生的审美经验，注重提高学生的文化修养，在教学过程中，更加注意学生解决实际问题的能力，在这个基础上来培养学生创造性思维的能力。

所有的著名的艺术大师都拥有对在自己身边的学生的教育，对他们的艺术教育的实施负责,而这不仅仅是师教问题,教学问题和对学生们的教育问题。在文艺复兴时期伟大的艺术家阿尔布雷特·丢勒留下的艺术作品和著作当中,我们可以看到他无论是在艺术教育理论的领域上,还是在艺术教育方法的领域上，都创造了让人激动不已的巨大的价值。丢勒, 在世界艺术史上具有划时代意义的艺术家，他将意大利文艺复兴的形式和理论传播到欧洲，创造和奠定了德意志民族画派的传统和基础，并极大地影响了此后世界艺术的发展，也是欧洲文艺复兴时期最伟大的代表人物之一。

就像伟大的古希腊画家认为：“在艺术创作中，不应该只是停留在普通认为的视觉的表像上,而是必须在依靠准确的科学知识上来进行理解和表现。”和丢勒同一时期的艺术家和素描理论家列尼桑斯·列奥·巴基斯特在《关于绘画的三本书》一书中写到：“我认为拥有高尚头衔的年轻人开始学习绘画时，都必

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须要知道古代画家巴姆非的格言，他认为一个好的画家要想能真正画的好，就必须要很好地懂得绘画理论。”丢勒在自己的格言中也提到：“关于在平面绘画基础上的原理以及正确的教育理论，要给予科学的教学方法…”同时，他也认为论文联盟绘画并不是像机械训练那样只是对照实物描绘，而是要像智慧的科学训练。这个科学的艺术教育宗旨反映在以后的米开朗基罗的话中：“用头脑去画，而不是用手。”

在所有的艺术教育发展过程中，丢勒的建议是从认识实物再到平面绘画上。在古希腊时期，这个原理就奠定了古希腊艺术教育着手于学生们和拥护者们从主观观察自然，到归结为客观认识自然的景色，这也是艺术教育教法确立的初期，从只是对照实物绘画的基础上转变为真正的依据科学理论来进行分析绘画。这个新的艺术理论在当时的欧洲艺术教育中产生了很大的影响。伟大的建筑师弗罗列·布鲁涅列斯基和伟大的雕塑家多纳泰罗在对古希腊和古罗马艺术完美性的寻找研究中，从佛罗伦萨到罗马，在那里他们开始测量建筑的细节和绘制教堂的计划。著名的圣母玛利亚教堂的穹顶就是这位天才建筑师布鲁涅列斯基归结为对自己这一研究的明确结论，并且认为这个巨大的从容不迫的建筑就是他毕生所为之奉献的志向。

而意大利雕塑家多纳泰罗则是真正的改革者，他用自己探索领域的广泛性和多才多艺的天赋在欧洲立体艺术后面的发展中有着巨大的影响力。多纳泰罗在关注建立浪漫派教会浮雕的基贝尔基的工作室教学，他很快的就形成了其独特的艺术风格，并开始创立独立工作室。多纳泰罗去罗马的旅行还促进了他对古代艺术的更深层的理解，也促使了欧洲传统的艺术教育处于佛罗伦萨教堂讲坛中那些浮雕艺术的实现。

也许，古代欧洲的马克·阿弗列里亚的纪念碑，正是鼓舞多纳泰罗在意识上重新认识到艾拉茨莫·达那勒尼骑马的浮雕，这是位于巴杜阿教堂广场上的第一个骑马的布鲁涅列斯基纪念碑，它也是以后时期在欧洲城市建立的所有骑马的浮雕的始祖。

后来的本·罗基欧继续创作这个题材时，他的工作室就成为了运动解剖学的人文研究的中心之一，在那里得到了文艺复兴时期的伟大创始人莱昂纳多·达·芬奇的指导。达·芬奇在其身后留下的诸多教学笔记和素描中，可以证实关于他的包罗万象的天才智慧。《绘画论》是达·芬奇最著名的理论著作，这部未完稿的理论著作在素描艺术教育教法的发展中具有相当大的影响力，是文艺复兴时期理论研究的重大成果。在这部著作中，包含了有按照解剖学的主张和展望来发展绘画艺术的教育，他努力寻找能够使人体运动协调的结构和规律性，依据科学理论研究出色彩关系和反射作用。他像严肃看待科学的学科那样来看待素描绘画艺术。然而达·芬奇指责阿里列勒基和丢勒借助于计算的绘画方法，他明确的回答这个绘画体系对学生有害，但这个绘画体系的发明是由那些不会独立绘画，只会用自己论述的观点和理论去进行艺术教育的人。因为在那样的情况下，受教育者会使用懒惰的方法来进行绘画，他们是对自己智慧的危害，有这个的帮助任何时候也不会创造出一个好作品。如果能够继续按照知觉绘画的道路那样用稳固的训练方法来学习，就会有循序渐进的表现，也是艺术教育的根本。在达·芬奇的追随者和学生中间没有任何一个在艺术天分上能够超越他的；在对艺术的独立看法被基本剥夺的情况下，他们仅仅只能是表面上领会达·芬奇的艺术方式，真正的艺术精髓也许永远也无法有人能够领会。

而无论是丢勒还是达·芬奇，他们都是已知的艺术形式的代表之一，从早年在父亲的工作室，随后向画家沃勒基姆特和一直在德国土地漫游的丢勒吸收德国15世纪的艺术遗产，但是大自然还是成了他最重要

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的老师。

丢勒总结的艺术教育的形式中提到，建议素描训练作为艺术教育的基本。他建议在艺术教育开始阶段把造型结构训练看作是重要的基础部分。对于现在来说，这个方法是完全可以接受的，整个艺术教育师范教育和对学生的论文联盟培养问题在文艺复兴时期的画家中很少有人会去思考这些。在达·芬奇的《绘画论》一书中提到：丢勒如同一位教育家一样，对学生的艺术修养教育的所有的基础观点，按照这一点阐明如何实现学生们应该得到的教育。他写道，“在教育的最初阶段要好好地教导他们，然后一边告诉他们培养的方法，一边讲如何用最好的和最善良的语言，用赞扬或鼓励的方式来教导他们。”丢勒在确立欧洲传统艺术教育的《音乐的改变》一书中，划分出了特殊的意义：“为了让他们不看见什么不好的，而只有用好的东西来削弱他们的智慧，这个想法是在美术学院以往的自身发展中获得的。”