绘画艺术对戏剧空间创作的启发

摘要：传统意义上的绘画是二维创作，艺术家运用画笔等工具，通过调整明暗和色彩等因素来创造丰富多彩的画面。戏剧艺术是一门综合艺术，舞台美术则是由舞台、布景、道具、灯光等成分以及由空间、形状、光色、质感、活动等因素所构成的空间与时间的综合体。戏剧空间呈现出来的是立体画面，可以看作是“织在时间上的画面创作”。

关键词：绘画；戏剧空间；舞台美术

一、戏剧空间创作风格

绘画艺术对戏剧空间创作的启发是多方面的，首先是在创作风格上，每一个时代的绘画艺术和戏剧创作都有着鲜明的时代特色，而且这两者有着一种特殊的、似无而可能有的联系。19世纪上半叶，欧洲经历了新古典主义、浪漫主义、写实主义三个重要的潮流，这些绘画作品对戏剧产生了深远的影响，使其不断走向写实。艺术作品要忠实地反映社会生活片段，舞台美术要表现地点和环境，追求地方色彩和历史考据，建立起三面墙盒式布景和“第四堵墙”的幻觉主义理论，写实达到顶峰。20世纪初，话剧从西方传入我国，在舞台视觉方面，我们也在向西方学习，追求写实主义，表现幻觉和情感。例如北京人民艺术剧院的《茶馆》《雷雨》《骆驼祥子》《天下第一楼》等经典剧目都遵循了现实主义戏剧创作的美学原则。近些年来，北京人艺几次重排了这些经典的剧目，舞美、灯光、服化等各视觉元素依然采用传统的写实主义风格，遵循现实，舞台画面富有质感和力量，好似一幅幅现实主义题材绘画作品，在写实的光和景中寓有深刻的内涵。图1话剧《茶馆》北京人民艺术剧院19世纪后期，印象主义为西方现代绘画别开生面，以莫奈、雷诺阿为代表的印象派绘画大师重新认识了“光”和“色彩”，他们的作品更具主观性。此时，戏剧流派出现了象征主义，象征主义重视主观想象而轻视客观描绘，强调表现直觉和幻想。20世纪初西方戏剧革新运动中的先驱者阿庇亚和戈登•克雷反对舞台上的幻觉，推崇和主张舞台设计使用联想和象征性的表现手段。舞台设计的首要任务不再是表现外部的物质环境，而是要表现戏剧的情感内涵和节奏要求，在舞台上塑造立体空间和活生生的气氛。20世纪20年代，受构成主义雕塑的启发，正苦于寻求反写实演出形式的俄国导演梅耶荷德将构成主义雕塑放大运用到了舞台上，从而形成了构成主义布景，大幕取消了，灯光不加掩蔽，天幕也搬走了。梅耶荷德认为，剧场性也即戏剧中的假定性是其最基本的因素，赏心悦目的画面效果没有什么用处，需要的是摆脱戏剧演出的陈规俗套。立体主义布景受到了缘于20世纪初法国的立体主义绘画的影响，他们把塞尚“要用圆柱体、圆球体、圆锥体来表现自然”这句话当作自己艺术追求的理想。其表现方式为把物象分割成各种几何形体，然后把物象前后、左右、上下的不同侧面同时并列在一个画面中。表现主义戏剧也是来源于绘画，它19世纪末出现于德国、瑞典，随后波及欧洲其他国家和美国，以强烈的主观意象为特征，强调自我的绝对性，表露了悲观绝望的消极心理。如同梵高、蒙克等人的绘画作品那样，表现主义戏剧用灯光变幻造成各种光怪陆离的梦幻效果，并喜用各种歪曲变形、抽象的舞台美术手段，以造成能强烈震撼观众心灵的舞台效果。超现实主义作为一种新的思潮涵盖了多种艺术形式，包括文学、绘画和戏剧作品，超现实主义绘画作品的特征是各种物体和图像的不和谐的结合、同时动作、裂成碎片、一种梦的歪曲和非理性的气氛，一些超现实主义画家如达利、米罗等都参加舞台创作。超现实主义戏剧常采用充满怪诞神秘喻意的布景和道具、强烈刺激观众感官的音响效果，以及有一定音乐感但并无明确逻辑含意的语句排列方式。第二次世界大战后，极简主义绘画以最原初的形式展示于观者面前，让观者自主参与对作品的建构。与此同时，布莱希特的史诗剧、阿尔托的残酷戏剧和彼得•布鲁克的“空的空间”的概念使人们重新思考戏剧的本质，设计师既不要准确地复制生活，也不要创造舞台气氛，戏剧空间的创造更加强调情节和行动的需要。如剧场大师罗伯特•威尔逊的作品常常以极简的色块和线条来表现空间，“他的世界可以说是光的世界，也可以说是极简的世界；他的戏剧可以说是‘意象’剧场，也可以说是后戏剧剧场”。发展到当代，戏剧空间创作的趋势是多样化的，各种风格和流派互相交融、兼收并蓄。后现代舞台设计的美学倾向是复杂、矛盾和多元，现实主义、象征主义、构成主义、立体主义、表现主义等同时并存而且互相渗透。后现代舞台设计并不局限于在一个传统的戏剧舞台上思考如何设计，而是超出了舞台的范围，与导演一道去探索包括演员和观众在内的理想的戏剧空间。充分利用最新科技成果、使用新技术、新材料的多种手段和混合手段是后现代舞台设计的又一特征，斯沃博达善于把最新科技融入到他的设计当中，包括激光、幻灯、电影、电动镜子以及各种最新的自动控制设备等。乔治•西平在他的设计创作中善于运用高度自由的手段，将历史元素和当代的各种新材料随心所欲地并置，从而创作出震撼人心的视觉效果。

二、戏剧空间视觉构成

通过布景、道具等物质因素在参与戏剧动作发展的过程中给观众以美的享受是舞台设计的一项重要任务。戏剧空间的视觉构成主要探讨有序空间情境下的造型美学，其中，形状、空间、色彩和肌理等作为舞台设计基本的视觉要素，是视觉诠释和认知的核心，我们可以从绘画艺术中找寻到戏剧空间的创作依据。舞台设计与绘画一样，在形式的构造中也具有自身的审美构成要素，包括形状、空间、色彩和肌理等多种因素。通常情况下，它们被组合成一个整体同时存在于舞台空间中。形状是视觉要素存在的外部表现形式，包括点、线、面、体——这都是绘画艺术中重要的造型因素。罗伯特•威尔逊十分钟情于在舞台上使用线条，从他的作品中不难看到其特别注重视觉构成。通过对现代艺术之父塞尚的研究，他懂得了如何通过各种几何体、平面和线条来创造宏大的印象。空间是由面围成的虚空，包围着空间的各个面的形状、大小、色彩以及舞台灯光、音响等因素都将对它产生影响。空间不仅是艺术发生的环境——由物体和形象填充的一片虚空，更是艺术的基本原材料之一，需要人们去把握、研究和塑造。剧场建筑围起一片虚空，定下长、宽、高的边界，一如画家在白纸或空白画布的范围之内分割空间，戏剧艺术家在舞台范围内分割空间，用布景围起空间，用道具和演员确定环境。舞台空间和演员的台词一样，是戏剧体验中不可或缺的一部分。色彩在舞台设计中是一个最富有表现力的视觉要素，它具有迅速、直接唤起人们情感的作用。材质是布景材料表面的各可见视属性的结合，包括色彩、纹理、光滑度、透明度、反射率、折射率、发光度等因素，任何材料固有的特质都有其不可替代的表现力。舞台空间的视觉构成也有绘画造型艺术构成的基本规律，除了形状、空间、色彩、材质等视觉要素之外，还有其诗句组织原则，它主要包括统一、平衡、对比、尺度和节奏。

三、戏剧空间动作构成

戏剧空间是随着演员动作的展开而存在的，有了动作的介入，空间才有了戏剧的意义。阿庇亚认为，对戏剧动作空间的组织体现了舞台设计的使用功能，这种实用性的需求来自演员，更确切地说是来自剧中角色行为动作的需要。我们在欣赏一幅画时，除了被它的视觉美所吸引，也被画中的故事所吸引，因此绘画艺术中的动作因素也启发了戏剧空间的创作。阿庇亚认为：“舞台设计的美学问题主要是一个空间造型的问题。舞台设计家的任务是要在空间中安排各种形态的相互位置……舞台布景所占据的整个空间是塑出来的，而不是画出来的。”动作空间的结构是根据戏剧动作的需要而建立的，它规定了演员动作的实际空间，组织了动作的方位和走位，并确立了动作调度的支点。舞台设计对戏剧空间的组织就是根据演出文本的情境需要，对动作空间的结构进行精心处理，同时运用布景、道具等实体因素来合理组织这个虚空，从而组织动作、控制动作，为动作的表现提供各种可能性。动作空间的结构要素主要包括区域、支点、路线和转换。

作者：吴鑫婧 单位：上海出版印刷高等专科学校