吉他入门音乐教学精选(九篇)

第1篇：吉他入门音乐教学范文

关键词：吉他 课堂教学 可行性

中图分类号：G424.21 文献标识码：A 文章编号：1003-9082 （2013）11-0069-01

一、新课标教学背景下素质教育的要求

在新课标的教学背景下，我国的学校教育都正在发生着微妙的变化，由以往的应试教育逐渐转变成现在素质教育，而对于音乐素质教育来说，实验证明，如果学生能够接受良好的音乐教育，掌握某种音乐乐器，对学生以后融入社会工作、学习具有积极的作用。对于以往的小学音乐教学，已经普及了五线谱和基础音乐理论的教学，但是在教学过程中，只是枯燥无味的进行理论知识的学习，让学生很难对其进行理解，如果在课堂教学中引入吉他教学，就会让枯燥无味的音乐课转变成趣味十足的课堂教学，这样不仅能够让学生们快速的掌握五线谱知识，并且也可以让学生掌握一件乐器，能够进行演奏，增强了学生的学习信心，并且在吉他的学习过程中，大多数学习时间都是学生在家进行自我学习的，从侧面也能培养学生自主学习的学习习惯，为终生学习习惯打下良好的基础。

二、吉他进入音乐课堂教学的优越性

1.吉他能够将时尚性以及音乐的艺术性有机的结合起来

在二十一世纪流行音乐盛行的今天，吉他是魅力时尚的代表，对热爱音乐的同学们具有很大的杀伤力，并且吉他本身就是一种和声乐器，如果将其引入到音乐教学课堂中，一定会受到学生们的喜爱，同时也能够提高学生们对音乐学习的积极性。总体的来说，吉他能够将时尚性以及音乐的艺术性有机的结合起来，音乐课堂中引入吉他不仅满足了当前社会青少年对时尚的追求，对吉他的喜爱，并且对学生学习音乐起到了积极的推动作用。

2.吉他具有价格实惠，易学易懂的优点

对于吉他教学来说，教学的时间比钢琴、小提琴等乐器教学时间断，并且相对于其他乐器来说，学习难度比较小，能够在很短的时间内就能够做到基本的初步掌握，根据吉他学习的学习实践调查，一般三个月左右就能够使得学生对吉他做到入门，可以说是一个很好的音乐教学工具。对于吉他的价格来说，相对于其他的乐器吉他的价格是比较便宜的，我国一般家庭的经济收入都可以能够买到新的一手吉他，是一种能够普及的音乐教学工具，这样就能够使学生人手一把吉他，大大的增加了吉他音乐学习的实用性，避免了教室一台钢筋乐器进行音乐教学的尴尬局面，使得学生能够在课堂上亲自动手练习，加强了学生的动手能力等。

3.吉他的历史悠久，具有庞大的音乐数据库

对于古典吉他来说，存在的历史远远大于钢琴、小提琴，在三千多年以前就存在了，具有悠久的历史文化气息，具有庞大的音乐乐谱数据库。据调查分析，吉他的音乐乐谱的数量极其庞大，在乐器乐谱数量排名中为第二。纵观欧洲音乐的发展历史，吉他的身影一直显现在各个历史时期，并且在文艺复兴时期、古典时期大放光彩，在现代时期，吉他也具有大量的著名乐谱存在，并且被音乐界分为了浪漫派、近代派以及现代派，是学生了解世界音乐，扩大音乐视野的最佳乐器选择。

4.吉他的演奏形式比较齐全，对学生的综合音乐能力培养有着积极的作用

对于吉他来说，能够独奏，能够重奏，能够合奏也能够交响乐队进行合作演奏，在当下流行音乐盛行的背景下，自弹自唱也是一个时尚的演奏方式，所以说吉他演奏的形式是比较齐全的，不是一般小乐器能够比拟的。对于吉他的课堂教学，适应于各个学习阶段的课堂教学，小学、中学，甚至是大学，都可以对吉他进行系统的学习。在进行吉他的学习过程中，学生可以使用吉他进行自弹自唱，并且在校园中，吉他演奏也是一种具有较高艺术品味的节目，具有良好的演奏价值，总体的说吉他的学习对学生的综合音乐能力培养有着积极的作用。

5.吉他有助与学生节奏感的培养

对于吉他来说，在演奏过程中具有丰富的节奏感，可以弹奏出任何一种节奏，比如传统的探戈型节奏、华尔兹型节奏、波尔卡型节奏，甚至是现代的摇滚型节奏、摇摆型节奏以及迪斯科型节奏。对于吉他来说，各种节奏的谭法主要分为三种，也就是分解和弦型、持续和弦型以及打击和扫击和弦型，每一种节奏型的揍法的效果、风格都是不一样的，比如分解和弦型，在弹奏过程中能够表现出优雅、抒情的弹奏风格，比如持续和弦型，在弹奏过程中能够表现出热情澎湃的弹奏风格，比如扫击和弦型，在弹奏过程中能够弹奏出奔放、豪放的弹奏风格。对于学生的音乐课堂学习来说，其中一大教学任务就是要培养学生的音乐节奏感，在此吉他的优越性更是显示出来，所以说音乐课堂教学中引入吉他乐器相比其他乐器是具有优越性的。

三、国外吉他教学有着大量的教学经验

对于国外的音乐教学来说，日本的中学、小学音乐教学是具有代表性的，而在日本的音乐教学环节中，对吉他乐器的教学也是非常成熟的，具有大量的教学经验；在美国，音乐教学对吉他的热衷程度更为显著，在进行音乐教师考核过程中就具有吉他的考核，必须对吉他做到熟练的掌握才能够胜任音乐教师，在音乐教学环节中，吉他教学的地位更是不言而喻等，这些国家吉他的教学模式是比较成熟的，所以我国在进行吉他教学模式的研究设计时可以总结国外吉他的教学经验，根据我国的实际情况，设计出完全符和我国教育情况的吉他教学模式。

结束语

综上所述，在音乐课堂教学中引入吉他教学是完全具有可行性的，不仅能够提高学生的学习兴趣，提高音乐课堂教学的学习效率，更能够锻炼学生的动手实践能力，培养学生的音乐素养，锻炼学生的音乐情操，培养学生自主学习的学习习惯，是新课标教学背景下音乐教学体制的完善与发展。

参考文献

第2篇：吉他入门音乐教学范文

论电吉他常用音色与设备调试 文章 来 源 3 e d u 教育网

【摘要】电吉他在现代电声乐队中是非常重要的一个角色,在一个精彩的乐曲中,电吉他往往都扮演着举足轻重的作用。一个悦耳的音色往往会使乐段得到升华,相反,如果在以个乐段中使用了不合理的音色就会使得这个乐段显得很糟糕。产生电吉他最终音色其实是一个非常复杂并且庞大的一个工程系统,所以我们就需要通过科学合理的方法来连接电吉他的音色系统。通过阅读本文,大家可以对电吉他在录音、现场演出以及在排练时候所运用的不同的音色系统的连接方法得到一定程度的了解。并且可以在今后的实际操作过程中运用最科学最先进的连接方法和理念,使电吉他的音色更加良好的融入到音乐中去。所以必要的掌握电吉他设备调试与应用就显得至关重要。本文所要讲解内容

【关键词】电吉他 调试应用 流行音乐

一、电吉他常用音色的基本种类

随着现代流行音乐的发展,电声乐队在这其中的地位越来越重要。在乐队中电吉他又起到了至关重要的地位。一个精彩的吉他Solo演奏往往会给歌曲带来不同程度的升华。当然想要做好这些必须需要一个良好的吉他音色作为支撑。产生吉他的音色的过程其实是一个非常复杂并且庞大的工程系统。下面就为大家浅谈一下电吉他的设备调式与应用。

我们常用的吉他效果大致分为以下几种:

压缩(COMPRESSOR)、噪音门(NOISE GATE)、哇音(Wah-Wah)、失真(distortion)、均衡(EQ)、混响(Reverb)、延时(Delay)、合唱(Chrous)、飘忽(Flange)、相移(Phase)、八度音(Octave)、移调(Pitch shifter)、和声(Harmonizer)、颤音(TREMOLO)

以上这些效果就组成了电吉他的一些音色效果种类。

二、现今中国吉他手的设备使用误区所带来的弊端,提出科学的解决方案与理念

现今在中国的吉他手中,他家对于设备的使用上有着很多很多的使用误区和消费观念的滞后。这样导致了我们得不到良好的音色,然后直接影响到我们的演奏和创作。很多吉他手会在选择设备上出现误区,比如会花很多的钱买一块最新的合成效果器,然后再买一把广告做得铺天盖地的吉他,然后代价就是为厂家支付高昂的广告费用,最后还剩下一点点可怜的预算去买一个只能出声音的吉他音箱。最后会在繁琐的合成效果器的调节参数中彻底的迷失自己。其实这些都是完全可以避免的事情。因为首先我们对于设备的选择重点应该侧重于音箱上,因为这个是发声的最终媒介。所以一台音箱的好坏直接关系到你的音色最终的好坏。所以当你拥有了一台出色的电子管音箱那你就几乎拥有了你所需要的音色了。再就是设备的连接方法。很多人对于设备的连接都是一头雾水,甚至胡乱连接,当然结果一定是糟糕的。正确的连接方法其实就是像前面说过的,效果器类(合唱、相移、颤音、八度等等)应该连接在音箱的Loop回路里面,而不应该连接在吉他与音箱前级之间。空间类效果器(延迟、混响)应该连接在Mic的后面,或者也可以连接在Loop回路里面的最后一个位置。在吉他进入音箱之前,应该依次连接哇音踏板、Clean Booster、压缩、过载。然后再接入音箱的前级接口(Input)然后在箱体喇叭的稍微偏离中心的位置放置Mic来拾音。最后通过台口音箱传送出你的吉他音色。这一套连接就简单的构成了一个吉他的音色系统。当然这些都是需要一定的经济基础才能实现的硬件配置。所以对于一些国内的经济基础一般的吉他手来说显得望尘莫及,所以都会去选择合成效果器,但是大家的连接方法多数都是错误的,因为合成效果器的芯片运算方式就是按照上述所说的连接方法进行设计的,所以我们的合成效果器一定不能直接进入音箱的前级,因为现在多数合成效果器都提出了音箱模拟这个概念,首先第一个运算的就是模拟了音箱前级,然后在开始模拟各种周边效果的回路连接。所以我们如果使用合成效果器的话这里推荐直接通过LineOut口或者开启效果器的软DI连接调音台或者声卡。如果想要音箱那种真实的喇叭声音,我们可以直接连接音箱上的后级输入(Poweramp In)这样按照上述描述的吉他连接方法和顺序去调节合成效果器里的参数就可以充分的发挥合成效果器的作用,而且要记住,均衡器永远都是后置起到衰减做用的,真正前级调节的对于吉他来说其实就是高中低三个频段。一些7段以上的均衡都是后置衰减作用,这个也是很多中国乐手所不注意的地方。如果我们做到了这些,那么我们就不会在一些问题上显得素手无策。当我们充分了解的设备的原理时候,我们就可以花很少的时间在设备调试上,并且可以得到十分理想的音色,这个时候我们就可以把更多的经历放在音乐本身上,并且会通过一些精彩悦耳的音色来得到一些十分好的创作灵感。

再来说说如何正确的选择设备,好的吉他音色是每一个吉他手的追求,不过究竟什么是好的音色?有的人说昂贵的设备出来自然是好的音色,也有的说自己觉得好就是好的音色,也有的说适合自己的就是好的音色。我的看法是,以上说法都有正确的方面,也有偏颇的方面,应该结合起来看。

首先,很高档的设备出来的音色肯定比抵挡的设备音色好(绝对意义上的)但是并不等于说价格贵的就一定比价格便宜的音色,应该说当设备的档次到了一定的水平线之上后,那么基本就是音色特点的区别,而不是音色品质的区别了,特别是价格差距并非很大情况下。其次,音色的鉴赏能力也是需要培养的,一个从来没有真正听过真实的现场好音色的人,他对于音色的理解可能本身就是错误的,应该在提高自己的音色鉴赏能力之后,再来寻找自己满意的音色。最后,就需要在众多的好的音色和设备之中,凭借自己的鉴赏能力,去找出最适合自己音乐的设备和音色。 综上所述,好的音色的概念我想可以分为两个方面来表达:

第一:绝对意义上的好音色,也就是用高档的设备堆积出来的音色

第二:相对意义上的好音色,也就是最适合自己以及音乐的音色

针对具体的音乐来说,我想后者的概念比前者更加重要,但是前者也是一个必不可少的前提,也就是说,我们首先要在一定音色品质的基础上,再找出最合适的音色,那么这个音乐作品的音色方面才是真正完美的。如果可供选择的音色品质本身就很差,那么即使再怎么找,也不可能找到真正最适合的音色。

当然这个主要是因为国内的环境造成的,就连很多从事乐器行业的从业人员,本身就存在这些问题。说到这里,有的人就会问,我们知道好的单块音色好,但是问题是价格昂贵,使用也不方便,同时听说必须要配合电子管音箱才能发挥作用,使用抵挡的晶体管音箱还不如合成的音色好。下面我们就一样样讨论吧。

首先,单块是否真的只能配合电子管才能发挥作用?答案当然是否定的。不管你是什么音箱,使用单块的音色肯定比使用合成的音色更真实,更好。当然你用电子管音箱,音色会更加好,但是同样的,你用合成效果器接电子管音箱,音色也一样会的提升。

单块是否真的那么昂贵?其实单块和合成一样,也有不同档次,不同价格,大家完全可以根据自己的经济能力选择购买适合自己的单块。另外,我们也没有必要一次性把各种效果的单块都购买齐全,你完全可以分开购买,先从主要的、常用的效果购买起,比如先买失真类型,这样的话,经济压力反而比一次性购买一个高档的合成效果器要低。我们等会可以来算一笔帐。至于单块的使用方便性问题,确实,这个是一个问题,合成的方便性是合成效果器受欢迎的主要原因之一,当然现在有一些单块控制的MIDI LOOP设备,但是价格比较昂贵,比如着名的CUSTOMAUDIO的控制设备,一套要上万块了。不过,如果你并非是一个经常演出的人,而主要是自己在家练习、录音为主的吉他手,或者说你并非是一个需要很多种音色切换的吉他手,主要也就是使用2-3种音色之间切换的话,其实这个问题并不显得那么重要了。当我很早以前使用一块GT3的时候,尽管购买之前我为介绍上的音色种类、可自定义用户组音色的数量而吸引,但是当我后来实际用的时候,其实并没有用到多少功能,对于我来说,一组4个音色的切换也就够了,依次是CLEAN、过载、失真节奏和失真SOLO。现在我使用单块,在实际排练、演出的时候,也并没有因为音色切换问题而特别的感到麻烦,无非是提前想好如何切换,具体操作的时候提前准备好。

现在最昂贵的合成效果器价格大约在3500-4000左右,我们就按照这个预算,来配置我们的效果器。

其实我们前期只要购买3个单块即可,分别是失真、哇音以及一个DI箱体模拟器,这样的预算基本在3000左右,如果你购买便宜一些的单块,预算甚至更节省。如果你没有直接进录音设备或者调音台的需要,那么连DI箱体模拟器也可以不买,把多出来的钱再购买一块过载或者失真,或者合在一起买一块高档一点的失真效果器。 三、电吉他设备的调试与应用对现代流行音乐的影响

通过以上三个论点我们讨论了吉他音色的种类还有吉他大师在乐曲中使用的音色对于乐曲的影响和所带来的灵感以及针对中国吉他手设备使用误区所提出的科学解决方法。通过讨论这些,我们对于吉他音色在音乐中的影响有了一个深层次的了解。一个合适悦耳的音色其实不单单就是代表着一个乐器的声音好坏,它完全会影响着整个音乐的进程,完全会给一首作品带来决定性的影响。其实乐器的音色对于音乐与个人创作灵感的影响已经不单单局限于电吉他,对于键盘乐器来说同样起着关键作用,比如一个连音都不准的钢琴又如何会给你带来那份创作灵感,又如何会演奏出悦耳动听的旋律呢。当你演奏一台出色的三角钢琴的时候,随着手指敲击那份悠扬动听的音色一出现,相信创 论电吉他常用音色与设备调试 论电吉他常用音色与设备调试 ：小学音乐论文：音乐课堂教学过程 我国民族音乐的形成与特点 音乐鉴赏教学中的创造性思维培养

论电吉他常用音色与设备调试 文章 来 源 3 e d u 教育网

作灵感将会随之而来。这就是好音色对于音乐的深远影响。

第3篇：吉他入门音乐教学范文

福建 少年声乐器乐大赛3月举办

汕头市音协将于今年3月期间举办第二届“新华艺杯”粤东少年儿童声乐、器乐表演大赛。

据了解，本次大赛设声乐组、民乐组和西乐组，各类项目均可以个人或小组合（10人以下）形式参赛；比赛分类进行评选。三个比赛项目均分设少年AB组、儿童AB组进行比赛。经初赛评选，三个项目十二个组别各产生10名（共120名）选手进入复赛；经复赛评选，三个项目十二个组别各产生6名（72名）选手参加3月31日决赛。

■善文

泉州文化节彰显闽台同源

第七届“海上丝绸之路”文化节于2月21日至23日在福建泉州举行，本届文化节将以彰显闽台文化同源为特色，闽南民俗歌舞、南音、高甲戏、南少林武术表演等都已亮相文化节。

文化节期间，“贺元宵迎春花灯展”“泉州民间舞蹈大比拼”和各类民间传统戏曲表演等活动已在泉州各公园、广场展开，营造节日喜庆氛围。泉州天后宫与澎湖天后宫合办“平安乞龟”民俗活动，两岸青年音乐家演绎“海西风华・青春泉州”新年音乐会，迎新春闽台书画展也同期举行。

■郑良

四川

吉他大赛隔年举办

本报讯（通讯员 闫伟）为期3个月的四川省首届吉他大赛于1月28日在成都落下帷幕。旨在为全省吉他爱好者提供一个展示和交流平台的四川省首届吉他大赛，从2007年10月拉开序幕，数千名报名选手中有110名选手进入到总决赛。比赛分为民谣弹唱和古典演奏两个类别，经过几轮紧张而激烈的角逐，最终民谣少儿组冠军由12岁的温蕊儿夺得，民谣成人组冠军是来自川音通俗音乐学院的赖永丰。而古典幼儿组、少年组冠军分别是李从邑、谢旭龙，成人组冠军则是冯影，重奏组冠军由李从邑、恒思贤获得。

本次吉他大赛由四川省音乐家协会主办。主办方表示，四川省吉他大赛今后将两年举办一次，首届比赛主要面向省内选手，将于2009年举办的第二届吉他大赛将会更多地吸收外地选手，扩大四川吉他音乐的影响力。

山东

陈再峰音乐会为爱心奏响

第4篇：吉他入门音乐教学范文

记得我当时用文字写下对他的评价：“吉他，粗粗细细的六根弦组成一个舞台，何震东用他灵巧的双手独享这舞台。”由此和他相识相交，乃至如今他虽人在美国纽约，我们仍常常联系，从我这里，他也得到了一些国内吉他专业的发展信息。

数年后偶然的机会，我认识了年轻的四川音乐学院吉他教授徐宝，从此，我开始更多地关注和了解他。

再次了解吉他，尤其是古典吉他

吉他可称得上是一件极富人性的乐器，表现力极其独特、丰富。所有乐器当中能将音乐性和人性化结合得如此均衡的乐器非常少，吉他却可以轻易实现，与演奏者结为一体。伟大的音乐家贝多芬曾感叹：“吉他就是一个小型的管弦乐团。”至今仍代表着小提琴演奏最高境界的十九世纪音乐家帕格尼尼，也曾为钻研吉他艺术放弃小提琴达数年之久。

谈到吉他，徐宝告诉我，许多对吉他不甚了解的人第一印象便是民谣弹唱或电吉他。然而，古典吉他才是各类吉他的本来面目，它的演奏从演奏姿势到手指触弦都有严格的要求，技巧精深，被认为是吉他艺术的最高形式，还被誉为是同钢琴、小提琴并列的世界三大乐器之一，其细腻多变的音色、丰富的和声、多声部的演奏能力，对不同时期、不同风格、不同民族的音乐都能诠释自如。

古典吉他有一个特点，正如喜爱吉他的著名作曲家柏辽兹在他的《乐器法》中所说：“吉他是一种不会演奏就很难为它作曲的乐器。”由此，古典乃至浪漫时期为吉他作曲的大作曲家寥寥无几。柏辽兹也曾说过：“如果自己不是吉他演奏者， 就不可能为吉他写出好的作品。”这一特点可以说在一定程度上给古典吉他的发展带来了阻碍，但古典吉他仍然以独特的魅力博得了众多音乐家的喜爱。其中最值得一提的是，“小提琴之王”帕格尼尼不但擅长演奏吉他，还曾为吉他、为爱情放弃小提琴演奏长达四年之久，专心研究吉他，为吉他写下了大量的作品。

古典吉他有不少精品曲目都是由改编而来，比方说闻名于世的“二十四首随想曲”是浪漫时期“琴魔”帕格尼尼的小提琴曲集，这二十四首随想曲改编为吉他作品后，与小提琴相比各有千秋，其中第二十四首无论是小提琴还是吉他皆演奏较多，另外还有由钢琴经典小品改编的古典吉他曲《少女的祈祷》、由日本民谣改编成的《樱花变奏曲》等等，这些都说明古典吉他对不同时期、不同风格、不同民族的乐曲皆能诠释自如。

吉他是最富有浪漫气质的一种乐器，既有古典的优雅，又不失现代的自由，它不仅能演奏出优美的旋律，又能奏出丰富的和声，还能满足各个时期音乐发展的需要，具有很强的时代感，因而深受人们的喜爱。

贝多芬曾在听完好友的吉他演奏后评价：“吉他就像是一支小型的管弦乐队。”我们可以从中感受到贝多芬对古典吉他音乐表现力的高度赞誉。

十六岁学琴，十六元吉他

第一次在徐宝家听他演奏不过十分钟时间，却让我感受到意想不到的音乐再现。他的弹奏流淌出从未被他人复制过的音符，更令我惊讶的是，他所演奏的音乐随意又恰到好处地融汇了诸多音乐风格，丝毫没有任何拘束和条条框框的节律，犹如音乐灵魂的释放，而在那释放之中献给人的是前所未有的创新，是一场思想革命，领我走向一个更高层次的音乐空间，我完全被惊呆了。

问：怎么会想到学吉他？

答：十六岁时去我小姨的单位打乒乓球，无意中在厂工会看到一把天使牌吉他，稀里糊涂就把吉他借回了家，而那把吉他当时只卖十六元一把。

问：在这之前你学过其他乐器吗？

答：吉他是我真正感兴趣并专心学习的第一件乐器。

问：你那年已十六岁，看来学音乐不见得一定要从幼儿时学起啊，呵呵！

答：学习吉他的时间因人而异，有的人退休后才学习。学乐器本来就不见得一定要从事专业，业余爱好不要太细化了。那次回来后，我妈在单位帮我找了位老师，我开始如痴如醉地练习，直到被招进市歌舞团工作，并考进南艺作曲专业，才算是接触到了正统的音乐教育。

问：当年有许多吉他手最后都没有进入专业圈，你是幸运的。

答：七八十年代有很多吉他爱好者，绝大多数都没有走上专业道路，但有的在其他领域非常成功，这也是我们专业的福气，常有一些事业有成的吉他爱好者慷慨解囊，资助我国吉他事业的发展建设。

问：如今做吉他老师和演奏吉他，你更喜欢哪个或者偏向哪个？

答：为了生活，我喜欢演奏；为了生存，我喜欢教学。

问：怎么会到川音来的，或者说决定到川音来发展是个重大抉择吧？因为你的家在江苏。

答：你说得对，我来川音工作是人生的一个重大抉择，说实话，我的选择到现在看来是百分之百正确的！因为之前对川音的印象就是在西部，也就是说要来支援西部，呵呵。之前我从未来过四川，问妈妈对成都的印象如何，我妈妈十几年前曾经到过成都，她说成都也有几座高楼。我来了一看，繁荣程度不亚于南京，和我妈妈描述得反差太大了，闲暇的时候出去逛了一下，感觉是个超大的城市呢。

问：听说你当时来川音还是破格录取的？

答：是的，因为我只有本科学历。考试那天，我演奏完自己准备的乐曲后，敖院长即兴点了一首曲子让我演奏，当时他点的是《魔笛主题与变奏》，这是一首众多国际比赛的规定曲目。回答说我很久没演奏过这首乐曲了，可以试着演奏一下，但可能会记不清乐谱。敖院长示意我开始，没想到非常顺利，一气呵成。演奏完毕，所有领导一起为我鼓掌。其实，我倒不是因为演奏成功而感到开心，反而是我当时很意外，没想到敖院长对吉他名曲也了如指掌，他的突然发问让我终生难忘。也许我和川音有缘，就这么来了，川音真的对我很好，用我妈妈的话说，我这一辈子要为川音“做牛做马”，奉献自己的所有，无怨无悔。

难忘当国际评委

问：能告诉我有哪件事情让你难忘吗？

答：两次出国，第一次是远赴西班牙当国际吉他比赛的评委，第二次是赴英国苏格兰皇家音乐学院讲学。

2008年3月我第一次跨出国门，崭新的护照上只有一次签注，此次出国是要远赴西班牙瓦伦西亚担任第九届阿兰布拉国际吉他比赛评委。该项赛事是全世界奖金最高的吉他比赛，第一名的奖金高达两万欧元，该项赛事培养出了多位国际级的演奏家。和我一同担任评委的同行都是当今世界上十分活跃的大师，能和他们一起工作一周，我感到十分荣幸。同时我也是第一位在吉他的发源地西班牙担任欧洲最高规格吉他比赛的华人评委。

2009年11月，我第二次出国，应邀远赴英国苏格兰皇家音乐学院吉他艺术节举办大师班和音乐会，苏格兰皇家音乐学院官方网站称我为“a first visit from Chinese guru Xu Bao”。

问：平时除了教学工作，你还有什么工作安排？

答：除了教学工作，我每年都会邀请一两位国际级的演奏家或教授来川音讲学和演出，并且积极培育四川的古典吉他演出市场。我想这也是从多方面为学生考虑，市场做好了，学生们将来的就业面也会很宽广。同时我也在带领学生共同培育并开拓业余吉他教学，除了让学生得到勤工俭学的机会，也可以为川音从业余学生中挑选优秀的生源。

问：你如何看古典吉他演奏在中国的前景呢？

答：我对古典吉他演奏在中国的前途还是看好的。当然古典吉他目前无法像钢琴、小提琴或是歌唱那样成为音乐学习的热门，但即便是这样一种小众艺术，如果放在中国巨大的人口基数上来考虑，那么这一小部分演奏者和听众放到西方任何一个国家里也是一个惊人的数字。吉他在国内起步这么晚，现在发展到这样一个规模已经是前景堪慰了。不止是古典吉他，整个古典音乐领域都是如此。因为在西方，古典音乐市场已经饱和，他们那里的演出市场是维持现状，唱片出版则是持续萎缩。而中国有强大的经济发展这个大趋势、大背景，我们理应对文化艺术的未来充满信心，但我们也不能就此光想着“明天会更好”而坐等这一天的到来，还必须从我做起。

要拿出150%的努力

捷克著名吉他演奏家Pavel Steidl在上海接受我采访时说过一句话：“文字，是人类用人类的语言去描写天堂的美；音乐，是人类用天堂的语言去描写天堂的美。” 此话很美妙，也很富有哲理，太经典了！

行文到此，用徐宝告诉我的一个故事来结束本文，那就是吉他大师桑塔纳的故事：卡罗斯・桑塔纳是一位世界级的吉他大师，他出生在墨西哥，十七岁时随父母移居美国。由于英语太差，桑塔纳在学校的功课开始时一团糟。有一天，他的美术老师克努森把他叫到办公室，说：“桑塔纳，我翻看了一下你来美国以后的各科成绩，除了‘及格’就是‘不及格’，真是太糟了，但是你的美术成绩有很多‘优’，我看得出你有绘画的天分，而且我还看得出你是个音乐天才。如果你想成为艺术家，那么我可以带你到旧金山美术学院去参观，这样你就能知道你所面临的挑战了。”几天之后，克努森真的把全班同学都带到了旧金山美术学院参观。在那里，桑塔纳亲眼看到别人是如何作画的，深切感到自己与他们的巨大差距。克努森先生告诉他说：“心不在焉、不求进取的人根本进不了这里，你应该拿出150%的努力，不管你做什么或想做什么都要这样。”克努森的这句话对桑塔纳影响至深，并成为他的座右铭。2000年，桑塔纳以《超自然》专辑一举获得了八项格莱美音乐大奖。

第5篇：吉他入门音乐教学范文

而我，情愿用10000个字，去换贝多芬的一个音符。但我知道，他根本不稀罕。

有什么办法?在伟大的艺术与它谦卑的粉丝之间，就存在着这种不平等。

但我依旧虔诚地朝拜着，并且相信：每写下10000个字，就与音乐圣殿的距离又近了一个音符……

这几天上班时，我都打开CD，调出汪峰的《春天里》，只听这首歌，从家开到单位，差不多可以听7、8遍，尤其爱听那段：“可当初的我是那么快乐／虽然只有一把破木吉他／在街上在桥下在田野中／唱着那无人问津的歌谣。”每当汪峰的歌喉滑过“一把破木吉他”，心底的一根琴弦便被柔柔地拨动。

从上世纪八十年代走过来的人，都不会忘记那场席卷全民的吉他潮，抱着破木吉他歌唱，即使没亲历，也曾心向往之，据吉他教育家陈志先生回忆，那时的中国有3000万人在弹吉他，3000万人!手指能掀起多大风暴啊!“这是中国进入商品社会前夜的最后一次波澜壮阔的群众性文化运动了”，严锋如是说，当年的他曾走进清华的一间男生宿舍，7个人的房间，墙上挂着七把吉他――“大家突然发现一把25元的红棉吉他就可以让我们找回失落的童年的全部梦想和进入新时代的文化资格证书，性价比高得让人难以抗拒”。

我就有过一把红棉吉他，还跟它合过影：一脸严肃地抱着吉他，像抱着一挺机枪，其实心里很愁：不知该从吉他的哪根弦弹起。没错，我根本不会弹，但这丝毫不能影响我对吉他的狂热迷恋，不能影响吉他的弦音时刻荡漾在我心中。

也许因为吉他状如女体，我更喜欢看男孩弹吉他，看他们拥它入怀，特别有阴阳调和之和谐感。曾写过一部小说，就用一个脸瘦如刀削的吉他手当主角，有人问他：“你喜欢的那个女孩阴阴的，有什么好?”他答道：“她很特别，像首古典吉他曲。”女孩最终没能和他走到最后，因为在她看来，“文凭比音乐更重要”，婚礼上，“她把玩着手指上的戒指，寂寂的眼神似乎不属于一个快乐的新娘”……嘿嘿，在那个年纪，我就热衷这种酸倒牙的调调。

我喜欢自己笔下的那个吉他男孩，用很多笔墨描写他演出时的激情，观众高喊着他的名字：“声音一下一下砸在女孩的心上，让她的耳畔愈来愈静，最后，只听见自己的心跳”――其实，那是我自己被想象中的吉他所深深虏获的情状。

第一次独立制作音乐节目时，我出乎大家意料，起用同事小夏做主持人，理由只有一个：他会弹吉他。小夏果然不负我所望，第一期节目便是抱着吉他主持的，说一段弹一段，一副优质帅哥的做派，其实小夏是个有一点小羞涩的男孩，但吉他在手，宛若发电机在握，源源不断地为他传送能量和自信，让他无所畏惧。

在与小夏成为朋友之后，他介绍我认识了很多热爱吉他的人，其中就有张晔先生，年过花甲的张先生曾在旧货市场花五元钱买过一把特别的琴，小夏说：“你一定要去看看!”我们千里迢迢赶到张先生家里，看到那把琴：极旧的琴身，弦都已经断了，暗淡的琴面不知被多少只手触碰过。

张先生看出我的失望，笑着说：“这琴其实叫Unlculele，出身名门啊，你看这里面的数字，1928年凤梨牌的，产自夏威夷”，他将琴半立起来，让我看到琴身里面，贴着一个标记：弦之楼藏。

张晔先生特别带我去位于道外太古街上的弦之楼拜访，路上，他详尽地为我介绍：弦之楼的楼主名为任国治，号白鸥。上世纪二十年代初，一对来自广东的任姓夫妇，在哈尔滨道外二十道街上，建立了一间专门为穷人服务的平民医院，任老先生的儿子任白鸥，也在日本东京医科大学取得儿科博士学位，与父母不同的是，他对行医并不热衷，而是穷尽一生的财力和精力，去热爱音乐。

后人称任白鸥是时期进步的音乐教育家和音乐活动人，他熟通音律，曾跟一位俄国人学过琴，上世纪三十年代中期，他与一些热爱音乐的朋友组成口琴社，就利用他的医院、当时的广东会馆进行弹琴排练，他将那幢楼称作弦之楼。

因为任白鸥家境富裕，同时对音乐具有很高的造诣，因此在他的身旁，在弦之楼上，聚集了许多进步的音乐家和流亡艺术家，像剧作家塞克，音乐书法家刘中，指挥家秋里等，据说，郑律成的《进行曲》就是在弦之楼上完成的。

被南来北往的文人墨客歌者拜访过的弦之楼，在我的想象中，是古雅又雍容的，没想到今天的它，如此破损，弦断音残，老态垂垂。张哗先生将我们领到二楼的一间小屋，说：“这里曾是白鸥老人专门用来放琴的房间，曾经分门别类地摆放过老人托人从世界各地购回的几十把琴和几千张唱片”。

环视着空荡冷清的房间，我的目光在阳光中穿越时光，我仿佛看到老人细心擦拭着琴的身影，他一边擦一边用心捕捉着风吹过时那若隐若现的弦音，嘴角弯出一抹淡淡的笑痕……。

严锋曾这样为吉他定义：它“是和人最亲近的乐器。一琴在怀，人琴一体，多少亲密无间!”对于一生没有亲生子女的白鸥老人而言，那些吉他与他亲密无间，是他的孩子。

第6篇：吉他入门音乐教学范文

关键词：阮；林吉良；王仲丙；宁勇；刘星

中图分类号：J609.2 文献标志码：A 文章编号：1007-0125（2014）08-0082-02

一、 林吉良先生及代表作品

林吉良先生，作曲家 阮教育家 ，1960年入大连歌舞团从事演奏工作。现任沈阳音乐学院民乐系外聘教授、中国民族管弦乐学会常务理事、阮专业委员会荣誉会长、辽宁省民族管弦乐学会副会长。同时，林吉良教授任美国西南国际大学音乐部博士，新加坡莱佛士音乐学院客座教授，沈阳音乐学院客座教授。

林吉良教授是阮专业的主要开创人之一，在阮的发展方面作出了巨大贡献。表现在（一）是他创作了《草原抒怀》、《游泰山》等数十首阮独奏曲，结束了阮只能作为伴奏乐器的历史；（二）是极大地丰富了阮的演奏技巧，开拓了阮独奏的新领域；（三）是培养了一大批阮独奏演员，为中国各地著名音乐院校培养和输送了一批在国内外具有影响力的阮专业人才。

1983年4月，人民音乐出版了其中阮独奏曲《赞歌》和《凤凰花开》，这是新中国成立以来首次发表的中阮独奏曲，填补了阮专业没有独奏曲的空白，后来人民音乐出版社又特约林吉良整理其创作的16首阮曲，编入《阮曲第一、第二集》。创作的《草原抒怀念》被规定为中国乐器国际比赛的参赛曲目，并荣获1982辽宁省政府“文艺创作奖”；《游泰山》荣获1988年辽宁省民族音乐作品比赛二等奖（一等奖空缺）。1994年，大连音像出版社出版了以《松风寒》命名的“林吉良阮作品专集”盒式磁带和《林吉良阮拨弹法》一书。1984年4月于中国音乐学院做“技巧和技巧的应用”的学术报告，同年10月于西安音乐学院做“形象和形象化教学”的学术报告。1988年6月由省、市音乐家协会、大连市文化局和大连歌舞团共同主办了尤其作曲的“古韵轻歌”音乐会。1995年5月21日至28日应澳门文化司的邀请赴澳门进行文化交流，1995年12月主笔创作的板胡独奏曲（周雪梅演奏）获国家文化部颁发的群星奖银奖。2002年8月由国家文化部聘请为中国青少年艺术大赛第一届民族乐器比赛评委，同年于新加坡担任全国华乐比赛评委。曾四次主持辽宁省民族管弦乐学会专业委员会学术研讨会。其业绩被收入《中国音乐家名录》等辞书。先后为沈阳、上海、西安以及在北京的几所音乐学院培养输送了一批颇具影响的阮专业人才。并分别获多次国内国际比赛大奖。

林吉良教授阮作品风格朴素清新，旋律优美动听，作品内容牵涉广泛。主要以民族性和叙事性风格为主，如：《西域行》、《山里的歌》、《满江红》、《风摇竹》、天韵―四拍《天行云流水》、《石头韵》、《遐方怨》、《草原抒怀》、《灵弦戏狮》、《睡莲》、《游泰山》、《思恋》、《山吟》、《葡萄架下》、《翠华山传奇》等，业界音乐家评论林吉良教授“富有成效的探索，添补了阮专业的许多空白。”“林吉良对阮的贡献，扩宽了它的天地，增添了它的魅力。”“使阮艺术达到了一定的高度。”

二、 刘星先生及代表作品

刘星先生，著名中阮演奏家和作曲家，1982年毕业于上海音乐学院，他的作品风格较通俗性，摆脱了阮形象性的作品创作，使他的作品风格与其他阮作曲家截然不同，他采用了吉他元素，创作的阮曲节奏新颖，作品色彩丰富并结合了流行音乐，开拓了阮现代作品的演奏技法，开启了阮现代作品的创作和演奏风潮。

随着东西方文化的交流增多，西方各种形式的音乐及其概念大量融入中国。刘星先生打破了传统的作曲模式，很少出现单一的单线条旋律，大量运用了和声、复调，大篇幅的十六分音符，强劲复杂的节奏、短促的休止符，让人耳目一新。刘星先生的阮现代作品有：《孤芳自赏》、《山歌》、《无所事事》、《即兴曲》、《天地之间》第六号等等大量的优秀阮独奏和重奏作品，他还创作了阮的第一部阮协奏曲《云南回忆》，1984年刘星先生把中阮搬上舞台与西洋管弦乐队协奏，作品采用不同节奏型转换和流行乐的和声色彩等元素，以演奏技术性为主，共分三个乐章，第一乐章中庸的中板、第二乐章呆滞的慢板和第三乐章机械的快板，每个乐章各有特点，使中阮的技术和音乐性达到了全面的体现。首演后对中阮创作风格和演奏技术影响很大，这在阮的发展做出新的贡献，使这件乐器有了新的发展空间。近几年，也开始有很多作曲家创作了阮协奏曲如周煜国《山韵》等，阮的现代风格的演奏技巧，丰富了阮的演奏技术，增强了听觉效果，大大拓展了阮在舞台的表现力。

三、王仲丙先生及代表作品

王仲丙阮演奏家，现代中阮和大阮发明人，中国国家一级演奏家，中央广播民族乐团大阮演奏家。王仲丙先生在张子锐先生改良的阮的基础上致力于阮的研究改革。参照古代“阮咸”外形，设计了“中国民族乐器中阮、大阮”，1956年在第一届全国音乐周推广、应用，成功地填补了民族乐队中弹拨乐器的中、低音不足，1979年3月全国民族器乐“成都会议”上，中阮、大阮列入民族管弦乐队的常规乐器。国务院授予王仲丙“表演艺术事业作出突出贡献的表演艺术家”，享受国务院津贴。王仲丙还编著出版了国内第一本《阮演奏法》，开创了阮独奏艺术的先河。他创作的作品有：《引水上山坡》、《拉萨舞曲》、《流水新颂》、《瑶族长鼓舞》等优秀阮作品。其中《拉萨舞曲》是王仲丙的代表作品之一，作品以藏族舞蹈音乐为创作基调，全曲共由引子、中板、快板三个部分组成，运用长轮演奏技法表闲了辽阔的藏区的美丽风光，又运用滑音、打音、扫佛弦等技法描绘出藏族人民能歌善舞的欢乐场面。

四、宁勇先生及代表作品

宁勇先生，广州华南师范大学音乐学院阮专业教授，研究生导师，阮演奏家、作曲家。在乐器设计方面，设计出五个品种一整套的新型系列阮，将阮由原来的大阮、中阮、小阮、低阮系列增加了高音阮，其中“双弦高音阮”、“新型阮音箱”、“阮防滑板”三项成果分别获得三项国家专利，被称为宁氏系列阮。

宁勇先生，编制多套阮专业教材，发表阮曲30余首，《阮史漫话》、《系列阮艺术的开发与拓展》。他的作品大多具有浓郁的西北地域风格，在整理、研究、继承和应用长安古乐方面都取得很好的成绩，也为阮曲在长安古乐风格的形成与建立作出了贡献。主要代表作品有：《丝路驼铃》、《玉楼月》等作品。其中《丝路驼铃》是宁勇先生的代表作品之一，该曲用新疆地区的民歌素材创作而成，表现了在古丝绸之路上行走的一旅骆驼队，驼铃声，由远而近；小憩时，他们跳起了欢快的舞蹈，以解长途跋涉的沉闷与疲乏；振奋精神后又踏上了征途，渐渐远去。整首作品古朴清淡，具有较强的感染力。主要运用泛音描绘驼铃的声音，其中的旋律音采用左手的吟弦和揉弦的演奏技巧，进一步增强了西域色彩和地方的音乐韵味。

在中国民族器乐艺术的发展中，阮是一件古老而又得到新生的乐器。新中国成立后，阮经历了60多年，乐器在形制和作品上都逐渐得到了很好的发展，当今除了本文提到的四位阮演奏、作曲家，他们为阮的改造和作品的创作发展起到了巨大的贡献和推动作用。还有很多作曲家开始写作阮曲，不断拓展和丰富阮的各种乐曲风格，增强阮的演奏技术难度，在学术方面，也开始逐渐进行探究，本文更多的音乐爱好者了解阮这一乐器，希望能看到更多的好作品，为阮的更好发展而努力。

参考文献：

[1]中国民族音乐.中华乐器大典[M].北京：民族出版社，2002.

[2]林吉良.林吉良阮曲集[M].大连：大连出版社，2000.

作者简介：

孔文婷（1983-），女，硕士，东北农业大学艺术学院民族器乐系，讲师。

叶 菲（1983-），女，硕士，东北农业大学艺术学院，讲师。

第7篇：吉他入门音乐教学范文

【关键词】音乐，课堂教学

1.将情感投入到课堂教学过程中

教师教学如何，主要体现在课堂教学过程中，能否将情感贯彻到教学过程中，并引起学生的共鸣，是音乐课取得良好教学效果的重要因素之一。以初二的《雨花石》为例，这单元分为两课时。平时教学过程中学生最不喜欢这方面的歌曲，所以很多同行一直觉得这单元很难上。后来在备课时，笔者寻找了多方面的资料，分清了这单元的重难点，着重通过两课时向学生讲述《辛德勒名单》与南京大屠杀。笔者带着备课时对音乐作品深刻，理解所获得的情感去范唱，使学生对音乐作品的第一印象深刻化从而加深对作品的理解。用生动、形象、准确、富有情感的音乐语言把学生带入作品中去，使他们进入角色，领会作者创作时的心境，去同主人公一起同呼吸、共命运。把音乐作品与影视欣赏相结合，用生动语言和讲故事的方法带动学生的情绪，引发了学生的正义感和民族使命感。同时也把自己在教学和备课寻找资料的感受与学生分享，学生们课后都表达了自己的愤慨之情。

教师的情感投入一旦投射到学生的心灵上，就能使学生产生积极的情绪体验，唤起相应的情感，能使学生的思维更活跃，想像力更丰富，记忆力更深刻，并能增强学生学习的责任感，也只有这样才会取得预期的教学效果。

2.把握学生的心理特征进行教学

现在的音乐教师不仅要认真上好每一节课，同时还要了解社会上的流行音乐及其在学生中的影响等情况，以便有的放矢地发挥学校音乐教育的特殊功能，引导和培养学生健康的音乐审美情趣和审美意识。学校音乐教育能与学生的心理发展相契合，能够促进学生具有音乐感的愿望得到健康的发展。

在音乐课堂上常常回出现这样的尴尬局面，即音乐教师精心准备的教学内容学生提不起兴趣。学生真的不喜欢音乐吗？其实并不是这样的。他们对校外的许多音乐都很热衷，例如港台艺人周杰伦，蔡依林等的音乐，欧美的“西域男孩”的歌曲等。

音乐教材都一样，但执行者是教师本身，如果能够真正地、多方面地考虑学生，真正做到以他们为主体，重视他们的业余生活，将他们对流行音乐已拥有的音乐知识作为他们学习新音乐知识的桥梁，这样就可以超越这种传统音乐课堂教学的限制。所以在课堂上教师可把教授的音乐与学生们喜欢的音乐相结合。例如欣赏《我的吉他》，教师可以介绍了学生们喜欢的吉他手，播放爵士乐吉他视频。通过这种结合，学生就拥有了更多的机会来体验和探索各种音乐形式，既学到了音乐知识，又增强了自己对音乐的兴趣。

3.注重培养学生的创造性思维

时代的进步、社会的发展、人才的竞争和社会的一体化都呼唤创造型人才。在教学过程中，教师不仅要更新教学理念，创新教学范围，还应鼓励学生独立思考，大胆探索。让学生根据自己的学识，情感，想象和个性来表达自己对音乐的感知和认识，使自己融入艺术世界中。

3.1 与其他学科相结合。在八年级《唱脸谱》教学中，在学唱的基础上，请学生根据教师所介绍的脸谱知识分4个小组画脸谱。在这个过程中，学生们发挥了各自的想象，画出来的脸谱千姿百态，而他们也在创作过程中加深了对脸谱的了解。

3.2 编配伴奏，让学生在编配中感受和谐的美。七年级的《故乡的亲人》是一首抒情而感人的歌曲，如果整堂课都教唱，学生易产生听觉疲劳，在中间可加入一个节奏环节，为学生分发各种小乐器，请他们为这首歌曲进行伴奏。这样能达到较好的效果，不但丰富了学生的表现力，还充分的发掘了学生的创造潜力，使学生不仅能体验创造的愉快，还能培养学生的发散性思维品质。

第8篇：吉他入门音乐教学范文

厂牌：Naxos

编号：8.573029

美国指挥家阿尔索普（Marin Alsop）1956年出身于音乐世家，早年就读耶鲁大学，后转至朱利亚音乐学校。1989年获孔斯维兹基指挥大赛首奖。2003年被票选为《留声机》杂志“年度艺术家”，同年获英国皇家爱乐协会指挥家奖。

阿尔索普是全球第一位录制勃拉姆斯交响曲全集（在Naxos旗下与伦敦爱乐乐团合作）和交响曲（与伦敦交响乐团共同录制《第五交响曲》）的女性指挥家。

在担任巴尔的摩交响乐团音乐总监后，阿尔索普又于2012年同时受聘兼任圣保罗交响乐团的首席指挥。和圣保罗交响乐团的首度录音合作从Naxos出品的苏联作曲家普罗科菲耶夫的交响乐作品全集开始。

普罗科菲耶夫四岁跟母亲学习钢琴，五岁开始作曲。1923年，他与西班牙歌手罗琳娜·科丁娜结婚，1941年，他抛妻弃子，选择了女作家米拉·门德尔松（Mira Mendelson）， 并于1948年结婚，但收录于这张最新专辑的交响乐作品《1941年》与个人感情并不对号入座，而是这位作曲家回应德国入侵苏联的又一重要交响乐作品。1944年，他创作了最重要最华彩的交响乐作品《第五交响曲》，也收录于这张最新的专辑。

不容错过的吉列尔斯

厂牌：Naxos

编号：8.112051

埃米尔·吉列尔斯（Emil Gilels）被誉为俄罗斯钢琴学派的当代传人。1933年参加莫斯科音乐家协会举办的比赛获一等奖，1936年参加维也纳国际比赛获二等奖，他也是战后第一位到美国演奏的苏联钢琴家，1967年法国授予他巴黎文化勋章。吉列尔斯演奏过大量的俄罗斯曲目，但是这张唱片中的曲目极为罕见，尤其是俄罗斯作曲家梅特纳（Nikolai Karlovich Medtner）的作品，在斯大林生前是禁演的。他在俄罗斯境内可谓家喻户晓，有“俄罗斯的勃拉姆斯”之称。与斯克里亚宾、拉赫玛尼诺夫一样，他们都是俄罗斯精英分子所迷恋和崇拜的对象，被视为俄罗斯在二十世纪的新希望。吉列尔斯对梅特纳的作品极为推崇，但一直等到1954年才有机会录制他的《G小调钢琴奏鸣曲》。唱片收录的其他作曲家的作品，如格拉祖诺夫以及拉赫玛尼诺夫，吉列尔斯都没有在现场演出中弹奏过。

吉列尔斯的演奏被誉为“钢铁般的触键”，其幅度与力度可以想象。他与约夫姆和柏林爱乐乐团合作的勃拉姆斯两首协奏曲已成为这个曲目首选的经典。乐迷们也可以从Naxos出品的吉列尔斯系列之（一）（Naxos 8.111350）和（二）（Naxos 8.111386）中欣赏到其他精彩的曲目。

陈其钢的恩师梅西安

厂牌：Naxos

编号：8.572714

身为二战前后的作曲家，梅西安对宗教题材的巨大热情曾在西方现代文化中引起一股不小的热情。梅西安所有的音乐作品主题都围绕着宗教、大自然与爱情。出生在笃信天主教家庭的梅西安自然是位虔诚的教徒，他从1930年起担任巴黎三一教堂的管风琴师，任职达四十年之久。1940年，他被关入德国的纳粹集中营，1942年回国担任巴黎音乐学院的和声教授。梅西安受象征主义美学影响，加之崇拜耶稣的宗教狂热，许多创作贯穿了神学思想。他也讴歌大自然，因为这是造物主恩赐的杰作。梅西安的音乐技法与配器融合了神秘主义与实验精神，影响了西方现代主义音乐的思潮。我国作曲家陈其钢就是梅西安的关门弟子，得到了梅西安的真传。

这张唱片收录的第一首曲目通过耶稣复活来纪念两次世界大战中的亡灵，第二首曲目虽是梅西安的早期作品，但同样充满了浓郁的宗教与象征主义色彩。马寇（Jun Markl）与里昂国家交响乐团合作的录音表现得中规中矩。美国《Fanfare》杂志曾把马寇指挥的这一录音系列中的前一张唱片（Naxos 8.572174）评价为“史上最好的大师级的催眠录音”。

瑞典最古老的男声合唱团

厂牌：Naxos

编号：8.572871

伦德学生合唱团（Lund Student Singers）是瑞典最古老的男声合唱团，创建于1831年。虽然历史悠久，但合唱团一直保持着充沛的活力，这和历任合唱团团长极高的专业水准与敬业精神以及合唱团成员源源不断的年轻血液是密切相关的，这也是大学男声合唱团最为得天独厚的特色。

Naxos将在今年10月推出的这张由伦德学生合唱团演释的专辑是双方的首次合作，曲目丰富，包括了西贝柳斯、德彪西、施特劳斯、布鲁克纳、舒伯特的多首声乐作品。等不及的乐迷们可以先从Naxos已经推出的捷克作曲家雅纳切克的声乐作品专辑（Naxos 8.553623）中一睹欧洲男声合唱团的风采。

舒伯特第八、第九交响曲

厂牌：Naxos

编号：8.572939

舒伯特最后创作的两部交响曲《第八交响曲》和《第九交响曲》，规模上雄心勃勃，内容上充满了引人瞩目的观点与思想。其实，《第八交响曲》只完成了两个乐章，因此被称为“未完成”，而且在作曲家过世后才被发现，首次演出更是距离作曲家过世长达整整四十三年。《第九交响曲》在形式上达到了舒伯特交响曲的顶峰，内容上则把自己的抒情特长与贝多芬的精髓高度完美地结合在一起。这两部作品之前从未在同一张唱片中出现过，Naxos将在今年10月推出的这张专辑特地把它们编排在一起，总长达八十分钟左右，是真正的物超所值。迈克尔·哈拉兹（Michael Halasz）一直被盛誉为舒伯特交响曲“欢快的演释者”，布达佩斯和斯洛伐克的交响乐团也当仁不让，在录音中淋漓尽致地发挥了东欧乐团的最高水准和传统特色。

舒曼第一、第二交响曲

厂牌：Naxos

编号：8.571212

舒曼在追随贝多芬的浪漫主义创作脚步时，无疑面临着很大的挑战。其实对任何一位作曲家来说，要在这样一位先行者的创作基础上寻求新的突破都是难上加难。舒曼能把贝多芬的交响乐作品在形式与结构上进一步扩展成更新更为激情的音乐语言，实属不易。《第一交响曲》在明媚春天的启示下很快完成了，并在1941年的首演中获得很大的成功，其活泼而有震撼力的第一主题展现了春天到来的景象。第二乐章是一首感人的夜曲，优美而华丽，表达了难以抑制的欢乐。第三乐章是海顿小步舞曲乐章和贝多芬谐谑曲某种元素的奇妙结合，第一主题的切分音型充满生气。第四乐章通过民间节庆的欢乐向春天告别，第一主题是首优雅的小精灵舞曲，充满戏剧性。《第二交响曲》的完成花费了舒曼较长的时间，杰勒德·施瓦茨（Gerard Schwarz）指挥西雅图交响乐团的演释被《留声机》杂志誉为“极为精彩的诠释与标杆”。自1985年起，杰勒德·施瓦茨就一直担任西雅图交响乐团的音乐总监至今，双方合作自然是浑然一体，天衣无缝。

舒曼第三、第四交响曲

厂牌：Naxos

编号：8.571213

第9篇：吉他入门音乐教学范文

二十世纪七十年代，大卫・罗素赢得了许多国际比赛，包括亚里坎特（Alicante）吉他大赛、荷塞・拉米列斯大赛，以及在马约卡（Palma de Mallorca）举办的安德列斯・塞戈维亚大赛和西班牙最著名的泰雷加吉他大赛。他还与Opera Tres公司签约，录制了世界上唯一的《泰雷加吉他作品全集》，该专辑被公认为泰雷加作品的最佳演释。此前，罗素也在GHA公司录制过两张评价甚高的专辑：《十九世纪的吉他音乐》和《巴赫、亨德尔、斯卡拉蒂作品》。许多作曲家如基多・山杜梭拉（Guido Santorsola）、乔治・莫瑞（Jorge Morel）、弗朗西斯・克兰扬斯（Francis Kleynjans）、卡洛・多明尼哥尼（Carlo Domeniconi）等都曾将自己的作品题献给大卫・罗素。

二十世纪九十年代中期，大卫・罗素加入了美国Telarc唱片公司，录制了巴拉圭天才吉他演奏家、作曲家巴利奥斯（A. Barrios Mangore）的作品，获得了评论家笔下“充满睿智”“技巧轻松自如”“演奏具有真正的大师水准”的赞誉。之后他录制了托洛巴（F.M. Torroba）的音乐、罗德里戈吉他协奏曲、凯尔特音乐（Celtic Music）等专辑，1999年发行了朱利亚尼的吉他专辑。2001年，他录制的巴洛克音乐专辑出版，唱片中收录了他自己编曲的巴洛克作曲家维瓦尔第、斯卡拉蒂、亨德尔、罗伊列特（Loeillet）的作品。

大卫・罗素的足迹遍及世界各地，他每年都要花大量时间在全世界进行演出和讲学。除了经常在欧洲、北美、中东、亚洲和非洲巡演之外，他也热衷于参加各种吉他艺术节和教授大师班。他独树一帜的艺术才能，使他在世界各地都拥有大量忠实听众。2005年，大卫・罗素凭借其专辑《Aire Latino》一举捧得第四十七届格莱美最佳器乐独奏奖。

大卫・罗素曾于2003年到访过中国。2014年，这位吉他界天王再度来到中国，登临北京、上海、成都以及香港等地的舞台。巡演期间，我们在北京对他进行了采访。

- 林旖 - 大卫・罗素

您来自一个音乐家庭吗？您童年对音乐的最初记忆是怎样的？您又是缘何开始学习吉他的？

我的家人都是艺术家、画家、雕塑家等等。我的父亲是一位业余吉他演奏家，他也是我的吉他启蒙老师。我小时候除了演奏音乐以外还画画，但最终我选择了音乐。

您幼年随父母移居西班牙属梅诺加岛，西班牙文化对您产生了怎样的影响？

当我六岁时，我和家人搬到了西班牙。那里有很多孩子都学吉他，有的是为歌曲伴奏，还有的是像我这样，纯粹为了演奏西班牙音乐和古典音乐。我确信西班牙文化对我有所影响，我在生机盎然的西班牙民间音乐中成长。我的父母也很热爱古典音乐，于是我在家就有机会听到很多好音乐。

您是何时决定将吉他演奏作为您的职业的？

我在十二三岁时决定要成为一名吉他演奏家。我当时并不清楚我该为此做些什么，但在那个年龄，你不会去考虑什么未来的事业或是生计，我只是很单纯地希望自己能够当一名吉他演奏家。

您喜欢的吉他演奏家有哪些？他们以怎样的方式对您产生了影响？

我有很多喜爱的吉他演奏家。童年时期，我听过吉他大师塞戈维亚的很多录音，所以他绝对是在那些年里对我影响最大的一位。后来我在伦敦学习时，有幸听过很多场朱利安・布里姆、约翰・威廉姆斯的音乐会，这两位大师的演奏都极大地启发了我。

您通常如何准备一部新作品？又是怎样背谱的？

面对一部新作品，我要做出的第一个决定是我是否想要演奏它，为此我需要反复研读作品，直到我能够理解作曲家的创作意图。背谱的方法有很多，但我觉得我们每个人都应该找到最适合自己的那一种。就我自己而言，我喜欢从一首作品的结尾部分开始记忆，先背下最后一小节，然后是倒数第二小节，以此类推。这样一来，当你演奏你正在学习的部分时，你总是可以把这部分和你已经背完的部分接在一起，连续地演奏。

您是如何准备一场音乐会的？在音乐会当天通常会做些什么？怎样热身？如何在演出过程中保持注意力集中又做到很放松？

在音乐会当天，我希望有一段放松而安静的时间。如果可以，在上午进行完一些练习之后，我会在下午睡一会儿。通常我不会在音乐会当天进行过多的练习，我希望在音乐会前一天或前几周就把必要的事情完成。集中注意力是一种需要训练的能力，我们必须发展自身的这种能力，以便在整场音乐会中全神贯注。您可以按照整场音乐会的曲目单，通过对着视频演奏、为朋友演奏或在家单独演奏进行练习。

您如何选择和安排音乐会的曲目？又如何在易听的曲目和艰深的作品间进行平衡？面对不同文化背景的听众，您是否会有意安排截然不同的曲目来演出？

我一般会为音乐会选择一套在音乐张力和强度上可以自然发展的曲目。曲目的排序对于听众和演奏者都非常重要，每一首作品都应该留给我们一个适合进入下一首作品的情绪。我会根据不同的场合选择不同的曲目。我只是自然而然地选择那些我认为听众喜欢听的作品。

您怎么看待在音乐会上进行吉他扩音？

我觉得在很大的音乐厅里演奏时，进行扩音会使声音听起来好些。近些年来，各种各样的吉他扩音系统已经发展得越来越理想了，我喜欢用一款AER的喇叭扩音器，它有一种很自然的声音。

您是完美主义者吗？您怎样看待在演出中出错？

我在做绝大部分事情时都是一个完美主义者，但并非任何事情我都能做到完美。我愿意把演出中的错误看作瑕疵，如果我并未因此而丧失音乐的张力和流动性，这瑕疵便不会让我感到困扰。也许在唱片业发达的年代，我们期待的太多，以至于对音乐会演奏者的要求越发苛刻，但我接受我自己的不完美，并力争将我能做到的最好的演奏献给听众。

您怎样看待乐评？他们的评论会让您感到困扰吗？

我不太在意乐评人是怎样写我的，但幸运的是，大多数时候来自乐评人的赞扬和批评都是相对平衡的。

您对于在一场音乐会中演奏的力度、音色、声音表达和速度会预先计划到什么程度？

我对所有的表达都有一个最初的计划，但在音乐会的舞台上时常会发生太多事情，使得演奏失去了原本的控制。

很多创作吉他作品的作曲家本人并不是吉他演奏家，他们的音乐可能不一定符合吉他演奏家的演奏习惯。您认为演奏者可以或者应该将一部作品修改到什么程度？ 也许在作曲家不太确定一件乐器的可能性时，最好在创作的过程中与演奏家进行沟通。我们知道，许多作品都由于技术上的困难导致难以演奏，只要做出一些小的修改便能带来极大的不同。所以，如果我对于演奏上的技巧问题有不同看法，我会和作曲家商量。

在演奏一首作品时，您是如何在表达自我个性和传达作曲家意图这两方面中找到平衡的？

这两方面应该合为一体，成为一个共同的讯息，但实际情况并不总是这样。每位演奏家都有着与他人截然不同的个性，这些个性总会在演奏中展现出来。

您每天花多长时间练琴？如何安排练习内容？有固定模式吗？您会进行技术练习吗？

在攻克一部作品的困难部分，或是练习一整首作品之前，我通常会以一些技术练习开始，作为一个不太剧烈的热身。有固定的程序固然好，但我大部分时间都在巡演，很多时候很难有一个正常的练习模式，能练琴时便随时练。不过在家练琴时则规律得多，每天必须要练习几个小时。

您是如何克服技术困难的呢？比如怎样演奏得快速？

我通常在尝试学习一部作品之前就已提前解决了其中的技术难点。关于速度的问题，一部分是天生的，但也可以通过很好的后天练习达到，大部分演奏速度极快的演奏者都有着非常高效的手指肌能和极佳的协调能力。

您经常教授大师课。您认为，一个好的吉他教师应该具备怎样的素质？应该传授给学生什么？

我认为在大师课上的教学和一般的教学有很大区别。在一般的教学课上，吉他教师需要极大的耐心，并且知道如何通过因材施教，使学生保持学习的热情，为他们挑选适当的曲目，给他们设计一个持续学习的曲线。而大师课则是让学生在一个很短、很紧张的时间里跟随一个自己不太了解的老师学习，我希望这是段令人兴奋而有所收获的经历，因此我会启发演奏者去发掘他们自身的可能性。我把大师课看作是对正常教学的补充。

对于音乐专业的学生，尤其是吉他专业的学生，您有什么建议吗？

在校的大学生很多时候或多或少都会被找工作的压力、考试面试、新作品等等事情压垮了。所以我想说的很重要的一点就是，不要忘记你上大学的初衷，并且去享受大学生活的每个时刻。时间过得飞快，是时候为你的人生选择做好准备了。

您曾经赢得过很多比赛，还曾获得第四十七届格莱美的“最佳器乐独奏奖”，这些奖项对您而言意味着什么？

参加这些比赛，让当年还是年轻演奏者的我在很多方面受益匪浅。我通过比赛结识了很多好朋友，而比赛获奖则为我打开了一扇门，使当时名气还不大的我有了音乐会演出的机会，同时也帮助我提升了演奏时的自信。比起早年比赛获奖，我在格莱美获奖已经是晚得多的事情了。在格莱美获奖与在一般音乐比赛中获奖不太相同，我当然对能获得格莱美奖感到很兴奋。

您在选择吉他时有哪些标准？使用什么弦？又是怎样令吉他弦和您的琴身达到完美匹配的？

我用的是达达里奥（D’Addario）的弦，马提亚斯・达曼（Matthias Dammann）的琴，因此有着“高张力或一般张力的高音弦”以及“低张力的低音弦”，这看起来是最适合这把吉他的组合。想令弦和琴完美匹配，没有捷径，只有不断地尝试不同的组合。在挑选一把吉他时有太多个人因素，我不想为了让吉他达到最好状态而让它有太多改变，所以我会选择一把我认为能带出我自己最佳演奏状态的吉他。吉他对于吉他演奏家而言，就好比不同的马适合不同的跑道。

现在您还会去听其他吉他演奏家的唱片或是音乐会吗？

当然，我平时听很多现场音乐会和唱片。我非常喜欢古典音乐，当我和太太在伦敦之类的城市时，经常去听音乐会。我在巡演途中也常有机会听到我的很多吉他演奏家朋友的音乐会。

除音乐之外，您还有什么兴趣爱好吗？

我的爱好很多。比如体育，我和太太经常跑步，保持健康的状态。我们每年会跑一次马拉松，这也激励我们在巡演中进行锻炼。虽然我们跑得不快，但获得了很多乐趣。我很爱打高尔夫，当我在家时经常约我的朋友们一起去打球。我们过去也打网球，但后来我觉得打网球对于吉他演奏者的手来说强度有些太大了。我还热爱摄影，这也是一个我可以在旅途中坚持的爱好，我常会花很多时间在电脑前选择照片和修图。此外，我和太太还很热衷于花大量业余时间参与一些慈善项目，尽管这也许算不上什么爱好，但也会坚持：我们每年都访问印度，我们在那里资助了一所残疾儿童的学校；我们还会去非洲的一些国家，我们在那里参与了水计划。