学配音的基本技巧精选(九篇)
第1篇：学配音的基本技巧范文
【关键词】笙演奏；技巧配合；花舌；历音；复调技术；演奏表现
中图分类号：J632.12 文献标志码：A 文章编号：1007-0125（2016）07-0085-01
一、细花舌与历音的配合
花舌在民间俗称“嘟噜”，指的是通过气息冲击舌尖而引起震动，从而表现出快速频率的抖动音，类似于弦乐的抖弓，根据力度以及表现力的部分可以分为细花舌、粗花舌、爆花舌等多种。历音指的通过手指快速地级进上行或下行而表现出了音串，长运用在快速热烈的乐段或者是乐句中，有时在音头位置也运用历音，起到修饰性的作用。在董洪德、胡天泉创作的《凤凰展翅》中就运用了这种技巧的结合，表现出了凤凰抖动翅膀的形象，并在渐快的速度下通过音型的不断反复，栩栩如生地表现出来。谱例1
二、呼舌与打指的配合
呼舌指的是依靠气息与舌头的配合，以舌根作为支撑力和力度点，通过喉头的带动和舌头的伸缩运用表现出的一种类似于波浪式的音波，对于表现鸟类展翅飞翔的形象具有突出的作用。打指是借用了笙的和声效果并通过多指在本音孔上表现出的一种强调节奏的技巧。由于其和声性的音响而表现出一种节奏感，以上这两种技巧的结合既表现出了一种规律性的波浪式表现，又相应地凸显出了节奏因素。如上世纪五十年代笙演奏家阎海登创作的《孔雀开屏》，在第二部分的主题中就采用了两者结合的技巧形式，表现出了“孔雀振翅无蹁跹”的形象特点。此部分为四二拍的节奏，其中在强拍上要运用强打指，以突出节奏性，在弱拍上则需要软打指，起到衬托和对比的作用。谱例2
在笙演奏家孙友创作的《欢乐的泼水节》一曲中，慢板的主题发展上也同样运用到了两种技巧的结合。此部分是一个复乐段结构，虽然表现了同一个主题，但是在层次上却分为两个部分：第一部分为主题的呈现和陈述，以单音旋律的进行为主，第二部分由于和音元素的加入，为表现表现旋律上的丰富性，即采用了呼舌与打印的结合，将对少数民族兄弟姐妹的情感进一步升华。谱例3
三、复调与舌类技巧的配合
笙是我国吹管乐器中唯一能够演奏复调的乐器，其复调技术的发展也经历了一段漫长的历程，从早期的支声性复调到赋格技术的发展充分地体现出笙在演奏多声部方面的优越性。随着演奏技术的发展，在创作和演奏中除了在展现复调技术的同时，也相应地加入了许多口舌类的技术，通过不同技巧的结合，促进了笙的多元化的艺术表现力。如著名笙演奏家徐超铭创作的《故乡行》就通过运用复调与舌颤音、碎吐的结合，表现出了对故乡的赞美和深切的情感。谱例4
四、演奏体会
作为笙的演奏技术，在笙演奏中不再单一地运用，而是通过技巧组合的形式与作品的风格、情感的表现特点紧密地结合起来，对于演奏者而言，对于这些组合技巧的运用，应当从以下几个方面进行把握：一是要不断加强个人的基础训练，如果没有系统的训练则难以领会到技巧的奥妙之处，其次就是要善于掌握方法、运用方法，通过科学的理论阐释指导自己的实践。二是要注意技巧与作品风格的关系。作品的风格一般表现在两个方面，即形象与情感，一首优秀的作品是通过一定的音乐形象表现出来的，并在主题形象的基础上表达出作曲家内心的所想所感，无论是形象还是情感的表现上都基于一定的演奏技巧，所以演奏者不能重技而不重艺，必须对作品进行深入的分析，才能够掌握好作品的风格，进而在练习中加强风格与技巧的配合与表现。三是要不断加强个人的艺术修养，当前笙曲的创作基本上可以分为传统笙曲和现代笙曲两种类型，传统笙曲注重地域风格的体现，现代笙曲则很多都是中西结合的作品，两者的共同点都意在表现出笙的艺术表现力，不同点则在于创作技法和演奏技术的运用，这就要求演奏者在演奏作品时，对不同体裁的作品要有充分的认识和理解，才能在技巧表现方面运用得恰到好处。
参考文献：
[1]董青.笙的吐音与训练[J].天津音乐学院学报，1997（02）.
[2]高沛.笙的复调艺术解析[J].乐器，2006（06）.
[3]高沛，柯楠.笙的艺术流派初探[J].乐器，2007（12）.
第2篇：学配音的基本技巧范文
关键词：钢琴；触键；技巧；演奏
伴随着手指如精灵般的跳动，创作的不仅仅是一首首优美的曲子，更是一个个情感与灵魂的表露。钢琴作为“乐器之王”与小提琴、古典吉他并称为世界三大乐器。不仅仅因为他悠久的历史，更是因为他对技巧的严格要求。只有高超灵活的技巧，才能更好的控制钢琴、融入钢琴。钢琴家只有有技巧的去演奏钢琴曲，才能赋予它真正的灵魂，钢琴演奏作为一门独特的艺术有着很强的技巧性。著名钢琴演奏家霍夫曼曾经说过这样一句话：演奏必须取得曹工钢琴的，这个操纵权就是技巧。自从十八世纪末，钢琴随着社会的发展，他的基本构造与性能已经基本定型，钢琴曲的优美旋律已经不像以前那样受到钢琴制造工艺的巨大限制。钢琴的触键技巧已成为钢琴演奏的决定性因素。同一首曲子、同一架钢琴不同的人弹奏却可能产生不同的风格与情感，在钢琴的演奏和学习中，触键技巧作为最基本的因素却成为了最复杂的问题。
随着社会的不断发展，钢琴的触键技巧已逐渐发展为弹奏训练中的一个基本体系，那么如何去掌握并灵活运用这种技巧呢？手指是一个钢琴演奏家的全部生命与灵魂所在，正是由于手指的灵活跳动赋予了钢琴曲灵魂与生命。也正是由于手势上的深厚功底，将一个个单调的音符组成了一首首或跌宕起伏，或优美动听，或狂风暴雨，或柔美动听的曲子。
1 力量因素在触键技巧中的“重量”
力量给予了生命足够的爆发力，但是这个看似简单的问题却是保证良好触键的基础和关键。本来手指作为身体上最灵活的部位，却成为了初学者的噩梦，手指的灵活运用对他们来说是那样的遥不可及，手指在庞大的钢琴面前却是那样的笨拙。这不仅仅是因为手指力量与身体的复杂联系，更是由于演奏家对每个音符力量的选择。一首简单的曲子，可能因为一个手指不小心用力过大或过小彻底破坏了他的美感。手指力度不是一朝一夕能够练好的，初学者在练习钢琴曲时，弹奏的声音可能听起来很虚，手指手臂也可能很容易疲劳。因此，只有脚踏实地的不断练习，才会掌握好自己的手指力度。钢琴的弹奏更加讲求力度的均匀传递，只有在弹奏时保持手指下力的均匀，和旋才会听起来更加饱满动听。力量是钢琴演奏的基础，在触键技巧中占据着不可或缺的地位。
2 从高抬指和贴键训练中看触键技巧
在世纪的钢琴弹奏中，影响弹奏的各种因素其实是相互矛盾却又相互依存的。对于钢琴演奏者来说，高抬指和贴键都是不可或缺的训练，高抬指提高了手指的独立运动性，也提高了手指力量的爆发力和耐力，更加强了手指、腕、臂和身体的协调配合。在初学阶段他有着自身无法替代的价值。可能人们在观看钢琴家演奏时会发现，很少有人去高抬手指，讲求的更多的是松弛随意，更多的是在贴键弹奏，这是因为贴键弹奏虽然和高抬指相互矛盾，但他却是高抬指的升华和发展。手指力量在满足了弹奏所需要的爆发力和独立性之后，就不再需要刻意的去高抬指。贴键演奏会使弹奏者的手指跳动更加灵活有力，圆滑流利，更节约了一些不必要的动作和力量，给人们行云流水般的感觉。只有在不同的训练中，在不同的矛盾中才能创造出完美的乐曲。
3 身体的协调配合对音乐的影响
对于钢琴演奏者来说，身体的协调配合就是手指、腕、臂以及腰部甚至整个身体的协调配合，很多钢琴家在演奏时，整个身体都会随音乐跳跃起来，以满足各种力量的需求。弹奏过程中的基本坐姿和都将对音乐的演奏产生巨大的影响。朗朗作为首位冲出中国的国际著名钢琴家，是所有音乐家的榜样，他的演奏想必大家一定看过不少，他的演奏不仅是音乐的表演，他的整个身体都会随着音乐去跳动，仿佛整个人已经融入了音乐。看似毫无章法的跳动，却把身体的协调运用发挥到了极致，演奏过程中无论是过度紧张还是过度放松，都会对身体的协调产生巨大的影响。“钢琴诗人”肖邦和“钢琴之王”李斯特都曾试图去解放手臂和手腕，探索一种更加完美的演奏方法，希望仅仅通过手指的灵活跳动去演绎出完美的音乐，但最终都以失败而告终。无论何种水平的钢琴演奏者，只有做到身体与钢琴的完美配合，才能创造出音乐的灵魂。
4 让触键技巧成为一种习惯
一个行为决定了一种习惯，孰能生巧，自古至今都是一个不变的真理。钢琴演奏讲求的不仅仅只有天赋，更需要的是后天你的不断努力。有哪个钢琴家的童年离开了枯燥烦闷的练习却创造出了后来的成就，又有哪个钢琴家不是凭借不断的努力创造了演奏的升华与积淀。只有让演奏成为你生活的一部分，成为你的习惯，你才能更好的融入钢琴。只有在不断练习中你才能发现自己的不足，才能有机会去创造属于自己的风格。习惯是一个看似虚无缥缈的东西，但他却决定着你的钢琴之路能走多远。
5 结语
钢琴看似简简单单的黑白双键却有着不简单的内涵，看似简简单单的触键技巧却包含了沉重的汗水，没有真正的天才，也没有完美的触键技巧，只有刻苦的学者，用自己的汗水去换取完美的演奏，用自己的人生去创造曲子的灵魂。钢琴演奏是完美的音乐升华，不是简简单单的去创作，无论学习还是演奏都离不开触键技巧，也都离不开演奏者的真正投入，离不开汗水与灵魂的交融。
参考文献：
[1]徐迁乔.技术与音乐：乐而得兼―――做好一个钢琴演奏者[J].四川戏剧，2007（02）.
[2]关越寒.钢琴演奏中的基础技术训练[J].北方音乐，2011（03）.
第3篇：学配音的基本技巧范文
【关键词】大提琴 演奏技巧 演奏能力
大提琴可以弹奏出优美的乐曲，其音色悠扬具有宽广的音域和丰富的表现力，是管弦乐器中唯一可以弹奏出接近人声音域的“人性化”乐器。随着生活水平的提升，人们有更多的时间和精力注重音乐的造诣。高水平的大提琴演奏者可创造出纯美深沉的乐曲，表现出丰富的情感，让听众感受到身临其境，更多地受到人们的青睐。在大提琴演奏中，演奏者要通过长期的训练，掌握扎实的演奏技巧，将乐曲与内心情感结合起来，提高演奏能力和演奏效果。
一、大提琴演奏中的手型技巧与运用
演奏者弹奏大提琴乐器时，手型的技巧与运用是非常重要的。相比于其他乐器，大提琴的手型技巧更为复杂。在实践中，大多数演奏者在手型的转换过程中，虽然关注了左手和右手的配合对演奏效果的影响，但由于演奏者的右手比较灵活，更加习惯右手的弹奏，左手的技巧则相对较差。针对以上问题，要想提高大提琴的演奏效果，演奏者要重视左手手型的训练和把握，保证左手姿势的准确，进而弹奏出完美的音乐作品。大提琴演奏中，左手动作更加复杂，在不同的把位上，左手姿势应始终保持弧形，这样能够减少左手手指的动作范围，进而提高左手的按弦速度和音准的正确性。“航式动作”是演奏者常用的手型技巧，演奏者为了保持弧形的左手手型，左臂的弯曲要先转化到把位或弦的对应位置。演奏者要熟练掌握左手的弧形技巧和左臂的弯曲技巧，主要包括三度双音练习、六度双音练习等，是手型技巧在大提琴演奏中运用的有效载体。
二、大提琴演奏中的换把技巧与运用
换把是指不同乐句演奏时，手指手型组合的换动。大提琴演奏乐曲的音域广阔，是这种乐器的特色，受到听众的青睐。也正是由于音域的广阔，决定了大提琴换把技巧的难度较大。作为大提琴演奏中的关键技巧，演奏者必须熟练掌握换把的应用。大提琴的换把主要与左手技巧紧密相连，对乐曲的连贯、音准的正确以及音节合拍等有很高的要求。在实际中，演奏者要做好换把前的腕部准备工作，换把的距离越远，对演奏者的换把技巧要求越高，需要更加自然的将手指、手臂的动作配合。换把的成败与按弦的力度也有关系，如果用力过度，会导致换把的失败。大提琴初学者进行换把训练，要以准确性为训练目标，应注意换把的速度，轻轻的按弦，不能急躁，保证换把的流畅性和演奏的音准，为后期的大提琴学习奠定坚实的基础。此外，大提琴演奏中的换把，作为换把的辅助力量，手指要始终维持在弦上。演奏者左手的换把，需要与右手的动作相配合，避免左右手不协调的问题，防止演奏中出现滑音。
三、大提琴演奏中的揉弦技巧与运用
揉弦是大提琴演奏所掌握的最具表现力的技巧之一，其要点是怎样找到手的最佳动作，用速度快慢、揉弦宽窄来演奏出每一个乐段独特的风格和特征。在大提琴演奏过程中，演奏者于乐句适当的地方配合适当的揉弦，可增加乐音的生动性，更加有利于乐曲的情感表达。手指的运动、手臂的颤动是影响揉弦的重要因素，而组成揉弦的基本动作是揉弦技巧的核心。演奏者要认识到手指对揉弦的作用，合理把握演奏过程中手指的位置，并注意手指的力度。如果演奏者过于紧张或放松，揉弦的演奏效果就会变成难听的颤抖或震音。演奏过程中，要协调好揉弦的速度，注重换音时要继续弹奏揉弦，保证乐曲的连贯性，为听众弹奏出舒服、愉悦的乐曲。进行揉弦的训练时，应对左右手的动作一起研究。通常情况下，弓子靠近琴码时，放慢拉弓的速度，琴弦可拉出强有力的音色；较快的弓速，则可以发出柔和的声音。演奏者运用揉弦时，手腕要放在中间的位置，便于向前或向后移动，进而有效控制揉弦的频率，提高揉弦的演奏效果。揉弦的动作和技巧要经过长期的训练，才能够将揉弦技巧较好运用于演奏中。
四、大提琴演奏中的音准技巧与运用
音准对于大提琴演奏是非常重要的，音准的把握是演奏者关注的重点技能，需要借助专业的训练提高音准的技巧。未经训练的演奏者，单靠自然的耳朵是无法准确掌握音准的。音准不仅仅与听觉有关，还需与手型技巧相结合，通过手指将听觉转换成姿势，其中更重要的是与左手姿势的配合，只有在舒适状态下展现出来的音准才是完美的。不同的演奏者，感知音准的能力有所差异，要加强左手姿势的训练，进而更好地掌握音准。需要注意的是，演奏者一定不能将琴颈沉落在左右的拇指与食指中间位置，这样会使演奏者的手指长度和手指按弦改变，影响演奏的音准效果。此外，大提琴演奏中的音准还与把位及音色有关。通常情况下，把位不同，则手指尖距离不同。演奏者要掌握每个把位的音准，通过反复的联系，提高牢固的把位感觉和更换把位的能力。在把位观念建立后，演奏者就能够解决音准的问题。演奏者表现出的富有情感的音色，是发自他们内心的，能够跟随他们的思想而发生变化。音色直接影响音准的效果，只有具备了丰富的音色和纯正的音准，才能够演绎出动人的音节。
五、演奏者艺术表现力技巧的运用
要想演奏出优美的乐曲，大提琴演奏者要合理运用演奏技巧和手法，同时还要求演奏者具备良好的艺术表现力，装饰演奏乐曲，强化音乐作品的情感表达。演奏者的艺术表现力技巧要培养良好的乐感和旋律感，准确控制乐曲的力度、节奏、音高和情感，演奏出乐曲要表达的艺术风格和精髓。同时，要对演奏作品进行创新，演奏者要融入自己的风格，这就要求演奏者具备一定的意境想象力，将情感和思维置于音乐作品表达的场景中，达到身临其境的感觉，让听众可以感受到演奏者构建的场景中，引起听众的共鸣，提高乐曲的感染力，是高水平大提琴演奏者所必备的演奏技巧。
六、结语
综上所述，大提琴是中国的传统乐器，能够弹奏出与人身相近的声音，其音色单调低沉，吸引众多听众的喜爱。由于以上特点，对大提琴的演奏者提出了较高的要求，通过演奏技巧的练习和运用，尤其是左手技巧的养成，循序渐进地提高演奏水平，不断提升自身的综合素质。大提琴与其他艺术表现形式的结合，促进大提琴与其他乐器的配合，为音乐的发展做出贡献。
第4篇：学配音的基本技巧范文
关键词：钢琴 即兴伴奏 情趣 教学手段
所谓钢琴即兴伴奏，是指伴奏者在毫无准备的情况下在钢琴上瞬间将钢琴演奏技巧、键盘和声以及音乐理论知识等巧妙地结合起来，为演唱、演奏旋律进行艺术再创作的伴奏声部。钢琴即兴伴奏中的“即兴”二字，充分体现了其表现手法的重要特征，它要求伴奏者应具备一定的综合素质与能力，并做到脑、眼、手三快。其中脑快占主导地位，即在钢琴伴奏整个过程中，始终要保持清晰的头脑，不出现丝毫错误；眼快则是眼睛看乐谱的快速反应能力，要有一眼而过的感觉；手快则是大脑快速反应出信息，双手立即弹奏出乐谱曲调。
一、培养大学生的学习兴趣，激发他们的学习情趣
“情趣”是大学钢琴教学愉悦化的重要形式。钢琴教学与普通教学的区别很大，它要求学生在短期内学习和掌握大量的音乐知识和信息，同时还应具备一定的钢琴伴奏技能，这无疑对当今大学生的学习能力提出了更高的要求。传统的钢琴教学历来采取“一对一”的教学模式，这种教学方式难以解决时间短、信息量大与演奏技能要求高之间的矛盾，更不能有效地改善教师处于主动、学生处于被动的状况。长此下去，学生就会对钢琴学习兴趣索然。因此，情趣化钢琴教学势在必行。它不仅可给老师减轻压力，而且还能使学生对钢琴学习产生浓厚的兴趣。同时也可以用多种形式、多种内容进行即兴练习，提高快速反应能力。在教学过程中，教师可以让学生互相观摩、互相评议；可以在教师的引导下，就钢琴即兴伴奏进行各种情绪化的练习，做到课堂情绪气氛愉快，形式活泼，内容丰富，视角广阔。
1.用比拟的手法引导学生的情感。由于学生的钢琴程度参差不齐，他们大多对手指的控制能力较弱，对音响的概念较模糊，弹奏时手指的力度不能到位，所以，弹奏出来的声音就显得很僵硬。因此在教学中，教师应首先给学生们讲解钢琴的发声原理，训练他们如何辨听弹奏声音的音质，使他们能够明白触键的重要性，从而激发他们学习的兴趣。
2.用乐曲的背景知识激发学生的情感。在任何即兴伴奏中，教师应先向学生介绍作曲者的情况及其相关作品，让学生充分了解创作者的意图，然后再引导学生分析曲谱的表达方法和目的，使作曲者与伴奏者的心灵融合在一起，使音乐更具感染力。
3.用创编的方式点燃学生的情趣。钢琴即兴伴奏的教学内容包括伴奏创编、钢琴演奏、自弹自唱与实际伴奏四个部分，它们相辅相成又相互渗透，其中创编显得尤为重要，因为它既能体现伴奏者的综合素质与能力，又能使伴奏者在这个过程中把自己所掌握的理论知识付诸于实践。在实际教学中，教师可选用实例，把其创编过程完整地示范给学生，这样可极大地促进学生的创编欲望，有助于激发学生的学习情趣。总之，巧妙设计与营造好的艺术教育氛围，激发学生情趣，点燃学生的情感火花，成为大学钢琴教学不可或缺的三大要素。
二、以钢琴即兴伴奏为主线，把理论与实践贯穿到教学的全过程
作为一名大学钢琴教师，首先要清楚地认识到培养目标与教学目的。在对学生进行教学时，要采取循序渐进的教学方式，有针对性地给学生布置一些相关练习曲，使他们能够在短期内快速掌握一些钢琴弹奏的基本技能技巧, 然后再让他们涉猎并掌握一些复调乐曲、奏鸣曲以及各类大、中、小型乐曲。大学音乐教育的钢琴课与音乐专业院校的钢琴课有着本质的区别，音乐专业院校的培养目标是专业演奏者，而大学钢琴课的教学目的则是培养学生的综合演奏能力，以及如何掌握即兴伴奏的技能技巧。所以，必须加大钢琴即兴伴奏这门课程的课时量，以保证学生有足够的时间进行练习。
在开始钢琴即兴伴奏课程之前，音乐学系集钢琴教研室全体教师共同研究和探讨该课程的教学大纲，把各项教学内容进行适当的调整。根据教学对象的实际情况和特点，在教学大纲的指导下灵活教学，并突出音乐教育专业的特点。
1.掌握钢琴弹奏的技术。一般是通过钢琴练习曲来完成。其内容包括断奏、连奏、跳音、音阶、琶音、双音、和弦、八度、震音及装饰音、踏板等训练。因此，合理安排曲目的难易程度和如何选择曲目很关键。
2.学生一定要掌握好断奏、连奏、跳音、音阶、琶音、双音、和弦、八度等钢琴演奏的基本技术。在教学中，教师应采取循序渐进、难易搭配的方法，使技巧训练贯穿于整个学习过程。钢琴练习曲与钢琴技巧训练，可占整个钢琴教学的30%。
3.复调作品难度太大，耗时耗力，可适当选择，不可作为主要内容。复调作品占整个钢琴教学的15%即可。
4.中外中、小型作品可以作为主要内容，因为学生可通过这些作品了解各个时期作曲家的音乐创作手法与演奏风格，这是培养学生音乐表现能力的重要途径。
5.中外大型作品具有较强的可听性，能使学生所掌握的钢琴基本技术得到有效运用，并且对培养他们音乐整体结构感等方面很有帮助，因此，应加大这方面的内容。所以，中外大、中、小型音乐作品(含奏鸣曲)可占整个钢琴教学内容的50%左右。
6.在钢琴教学中，除了应开设伴奏课程以外，还应着重培养学生的创编能力，为日后的即兴伴奏储备大量的感性知识。伴奏曲目应占整个钢琴教学内容的50%左右。目前，根据已就业学生的统计数据来看，他们参加独奏的机会很少，基本上都是以弹钢琴伴奏为主。因此，大学音乐教育的钢琴教学需加大钢琴即兴伴奏教学内容的比例，满足当今社会的需求。
在钢琴即兴伴奏教学中，面对钢琴水平参差不齐的学生，重点就是要有针对性地进行教学，即根据每位学生的不同弹奏程度而制定不同的教学方案，做到因材施教、有的放矢。同时，系领导也可采取定期检查与抽查的方式，随时了解教师在教学中的执行情况以及学生掌握的状况，以此来促进教学。
三、丰富钢琴即兴伴奏教学的手段和方法，不断提高教学质量
大学音乐专业学生的即兴伴奏是建立在良好音乐素质和良好的钢琴演奏基础上的一种高级演奏技巧。教师在教学过程中，要找到现代音乐教育手段和方法，向学生传授钢琴理论知识和演奏技巧。学生的钢琴水平是参差不齐的，这就要求教师采取区别对待的原则和循序渐进的教学方法。
（一）因材施教
根据因材施教的原则，按学生的具体情况而采取不同的训练方法。采取小组课的形式，把程度相近的放在一起“回课”，进度统一。这既可及时纠正错误，小组成员又可取长补短，互相促进。在实践中，重点加强对学生的辨别能力及解决问题的能力培养，然后再进行各小组之间的竞赛。如共同性的问题、理论性的问题，可直接采取大课集中讲授，这样可讲得全面、透彻，也可减少不必要的重复。也可不定期举行一些小型交流性学习观摩或演奏会，增加教师和学生之间相互学习的机会。
1.对于钢琴程度较差的学生，必须要让他们的弹奏达到即兴伴奏的起码要求，即能熟练掌握几个常用大小调的音阶、琶音及和弦的连接，并能快速地移调。课堂上，教师可以选择几首篇幅较短、具有典型特点且编配好的歌曲让学生在几个常用的调上反复进行练习，其目的就是为了适应演唱者在不能以原调演唱的情况下临时升高或者降底音调时弹奏的需要。
2.对于钢琴程度较好的学生，可以对他们增加难度训练。首先要求学生必须熟练地掌握24个大小调的音阶、琶音及和弦的连接，然后对各种伴奏音型进行反复练习，并能快速地移调。再就是要学会如何分析钢琴作品与伴奏正谱，并弹奏各个时期的有代表性的钢琴作品，如古典时期的贝多芬与莫扎特、浪漫时期的肖邦与舒曼、印象派音乐代表德彪西等作曲家的作品，以此提高他们的钢琴即兴伴奏技巧。
（二）加强学生对歌曲的理解能力
要提高学生钢琴即兴伴奏的能力，分析作品很关键。只有真正理解作曲者所要表达的意图，了解乐谱的曲式结构，才能准确地编配出符合音乐作品内容与风格的伴奏织体与伴奏音型，使音乐更具感染力。
1.打好专业基础。钢琴即兴伴奏的基础包括五线谱基础、和声基础、歌曲分析基础。平时，学生要加强基本功练习，合理安排计划，根据自己的特点侧重练习，直到熟练掌握为止。
2.正确处理好伴奏音型的音乐表现力以及伴奏音型与即兴伴奏基础的关系。
3.注重即兴编配能力、即兴应变能力和即兴综合能力的培养。
4.加强伴奏音型的基本形歌谱、五线谱式与歌曲即兴伴奏（和弦式、分解和弦式、平分解和弦式）的练习，有选择性地对伴奏音乐歌谱采取曲谱型练习、歌曲伴奏练习和即兴伴奏练习。
（三）掌握即兴伴奏中的各种对比方法
1.旋律方面的弹奏与对比（有旋律与无旋律的对比；原旋律与变化旋律的对比）。包括单音型律与重复旋律的对比（单音式旋律、乐谱、歌谱、曲谱、双音与八度式旋律）、旋律的音区对比、主旋律与复调的对比等。
2.音型与节奏方面的对比。包括着重理解有无重音的对比、有无强拍的对比、和声与调性的对比、音区的对比、力度的对比、奏法的对比、特性节奏音型的应用、各种附加音的使用等。
四、重视大学生钢琴即兴伴奏技能技巧练习，提高演奏水平
钢琴即兴伴奏是集钢琴演奏技术、键盘和声技术及伴奏造型能力为一体的综合艺术。首先，学生必须具备一定的钢琴演奏技能，否则谈不上以钢琴为伴奏乐器。其次，和声知识在键盘上的实际应用十分关键，因为伴奏是一种以和声为基础的多声部的组织形式，缺乏这种基础也谈不上伴奏的问题。再者，创造性地运用声部的造型形式即特定的音型与旋律相配合，伴奏的艺术效果便由此产生。
（一）着重加强大学生钢琴即兴伴奏理论知识和技能的提高
教师在教学中应从如下方面入手：
1.力图使基本和声及常用和弦、伴奏音型与伴奏织体、伴奏中前奏和声的编配、间奏的编配、和声与伴奏音型进一步丰富。
2.注重色彩性和声的练习，如刮奏、琶音音型的四种练习以及前奏、间奏、综合音型、伴奏音型和范例欣赏等。
3.从繁到简，举一反三。在复杂的练习过程中，我们不能忽视对基本功的练习，有时还要对简单的单音、八度、音程伴奏进行不间断的练习。根据大学生的兴趣及需要程度循序渐进地学习。同时，将错综复杂的伴奏总结归类并公式化，学生通过一种伴奏公式便可为上百首同类歌曲伴奏，可谓会一通百，举一反三。
（二）长期坚持即兴伴奏的和声练习与应用
钢琴即兴伴奏应以基本技术为主要界定点，使大学生从基本技术级过渡到高级技术级，最后上升到演奏级。教师除了在教学中向学生传授演奏理论指导外，还要选取大量的手指基本的训练、练习曲和复调作品、中外乐曲以及各种类型的奏鸣曲等来加强实际训练，使学生从感性认识到理性认识、从理论到实践，来掌握所学的钢琴演奏技术，提高学生准确把握不同作曲家和不同时代的作品风格的能力。
参考文献：
[1]吕屹，徐文正.钢琴即兴伴奏[M].北京：水利水电出版社，2009.
[2]刘聪，韩冬.钢琴即兴伴奏教程[M].北京：人民音乐出版社，1999.
[3]刘智勇.钢琴公式化即兴伴奏[M].太原：山西人民出版社，2008.
第5篇：学配音的基本技巧范文
论文摘要：歌唱教学是幼儿园音乐教育的重要组成部分，如果幼儿教师能在课堂上充满情趣地自弹自唱教学，势必激发幼儿对音乐审美的渴望，这是幼教专业学生必须掌握的教学基本功。而长期以来职高幼教专业学生存在着自弹自唱能力差的现象，直接影响幼儿园的音乐教学。为提高教学质量，培养职高学生适应社会的综合能力，幼教专业的音乐教师急需按照循序渐进、逐步深入，分散难点、个个击破，磨合熟练、协调配合，实践锻炼，巩固创新的思路推进教学。
歌唱教学是幼儿园音乐教育的重要组成部分，如果幼儿教师能在课堂上充满情趣地自弹自唱教学，势必会激发幼儿对音乐审美的渴望，这是幼教专业学生必须掌握和具备的教学基本功。因为它不但可以达到充分调动幼儿学唱歌曲和参与音乐活动的积极性，又可增进师生间的感情交流。
自弹，是指为自己唱歌弹伴奏，它要求教师具有一定的弹奏技巧技能，具有即兴伴奏的能力；自唱，是指为自己伴奏独唱，它要求教师具有一定的唱歌能力，掌握科学的发声方法，进行有表情的、自如、富有表现力的演唱。
目前职高幼师毕业生的自弹自唱能力较差。有的学生正谱弹得很好，为别人弹伴奏可能也弹得很好；也有的学生在别人伴奏下自己唱的很不错，也很投入，但自己弹的时候就力不从心了，不是唱歌状态不积极，面无表情，就是钢琴伴奏声音响而噪，衬托不出歌曲的气氛和效果，达不到幼儿园课堂教学的目的，影响到学校课外活动的开展。
幼师学生自弹自唱能力的好坏直接影响幼儿园音乐教学的质量。如何改变幼教专业学生自弹自唱能力薄弱的教学环节，提高教学质量，培养学生适应社会的综合能力，是我们急需探讨的一项重要课题，也是幼教专业教学改革中的一个重要环节。下面，笔者结合自己多年教学实践，就如何提高幼教专业学生的自弹自唱能力，谈谈一些认识。
1循序渐进，逐步深入
任何音乐技能技巧的形成都有一个过程，对自弹自唱能力的训练要严格遵循循序渐进的原则。教师在钢琴课上要将基本技能技巧的训练与即兴伴奏能力培养有机结合起来，同步进行，还可结合教授和声原理在键盘上的实际应用，以及各种伴奏肢体手法与音乐形象的统一，对学生进行全方位的培养，要有意识地着眼与实践相结合的教学思路。因为我们培养的目标是幼儿园教师，不是独奏家，音乐家。所以教师在不同教学阶段对学生应提出不同要求和重难点，是让学生通过努力可以达到的适当进度，这不但使学生建立起学习自信心，也使教学有章可循。
在自弹自唱的初级阶段，学生们虽然学习了简单和声与伴奏编配知识，但独立练习还是比较困难的，为促进知识较顺利内化为学生的自觉行为，最有效的办法是教师密切配合每节课的教学内容和进度，选择那些对伴奏能力有用的练习曲和乐曲，从各种简单到复杂的伴奏音型结构入手，由易到难把这些教材进行系统地串联并选择一些简单的正谱伴奏歌曲让学生进行弹唱练习，教师可利用这些歌曲实例，启发引导学生了解、分析歌曲，让学生标出和弦，注意它的和声伴奏音型，之后教师给予范唱范奏，做到对音乐的理解、表现细腻而准确，使学生在充分理解基础上对歌曲有一个从感性认识上升到理性认识的高度，随着弹奏曲目的增多，学生慢慢积累了一定的和声语汇，接触各种常用伴奏音型、调式、调性，学生弹唱技能及和声理论知识也不断丰富，学生不断从中吸取养分，开阔了视野，丰富自己的伴奏效果，为今后的阶段练习做好充分准备。
2分散难点，个个击破
2.1 首先解决弹奏方面的问题
2.1.1 分段练、慢练。有许多学生弹奏乐曲时，只是简单地弹出音符、节奏、时值等，触键动作僵硬，没有感情，缺乏表现力，毫无音乐的美感。因为我们知道，丰富多彩的钢琴伴奏音色，是靠不同的触键来实现的。因此，在教学中应加强音阶、琶音等手指基本功训练。但弹奏具体作品时，则应该根据音乐表现的要求，像具有古典气质的作品或深情、抒情的作品，就可适当运用手腕和手臂，弹奏出音乐的内在张力，只有对不同艺术形象、不同的情感配之以多姿多彩的音色，才能增强音乐的美感。
当学生在弹奏中遇到困难时，教师可根据弹奏作品内容，指导学生将它分成几个部分，并适当放慢速度进行慢练，也可将其中的难点进行单独的反复慢练以降低弹奏难度，待弹奏技术问题解决了，再快速而完整流畅地弹奏。在这一教学过程中，教师必须根据学生的认识规律和心理特点，选择适应学生的教学方法，指导学生学习，让学生学会学习。
2.1.2 分析乐曲、选用恰当和弦，选配合适的伴奏音型
即兴伴奏选用和弦首先要分析旋律的调式，一般以正三和弦为主，副三和弦为辅，和弦进行要遵循和声学基本原则，学生还要善于运用和弦转位方法来调整键盘位置以取得更佳的和声效果。由于乐曲的调性各异，还要求学生加强基本功训练，从音阶、琶音、和弦入手来熟悉键盘各调位置，熟练地掌握变调弹奏本领。
音型是伴奏的基础，它是千变万化的。根据音乐作品的思想、感情选
配合适的伴奏音型是十分重要的。常用的伴奏音型有柱式和弦，半分解和弦，全分解和弦，当然伴奏音型还可根据各自能力自由发挥和创新。
不同体裁、不同类型的歌曲所选用的伴奏音型是不同的，只有让学生掌握各类不同的伴奏音型，才能得心应手地进行歌曲的伴奏。
2.2 其次解决歌唱的问题
声乐课上，教师千万不能急于求成，盲目追求教学效果，一定要注意基础训练。要循序渐进，遵循声乐教学心理，有效提高教学方法。
首先，在教学中让学生懂得发声的生理机制，了解歌唱器官的构造，歌唱发声的简单原理，声音的共鸣原理，共鸣腔的划分，了解美声、民族、通俗唱法特点及噪音的保健等。
其次是对学生进行歌唱训练，歌唱训练首先从呼吸开始。呼吸是发声的动力，是歌唱的基础。没有良好的呼吸方法来控制和运用气息，就不可能有优美悦耳的歌声。一切声音表演技巧都与呼吸有着密不可分的关系。克拉克《论呼吸》中主张歌唱第一件事就是学习适当的呼吸。普利斯曼在他的《喉头生理学》中认为：呼吸是声音的生命力。我国传统声乐论著中说：“气者，音之师也。气弱则音薄，气浊则音滞，气散则音竭。”这说明了古今中外的歌唱者都十分重视呼吸在歌唱中的重要作用。所以要掌握呼吸技巧中的四个要点：吸气、控制、流动、换气。
接下来是发声练习，它是训练声乐技能技巧基本简单的练习。实际上是把构成歌曲旋律中最基本简单的动机或乐句提炼出来配以单纯的母音或音节，在适当的音域内做半音上行或下行移动反复练唱。
歌唱语言是声乐训练的重要部分。要想完美地表现歌唱语言，必须从语言的准确性、歌唱性、生动性三方面入手，将三者完美地结合在一起，形成统一的艺术化语言。语言的准确性是由声母与韵母发音准确，声母与韵母辨正分明和声调准确来表现的，语言的歌唱性是音乐表现的重要手段。歌唱咬字吐词，是在口咽腔“贴着咽壁吸着唱”时吸着念字，被动念字，到了高音区把字头也挂在前面，往后“兜着唱”，“兜着说”。根据歌曲内容和感情的需要，找准字头的语气“喷口”，这样才能使歌唱成为字正腔圆、声情并茂、优美动人的听觉艺术。
在教授学生掌握歌唱的基本技能技巧后，教师必须根据学生的实际演唱能力，尽可能让学生大量接触不同类型、风格的声乐作品，充分挖掘各类声乐作品中所蕴藏的情感因素和审美体验，挖掘声乐作品的审美价值，使学生在学习的过程中不仅仅局限于学习和掌握歌唱的技巧，而是着重体会和表现歌唱的内涵，开阔学生的视野，了解音乐与相关文化的关系，教学生充分表现好每一首乐曲，哪怕是很简单、很小的声乐作品，不断培养和提高学生整体的音乐感受力和表现力。
3磨合熟悉，协调配合
经过前阶段的充分准备，学生自弹自唱技能发展到成熟阶段，学生自弹自唱达到此程度后，练习时基本已能自然进入歌唱状态，弹与唱协调配合，但由于每个学生素质与练习方法的差异，还需进一步深入实践。
4实践锻炼，巩固创新
经过了弹唱协调配合阶段后，仍要求学生进行大量的配弹练唱和实践，这样才能不断提高自弹自唱能力，并在实践中做到举一反三、闻一知十。
教师可通过回课，请学生到台上弹唱表演，鼓励学生大胆参与，弹唱表演既是学生基本功和技能技巧的展示，又是对学生心理活动的一次考验，有的学生因心理素质较差，基础知识薄弱，或其他方面的原因，往往不能完整地弹奏，教师要循循善诱，以足够耐心引导，帮助学生克服紧张情绪，在实践中改变自身的心理状态，消除心理障碍，实现自我调节，增强自信心，逐步培养良好的心理素质。
教师还要鼓励学生在实践中不断创新，从而加强和提高实际操作和实践能力，这样不仅提高了学生自弹自唱的能力，更重要是培养出具有创新意识与实践能力的人才，对今后教学工作具有重要意义。
幼教专业弹唱水平是知识、技术与素质的综合体现，作为一名专业教师，应积极学习现代教育思想，更新观念，不断切实加强自身的教育教学能力，全面稳妥地推进教改。
总之，音乐教师只有在自身不断地求索和创新中，才能真正找到自己工作的乐趣与价值，才能以最有效的方式引导学生开启智慧大门，才能培养学生的创新意识、创新精神、创新能力，才能为社会输送更多创新型优秀人才。
参考资料：
[1] 余笃刚. 声乐语言艺术[M]. 长沙: 湖南文艺出版社， 2002.
[2] 邹长海. 声乐艺术心理学[M]. 北京: 人民音乐出版社， 2000.
[3] 刘聪， 韩冬. 钢琴即兴伴奏教程新编[M]. 北京: 人民音乐出版社， 2000.
第6篇：学配音的基本技巧范文
传统的音乐教育无论是教学理念还是教学方式相对滞后,在社会发展和文化更新的形势下不利于学生的培养,必须加以纠正和改革,本文主要讨论音乐教学中的陈旧观念和改革建议,促进学生完成人才转型。 1对音乐理论知识重视不足,偏向音乐技巧的练习 音乐理论的各个部分就像一条链、环环相扣。通过掌握基础乐理学夯实基础,在进行下一步的和声理论学习时就会游刃有余,随后学习诸如配器、复调、曲式等理论的难度相应降低,否则,无论哪一环节出现偏差和断层,都会导致学习无法继续进行。总的来说,乐理可以帮助学生了解音乐的基础知识,如果只想在声乐演唱和器乐演奏上具备一定的素质,那么,学完乐理已经足够。但如果要进行音乐创作并达到一定的层次,就需要掌握一些包括:旋律写作、和声、配器、复调、曲式在内的知识。同时,还要了解一些古今中外的音乐发展史,掌握其音乐特征和风格。学生对与音乐技术学习相关的科目感兴趣,而在基础理论课,如史论、音乐美学、和声、配器等科目投入的精力有限。这些科目即便有教师无数次强调重要性,学生也很难全面投入。学生的观点是这些科目对音乐技巧的提高没有帮助,对毕业后的出路关系不大。并且在部分老师重视某些专业技巧课的前提下,使学生将更多的时间和精力放到不断的技巧练习中。即便是有些学生对某门音乐理论课充满兴趣,但仍然没有正确了解,单纯音乐技巧进步,如果音乐理论水平不能随之充实,影响音乐全面素质的提升。二者之间是相辅相成,密不可分的辩证关系。如果音乐技巧与音乐理论学习之间发展失衡,会对高等音乐教育专业培养目标造成不利影响。 2忽视相关专业的重要性 学生在学习本专业的同时很少注意相邻专业知识的学习,掌握本专业技能是一条通向事业成功道路的独木桥,学生的眼光通常被限制在这个有限而封闭的空间,难以正确认识参考和掌握相关科目的理论是音乐专业学生更加充实自我,全面发展,不断钻研探索的康庄大道。 3教学实践设置不合理 在教学课程中,音乐技巧课,音乐理论与文化知识的选修课,将近占据90％以上的课时,所以相应的教育实习安排,只能由过去的联合安排、联合指导的集中实习,变为学生自主、教师从旁指导的分散实习,导致学生失去更多锻炼的机会。而且,部分院校不能切实通过教学活动锻炼学生的操作能力、表达能力、教学能力,实现制度化、规范化。所以,这样培养出来的学生“眼高手低”“,高不成,低不就”。研究发现,高等音乐专业很大部分的毕业生进入教师角色后,由于综合知识不足和艺术修养的浅薄,不能满足教学需要,希望回到学校继续深造。 以上所谈现象,在高等音乐教育专业的教学中普遍存在,必须从根本上将观念转变过来,才能实现教育创新。为实现高等音乐教育的改革,学生的培养应该从以下几点做出改变。 第一,将单一、封闭的学习方式转变为开放式学习。也就是改变只注重表演技巧,单一吸收音乐本学科知识的旧例,开始以音乐为主、多学科充实。这样可以提高学生自身综合文化涵养,提高学生的艺术品位。就艺术来讲,虽然都有技术、技艺的因素,但只掌握纯技术只能成为“匠师”,而不是艺术家,艺术作为一种人生观,必须重视形成艺术化的人生观,只有这样才能真正发掘艺术的奥秘,只有正确理解人生,深刻体验生命,才能理解和把握艺术,创造艺术。 第二,将单纯的技能练习转变为思考型、理论型人才观念。这是指转变高等院校人才培养模式,将传统的机械练习变为思辨式、智能式的理论把握和理论指导,以此来提升学生的理论素养。现如今,高等音乐教育中的音乐技巧课呈现出一味的机械模仿、理论课重复记忆的现象,是因为受到传统教学理论的束缚。心理学观点指出,技巧练习不是单纯的动作练习,而是大脑活动的练习,也就是所谓的对动作的掌握。在练习时出现表演瓶颈,根本上是大脑对动作的调节不到位,基于这个观点,平时在技能练习中,要展开积极的思维并分析造成演唱、演奏动作困难的原因,运用大脑来指挥,克服练习中的困难。由此可见,高等音乐教育的主线是正确指导学生运用有效方法进行练习。所以,教师必须进一步把握现代学生的心理活动和个性特征,激励学生积极主动学习,逐步使音乐专业的学生正确认识文化知识与音乐知识、音乐技巧、音乐理论学习之间的关系,促成学生的综合发展。我们在实际工作岗位中所要用到的知识,大多是从实际工作中逐渐吸取的,而在学校中学到的知识就成为了基础。学生拥有无限的潜力,关键是我们如何去发掘并培养他们主动思考的能力和运用已有知识去解决新问题的能力,让他们善于选择、获取、吸收新知识和总结新经验。这是高等音乐教育转变传统观念,全面提高学生文化素质和专业水平的最佳途径。 第三,由培养知识型、技巧型向培养能力型人才观念转变。这就要求我们教师帮助学生将对书面知识的把握应用到实际生活实践中。培养学生的实践能力和参加社会活动的能力,可以为学生将来走向社会做充分的准备,是实现高等音乐教育的又一重要目标。因此,教学实践不能只是某一教师或者学生的个人行为,而应规范化、系统化、多样化教学实践,并将新观念、新方法和新兴课程纳入常规教学。 为实现学生音乐实践能力、表演水平、教学开展能力的进步这一目标,需要学生在音乐教师的适当点拨下,进行各种形式(歌唱、乐器演奏、民族舞蹈等)的艺术活动,开展研究性、理论性的“艺术茶座”,要保证每一位学生都能够参与其中,并从中得到裨益;不能只重视培养优等生,其他学生靠边看。注意观察学生在活动中的表现,并将其作为学生素质考核的重要指标。 高等音乐教育要培养学生专业表演能力,音乐教师的任务是将理论知识和专业技能融会贯通,通过准确的语言传达,使学生能够正确理解和把握。由于音乐教育的实践性较强,这就要求我们教师从事音乐教学时既要具备较高的理论水平和音乐技能,又要善于将音乐理论运用到实际教学中。要想摆脱传统观念对音乐教育带来的种种束缚,我们就必须在高等音乐教育专业中增强创新意识,这样才能为社会培养出优秀的音乐人才。#p#分页标题#e#
第7篇：学配音的基本技巧范文
一、钢琴艺术指导在声乐技巧教学中的作用
（一）在声乐气息教学中的指导作用
呼吸在声乐表演中是非常重要的基础，因此掌握呼吸技巧是歌唱者的基本功之一。只有自然的呼吸状态下，演唱者才能具有准确地生理音准。因此，在声乐表演中，必须将呼吸的节奏与音乐同步。而作为主线旋律表达的声乐钢琴伴奏最能够起到这方面的引导作用。通过前奏、间奏等伴奏，能够提供给演唱者呼吸节奏的基准，在同步中形成对该曲目的呼吸反射。
（二）在声乐技巧训练中的指导作用
声乐教学中一些特殊的演唱技巧，比如花腔等美声唱法，具有一定的难度，需要进行长期的训练。而钢琴伴奏中也有许多技巧能够与这些声乐技巧搭配，使其能够起到很好地指导作用。比如在美声的花腔技巧的训练中，断音、快速音阶、笑音、泣音等技法的训练中，钢琴伴奏可以通过左右手不同的按键技法，以跳音、震音等引导演唱者在技巧上的变化节点。
（三）在语言技巧训练中的指导作用
在声乐艺术中，语言的理解与掌握是非常重要的。一首歌曲，如果歌唱者自身对其述说的内容，表达的情感都不了解的话，可以说肯定是没有什么感染力的。但是，涉及语言，则又必然联系到其文化背景。以常见的意大利语、德语、法语等外语歌曲来说，其民族性与地方性的语言风格差异，不仅仅是音准、音调等方面，甚至还包括连音方式、鼻音共鸣等。钢琴伴奏则比其他的管弦器乐在这方面更能起到引导与配合的效果。
二、钢琴艺术指导在声乐表演教学中的作用
（一）在语句表达与情绪表达中的指导作用
在表演中，情绪与情境的表达，是声乐演唱感染力与艺术美感之所在。在舞台表演中，演唱往往是整场表演的主线与高潮。而现场表演的高潮，可以说是不可能直接就能够一下子就达到的，必须要有足够的情绪调动与情境的铺垫。钢琴艺术指导首先在前奏中进行情境的铺衬，利用其音色与表现力，仿佛如述说一般，向听众展开一副诗篇的开头。声乐演唱者在这个过程中，也在进行自身的情感的调动与准备。当演唱开始后，钢琴伴奏就会在适当地时候出动琴弦也触动演唱者与听众的心弦，更是会在演唱的高潮中，以钢琴自身的表现力进行强有力的映衬。
（二）临场心理调控能力训练的指导作用
对于声乐表演者而言，现场往往就是一个独唱的战场。任何一位演唱者在面对初面对广阔的舞台、灯光和台下的视线时，都有巨大的心理压力。这是舞台上其他伴唱、伴舞者所不能体会的。因此，能够临场调节好心理压力，出色地进行声乐演唱的发挥，有时甚至比声乐天赋还要重要。钢琴伴奏一者利用前奏等吸引开场注意力，分担压力；二者能够提前引导、托腔保调。
三、钢琴艺术指导对提高学生全面素质的作用
（一）提高声乐学生与其他表演者的合作能力
在声乐教学中，进行声乐学习的学生们往往专注于曲目演唱本身，而忽视了声乐表演事实上不仅是以声乐演唱者为主，更是有其他伴奏、伴舞等综合表演艺术的配合。因此，作为声乐专业的学生，不仅需要具备声乐演唱的熟练技巧，掌握声乐语言、语句的表达，具有一定的临场表现与控场能力，还需要具备与其他表演者同台默契配合的能力。而通过学习钢琴艺术指导，能够使声乐学生提高与其他表演者配合的协作能力。
（二）让学生换个角度发现自身的缺点
声乐演唱是一项技巧与情感需要同时贯注的艺术，声乐学习者在进行训练时，往往全神投入，在演唱结束之后，即使声乐教师指点出不足之处，在纠正与改进上有时也存在一定难度。这是因为，情感与技巧的惯性往往形成了反射。在这种时候，需要冷静下来，从旁观的角度，通过直观地对比，才能有所进步。钢琴艺术指导教学，就提供了这样一个旁观的参与角色。学生在给同学的演唱进行钢琴伴奏的过程中，通过观察同一个作品他人不同的演绎，以及自己是如何的配合，这双重角度的参与，能够快速得到提高。
四、结语
第8篇：学配音的基本技巧范文
论文摘要:工科大学中的音乐艺术教育是素质教育的重要组成部分，其中的钢琴即兴伴奏又是器乐实践的主要内容。本文分析了钢琴即兴伴奏的基本特征和重要意义，探讨了工科大学开设这门学科的实施办法，以此使音乐艺术更好的成为大学生学习的重要内容，为打造全面发展的高素质的工科大学生服务。
我国目前工科院校的艺术教育存在着不少薄弱环节，一方面学校确定了培养全面发展大学生的方针，另一方面艺术教育却严重滞后而影响人的全面成才。中共中央、国务院在《关于深化教育改革，全面推进素质教育的决定》中指出:必须把德育、智育、体育、美育等有机统一在教育活动的各个环节中。不少有识之士认为，音乐艺术教育不仅是人类认识世界、改造世界的体验，也是实现人类自身完善、人格塑造的重要途径，对培养和提高人的素质，陶冶人的思想情操和净化人的灵魂，和谐发展人的身心，升华人的精神境界起着重要的作用。
在工科大学开设艺术选修课，是音乐艺术教育的重要手段，不仅丰富了教育的内涵，而且从理念上突出了教育创新、感情熏陶的特点。钢琴即兴伴奏就是音乐艺术教育的重要组成部分，在加强素质教育的今天，进一步探讨该课程的实施途径、教学内容、教学方法都很有必要。
所谓钢琴即兴伴奏，是在歌曲旋律的基础上快速而准确地弹奏出与之相适应的包括和声与织体的伴奏声部，好的即兴伴奏能起到对歌曲的补充和衬托作用。伴奏是歌曲演唱艺术的重要组成部分，“即兴”则是其表现手法的重要特征，它明显地表现出“三快”——脑快、手快、眼快的特质。其中，最重要的是“脑快”，大脑在钢琴伴奏时一定要做到清晰，不允许有丝毫的错误出现;“眼快”则是眼睛看谱的速度要快，眼睛要往前看，这样演奏部分才能连贯;“手快”是脑子所反映出的信息，手相应弹奏出来，这就要求演奏者具备一定的钢琴基础。在工科大学开设钢琴即兴伴奏课，我们需要从以下几个方面着手:
一、教学师资和设备
钢琴即兴伴奏课是一门综合运用键盘知识和音乐理论知识的学科，要求任课教师应该具备较高的钢琴演奏基础、系统的乐理和声知识、对歌曲的即兴伴奏能力和分析作品的能力。因为这是一门新兴的学科，教师还必须具备较高的文学素质和艺术修养，能够根据学生的情况，选择有针对性的教学内容，编写或选择适当的教材;并能够合理运用教学模式和教学方法等。
教学设备是能够顺利开设这门学科的根本保证。要求工科大学要配备固定的音乐教室或数码钢琴教室，并提供学生练习的琴房，教室和琴房数量的多少要根据选课学生的数量和学校的条件来定，有了这样的条件，才能满足教师上课和学生课后练琴。钢琴即兴伴奏课是理论与实践相结合的学科，除了上课接受教师的训练外，学生还必须在课后花时间消化课堂知识，因此，教学设备必不可少。
二、教学形式和内容
工科大学在开设此课程前，要对有选修本课程意愿的学生进行考核，有一定钢琴弹奏(或伴奏)基础的学生才能被录取。为什么要这样?我们知道，学习钢琴即兴伴奏要有一定的钢琴弹奏基础。钢琴是一种技艺性很强的乐器，正确的弹奏方法，良好的音阶、琶音、和弦、八度技术，以及钢琴踏板的正确使用等等，均是弹好钢琴即兴伴奏的前提。当然，这不是一天两天的事情，需要长期训练，才能提高和完善。目前，许多工科大学招收的艺术特长生中，钢琴特招生人数较多，这些学生的钢琴水平大多过了国家认可的业余八级以上，另外，非特招学生中，也有一部分学生接受过系统的钢琴学习，他们都有一定的钢琴弹奏基础，所以生源应该没有问题。然后，根据学生选课前考核情况和选课人数，按照学生的基础进行分班，这样便于因材施教。
经过分析，钢琴基础较好的和相对较差的都存在着不同的问题，需要采用不同的教学内容。基础较差的学生主要是钢琴弹奏技巧不扎实，或者训练不够规范，还缺乏乐理、键盘和声及曲式等理论知识。基础较好的学生主要问题是虽然有较好的弹奏基础，或者说具备了演奏高难度乐曲的能力，然而对一首简单的歌曲却一筹莫展，不能即兴地配弹，缺乏把技巧应用到伴奏中的能力。基于以上两方面的问题，我认为钢琴即兴伴奏技能的教学应根据学生原有基础的不同，分别确定教学的内容。
1、对于钢琴弹奏和即兴伴奏基础较差学生进行钢琴即兴伴奏基本功训练的内容。(1)介绍弹奏即兴伴奏的基本步骤。即分析歌曲的体裁与内容，判断乐曲的调式、调性与风格特点，确定乐曲的曲式结构，为歌曲配置和弦，设计音型织体及前奏、间奏与后奏。(2)结合伴奏手法提高钢琴弹奏的技巧。其中包括:音阶、和弦、八度等技巧类型转化为简单的伴奏音型来练习弹奏，可从简单的原谱伴奏中选段落或由指导教师自己编写。对各种技巧所转化的音型的特点、弹奏指法和动作要讲解、示范清楚，并把这种音型技巧在伴奏中的作用明确归纳，以便于学以致用。(3)分类介绍基本的常用伴奏音型。可从两个角度进行归纳介绍:一是不同的节拍的常用节奏音型;二是不同体裁歌曲的伴奏音型选配。(4)讲解键盘和声知识及为歌曲配置和弦的原则与方法。(5)培养自弹自唱的能力。运用伴奏手法为歌曲伴奏的同时有表情地演唱歌曲。
2、对于钢琴弹奏和即兴伴奏基础较好的学生，为使其钢琴即兴伴奏水平在原有基础上进一步提高，伴奏手法更丰富多彩、讲究风格和效果，解决他们在即兴伴奏方面存在的不足，必须增加一些更专业化的知识内容。具体包括: (1)在和声手法上可增加副属和弦使用和色彩性的交替大小调和弦等。(2)在伴奏上把各种音型加以展开和综合运用。如在一首歌曲的不同段落因其情绪风格或内容上的变化运用对比伴奏音型，并注重音型的选择、搭配、变化与承接的合理。(3)可以适量布置练习教参中较好的伴奏谱例让学生练习，借鉴其精彩的伴奏手法。
三、教学手段和方法
我们根据学生的不同情况，采取不同的训练手段和方法。对于基础较差的学生，首先明确即兴伴奏的要求:能熟练地弹奏常用大小调的音阶、琶音及和弦的连接，并能快速的移调，这是最起码的基本功，在课堂上，老师要让学生把一首编配好的歌曲在几个调上反复的练习，目的是为了适应演唱者不能以原调歌唱时升或降调的需要。另外还要熟练地掌握和运用Ⅰ—Ⅳ—Ⅴ—Ⅰ和声功能序进，选择合适的伴奏音型为歌曲即兴伴奏，较好地表现歌曲的情绪和意境，较好地完成伴奏任务。因此在教学中首先要结合教材对他们进行各项内容的练习。将教材中的歌曲按不同体裁分类。如进行曲:《国歌》;抒情性歌曲:《送别》;舞蹈性歌曲:《西班牙女郎》;颂歌性歌曲:《歌唱祖国》;少儿歌曲:《我们的祖国是花园》等。将几种不同体裁的歌曲仔细分析，编配适当的和弦和伴奏音型，伴奏编配要力求简单明快。之后要作出准确示范，讲解弹奏技巧，并对练习方法和步骤提出具体的要求。学生便可以此为范，举一反三运用到同一体裁的不同歌曲中。这种训练最初可能有些机械，硬搬硬套，熟练应用后就可以灵活掌握，有所变化，和声手法及音型也就丰富了。 转贴于
三、教学手段和方法
我们根据学生的不同情况，采取不同的训练手段和方法。对于基础较差的学生，首先明确即兴伴奏的要求:能熟练地弹奏常用大小调的音阶、琶音及和弦的连接，并能快速的移调，这是最起码的基本功，在课堂上，老师要让学生把一首编配好的歌曲在几个调上反复的练习，目的是为了适应演唱者不能以原调歌唱时升或降调的需要。另外还要熟练地掌握和运用Ⅰ—Ⅳ—Ⅴ—Ⅰ和声功能序进，选择合适的伴奏音型为歌曲即兴伴奏，较好地表现歌曲的情绪和意境，较好地完成伴奏任务。因此在教学中首先要结合教材对他们进行各项内容的练习。将教材中的歌曲按不同体裁分类。如进行曲:《国歌》;抒情性歌曲:《送别》;舞蹈性歌曲:《西班牙女郎》;颂歌性歌曲:《歌唱祖国》;少儿歌曲:《我们的祖国是花园》等。将几种不同体裁的歌曲仔细分析，编配适当的和弦和伴奏音型，伴奏编配要力求简单明快。之后要作出准确示范，讲解弹奏技巧，并对练习方法和步骤提出具体的要求。学生便可以此为范，举一反三运用到同一体裁的不同歌曲中。这种训练最初可能有些机械，硬搬硬套，熟练应用后就可以灵活掌握，有所变化，和声手法及音型也就丰富了。
对于基础较好的学生，不应满足于达到基本功考核标准，而应在此基础上将钢琴即兴伴奏技能达到比较严谨、规范、丰满的层次。在技巧方面，除能熟练地弹奏24个大小调的音阶、琶音及和弦的连接，并能快速的移调外，还应学会分析钢琴正谱伴奏，借助练习钢琴作品如舒曼、莫扎特、门德尔松、肖邦等作曲家的作品，提高他们钢琴即兴伴奏技巧。
因为这些大师的作品都是经过精心构思的，表现手法精湛，艺术感染力极强，有时伴奏部分的地位相当重要。例如:《故乡》(张帆词，陆华柏曲)这首歌的伴奏写的很有感染力，第二部分的伴奏一出来，让听者内心为之悲愤，情绪一下就被感染了，让人感受到伴奏的魅力所在。要多分析正谱伴奏，借鉴其中规范的创作成果，丰富而细腻的表现手法，对于提高即兴伴奏的水平有着十分重要的作用。所以学生在学习中，多学习总结一些音型织体的类型，以达到段落间对比和风格性的伴奏效果。在前奏，间奏与后奏的设计方面，要讲究音乐的起承转合，生动形象地为歌曲进行伴奏，烘托情绪。
当然，不管他们的键盘基础怎样，学习钢琴即兴伴奏都要有一定的和声理论基础，因为和声是钢琴即兴伴奏的骨架。和声选配是否恰当，直接影响到整首歌曲演奏处理的合理性、科学性和完整性。在本课的教学中，不能忽视对学生进行基础和声的教学，又不能完全当和声课来上，它需要在教学中融入和声基础知识。其实，学生们在以前的钢琴学习过程中，点点滴滴的吸收了许多这方面的东西，只是不系统而已，通过教学，让学生较系统地懂得和声基础知识，教会他们拿到一首歌曲时，所要做的第一步就是要在最短的时间内通过视唱了解歌曲的调式调性、思想内容、风格、速度、结构等等，力求在弹奏前在头脑中预先构思完成和声的音响效果。有的学生拿到一首歌曲后不管调式调性，明明是A小调歌曲却按C大调选配和弦;明明是徵调式歌曲却按宫调式配弹等等，这都不会有好的效果。
此外，钢琴即兴伴奏还要教会学生分析歌曲的能力。歌曲分析是钢琴即兴伴奏配弹的依据。从音乐内容方面分析，熟知歌曲的表现力，从音乐结构方面分析，了解歌曲的曲式、和声、调性及体裁、形式等等，对歌曲整体和局部的准确的分析是弹好即兴伴奏的关键。根据分析结果正确选择伴奏织体是重要的步骤。钢琴这种乐器具有宽广的音域和变化细腻的力度层次，它的演奏技巧非常丰富，伴奏织体可谓千姿百态、多种多样，且每种伴奏织体都有它各自的表现特色。一首歌曲也可以包含多种音型的选择，选择时必须考虑某种音型是否与歌曲内容、情绪、风格、速度相适应。如节奏稳重、情绪激昂的进行曲风格的歌曲，可选用强有力的、织体丰厚的柱式音型;节奏明快、情绪活泼热烈、旋律富于跳跃的舞蹈性歌曲，可选用半分解式、全分解式或柱式的跳跃音型;情绪变化丰富细腻、富于诗情画意、旋律起伏较大的抒情性歌曲，则可用全分解、半分解或比较缓慢的柱式音型等。伴奏者在接触一首新歌时，必须很好的理解和掌握好作品所要表达的思想、情感内涵。只有这样，才能有的放矢地选择好适合歌曲思想内容、风格的伴奏音型。
较好的心理素质是歌曲(或乐曲)钢琴即兴伴奏的保障。钢琴即兴伴奏在表演时常常会出现各种意想不到的情况，如歌者跑调、节奏不稳、音响失控等等。这就要求伴奏者在心理上要有较强的反应能力，不能因临场出现的小纰漏而影响音乐的完整性。选修该课程的学生应相互伴唱，要克服表演紧张情绪，平时就要多加强技术练习合作，多过台，保持清醒的头脑，是必不可少的。钢琴即兴伴奏水平的提高，关键还是靠平时的积累，每一位伴奏者的成熟均来自于艺术实践的千锤百炼。
总之，钢琴即兴伴奏是一个没有止境的学习研究课题，工科大学中开设这门选修课需要更多的实践、研究和探讨。借鉴音乐院校钢琴即兴伴奏课的教学经验，根据工科大学生的特点，合理运用教学资源和教学环境，通过多种形式的教学手段和方法，培养大学生的弹奏能力和审美能力，使钢琴即兴伴奏课成为提高大学生艺术修养和综合素质的重要课程。
参考文献
[1] 刘冬云.高师钢琴即兴伴奏编配之我见[J].钢琴艺术. 2003， (2).
[2] 孙维权，黄志珏编著.键盘即兴弹奏指南[M].上海:上海音乐出版社， 1994.
[3] 谢哲帮编著.钢琴即兴伴奏实用教程[M].上海:上海音乐出版社， 2001.
第9篇：学配音的基本技巧范文
【关键词】钢琴教学 即兴伴奏 旋律 表演训练
【中图分类号】G712 【文献标识码】A 【文章编号】2095-3089（2014）03-0224-01
即兴伴奏顾名思义就是在不用伴奏谱的情况下，为歌曲进行即时的伴奏，音乐教学中，钢琴即兴伴奏是一门将钢琴演奏技能与即兴伴奏理论相得益彰的课程整合，它要求同学们不但要有扎实的钢琴演奏基本功和娴熟的技巧，还要有高超的作品分析能力和丰富的和声知识。因此在教学过程中，我们一定要从学生实际认知和知识结构出发，有针对地设计教学方案和流程，只有立足教学实际因材施教，才实现对学生基础知识、基本技巧和创编能力的全面培养。
1.加强基本功教学
钢琴即兴伴奏教学需要学生有较强的基本功，因此在教学过程中教师要通过多种教学手段提升学生的钢琴基本弹奏教学能力。第一，要重视基本功的讲授。例如：断奏、连奏、跳音、音阶、琶音、双音、和弦、八度、震音及装饰音、踏板等都要求学生完全掌握，能够较好地运用这些技巧。因为这些技巧在进行钢琴即兴伴奏中都能起到特殊的作用，针对这部分的教学可以占整个钢琴教学的30%左右。第二。加强表演训练。即兴伴奏也是表演的一部分，基本功教学过程中要给学生独立表演的机会，教师可以利用课堂教学的几分钟让学生来进行弹奏，其他学生进行演唱，或者是聆听，让学生有机会展现自己的钢琴技巧。第三，要尝试利用现代化教学工具。例如：数码钢琴教学利用其先进的电子监控系统，由一架主琴带动数十架副琴进行集体授课的先进教学系统。又如，教师可以利用辅助教学软件、多媒体投影仪和先进的监视监听系统等来组织教学，让学生感受到教学的趣味性，并能够及时正确地评价自己的演奏情况。如下面的案例就很好地运用了多媒体技术。
案例一：《C小调练习曲》
师：这首曲子我们先听一下，然后你们告诉老师曲子的基本结构？
多媒体展示乐曲演奏视频。
生讨论，回答：曲子的情感有着震惊的感受，也带有愤怒感受。
生：曲子的结构好像很复杂。
生：通过教材我们了解到本曲的曲式结构为复三部曲式，引子+A+B+A1+结尾。
师：我们通过多媒体看一下三部曲式的具体情况。
这个案例就可以看出多媒体技术为基础知识与理论的教学提供了方便。
2.加强技巧引导
即兴伴奏也有一些技巧，教师要把这些技巧传递给学生。其中规律教学就是有效的技巧，除了进行基础知识的全面教学之外，教师还要针对即兴伴奏情况进行规律教学，也就是找出伴奏的规律提升学生技巧与能力。具体开展过程中教师可以通过分析歌曲进行规律研究，如下面的案例。
案例二：钢琴改编曲《山丹丹花开红艳艳》
教师多媒体展示曲子。
师：这首钢琴改编曲的伴奏有许多技巧，我们小组讨论一下。
集体汇总：听过后感觉歌曲用了许多跳音、琶音等。
教师补充：还用了分解和弦、连续饱满的大和弦、连续的八度弹奏。
师！这首歌的情感背景怎样呢？
生：这首歌是一首民族风味较浓的陕北信天游，曲调明亮，旋律优美描述红军的经历，听起来有丰沛的感情。
师总结：因此对于感情较为丰富的，表达过于直接的歌曲伴奏过程中往往会用许多跳音、琶音，而且大和弦能够展现明亮的旋律。
钢琴家李斯特也曾说过，“音乐是不借任何外力，直接沁人心脾的。是纯的感情与火焰，它是从口中吸入的空气，它是生命的血管中流通着的血液”。通过这个案例可以分析出歌曲即兴伴奏要考虑到歌曲的旋律，情感等问题。教育要告诉学生同一类型歌曲的钢琴配弹尽管有一些差异，但在和弦选择、音型应用、织体构建、低音和旋律处理、节奏填充等方面基本大同小异。通过情感组织等情况让学生明确同一类型的歌曲即兴伴奏要考虑一些大同小异的问题，提升自身的组织能力。
3.创造思维培养
即兴伴奏教学要重视培养学生丰富的想象力和创造性思维。第一，要推行个性化伴奏。具体的教学过程中教师要鼓励学生发挥想象力，进行创造性地伴奏。例如：教师利用多媒体技术播放某一首歌曲，然后让学生根据音乐情感和演唱情感来进行伴奏模式的选择。最后进行配合表演，让学生训练自己的创编能力。另外，要根据自然景色进行创编旋律。如：用琶音来模拟自然界的流水潺潺、单倚音来模拟鸟鸣声声、八度来模拟雪花飘飘等，以此借景抒情；也可以模仿民间的锣鼓、吉他的弹拨、钢管的吹奏，来渲染气氛。第二，因材施教。在进行个性化创编伴奏的教学过程中，学生的音乐感受能力和表达能力往往存在不同，因此教学过程中教师必须要因材施教。教师应对每个学生加以很好的了解，并切实的制定一些教学计划，不要片面追求教学进度而采用难度高的曲目进行教学，违背循序渐进的科学原则。教师可以从简单的小情况来鼓励学生创造，例如：教学肖邦《C小调练习曲》时，师生共同分析：右手和旋表达果敢、坚定地音乐形象，体现了作者的愤怒和大无畏的英雄气概。然后提出问题：你们试一试这个“右手和旋”可以不可以用到其他的音乐作品之中进行和弦呢？这种循序渐进的，片段式的创编可以给学生自信心，让学生更好地投入到创造之中。第三，理解性教学。美国心理学家化乐特说：“教师的工作本质就是推销工作。因为教师设法说服学生，使他们相信教师教的这一学科是有价值的，是值得学习的。”教学过程中教师要说服学生进行独立创编的作用，在教学过程中要虽然进行创编理论的渗透教学。
当然，即兴伴奏也需要临时做一些准备，熟悉一下乐谱，对歌曲的基本情绪和内容进行分析，掌握调式并对功能记号进行标记，进而设计各段的伴奏音型与奏法等。这样做可以使即兴伴奏减少盲目性，增强规范性。概而述之，即兴伴奏是实践操作课中要求较高的部分，因此，我们在一线教学中一定要注重学生的基本功教学，以他们容易接受的方式进行技巧教学和创新思维能力的培养，以期最终掌握娴熟的钢琴伴奏技能，全面提升音乐素养。
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