绘本美术教学论文精选(九篇)

第1篇：绘本美术教学论文范文

    宋代美术教育的鲜明成果,就是绘画艺术得到全面发展并产生了大量的绘画及工艺美术作品。宋代的画家对绘画艺术有了新的理解和追求,不再满足于继承已有的绘画形式和题材,开始把视野扩大到社会生活的各个方面,对各种题材都进行专门化的研究,大大丰富了绘画的题材和内容。据《宣和画谱》记载,当时宫廷内府所藏历代名画共6396轴,其中3300多件为宋人作品。当时许多录着者称,他们所见臣民中珍藏之迹“为数不可偻指”、“若尽载平日所见,必成两牛腰矣”(邓椿《画继》),可见两宋绘画作品之丰富。而在绘画理论研究方面,画诀、画论、画谱、画评、画录等着作不断问世,据《中国历代画学着述目录》所录,宋代留传至今的画学着作达77种100余卷。无论优秀的绘画作品还是理论着作在宋代都是非常丰富的。历代画家都重视美术教学上的观摩教育,尤其到了文学化时期的宋代,更注重文化修养。如此之多的绘画名作和系统的绘画理论,为当时的美术教育提供了丰富的教育范本和教学资源,自然有利于美术教育得到更广泛、全面、深入的实施。宋代绘画的普及正是宋代文化的一种突显方式,专业、业余画家及画工的大量产生恰恰又是宋代美术教育琸约成果的重要体现。

    二、文人画家的加入对宋代美术教育的重要影响

    宋以前虽然已有文人画及文人画家的产生,但基本上还是处于一种初见端倪的状态,并没有产生多大影响。进入宋代这个文学化时期,由于文化的全面发展,文人画才真正步入蓬勃发展的黄金阶段。文人画家的大量加入,首先就在一定程度上提高了绘画作品的身份及价值,同时也提高了绘画的教育价值。文人画家基本上并不以绘画为生,而是将其作为陶冶性情或自娱的工具,这正暗合了当代美术教育中的美育,而且也十分符合当代美术教育中的大众美术教育理念。其次,文人画家一般都在朝为官,他们的画作往往能够得到皇室贵族及侯爵大臣的欣赏与喜爱,对处于统治地位的上层阶级审美趣味的形成有着重要的影响,甚至会吸引一些王公大臣加入到文人画家的行列,从教育内容到教育对象上大大扩展了古代美术教育的范畴体系。最后,文人画家都具备一定的知识体系和美学修养,他们能够在总结前人的基础上更敏锐地体悟到绘画的深层内涵,并将自己对绘画的见解以文字形式表着出来。于是就产生了诸多的画论、画记、画跋等绘画理论着作,或以史论形式总结归纳前人绘画成就,或表述自己对绘画的理解与看法,或将自己绘画的实践经验记录下来。这些理论着作成为美术教学的重要组成部分,为当代及后世画者提供了有资可参的理论原则,具有极高的指导和学习价值。

    三、科技发展促进美术教育形式多样化

    就科学技术方面来说,宋代也取得了较高的成就。被称为四大发明中的印刷术、指南针与火药虽然并不是始于宋代,但到宋代在技术及应用上更加先进与广泛。造纸术在宋代也得到长足发展,绘画开始大量采用宣纸代替价格昂贵的帛绢,绘画成本降低,更具文化内涵的文人写意画繁荣起来,促进了宋代绘画风格的形成及美术教育的影响。北宋“布衣”(平民)毕昇发明的活字印刷术,比德国的谷腾堡早了四百年。

    ①这项发明对绘画的传播及美术教育也起到了积极地促进作用,绘画理论书籍被印刷成册,得到了更为广泛的传播。简单的绘画可以被排版印刷,一些绘画史论及理论书都有了绘图插页,甚至一些民间小说中也有了绘画插图。宋高宗也曾命院画家马和之绘制《诗经图》,为其亲手书写的《诗经》补图,使诗歌内容更加形象化,借以宣扬“圣教”。由北宋官方颁发的一部建筑工程规范典籍《营造法式》,绘制541张图片,与文字相对照,其中除大量地盘图、测样图等示意图外,还有许多门窗柱基等部件图样和石雕、木雕、彩绘画稿一类雕绘纹饰图样。这些珍贵的图样通过先进的科技得以流传后世,成为中国古代工匠美术教育史上重要的图示典范。科技发展表现于宋代美术教育上最明显的就是丰富了美术教育的教育形式及教育范围,图文并茂的理论书籍更便于学习者来理解吸收,大量印刷图案的出现,使普通百姓也能够有机会接触到一些美术作品,从中受到美的熏陶与感染,极大地丰富了大众百姓的精神生活。

第2篇：绘本美术教学论文范文

【关键词】初中美术 初中学生 课堂教学 教学现状

中图分类号：G4 文献标识码：A DOI：10.3969/j.issn.1672-0407.2017.01.133

提升学生的综合素质，促进学生的全面发展，是现代教学的指导思想。美术作为一门能够提升学生思想情操，能够使学生掌握一门专业技能的学科，在新时期的教学中理应受到广大师生的高度重视。初中阶段正处于学生发展的关键时期，开展美术教学具有重要意义，虽然初中美术课堂教学质量有了很大的提升，但依然存在一些影响课堂教学有效性的因素。本文就目前初中美术课堂教学的现状进行分析。

一、初中美术教学现状分析

美术是一门个性十分突出的学科，通过美术学习一方面能够使学生的欣赏能力得到有效提升，更好地体会美与发现美；另一方面，也能够使学生很好的掌握绘画技能，通过绘画表达个人的思想。基于美术的学科特点，很多初中学生对美术都怀有浓厚的兴趣，在课堂教学中学生能够积极的学习，然而目前初中美术课堂教学中还存在一些问题，影响了课堂教学的有效性，本文就目前初中美术课堂教学的现状进行分析：

（一）教师对学生的美术学习没有提出严格要求

美术是一门能够有效促进学生全面发展的学科，对学生的人生发展具有重要意义，然而美术却不是一门考试科目，因此，虽然美术教学十分重要，但是在某些方面却没有引起师生的重视。目前影响美术课堂教学有效性的因素之一，就是教师对学生的美术学习没有提出严格要求。美术是一门艺术，表面看学生可以任性的进行绘画，实际上确有其严格的知识性与技巧性，由于没有被列入考试内容，教师在授课的过程中思想上出现了懈怠心理，没有按照美术教学的标准对学生提出严格要求，势必会影响学生学习的有效性。

（二）理论知识与实际绘画结合不够紧密

美术能够有效促进学生的全面发展，既是一门理论性很强的学科，同时也是一门操作性很强的学科，教师在教学的过程中只有将理论知识的教学与学生的实际操作结合起来，才能收到良好的教学效果。而目前影响初中美术课堂教学有效性的因素之一，就是教师在授课的过程中，没有将理论知识的讲解与学生的实际操作结合起来。美术理论知识较为抽象，初中学生还没有丰富的美术学习经验，因此，教师如果单纯的对学生进行知识点的讲解，势必会影响学生有效理解理论知识。同时，学生在没有掌握理论知识的情况下进行绘画，也会影响整体的绘画效果。

（三）学生欣赏优秀作品的机会较少

初中美术教师应该将美术教学与美术学科的特点结合起来，想要使学生画出有思想的优秀作品，就需要学生有一定的欣赏能力，进而更好的去发现美。在实际教学中，能够陶冶初中学生情操的方法有很多，其中一个十分有效的方法，就是教师在授课的过程中让学生欣赏一些优秀的作品。优秀的美术作品不仅能够给学生带来较大的视觉冲击，而且能够给学生带来极大的享受，引导学生深思，使学生更好的体会到美术作品的思想性与艺术性。而就目前的初中美术课堂教学而言，教师在让学生欣赏更多优秀的美术作品方面还存在一些不足。

（四）课堂教学形式较为单一

初中美术教学肩负着重要的使命，尤其教师在教学的过程中要通过多种途径促进学生的全面发展。而想要使学生取得更好的发展，也为了使学生更好地掌握美术知识点，要求教师在授课的过程中能够采取多种多样的教学形式，对课堂教学时间进行合理安排。然而目前初中美术课堂教学中教师在实现课堂教学形式多样化方面存在不足，有些课堂教学采用单一的教学形式，不仅使课堂教学显得比较枯燥，同时也不利于教师对学生进行多种知识点的讲解，最终也在一定程度上影响了课堂教学的有效性。

二、提升初中美术课堂教学有效性的措施研究

本人作为一名初中美术教师，结合实际的教学经验，就目前初中美术课堂教学的现状进行了分析，发现目前初中美术课堂教学中还存在一些影响课堂教学有效性的因素。为了有效提升课堂教学的有效性，也为了通过美术教学更好的促进学生全面发展，要求我们及时采取有效的应对措施。就上文中提出的目前影响初中美术课堂教学有效性的问题，本人提出如下几种有效的应对措施：

（一）对学生的美术学习提出严格要求

针对目前初中美术教师对学生美术学习过程中没有提出严格要求的情况，要求教师在新时期的教学中对学生提出严格要求，教师不管在对学生进行较为简单的知识点讲解的过程中，还是对学生进行难度较大的知识点讲解的过程中，都要对学生提出严格要求，使学生能够准确的把握知识点。初中阶段的学生具有很强的可塑性，教师只有对学生提出严格的要求，才能使学生养成良好的美术学习品质。

（二）将理论知识点的讲解与绘画结合起来

针对目前初中美g教师在授课的过程中，难以将理论知识的讲解与绘画有效结合起来的情况，要求教师能够实现理论知识的讲解与学生的绘画有效结合起来。教师一边对学生进行理论知识点的讲解，一边指导学生的绘画活动，即使学生在接受理论知识点的过程中会出现一些疑惑，也能够通过实际的操作释疑，对学生更加有效的进行理论知识点学习有很大帮助。同时在理论知识点的指导下开展绘画，也更有助于学生绘画水平的提升。

（三）为学生提供更多欣赏优秀绘画作品的机会

针对目前初中学生在美术课上欣赏优秀的绘画作品，尤其是名人之作的机会不多的情况，教师要采取多种措施为学生提供更多欣赏优秀绘画作品的机会。本人在实际的教学中为了为学生提供更多欣赏名人之作的机会，经常会通过多媒体将绘画作品展示给学生，这样学生就能够欣赏到更多的优秀作品，对提升学生的多种绘画能力都有很大帮助。

（四）实现教学形式的多样化

第3篇：绘本美术教学论文范文

一、统治者的支持与提倡

在封建王朝时代，最高统治者对一种文化的爱好与否在很大程度上能够决定这种文化是否能够得到快速发展的先决条件。

首先，由于时代统治者的以文治国的战略方针的确定，在他们的支持与提倡下，宋代美术教育的发展得到了一定的良好的条件和土壤。宫廷培养了大量的御用文人，其中很大一部分是从事绘画艺术教育的官僚和绘画艺术大师。与此同时，民间的绘画艺术发展也得到了飞跃，草根文人绘画艺术大师层出不穷。

其次，由于宋代统治者提倡和支持文化发展，重视对文人的提拔和培养，所以，在绘画艺术教育事业的发展方面也得到可喜的成就。在此期间，相当多的帝王将相都有着较高的文化艺术修养以及较高的绘画艺术造诣，在统治者们的酷爱和身体力行的影响下，加上民间文人绘画艺术家们的共同努力，绘画艺术教育事业的发展在当时来说可谓是方兴未艾。

在宋太宗登位之宋代的统治者本身对于文化艺术就有着良好的兴趣，因此，国内文化的发展被极大的重视，绘画教育也备受关注。同时，作为皇帝他们对于绘画艺术也做到了躬身力行，自身具备了极高的绘画技术与艺术修养，所以，无论是在人力上还是在财力上统治者都对绘画教育带来了重要的支持。

宋朝统治者在对“画院”教学单位机构的建立、发展和完善的同时，也不排斥我国的民间绘画与文人画作，他们广泛收集民间大量优秀杰作，甚至将一部分民家画家的技艺主张作为画院教学的示范样例。这样，一方面促使了朝廷“花苑”在绘画艺术和绘画艺术教育上的形式和内容更为丰富、思想意识更为深刻；另一方面，使得宋代的民间绘画家们也处于非常良好的发展状态之中。从宫廷美术绘画艺术到民间美术绘画艺术二者遥相呼应、彼此促进、共同发展，并随之出现了很大一批具有一定文化成就的民间画匠。同时，宋朝的统治者们还经常将民间有名的画师招入宫中，配合画院的画家们共同进行一些寺庙壁画、宫殿画作等工作。这也使得宋代的画院画家与民间画家有了很多的接触机会，在这个过程中宫廷美术和民间美术得以不断地相互进行交流、学习，从而使当时的美术教育在交流借鉴中得到长远的发展，使中华传统文化形成了百花齐放、欣欣向荣、蓬勃发展的大好形势。

二、绘画作品丰富

宋代美术教育成果丰富。绘画艺术在宋代蓬勃发展的过程中，产生了数量众多的美术作品。同时，宋代的画家们也不满足于继承以往的绘画形式，而是追求创新，并开始将其视野逐渐扩大到当时社会中的各个角落，并对其中的各种题材分门别类地展开了细致、专门的研究，大大丰富了当时绘画的内容与题材。而在绘画理论的研究方面，各种画评、画论著作层出不穷，为当时的画家们带来了丰富的理论基础。由此可以看出，宋代的绘画领域中，无论是在绘画理论上还是绘画实践上，其作品都是十分丰富的。

三、文人画家的加入

虽然在宋代之前，就已经有文人画家存在，但数量少，影响小，没有对当时的绘画领域带来很大的影响。进入宋代之后，文化界蓬勃发展，文人画创作也进入了发展的黄金阶段。随着高素质文人画家的加入，绘画作品在技术水平和意境格调上都有了极大的提高，同时也深刻影响到绘画教育的发展。当时的文人画家并不以绘画作为谋生手段，而仅仅将其作为生活中陶冶性情的工具，这也正同当时绘画美育理念与大众教育理念相符合。其次，由于文人画家通常都在朝为官，地位较为显赫，其绘画作品往往受到王公贵族和大臣的喜爱，因此，文人画的艺术追求对当时社会统治阶层的审美方向也具有非常大的影响，进而使得一部分大臣和贵族被文人艺术所吸引，也投身到绘画的艺术创作中去，这种情况使当时绘画教育的对象大大丰富了，也不再局限于美术学生和民间画匠，这样就对画家的身份体系进行了拓展。最后，由于文人画家往往具有较高的文化修养与理论水平，他们可以在总结前人美学理论的基础上，领会其中的精华内容，不断创新，随后再将自身体会和创新的内容著作成书，因此，高水平的文人画家越多，产生的绘画理论成果也就越多，这些理论成果不仅成为了当时美术教育的重要理论基础，也成为宋代以后画学研究者的文献资料和理论参考。

四、科技发展

宋代除了在美术方面具有极高的水平，在科学技术方面也有相当高的成就。中国四大发明中的火药、指南针与印刷术，虽然并不是在宋代被创造出来，但在宋代已经得到了广泛的应用。与此同时，宋代的造纸术也得到了极大的发展和广泛应用，宋代的绘画载体不仅有价格昂贵的帛绢，也有价格相对便宜的宣纸。纸张的普及使绘画成本得到了极大降低，绘画成为人人都可以参与的一项文化活动，这种情况对当时绘画氛围的形成与绘画教育的发展都带来了积极的影响。而四大发明中的活字印刷术，对于绘画的教育、传播也具有重要的促进作用，通过印刷术将绘画的理论著作印刷成册，使其得到更为广泛的传播。同时随着科技的发展，绘画也成为出版对象，被当时的印刷者加以排版并印刷，使得当时的一些理论书籍配上绘图插页，提升了读者的阅读体验。这种依靠科学技术发展产生的图文并茂的书籍形式，对美术教育的推广、发展也起到了积极的作用。

五、绘画商品化

从唐朝晚期开始，绘画就开始作为商品进入到了市场流通，艺术品交易也成了一种流行的社会行业。这种艺术商品经济在宋代得到进一步发展，绘画作品成为可以进行公开交易的商品，随着艺术商品化的发展形成了可以专门对绘画作品进行经营的固定市场与专业的商行。同时，艺术商品化的发展，将以往只有王公贵族才可以见得到的艺术作品推向了社会之中，使得普通民众也能通过观看艺术作品收到艺术熏陶，得到审美教育，因此绘画商品化的发展对美术作品社会化和提高大众审美水平也发挥了重要的作用。

结语

总体来说，宋代美术教育水平非常高，其中体现着当时文学艺术与经济政治方面的重要影响，宋代独特的政治体制和文化风气塑造了美术创作和美术教育的特色。本文通过对形成宋代美术教育特色的各个因素进行深入分析，找出了宋代美术教育发展的一些规律，这些规律对于我国当今美术史研究及美术教育的发展都有着一定的参考意义。

参考文献：

[1]商艳玲.宋徽宗和他的画学[J].大众文艺.2010（16）：114-115.

[2]顾平，杨勇.两宋画院教育初探[J].南京艺术学院学报（美术与设计）.2010（06）：17-25.

第4篇：绘本美术教学论文范文

关键词：中国绘画传播媒介功能

中国绘画艺术之所以具有传播功能的属性，也就是说中国绘画艺术能被纳入传播系统，首先在于中国绘画艺术的传播媒介性。传播媒介的三个基本要素即物质、符号和信息，而在中国绘画艺术中表现为特殊的物质、符号和信息。所谓中国绘画艺术的物质，是指承载和构成绘画的材料和工具。在中国绘画史上先后出现的绘画材料和工具，无论是石头、龟甲、墙壁、木竹、缣帛、纸张，还是毛笔、墨和特殊的中国画颜料，它们呈现的都是可见可触的物质形态，即使最后创作出的绘画作品也是具有物质实体性的。

作为传播媒介，中国绘画艺术的符号是指构成绘画形象的点、线、面、色、笔触等基本元素以及有它们所组成的图像。包括中国绘画艺术在内的所有绘画的一个共同特点就是“视觉形象性”，因此这就决定了中国绘画艺术的符号是一种可视的“图像符号”。正是这些“图像符号”，经过画家的妙手按照一定的法则和构图，组织和构成了一幅幅绘画作品。中国绘画艺术是一个符号的世界，了解和掌握一定符号元素，不仅对中国绘画艺术的创作和欣赏是必要的，而且对于理解中国绘画艺术的传播媒介性也是必要的。

任何传播现象或活动都是围绕着信息而进行的。具有物质性的实物，正是承载了信息才有别于一般意义上的实物，而成为了传播媒介。同样中国绘画艺术之所以能成为传播媒介从而具有传播功能，原因也是其能承载和传达信息。正如著名画家陈丹青说绘画是“人类的‘记忆装置’与‘认知途径’”，在这里这句话可以理解为绘画就是人类的传播媒介，只不过这“记忆装置”与“认知途径”都必须依附于信息才能得以存在。中国绘画艺术是中国人的“记忆装置”与“认知途径”， 而且“记忆”和“认知”都指向信息。没有信息，所谓“记忆”和“认知”都没了对象，也就没有它们存在的价值和意义了。中国绘画艺术饱含了丰富宏大的信息资源。从一幅幅绘画作品中，我们不仅能获得审美性信息，而且能索取到有关社会、历史、文化、民俗等方面的信息。可以说蕴藏于中国绘画艺术中的信息，“对于以往的人类意识来讲，是一种延续，对自己所处的时代，是一种表达，对于后来的接受者来说，则是一种文化遗产，起到再延续与教导的双重作用。”（张强 《踪迹学――艺术的文化穿越》 重庆：重庆出版社2006年版21页）这些信息以中国绘画艺术为媒介，在国人的“记忆”与“认知”之间进行着传播。

中国绘画艺术，不仅具有材料和工具的物质性，而且也具有了建构艺术形象的“图像符号”和丰富宏大的信息资源，由此可见，它具有媒介性，是一种具有传播功能属性的传播媒介。

另一方面，从人类的传播史视野对中国绘画艺术进行考证，不仅在遥远的原始社会和古代社会，可以说在中国社会的整个历史进程中，绘画一直发挥着重要的传播作用，并被视为一种重要的信息载体和传播工具。

从我国现存的古代绘画作品来看，绘画很早是被用来作为一种具有“巫术交感”性质的媒介，通过沟通人与神的交流来表达自己对自然的原始认识。即便是文明社会的早期阶段，绘画仍继续扮演着这种传播媒介的角色。礼教时期的夏、商、周和秦汉几个时代，在绘画内容日渐丰富、绘画形式也开始多样化背景下，中国绘画艺术的传播功能在各方面得以彰显。夏商周三代，“礼教殊隆”，绘画开始应用于礼教的传播，此一时期，主要绘画门类是壁画、帛画和青铜器装饰画等，而题材多以人物为主，内容传播着兴衰鉴戒、褒功挞过的图像信息，为维护礼教服务。秦朝时期，绘画进入正式发展时期，不仅帛画、装饰画等呈现出丰富多彩的面貌，壁画更有了长足的发展和应用。此时的宫殿府衙普遍绘制壁画，或以精美的图案和阔绰的画面，显示封建统治的威严，或绘制历史故事，作为成败得失的鉴戒。到了汉朝，由于统治阶级的提倡，绘画的传播礼教的功能更甚。虽然此时绘画表现的内容更加丰富，如经史故事、神怪祥瑞、颂德记功、宣扬威德，但主题意义多在传播“成人论、助教化”的礼教思想。在汉代，绘画除了主要传播礼教，另外在描绘世俗风情方面也多有涉猎，如独具特色的画像石和画像砖，传播和表达的更多的是当时有关收获、渔猎、乐舞、戈射、攻伐等世俗风情方面的信息。

魏晋“清谈玄学”之风盛行，绘画开始偏离传播礼教的航道，走向了艺术“自觉”的道路。随着内容、形式以及创作观念上明显的变化，魏晋以后的中国绘画，不仅先后出现和完善了人物、山水、花鸟等分科，绘画的功用也发生了变化。唐代著名绘画理论家张彦远在《历代名画记》中对于绘画的功能，不仅强调“成教化,助人伦”的教化作用,又重视“指事绘形,可验时代”的认识作用,并开始认识到“怡情悦性”的审美怡情之作用。张彦远对绘画功能的认识和总结可谓是集大成者，他之前和以后的绘画理论家对绘画功能的认识，大多都没能超出其教化、认识、审美怡情的范围。但是，从传播学的角度来看绘画的功能，无论是绘画的教化功能，还是绘画的认识和审美怡情功能，都是以绘画作为传播媒介为前提的。绘画作为传播媒介，承载和传播信息内容的侧重和区别，体现在绘画功能上就有了教化、认识和审美怡情的作用。

中国绘画走向艺术“自觉”的重要标志，就是其不再仅仅圄于“教化”和“认识”的功用，而具有了独立的审美价值。也就是说自此之后，古往今来的人们，不再仅仅关注绘画所承载和传播的伦理教化和社会生活等方面的信息，而转为更加关注绘画所蕴含的丰富的审美性信息。绘画是人类审美认识和审美创造的产物，也是人们交流审美信息的媒介。千百年来，传统文化滋养下的中国绘画艺术，成为了文人墨客、寻常百姓寻求精神慰籍和体悟自然、人生之美的重要媒介。特别是文人介入之后，中国绘画艺术与诗、书和印融为一体，相得益彰， “怡情悦性”的审美价值更加得到张扬。因此，宋朝以来，文人与绘画的情愫成为了中国绘画史上一个大书特书的亮点， “中国绘画史发展到后期，“文人画”不仅成为了绘画史的主流，实质上已成为中国画的‘一统天下’了”（ 徐书城《中国画之美》 北京： 中国社会科学出版社 1989年版 87页），文人画也在众星捧月中成为了承载和传播审美信息的最重要的媒介。在审美信息贫乏的时代，无论是山水、花鸟还是人物，中国绘画艺术所承载和传播的审美信息，不仅与本民族的艺术精神是契合的，而且在满足人们精神的审美需求方面是其它种类艺术代替不了的。总之，中国绘画艺术以视觉图像的独特方式，承载和传播了中华民族千百年来的艺术精神和审美文化，浩如烟海的绘画遗作也证明了中国绘画艺术在承载和传播审美信息方面所具有的悠久历史和传统。

有关中国绘画的传播功能的论述，在中国古代文献中也多有记载。“图绘者莫不明劝戒，著升沉，千载寂寥，披图可鉴。”(谢赫《古画品录》)；“夫画者：成教化，助人伦，穷神变，测幽微，与六籍同功……记传所以叙其事，不能载其容；赞颂有以咏其美，不能备其象；图画之制，所以兼之也……宣物莫大于言，存形莫善于画……图画者，有国之鸿宝，理乱之纪纲。”(张彦远《历代名画记》)；“吴道玄作此画 《地狱变相图》，视今寺刹所图殊不同，了无刀林沸镬，牛头阿旁之像，而变壮阴惨，使观者腋汗毛耸，不寒而栗，因之迁善远罪者众矣。孰谓丹青为末技哉！”（黄伯思《东关余论》）；“古者图史彰治乱，名德垂丹青。后之绘事，虽不逮古，然昔人所谓贤哲寄兴，殆非庸俗能辨。古图画意在劝诫，故美恶之状毕彰，危坦之景动色也。后世惟供珍玩，古格渐亡，然画人物不于此用意，未得其道耳。云霞荡胸襟，花竹怡性情，物本无心，何与人事，其所以相感者，必大有妙理。画家一丘一壑，一草一花，使望者息心，览者动色，乃为极构。”（方薰《山静居画论》）……仅仅从这些代表性的文献记载中，我们就可以看出，对于绘画传播功能认识古人早就有所洞察和体悟。虽然古人与今人对绘画传播功能的表述不同，但这也仅仅表现在专业术语上的差异，两者表述的意思是没实质的差别的。

近代一些学者对绘画的传播功能也有所论述，如鲁迅在其《拟播布美术意见书》中就谈到了包括中国绘画艺术在内的美术的传播功能。 “播布云者，谓不更幽秘，而传诸人间，使与国人耳目接，以发美术之真谛，起国人之美感，更以冀美术家之出世也。”（鲁迅《拟播布美术意见书》载《集外集拾遗》北京人民文学出版社1973第49页）在这里“播布”就是现在的“传播”之意。从鲁迅先生的这段话中，我们可以得出他对美术的传播功能的认识，即是接受者通过解读美术作品的信息，来陶冶性灵和培养造就美术家。那么中国绘画艺术作为美术的重要组成部分，我们认为鲁迅先生对美术的传播功能的认识，同样适用于中国绘画艺术。在一定“语境”中，鲁迅先生所言“美术”实际上指向包括中国绘画的绘画艺术。

第5篇：绘本美术教学论文范文

[论文摘要】中国山水画与油画风景两大绘画的形成，归根于他们各自哲学与美学理念的不同，两者存在鲜明的差异性。中国人信仰天人合一的哲学观，中国绘画注重重心略物，注重表达画家的主观精神和理想，在绘画中追求达到气韵生动的艺术效果。西方绘画遵循天人相胜的哲学观，偏重描绘客观对象的外在形态，采用科学与艺术相结合的方法塑造物体，追求真实再现客观物象的理念。通过相互比较研究，有助于艺术家和鉴赏者运用不同的艺术观念和方法，创造和鉴赏不同民族的绘幽艺术，获得各不相同的思想启迪和审美享受。

中国传统山水画与油画风景是中西绘画的重要组成部分，在画坛中起着举足轻重的作用。他们作为中西方两种不同类型的绘画艺术形式，表现对象都是以自然景观，但绘画形式却采用两种不同的审美理念形成了独特的风格。

一、油画风景美学观念

西方近现代文化主要是从古希腊罗马的异教文化，再经过以希伯来文化为源头的中世纪基督教文明演变过来的。也就是说，迄至今日仍在西方文化中活跃地起作用的两大源泉，一个是古希腊罗马的文化，一个是基督教的文化。

古希腊人在文学、艺术、科学、哲学等方面都创造了辉煌的成就，对欧洲文化的发展产生了深远的影响。希腊艺术在现在看来，它的艺术高度仍是史无前例的。恩格斯曾经说过:“没有希腊和古罗马奠定的基础，就不可能有现代的欧洲。”古希腊伦理学和价值观的基本特征则表现为尚知和崇理，理智、哲学的沉思被强调为最高的德性。古希腊的艺术表现为“模仿”，主张以冷静的、客观的态度去再现自然，情感不占主要作用，而理性因素则占了上风，强调艺术的真实。雕塑和建筑是希腊艺术的最高成就，希腊的雕塑和建筑的立体造型、浑圆厚实的体积、光影下雕塑的明暗变化、雕塑在光影下的气氛、建筑的空间结构、体积等等，充分体现了希腊艺术尚知与崇理的理念，这些都直接的影响了西方传统的写实技法的方向，使西方绘画朝着注重体积、注重写实的方向发展。油画风景亦是如此，追求物像的体积感、真实感、可触摸感，以及物像所在的空间的光感与氛围。画面营造出一种真实空间的感觉，这些无不来源于希腊的雕塑和建筑艺术。

到了中世纪，基督教文化占有绝对的统治地位，它是西方文明之源一两希文明(希伯来文明和希腊文明)的结晶。这也就决定了那时的生活方式和社会意识形态必然会带有浓烈的宗教色彩，它构成了西方社会两千年来的文化传统和特色，并影响到世界广大地区的历史发展和文化进程。那时一切的造型艺术的最终目的都必须服务于宗教。基督教美术的作品内容它以宣传基督教的教义和讲解《圣经》的故事为宗旨，上帝在他们的眼里是世界与美的创造者，对外在美的准确、完美的体现，是对上帝一种虔诚的再现。希腊的美普洛丁也在他的《论美》曾说过美是从神那里来的。西方艺术由此形成了以古希腊文化和基督教为依据的美学思想，成为油画风景起源与发展的美学基础，这也就成为西方艺术家以忠实、客观的态度描绘大自然的源头。

资本主义生产方式的出现后，教会的信条已失去了原有的绝对权威，人们开始把目光从上帝的身上移开并聚焦在自己的身上，更注重世俗的现实生活，并在这个基础上形成了与宗教神权文化相对立的思想文化一人文主义。在人文主义的影响下，人们开始普遍关心人自身与周围的环境，大自然的美，于是独立的风景画也就随着社会的发展开始形成。意大利文艺复兴的画家达·芬奇认为:“画家应该研究普遍的自然，就眼睛看到的东西多加以思考，要运用组成每一事物的类型的那些优美的部分，用这种方法，它的心就会像一面镜子，真实地反映面前的一切，就会变成好像是第二自然。”[’〕同时，达·芬奇把风景画理论提升到一个新的高度，他不仅通过自己的创作使绘画从手工艺的局限摆脱出来，还通过进一步的科学理论来提高人们对绘画的认识和重视。他认为绘画是一门真正的科学，要以感性经验为基础，同时能够像数学那样具有严密的论定，既来源于数学又高于数学。《分奇论绘画》中不仅总结了绘画的基础科学理论，而且对绘画的原理展开了全面的论述，为绘画与科学的结合做出了重大的贡献。文艺复兴的建筑师、雕刻家、画家阿尔贝蒂曾提出:“必须建立一种新的绘画艺术，这种新的绘画艺术应该是这样的:自然是艺术的源泉，数学是认识自然的钥匙，而透视学则使绘画的数学基础。因为几何学上的盲人，是难以理解绘画的原则的。‑}z7美术理论家琴尼更直接的提出了科学与技艺之间的关系，他认为无论何时技艺都是离不开科学知识的。科学的方法和艺术紧密相连，这是西方艺术传统或者西方传统艺术的一个突出的特点。

艺术要真实的、科学的再现自然，注重空间、结构、比例的和谐，面对大自然，观察大自然，在现实中感受大自然，依靠丰富的色彩，细微的光感表现真实的大自然，以更真实、更有效、更直接的表现大自然，借此表达他们对大自然与世界的热爱，对现实世界情感的寄托。科学与艺术结合的绘画体系为西方绘画写实传统的形成奠定了坚实的基础。

二、中国传统山水画美学观念

中国绘画浓郁的民族风格，鲜明的美学特色，严整的艺术体系，是在代代传承、革故鼎新的历史积累中形成的。中国传统山水画的形成与中国人哲学、信仰、处世之道是密切相关的。

在美学思想方面，受中国古代儒、道家思想的影响，中国所有的艺术门类依存的美学基础就有了儒家思想极探的烙印。早在春秋时期的先哲孔子就提出了“智者乐水，仁者乐山”的儒家美学观，山水喻仁、智高扬人的道德精神和人格美奠定了中国山水画的美学基础。孔子在《论语·述尔》中说道“至于道，据于得，依与人，游于艺”，反映了以孔子为代表的儒家学派的艺术批评标准。在孔子看来，艺术品的“美”是以“善”来体现的，“善”是艺术的内容，“美”是艺术的形式，内容可称为“质”，形式可称为“文”。只有这样的艺术、内容和形式必然是统一的，他的美学价值必然很高。

魏晋南北朝时期是我国历史上的动乱时期，政权更迭频繁，统治阶级内部残杀不断，使士族名士朝不保夕。于是士族便纷纷退隐或半退隐，归隐田园山林，以退为进，相机而动，追求清静、安逸、自由的生活，慢慢的人们越来越受用于山林的慰藉，他们把大自然中的山水林泉作为描述的对象，“游戏平林，I}清水，追凉风，钓游鲤，一七高鸿。……逍遥一世之上，啤脱?天地之间。不受当时之责，永保性命之期。Uai这山水渐渐成为心灵的寄托、情感的启发和人生的象征。儒家的思想统治基础因此动摇，他们强调“德行”的政策被取消，出现了以“无为”“自然”、“清静”、“虚淡”的老庄思想适

应了当时的需要。《庄子》中描述了三种隐逸模式:“嫉俗而避世、俱祸而遁世、悠游而出世”，这三种模式在东汉已全部成为现实。在这种玄妙、玄远的境界的追寻中，他们对自然产生一种特殊的亲和感，画家不自觉地把情感投向自然中蕴藏着生命和感情的山水之中，修炼自己的品性，获得一种独特的不同的审美理念，为山水画的产生、发展奠定了理论基础，同时推动了文人士大夫对山水画创作的参与。

中国山水画诞生的东晋，正是道家的玄学风靡四方的时候，道家的那种重“心”略“物”的思想，奠定了中国山水画甚至整个中国艺术的重表现而略再现的美学观念和基础。这不但体现在绘画上，甚至作诗为文也将天人之间的灵犀相通作为创作的最高境界。画家们重视人与自然的和谐，和谐即天人合一。“最高、最广意义上的‘天人合一’就是主体融人客体，或者说是客体融人主体。坚持根本同一，泯除一切显著差别，从而达到个体与宇宙不二的状态。”随着道家思想的影响，“天人合一”的思想渐渐成为中国传统艺术的基本原则。山水是客观的自然，山水画则是大自然的体现。山水本身就是形与象的交融，画中的山水如可游可居的真山水，能使画家在其中任意寄托自己的情绪而落脚于安定之处。这样，不求形似，而意在表现宇宙精神的山水画，成为一种很好的体“道”的方式。“因再现的艺术而追求表现，因表现的艺术而追求再现’，[’〕便形成了中国山水画的重要特征。

五代画家荆浩提出了“气韵”二字，是说艺术家要把握对象的精神实质，取出对象的要点，而且不要透露自己的笔迹，让欣赏者看不到自己的笔法技巧。经荆浩的发展，运用于山水画上又有了新的成果:在对外在事物的准确认识和把握的基础之上，又不满足于对外在形象的模拟，不求形似，而要尽量表达出某种内在的风神。元代倪珊曾云:“仆之所未画着，不过逸笔草草，不求形似，聊以自娱尔。，r }6}笔墨是他们的工具，自然景物是作者的对人生态度的载体，笔墨情趣不受自然的束缚，找寻的是“蝉噪林欲静，鸟鸣山更悠”的艺术境界。要面对大自然要认真地观察和分析，重视深人生活，研究山川自然的特点，在游览山水，俯仰自然天宇之际，将绵远的无限的时空意识与自然变化结合起来，将其淋漓尽致地表现出来。山水画家借助自然得以尽兴，主体意识和情感与自然山川的精神的契合，统一在山水画中，于是“外师造化，中得心源”，创造情景交融的意境之美便成了画家追求的终极目标，以至于这种艺术观念对以后的绘画思维产生了深远的影响。

三、结束语

第6篇：绘本美术教学论文范文

现代社会，人们的教育理念发生了很大的变化，但是深受中国传统文化师道尊严的影响，再加上传统的教师讲学生听的教学模式，造成了在学习过程中学生按照教师的要求死板地学习，不敢打破常规，不敢有所创新，另外现在的评价体系主要是教师一个人来评价的，这样的话教师会受到个人主观爱好的影响，造成评判不科学，不公允。

二、绘画专业基础教学的策略

以上所谈我国高校美术专业绘画基础教学存在的问题极大地影响了学生美术基础的培养，不利于我国美术事业的发展，我们必须从以下几个方面来促进绘画专业基础的教学活动。

(一)培养学生的创新思维培养学生的创新思维是美术专业基础绘画教学的一项重要内容。在课堂教学中教师要有意识地训练学生的创新思维，比如让学生欣赏名作名画的时候，就可以让学生自己去理解，读懂作品的深层含义，要鼓励学生积极发言，大胆表述自己的看法。再比如，教师可以让学生走出课堂，在大自然中，在真实的社会中用心感受美，受到美的熏陶，激发他们的灵感和创造思维。

（二）实行以人为本的教学模式素质教育的重要要求就是在教学过程中树立以人为本的教学理念，要从内心真正地尊重学生，尊重他们的人格和主人翁地位，尊重他们的个性发展，在教学过程中，要尊重学生的创作风格，艺术不像数理化那样有绝对的标准答案，没有对错好坏之分，只有高雅低俗之别，关键是看从哪个角度去欣赏，有没有把握绘画中形式美的规律，是否尊重内心真实感受。因此在教学过程中，教师一定要尊重学生的创作风格，要采用正确的方式引导学生逐步地形成自己的艺术创作风格。

（三）理论与实践相结合高校美术专业的绘画基础教学都非常重视学生绘画基本功的训练，教师在延续这一良好作风的同时还需要对学生进行必要的思维方式训练，让学生打破思维的定势，发展个性思维，让艺术的形式更加多样化。另外教师还需要注意理论和实践结合起来，在讲解绘画技巧时还要给学生讲解理论知识，让学生不仅知其然还要知其所以然，这有利于学生后期的发展。比如在讲解文艺复兴时期的文艺作品时，教师不仅要告诉学生这个时期绘画作品的特点，还要讲解这种风格形成的原因是因为在文艺复兴时期，人们被压迫了半个世纪的人文精神开始复苏，人们努力挣脱宗教的枷锁，尊重人性的自由，因而创造了一大批的美术作品，这些作品大都反映了那个时代人们的精神。

（四）提高学生的人文素养绘画是一门艺术，对于美术专业学生来讲,更需要有很高的人文素养。只有具备了高尚的人格才有可能创作出不朽的艺术作品来。教师要在课堂上对学生进行人文素养的教育，在欣赏文艺作品的时候要让学生体会到艺术的美，美在什么地方，不仅是外表还有内在的精神，另外，教师还可以借助学校的宣传设施大力宣传人文素养对于绘画的重要性。

三、结语

第7篇：绘本美术教学论文范文

关键词：观物取象 综合绘画 综合性绘画教学

一

我国目前的绘画教学体系大致有两种：一是综合性大学以美术教育专业或绘画系为基础，下设国画、油画、版画等工作室或教研室的教学模式；二是各大专业美术院校按材料划分的国画、油画、版画、壁画等为教学单位。这两种体系中，一类以对绘画语言普遍了解掌握为教学目标，另一类倾向于培养专业人才，如油画家、国画家等。然而，随着时代的发展，我们越来越明显地感觉到：就当下历史语境来说，这两种教学模式都陷入到了一种尴尬的境地。

上世纪90年代初，与绘画专业进行细化分科教学的方式不同，许多院校成立了综合绘画系或工作室，探索教育模式多样化，突破界限，拓宽绘画的教学实践。近些年来，是延续专业教学的单纯、细化、深度，还是寻求综合、多元、宽度的教学，尝试实践林风眠中西绘画的教育理论，一直成为美术院校教学模式理念上的问题，且各有说法及实验方式。

造型艺术教育细化的划分有助于深入的教学，并有行之有效、成熟的教学体系可用；而如果打破这种模式，打散各画种的框架，承继综合、多元的绘画教学，思维方式确实可以得到突破，但是却没有现成的教学体系可作为具体实施的参考案例，这从林风眠、吴冠中的绘画理念到美术院校近20年来的具体实践来看，都没有取得突破性的成果，这是综合绘画教学一直受到质疑而没有得到重视的问题所在。

二

艺术在进入21世纪的前十年，发生了很大变化。

“笔墨当随时代”，谈的虽是艺术创新问题，某种意义上，也暗指一个时代对于艺术创作的影响——每一个时代都有具体的艺术表现与反映，在大的社会背景下，不但作品需要有与之相匹配的思想与观念，教育也“当随时代”。

科技的发展丰富了创作的手段，也加快了信息传播的速度，这都对艺术的创作产生了重大影响。一方面，人们观看方式的变化带来对于图像的热衷，从创作到审美已经转化为一种多样化互动的形态；同时，绘画美学意义上的认知也正受到人类学、社会学意义上的挑战。这些现实的文化特征都对当下的艺术教育提出了更新的要求。

过去，传统的绘画学科从划分到教学，追求相对精确、深入——油画专业的学生在西画领域进行更精细、更专业的创作，培养成为油画家；国画专业的学生在山水、花鸟、人物的范围下系统学习，培养成为国画家……而今现实的状况是，当下的艺术创作与艺术教育更多是在以“跨界”的方式来运用各类艺术语言，以此丰富创作的造型元素。就画种本身而言，油画专业的学生未必今后从事油画创作，国画专业的学生也未必就坚守“笔墨”，并非每一个个体都从一开始就选择了不可变的艺术手段。对教学而言，在大学完成其自身专业的系统学习，为今后的艺术创作做好准备当然是重要的，但是，颇显单一的语言训练，往往会导致其在艺术创作中的局限性，于是，反复被提出与论证的“综合教学”，也就是林风眠、赵无极、吴冠中等先辈提倡主张的“综合性”的教育，虽然在各大院校教学实践的探索效果并不太明显，但是这种模式主张博大，付诸的实践多了一层文化比较的研究性质，更具有艺术史角度的文化意义。

事实上，20世纪以来的西方艺术家已经在改变单一的语言方式，如毕加索大量运用着油画、版画、雕塑等语言手法。西方美术院校的绘画教学也已经融入到视觉艺术的大范畴之中。法国高等美术学院的绘画教学给予学生更大的自由选择度，在一个大的绘画工作室框架下实施作品的制作，其材料语言的限制已经没有。

三

百年来，关于中西文化的话题从没有停止过，在绘画方面，就是油画与国画的问题，无非“中”“西”“中西调和”三个群体，有不断的细化、分类教学，也有不时强调综合、全面的尝试；而综合性绘画是在“中西绘画融和”方面能够以贯通的方式来达到教学目的。笔者以为，综合性教学上效果并不显著，是因为其问题是多方面的。

在教学理念上，中西绘画各自有着不同的造型理念与手法体系，这是各自语言的优势。在基础教学时，难免会忽略对传统艺术语言及经典的研讨深度，而对综合绘画的教学要求会更高、更全面，有两种或几种绘画语言均要求有较为系统的学习，并达到一定程度上的认知。其次，中西绘画最直接的区别在于材料不同，因此陷入一个“材料”的潜意识——对材料的关注远远超出对绘画的理解，最终导致综合绘画演变成单纯的综合材料，绘画的因素在这个过程中脱落，不能在造型层面上形成一种绘画语言。这些例子，都是为了说明综合性绘画的宗旨并非简单地跨画种组合，而是在融合中西艺术精神的基础上，力求艺术语言的多样化。不过，如今综合绘画的实验教学正在远离这个宗旨的情境，不知不觉中演化成现在颇受关注的“新媒体艺术系”“实验艺术系”的草创。结果是，综合绘画教学如强调艺术语言的深入研究，则有更细化的工作室教学在前；如强调材料与多元性质的探讨，则有更新的实验艺术的教学探索，综合绘画的教学自然就被置于尴尬的位置。

因此，回到绘画作为视觉艺术的原点再来看待这个问题，无论中西绘画，都是在艺术家与对象世界中呈现人与自然的视觉关系。概括而言，即“观物取象”，从而“立象以尽意”。综合绘画的教学也不例外。

四

“观物取象”告诉人们“观物”的方式，更重要的是告诉我们艺术创作中认识论的基本规律，而“取象”的手法属于方法论。至于中西绘画，具体选择哪种语言手段来“立象以尽意”才是紧要的，只是综合绘画的教学往往被外在的形式所束缚，忽略了这个美学要义，甚至从某种意义而言，“综合绘画”只是一个课程称呼。

历史地看，我们可以重新去解读吴冠中“美术自助餐”①的设想。笔者认为，不管是分科的教学方式，还是“综合绘画”或者“实验艺术”的教学模式，都打破了把学生归于各门类“从一而终”的固定教学，学生根据自身所需，在系统的教学纲要基础上，选择要研习和补充的各类语言，可以随时调整、随时汲取，无论是油画、国画、版画等，还是相关的艺术理论和文史哲知识。这样建立起来的知识架构，才是几十年来我们一直探讨却难以破解的问题所在。

注释：

①即开设中西各种传统课程，学分制，自由选修.

参考文献：

[1]叶朗.中国美学史大纲[m].上海:上海人民出版社，1985.

第8篇：绘本美术教学论文范文

关键词：国画教学;技法;道;文化素养;审美

Abstract：Chinese painting is not only a form of painting language， has a profound connotation of Chinese humanistic spirit and philosophy of culture. In the traditional Chinese painting teaching， learning to read classics of Taoism; studying painting theory; reading ancient poems; is an effective method to enhance the students' comprehensive cultural literacy and aesthetic cognition.

Keywords：Traditional Chinese painting teaching; skill;; culture; aesthetic consciousness; cultivate

一、文化素养在国画学习和创作中的重要性

中国画是我国最具民族特色的绘画艺术形式，无论是在绘画技法、绘画题材及绘画工具上都有着独特的东方韵味和民族特性，在本质、语言形式、审美个性、关照方式等方面与西画有着很大的区别，中国画不仅是绘画语言形式，更是具有深厚人文精神内涵和中国哲学观的文化形式，所以，中国画教学中除了绘画技法的学习以外，提高学生的文化素养和对文化的审美认识也相当重要。大画家吴冠中曾说过：“美术界大部分画家的文化水平都不高，他们的作品情怀和境界上不来，这是我的心里话。”这样的状况也存在于国画教学和创作中。在大部分高校国画教学中，教师往往偏重于绘画基础理论和绘画技能的培养，对于文化素养和审美认知、审美情趣的培养不太注重，这就造成部分学生学习国画的困难，学生理解不了国画的内涵，只是单纯从技法上学习，创作出来的作品过分强调技法语言和形式语言，作品刻板生涩、表面化，图式化，更深刻的审美内涵、思想层次表达欠缺，缺乏一种内在的，恒久的审美价值。所以，中国画教学除了培养学生的绘画表现能力，还要注重提高学生的综合的文化素养。

二、国画教学中提高学生文化素养的策略

（一）习读道家经典，感悟国画中“道”的玄妙

“中国画的哲学核心是道，画即是道，是中国画特有的本质，也是中国画形式美的内在依据。”（周积寅，2007）。“当法自然”、“心师造化”、“天人合一” 等富含哲学观念的理论也是中国画学习的指导理论。中国画的技法语言和形式语言是为描述这种有形的或无形的、内在的“道”的具象的体现。道家文化影响了中国绘画的体系与特点，并在其发展演变过程中起到了极为重要的作用。从中国画的本质是“道”，中国画的审美特征、审美理想、笔墨修养跟道家的观点是契合的。所以对中国画的学习过程也就是悟“道”的过程，那么熟读儒释道三家经典则能很好的帮助学生理解中国画范畴论中形神、气韵、意境、雅俗、比德、中和等概念。如在《中庸》中就有关于“中和之美”的论述：“中也者，天下之大本也;和也者，天下之达道也。致中和，天地位焉，万物育焉。”还有中国画审美境界中追求的“虚静”和“空灵”，即取自道家《庄子.人世间》的美学思想“唯道集虚……虚室生白，吉祥止止。”和《老子》的“致虚极，守静笃”。“道家美学通过对“虚静”的发现，一方面以此作为万物之鉴，在人心内部开辟出了一个审美的境界，另一方面又影响了中国画艺术积极利用虚白和空无构造有无相生的灵动的空间，因为虚白恰如虚空，看似无一物，却充满着宇宙灵气”（邹跃进和诸迪，2011）。绘画技法和语言形式的学习相对容易，而对“道”的学习和领悟却是一个复杂的思想转化过程，借助于对道家经典的解读，有助于学生深刻认识国画的本质和本民族的审美文化、审美理想，进而提高学生的文化素养和绘画表现。

（二）研读古代画论，体会国画中“笔墨”的精妙

中国画在长期的发展中形成了大量的绘画理论和笔墨技法语言，对中国画的绘画理论特别是古代画论深入理解和学习，如谢赫的《六法论》，荆浩的《六要论》等，教师在示范笔墨技法的同时把围绕该技法的相关画论，加以解读，让学生结合理论来练习技法。笔墨是中国画学习的重要内容，它不单纯是技法形式，更是画家对宇宙万物关照方式的具体表达。水、墨通过笔法的带动在宣纸上渗透，绽放了国画的生命力，幻化出复杂多变的笔墨意义和形式。所以，在国画技法的练习过程中，教师应当将笔法、墨法详尽介绍，让学生理解作画过程中笔墨变化的韵律和节奏感、物象造型的气韵、形神等，更要理解笔墨是审美表象和精神情感的完美融合，体会其中的笔墨趣味和精神意境。

（三）运用古代诗词等国学经典，增加国画作品的“意境”

古代诗词是我国传统文化中的瑰宝，跟绘画有异曲同工之妙，北宋文人苏轼言：“诗画本一律，天工与清新，”许多画论也强调诗画“异体而同貌”、“异迹而同趣”。诗和画分属于的不同的艺术领域，却有很多互通、互济之处，都追求一种“诗情画意”的意境。著名美术史论家、批评家薛永年曾说过：“就意境的创造而论，大家普遍重视情与景的统一，但缺乏“画外意”……所谓“画外意”，与诗化思维有关，要求借助有限而超越有限，不满足于“做诗必此诗”，主张借助比拟、联想和想象，“见青山白道而思行”、“见平川落照而思望”，拓展景象，甚至提升境界。”说的就是现在一些绘画作品痴迷于技法和图式的表达，缺少一种文化底蕴和耐人寻味的意境，最终流于形式，以诗的思维取材、入画，可以摆脱俗气，提升作品的意境和格调。国画教学也是一样，教学过程偏重绘画技法上的训练，而忽视了提高学生的文化素养，导致创作出来的作品单薄、俗气、格调不高。在国画教学中增加诗、词、歌、赋等课程的导读，对提高学生的理解和感悟，增加作品的意境和文化内涵等方面不失为一个有效的策略。

总之，中国画是自然的、虚静的、更是哲学的，是我国传统人文精神和哲学的艺术表达，在国画学习中，提高学生的文化素养和审美认知还有很多其他的方法和策略，但从国画的本质和特点等方面来讲，以上的几个策略是最直接和有效的。当然，对古代经典文化的学习、理解，最终转化为内心的感悟和艺术上的表现力，也是以上几个因素共同起作用、潜移默化的长期的过程。（作者单位：六盘水师范学院艺术系）

参考文献：

[1]周积寅.中国历代画论[M]. 2007.江苏：江苏美术出版社，104-161.

第9篇：绘本美术教学论文范文

【关键词】表现手段 感知色彩 创造力

一、色彩在绘画中的含义和作用

绘画中的色彩构成要素中的一部分是光感，即色彩的明度、色相、纯度。另一部分是色彩的形象要素，即色彩的形态，大小，位置，肌理效果，第三部分是色彩的心理要素，即色彩的冷暖、厚薄、动静。这些要素构成了一副画面的色彩元素，作者在绘画创作中可以主观处理色彩的色与形、色与质、色与色之间的关系，就形成了各式各样的色彩语言。

色彩语言是画面结构的重要元素和表现，是诸多绘画形式中给予受众视觉神经反应最快速、最有张力的视觉表现，也是构成绘画艺术基调和风格的基本形态，不同的色彩元素能够引起受众不同的联想和情感变化，产生独特的艺术感染力。色彩在绘画艺术中的作用是不言而喻的，在绘画作品中，色彩是最直观也是最主要的表现手段，同时又具有独立的审美价值。色彩也是绘画中重要的情感的载体，是作者艺术精神的表征，绘画色彩始终都具有一种直指人心的力量。

二、色彩教学在美术教育中的重要性

色彩是最具有感染力的艺术语言，是体现绘画作品色和内容的元素，也代表了绘画作者的心境。色彩是最能调动我们的审美愉悦和敏感度的形式要素，具有在瞬间唤起人的注意和情感共鸣的艺术效果。

每个人对色彩的感受是不同的，但人们对于色彩的理解和认知都有一个普遍的共性，人们对于基本的色调所表达出来的情感因素的感受是基本一致的。比如作者在一幅作品中想表达的是温暖、积极向上、乐观的主题，那画面所表现出来的色彩基调就是暖色调，例如黄色系和红色系。如果作者想表达的主题是悲伤、忧郁、沉闷，那么所运用的色调就是冷色调，例如蓝色和紫色系。不同的色彩搭配所形成的不同的色彩语言就是一种表现在绘画作品上的无形的文字，是一种抽象的、主观的艺术表达。观众可以很直观地从色彩上理解作者的情感和心境。绘画作者的情感全靠这些绘画语言去表现，作者的表现力越强，其作品就越有特色。所以，对绘画语言所占有的深度和广度就是检验一位艺术家的艺术水准高低的标准。

三、中职美术教育中色彩教学中存在的问题

（一）忽略学生的个性发展

在中职美术教育的实际开展中，大多数的老师忽略了学生的个性的培养，依然使用程式化的训练手法进行色彩的教学，这就导致色彩课堂的大部分时间都被老师用来讲解和分析色彩的理论知识，完全忽视了从感性上对色彩进行分析。这样的教育方式过于陈旧化、模式化，对培养学生的创造思维和创造能力造成了严重的阻碍，也限制了学生审美的能力和对色彩的感知能力，从而大大降低了中职美术教育中色彩教学的效果。

（二）教学观念落后

进入21世纪也就标志着我国进入了信息化的时代，多媒体技术已经被广泛地应用于我国的教学活动中，自然多媒体技术也被应用于中职美术教育之中，这些多媒体技术不仅能够用来进行绘画，而且还可以下载相应的色彩教程，大大提高了中职美术教育中色彩教学的有效性，并将学生的色彩绘画知识与网络知识进行了有机结合，使得学生所具备的色彩知识和绘画技能得到扩展。但是目前我国的中职美术教育的老师队伍所具备的教学理念相对来说较为落后，使得现代化的技术没有充分发挥到作用，色彩教学的效果也不够理想，且大多数的中职美术教育的老师依然使用着传统的“讲授色彩理论D上交手绘作品D成绩评判”的教学模式，通过“明度九调、色彩、色彩推移”等训练方式来对学生的色彩能力进行训练，从而对学生的色彩理性进行分析，使得中职美术教育的色彩教学课堂较为死板，对学生创新能力的培养造成了阻碍，跟不上时展的脚步。

四、提高中职美术教育中色彩教学质量的措施

（一）开展多元化教学，培养创新能力

凯尔希纳曾经说过：“我们绘画是比喻，不是模仿，形式和色彩本身并不美，只有通过心灵的意志创造出来的才是美的。”由此可见，在中职美术色彩教学的过程中，教师应该积极开展形式多样、灵活多变的色彩教学方式，来培养学生们的创新能力和发散性思维。从而促使学生们通过精准的色彩构图来表达自己的思想内涵。

（二）将色彩基础性与艺术性进行有机的结合

就目前我国中职美术教育中的色彩教学来看，学生常按照老师所教授的理论知识，将自己所看到的对象客观准确地反映出来，在严重制约了学生的艺术表现力。在色彩教学的过程中，不是要求学生仅仅掌握专业的理论知识就行了，还需要学生在色彩学习的过程中，体现出自己的个人特色与风格。老师要在色彩教学中，将培养学生的艺术表现力放在首位。在培养学生艺术表现力的同时，要充分发挥学生的主观能动作用，让他们在色彩中融入自己的情绪和感受，让色彩作业中蕴含着一种灵动，并让其升华为一种色彩艺术。要让学生知道通过艺术的眼光来看待世界的话，会获得不一样的感受，同时自己的作业也将会更富有生命力和活力。

（三）更新教育观念，积极运用现代化技术

在中职美术教育领域增大多媒体辅助教学的力度，是促进传统色彩教学与先进的多媒体工具融合的有效手段。多媒体具有直观性、形象性、生动性的特点。因此在讲解色彩知识时，教师可以利用多媒体手段来演示色彩构成的基础知识和组合规律。与此同时，教师还可以用课件的形式，带领学生们赏析国内外优秀的色彩构成作品，从而培养和提高学生自身对色彩的审美能力和应用能力。并且教师们应该充分发掘学生们在色彩学习和运用方面的主动作用，从而提高学生运用色彩的主动性和积极性。

五、结论

色彩对美有着直接的影响力和表现力，德拉戈洛瓦就曾称绘画的色彩为绘画的音乐，康定斯基也有其所谓的“颜色声音说”。绘画艺术是源自心灵的、感性的艺术，展现的是一个丰富多彩的精神世界。

【参考文献】

[1]程晋华.色彩的游戏――色彩实践教学分析[J].美术界，2013（04）.