西方古典艺术特点精选(九篇)

第1篇：西方古典艺术特点范文

1.统一的审美标准与既定规则的支撑

所谓的传统即是不断被肯定的惯例，它“需要公认的美善标准和既定的规则来支撑，这些标准和规则不是个人所能决定的，很大程度上取决于社会公意，进而形成社会的审美价值”。马克思认为艺术品的最高价值是经由其他社会方面的价值一起完成的，包括社会价值、道德价值和宗教价值。这种价值观经各代的思想者通过研究艺术和诗歌来给美作以抽象的定义，用最带普遍性的术语来表达美的标准，为其找到一些普通使用的公式，成为一种审美经验。相应地在艺术创作中便形成了艺术运动的固定原则乃至共同的标准。而在传统社会中，个人生活在传统之中，传统是代代相传不变的经验，古典主义艺术正好符合这种不具有个人色彩、不反映个人观点、不具有过激的创新风格，也不是为了适应市场需求而创作的特征。在现代西方资本主义社会中，现代人除了自己以外已经对任何价值系统丧失信仰，出现了艺术上的个人主义。人们或是对社会秩序公然表示敌意，或是根本漠不关心，任何形式的限制都被视为是一种局限。但是，这些社会和心理事实已经使艺术家在现实社会中难以立足。也就是说，如果艺术家有绝对的自由，任何事物只要经由他的认可都可以成为艺术，那么艺术就将停留在这种情况下，再无超越和进步的可能了。因此，在现代社会中，传统的已受到认可的古典主义被继承、弘扬，形成先后延承、生生不息的发展态势。

2.哲学与美学的影响

理论对实践起到不可小视的指导作用。从这个角度出发，西方文艺实践的发展与哲学思想的发展息息相关。就艺术创作上的古典主义传统而言，它的形成是同古典哲学、美学的不间断发展相联系的。西方哲学源于古希腊，从古希腊诸位哲学家提倡的希腊艺术创作的最高理想—合式原则，到17世纪波瓦洛提出的文艺创作上的理性原则，以及18世纪启蒙运动的滚滚洪流中康德、黑格尔缔造的德国古典哲学的殿堂，而德国古典哲学也成为现当代哲学的直接源头。现当代西方哲学不论哪个流派，都不能不面对古典哲学这深厚的传统，那些试图从古典哲学中寻找思想资料的现当代西方哲学家，固然会自觉地把古典哲学作为自己思想的起点。

3.文化源头的相关性与古典文化的复兴

就整个西欧范围而言，各个国家拥有大致相同的文化源头，拥有共同的。19世纪之前，在西方美术史的撰写和美术史的教学工作以及欧洲重要博物馆的收藏中，古典艺术仍旧占主流。由古希腊罗马作为古典主义文化的源头，自意大利在14世纪重新热衷于古典主义文化艺术遗产开始，恢复古代文化及艺术风格便成为可能。历经数代，虽然产生了其他艺术样式和艺术风格，但突然出现了惊人的“退化”现象，20世纪的艺术家们，比如意大利新艺术运动的画家卡索拉蒂、未来主义的艺术家巴拉等，这些艺术家的创作在经历一段激进倾向之后便重新投入古典主义的怀抱。另一方面，西方现代文明也正是古希腊文明与基督教文明共同孕育的果实。当艺术作品进入传统的艺术体系之后需要一种来源于艺术史的质量认证的标准，这暗示了恒久的质量需要一种传统性的因素作为参照和比较的框架，而从文化的层面出发，古典主义传统难以更移。

二、造成西方古典主义绘画传统具有持久性表现的其他因素

第2篇：西方古典艺术特点范文

本文所谈的中国古典诗词艺术歌曲是指当今作曲家结合新的创作意向和方法创作的艺术歌曲。它吸收了西方现代的创作手法和风格特征，同时又结合了我国传统音乐特点与语言特征，注重与中国传统文化相结合，与我国民族风格、民族气质以及民族感情的表达方式相结合，是在中西音乐文化的多次碰撞、交融中逐步发展起来的一种音乐载体和演唱风格。它在演唱上多用钢琴伴奏，其作品创作大多为美声唱法不同声部类型而服务，多采用美声化的综合演唱风格来诠释作品。我们知道，美声唱法发源于意大利，成熟于欧洲，以其唱法的系统性、发声的科学性、演唱的规范性，有理论支撑、历史悠久而享誉世界。自20 世纪20 年代以来，美声唱法逐渐在我国声乐教学中广泛应用，并由于其科学的训练方法和良好的歌唱状态，逐渐确立了歌唱中训练声音手段的基本属性欧洲古典音乐为主体与中国本土音乐相结合而成的美声化的综合演唱风格。这种演唱风格注重音乐的中西贯通与艺术交融，属于专业演唱者运用的唱法。从社会影响和价值地位来看，属于当代音乐文化主流(国家歌剧院、乐团等专业团体基本以美声演唱为主);在今天音乐厅的音乐会演出中，这种演唱风格占绝大比例;在音乐学院的声乐教学中也是很重要的教学内容(90%的艺术院校开设了美声演唱专业)，从而受到业界的高度关注。这种美声化的综合演唱风格在中国当代声乐整体艺术中已经呈现出蓬勃的发展态势，是中国现代声乐艺术新的趋势。鉴于此，用美声演唱风格重新演绎中国古典诗词艺术歌曲是对中国传统文化的保护和创新，它为中国声乐演唱提供了一个取之不尽、用之不竭的艺术题材和风格资源，也为美声风格演唱中国古典诗词艺术歌曲提供了新的亮点，是对中国古代文化的一种再创造。艺术的保护和创新永远是一对辩证关系，譬如音乐、舞蹈、曲艺、戏剧等文化遗产，如果只是原封不动地保存下来，不加以现代诠释，艺术就不可能发展。为什么真正欣赏昆曲的人很少呢?除了与大众的欣赏水平有限、传播不广泛外，熟知它、懂它的人不多，音乐与演唱距离时代太远也是原因之一，与不注重在保护中创新也有关。今天，我们用美声的演唱风格来诠释古典诗词，也可能会遭到不少喜爱戏曲、民歌演唱风格的人质疑，觉得没有诗词韵味、演唱不唯美等等。但是，这并不影响美声演唱具有的创新意义。相反，美声唱法丰富的表现力给古典诗词的艺术情境带来了深刻而又华丽的诠释，为中国艺术歌曲的演唱开辟了广阔的空间。这也证明，任何一种音乐艺术形式只有在创新中才能得到更好的保护。因此，我们要让中国人欣赏古诗词，也要让外国人欣赏古诗词，要做到这点，我们不仅要增强文化上的自觉意识，认真自觉地思考我们自身文化的优劣特点和发展趋势，还要对它有一种自觉的认识、保护、传播和创新，①使它具有强大的生命力。对当代人来说，努力发掘新唱法，努力创作新旋律，这是一条正确的道路。如果古诗词的演唱依然停留在民间戏曲的板腔体，或者是局限于民歌唱法，必然不能满足当代人对音乐的审美需求。

正因如此，重新演绎中国古典诗词艺术歌曲，必须植根于古典诗词的自身文化特性，保障古典诗词艺术歌曲演唱风格和内涵的独特性、可辨性与多元性，只有保存好这个艺术资源，才有中国古典诗词艺术歌曲发展的重要基础。这既是我们应该如何诠释古典诗词的出发点，也是我们重新演绎古典诗词的立足点。因为，重新演绎中国古典诗词艺术歌曲不单是一种声乐艺术的演唱传播，更重要的应该是一种文化的动态传承。那么，如何对中国古典诗词艺术歌曲的传播进行文化保护和演唱创新呢?

一、学院的教学传播是对古典诗词艺术歌曲保护和发展的路径之一

正如上述，中国古典诗词艺术歌曲以独特的古典文化风韵体现着中华民族的艺术趣味，体现着人们的修养与至高的艺术境界，它是中国民族音乐的精髓，是最具民族特色的声乐体裁，由于其鲜明的中国传统文化特色，已成为我国声乐教学曲库中的宝贵财富。而这份宝贵财富，在20世纪20-40 年代就被有意识地应用于教学中了，如黄自主编的《复兴初级中学音乐教科书》(1933年出版)就收集了相当数量的古典诗词艺术歌曲，其中有黄自的《花非花》《南乡子》《点绛唇》、应尚能的《渔夫》、陈田鹤的《春归何处》等。这些通俗易懂、难易适中、广为流传的古典诗词艺术歌曲，不仅在中学教学中产生了较大的影响，陶冶了学生的艺术情操，还对学生中国传统文化素养的培养也起到了积极作用。与此同时，青主的《大江东去》《我住长江头》、谭小麟的《自君之出矣》、刘雪庵的《红豆词》等古典诗词艺术歌曲也在大专院校的教学中广泛运用，为古典诗词艺术歌曲在大学的传播起到了推进作用。

新中国成立以后，随着声乐艺术演唱与教学的发展，人们逐渐认识到对古典诗词艺术歌曲进行保护与整理的重要性，相继出版了近现代作曲家作品集，如人民音乐出版社出版的《赵元任歌曲选集》《江定仙歌曲选集》《陈田鹤歌曲选集》、中国文联出版社出版的《刘雪庵作品集》、上海音乐出版社出版的《黄自独唱歌曲选》《贺绿汀歌曲集》等等。正是因为有这么多仁人志士的努力，以古典诗词为题材的艺术歌曲创作才真正地走向成熟，取得令人兴奋的丰硕成果。到20 世纪80 年代后，又陆续出版了各类声乐教材，其中一些优秀的古典诗词艺术歌曲也纷纷被收入，最为常用的是人民音乐出版社的《高等师范院校声乐教材》。这些歌集与教材里收集的古典诗词艺术歌曲，为当时的声乐演唱与教学提供了宝贵的资料。

进入21 世纪后，随着美声唱法的迅速发展，中国古典诗词艺术歌曲在声乐教学中，尤其在高等院校声乐专业教学中的应用越来越广泛，使这一声乐形态从源头上得到重视和发展。2003 年9 月，由人民音乐出版社出版的《声乐教学曲库》以1920~1948 年为时间脉络收录了中国艺术歌曲系列歌曲，并对部分古典诗词艺术歌曲的背景、歌曲创作进行了音乐分析与演唱注释，体现了声乐作品中的文献性，为声乐文献的整理、保护、教学与应用起到了示范作用。此外，在各大音乐学院的声乐教学大纲中，中国古典诗词艺术歌曲也作为必唱曲目列入本科和研究生教学中。有些学校在研究生学位音乐会中还提出了必须演唱一定数量的中国古典诗词艺术歌曲的要求，其目的就是鼓励学生去研究、演唱中国古典诗词艺术歌曲，推动古典诗词艺术歌曲的演唱和发展。长期的声乐教学成果也证明，通过中国古典诗词艺术歌曲的演唱，学生不仅在技术上获得控纵自如的气息能力，打下扎实的声音基本功，建立正确的声音概念，培养了学生较高的艺术鉴赏力、艺术气质以及对声音的艺术鉴赏能力，还在文化内涵上培养了学生的中国意识、中国审美、中国情怀和特定的中国演唱风格。

由于学院教学的广泛应用以及国家声乐赛事对古诗词规定曲目的要求，中国古典诗词艺术歌曲的创作得到了前所未有的推动，相继诞生了一批优秀的古典诗词艺术歌曲作品，如黎英海的《唐诗三首春晓、枫桥夜泊、登鹳雀楼》，就是20 世纪80 年代首届全国高等艺术院校中国艺术歌曲演唱与创作比赛中的获奖作品，已经被收录在各类声乐教材中，受到大家的喜爱，成为声乐教学、声乐比赛、音乐会广泛演唱的曲目。此外，马思聪的《长相思》、张肖虎的《相见欢》、顾淡如的《春归何处》、戴于吾的《清明》、金湘的《子夜四时歌》等这些作品也被收录于高校声乐教材之中，在现代声乐教学中占据了重要地位，为中国古典诗词艺术歌曲的传承和发展做出了巨大的贡献。

与此同时，我们也意识到中国的古典诗词艺术歌曲至今都没有被明确列为一类独立的艺术歌曲体裁的事实，更没有一本专门的古典诗词艺术作品教材(这类作品大都分散收集在不同的声乐教材中)，尤其缺乏对中国古典诗词艺术歌曲这类体裁作品的系统研究和对该类体裁作品在声乐教学运用中的广泛探讨，致使大量的古典诗词艺术歌曲作品没有得到充分运用，这不能不说是一种遗憾!今天，我们提出重新演绎中国古典诗词歌唱艺术，不仅要弥补这个遗憾，更要让中国古典诗词艺术歌曲的教材系统化、多样化。一方面要把不同时代的优秀作品加以整理和重新演绎，另一方面要注重当代新作品的补充，使中国古典诗词歌唱艺术走向世界，让人们像欣赏西方的交响乐一样来欣赏中国的古典诗词艺术歌曲，从而更好地传承中国博大深邃的传统文化。总之，学院教学一直都是中国古典诗词艺术歌曲的传播者和保护者，学院的教学传播行为凸显了中国古典诗词艺术歌曲不断延续的广阔艺术空间，这对中国古典诗词艺术歌曲的传承和研究，无论是教学、演唱还是对整个中国声乐艺术，都将起到非常好的促进作用，是我们传承中国传统音乐文化不可或缺的纽带。这也应了一句话：任何艺术只有在得到广泛传播的条件下，才有可能生存下去和繁荣起来，这是一个被历史事实无数次证明过的规律。

二、重新演绎中国古典诗词艺术歌曲是声乐演唱创新发展的新趋势

我们知道，保留传统无疑是非常重要的原则，这是艺术的根基。从某种意义上说，没有很好地对传统保存和发展，也就不可能有创新。中国古典诗词艺术歌曲的重新演绎，除了要对传统文化进行保护，还要在演唱上进行创新性的改革，要把诗词中过分依赖戏曲和民歌风格的唱法融入美声的演唱技法，增加现代国际声乐艺术元素，使当代的听众不仅能感受到中国古典诗词文化的精髓，更能从中感受到声乐多种形式演唱的艺术魅力。然而，要想增强古典诗词艺术歌曲演唱的艺术感染力，除了必须在民族戏曲唱法的细腻委婉上，小心翼翼地融入美声唱法的发声、共鸣、呼吸等技术，达到两者融合到没有痕迹的艺术境界外，还可以利用丰富多彩的声部运用以及多元化的演唱风格变化来诠释古典诗词艺术歌曲，这是现代声乐教学中一个值得探索的课题，也是演唱理念上应该有所创新的新趋势。那么，美声风格演唱古诗词的创新趋势主要包括哪些呢?

(一)重新演绎古典诗词给课堂教学带来新的变化

中国古典诗词艺术歌曲的演唱不同于其他声乐作品，作为一种特有的文人音乐体裁，它深刻的思想内涵、崇高的品格以及文学和音乐精彩的赏析品味，给人带来丰富的艺术享受、审美情趣和精神启迪，因此，如何把它演唱得有文化内涵、好听、爱听，对演唱者是有很高要求的。这需要演唱者融入个人的知识储备以及全面的文化修养和音乐素质才能完成，不仅要求演唱者声音做到技艺娴熟，还要具备用审美的眼光来理解音乐和表现音乐，以声音的不同变化为手段来传达美和感情，把自己对音乐的理解通过优美的歌声传达给听众，使听众在情感上产生共鸣，最终让作品的内涵得到完美升华和淋漓尽致的表现。近年来，美声教学为中国古典诗词艺术歌曲赋予了新的生命力。

1.如何用美声唱法演唱中国古典诗词。就我个人教学体验来说，要想唱好古典诗词艺术歌曲，必须在艺术特征和演唱特点上下功夫。首先，要了解古典诗词的艺术特征，包括诗词体裁的艺术特征、诗词音乐的韵律特征和诗乐相融的人文情怀特征;其次，要分析相关背景，剖析歌词内容，深入歌曲意境，注重演唱布局;最后，要把握歌曲情趣、曲风和韵味，用声要适度，音色要多元等等。这些特点都是由中国古典诗词艺术歌曲本身的特质和气质决定的。具体讲，就是如何处理演唱中词与乐的关系、情与唱的布局、声与色的调整以及气息的运用、韵律与曲情、咬字与行腔、韵味与意境、技巧和修养等等这些构成整体古诗词歌唱要素的特点，它们是中国古典诗词艺术歌曲演唱实践中的精华。今天，我们通过美声风格进行全新、全面的演唱和诠释，借此体现出中国古典诗词艺术歌曲运用于现代声乐演唱的精髓与价值。2.教学中如何避免出现争议中的失去韵味、演唱不唯美的现象?很多人对美声演唱古典诗词存在疑惑，认为它难以体现古诗词中的韵味性和唯美性。那么，美声演唱如何唱出古诗词韵味呢?

首先，这个矛盾主要体现在技术的运用和风格的把握上。依据作品风格来选择演唱技术，是美声风格演唱古典诗词的正确思路。在技术上采用西方传统歌唱的整体共鸣、贯通、音量控制的技术，使其演唱范围和演唱形式不单一，且声音的表现力更丰富，声音能高能低，结实有力。在演唱风格上，除了保持中西传统歌唱艺术审美的共性外，还要注重语言、润腔的多样化处理方法，使其获得中国民族演唱风格的内涵。譬如通过学唱传统古曲、传统戏曲、民族民间歌曲等，吸取不同唱法中的特色技巧，使其在用声、用气、咬字、吐词、行腔、共鸣等运用上都要服从于中国传统的音调和民族的韵味，并充分掌握传统歌唱中的精髓。

其次，对于争议，我个人认为除了对音乐的审美习惯不同外，美声唱法一直以来注重技术发声、忽视风格表达也是原因之一。我们知道，唱法不是一个单纯的技术概念，而是包含了音乐风格、文化内涵和演唱技术等多种内涵在内的一个综合性概念。运用什么样的演唱技术及与之相关的音乐风格，是特定文化群体或个人按照其独特的文化需求和音乐趣好而共同选择的结果。只有把古典诗词中声乐艺术的文化内涵表达出来，把握好古典诗词演唱风格中的价值取向，才会有自己独特的不失去韵味的演唱特点和唯美的艺术风格个性。中国古典诗词艺术歌曲本身就蕴含着中国文化内涵的含蓄美和语言的韵律美，相对一般艺术歌曲而言，古典诗词的演唱在虚实、快慢、起落、强弱、平曲等对比手法处理上，更注重中国传统文化中写意的特点和音乐含蓄的表达。那种只按谱唱，仅以曲调的音符来演唱作品，只把语言的字头、字腹、字尾交代清楚，不考虑按四声规律进行调整，咬字不清，不按情给予字以不同的风貌，就很难完美体现中国古典诗词艺术歌曲那种音韵古雅的艺术风格。因此，演唱古典诗词时要多琢磨中国传统文化的韵律，了解古代音乐的风格，注意语言声调的表现以及韵味的讲究，使其做到既要保持声音线条的艺术性，又不失古典诗词特有的韵味、咬字、行腔的演唱特点，只有这样才能避免失去韵味、演唱不唯美的现象出现。

在我的一次声乐课堂上，学生在演唱《黄鹤楼送孟浩然之广陵》时，我要求学生在声音的运用上，在吸取戏曲吟唱特点的同时，又不能完全按照戏曲的演唱方法来呈现，其结果，没有戏曲功底的学生很难准确演绎这首歌。可是没有了吟唱的演唱特点，这首歌的唯美风格就失去了光彩。当然，虽然学生的演唱还很稚嫩，还不能很好地做到准确把握古典诗词作品的文化内涵与风格特色，不能很好地处理技术与风格的问题，但是，只要他们有一颗对古典诗词艺术歌曲演唱的热爱之心以及对艺术再创作的不灭冲动，都不失为美声演唱具有的创新意义做出了贡献。

(二)通过不同的声部重新演绎古典诗词艺术歌曲

美声唱法相对民族唱法、戏曲唱法最大的不同就是有声部划分，而声部的划分主要根据音域、音区、音色、音质来完成，大致分为女高、女中和男高、男中以及女低、男低等多种色彩区。这是美声唱法中一个很重要的原则，在歌剧演唱中尤为突出，各声部除了所具有的各自不同的声音性质与性能外，其明显体现的就是音色所能够表现出的功能与演唱特征。艺术歌曲不同于歌剧唱段(没有角色的局限)，由于其所具有的艺术歌曲特性，男女各声部在演唱上存有共性，为演唱者对歌曲的二度创作提供了更为广阔的空间。譬如改换声部演唱，一方面可以使为数不多的中__国古典诗词艺术歌曲在各声部教学中能充分利用起来(使常用的经典曲目使用率较高)，以达到长期运用于教学的良好效果;另一方面，一首歌曲的不同声部演绎，也展示了中国古典诗词艺术歌曲不同风格的演唱理念。

以《我住长江头》为例，在所收集的音像资料中有不同声部的演唱版本，有G 大调的男女高声部演唱版本，有E 调的男女中声部演唱版本。根据不同的声部、音域、音区、音色来演绎同一首作品，彰显的是各自不同的演唱特性：如女高音声音清柔，音色委婉细腻，演唱流畅如歌，以细腻的情感处理把歌曲中思念和缠绵之意表现得淋漓尽致;男高音突出了音色的明亮、气息的流畅和富于激情的演唱，唱出了恋人的思念之情和对爱情的坚贞信念;女中音音色柔和，声音饱满圆润;男中音声音宽厚而富有磁性。这种声部上的重新尝试，使这首歌曲的演绎更加内在而富有感染力。由此可见，一首歌曲由于其不同的声部、不同的声音性质和不同的音色特征，完全可以演绎出多种不同的演唱风格，给人耳目一新的演唱效果，为重新演绎古典诗词提供了可唱性空间。

(三)通过多元化的演唱风格重新演绎古典诗词艺术歌曲

目前中国古典诗词艺术歌曲的演唱风格呈现出多元发展的态势，常见的有内涵典雅的吟诵演唱风格，有民族民间、戏曲唱法特点的民族化演唱风格，有以美声唱法为基础、注重音乐的中西贯通与艺术交融的美声化的演唱风格，以及追求时尚、注重现代审美感受的流行化演唱风格等等。下面我们以宋代著名词人苏轼的代表作之一《水调歌头明月几时有》的几个不同演唱版本为例，对中国古典诗词艺术歌曲多元化的演唱风格举例分析，这些版本体现着演唱者不同的理解和不同的演唱特性。

民族风格演唱版本：由张鹰作曲，姜嘉锵演唱，收录于《中国古典诗词艺术歌曲姜嘉锵独唱集》。此版歌曲吟诵味道非常浓厚，以情韵见长。姜嘉锵的演唱突出中国古典声乐艺术的演唱特点，他善于通过快慢、强弱、显隐、虚实、抑扬、顿挫等对比手法来描情写意。如他演唱的明月二字吟诵味道十足，咬字清晰，歌声含蓄，唱得真，唱得细;而天字则像一支满弦的箭，直入云霄，唱得深，唱得美;最后一句千里共婵娟一气送出，处理得简洁大气。姜嘉锵的演唱从气势与韵味来说都很见功底。

美声风格演唱版本：由周家声作曲，杨曙光演唱，收录于人民音乐出版社出版的《杨曙光中西多种风格演唱研究与教学曲选》。此版以艺术歌曲的抒情性见长。作品舒缓流畅，音乐在三连音流水般伴奏的烘托下，给人以倾诉衷情、情随音出之妙感。演唱者通过语句的起伏、转折以及渐强的用声和伴奏织体的变化，把人有悲欢离合，月有阴晴圆缺诠释得透彻淋漓。尤其最后一句但愿人长久，千里共婵娟在徐缓、轻清从容的歌声里，唱出了千百年来人们向往幸福的共同心声。唱者行腔柔和优美，柔中有刚，语气坚定，声音饱满;歌声充溢着深厚的情感，保持了美声唱法声音通透圆润、音乐线条连贯的演唱特点。

流行风格演唱版本：由梁弘志谱曲，肖唯忱编曲，邓丽君演唱，收录于邓丽君1983 年发行的诗词歌曲专辑《淡淡幽情》。此版歌曲流行气质浓郁，以柔见长，既兼顾了艺术歌曲的技巧，又不失流行歌曲的气氛。邓丽君用她与生俱来的幽幽情怀唱出来，典雅、庄重又温柔、多情，颇具唐宋风范。她的歌声轻清优美，淡淡柔美的唱法，犹如水晶般纯净，音色温暖秀丽，一句明月几时有，把酒问青天，呈现的是一副清新平和的画面，把歌曲的气氛营造得相当闲淡。歌中千古悠远与乐观豁达的感觉，被邓丽君带有几许婉约与柔弱的方式演绎得淋漓尽致。

以上举例只是相对而言，并不排除还有其他例外。随着声乐艺术的发展，一些演唱者增强了跨界融合的演唱意识，打破唱法壁垒，在演唱中或多或少地体现了一定程度的交融性演唱风格，这从侧面也反映了古典诗词的演唱具有较为广阔的多种风格演唱空间，为重新演绎古典诗词提供了前提。由此可见，民族化演唱风格突出的是甜美音色、吐字归韵等方面的特色优势;美声化演唱风格则散发着学院派气息，注重声音的连贯、音色的圆润和较高的艺术特性;流行化演唱风格追求的是现代的古典美和注重声音的流行化造型。但是，我们也要看到，中国古典诗词艺术歌曲毕竟不是古人词古人曲的原味作品，过于追求流行风格的时尚化，也可能背离古典诗词本身的特质而变得面目迥异;而美声注重音乐的中西贯通与艺术交融，虽然有其重要意义，但一样也避免不了曲高和寡的寂寞。尤其在当今电视荧屏里到处充盈着流行音乐选秀节目，致使很多年轻人对于戏曲、民歌、美声并不熟悉和热衷，那么，让他们认同和接受古典诗词这类艺术歌曲就不容乐观了。正因如此，我们在重新演绎古典诗词艺术歌曲时，一定要注重传统与现代的融合，在演唱中既要有意识地吸收戏曲元素、吟诵特征、民歌风格等，同时又要引入现代声乐元素。特别是在音乐学院教学中，由于中国古典诗词艺术歌曲作为艺术歌曲的共性特征，运用美声唱法演唱古典诗词的占多数，如果完全照搬西方那一套，显然不能很好地体现出古典诗词的演唱风格，我们必须借鉴和吸收中西方有益的东西，通过不断地融合、实践、创新、扬弃，探索出一条与中国传统唱法相结合、又别于西方唱法的新的演唱路径，从而形成独具一格的演唱与教学风格。这也是我们传承和重新演绎中国古典诗词艺术歌曲非常重要的意义。

(四)多元化的音乐处理对古典诗词多种风格的演唱效果也起着至关重要的作用

譬如同一首作品，即使是同样的发声方法，由于演唱者不同、声部不同，所呈现出的音乐处理也是截然不同的。仍以我们熟知的《我住长江头》为例，歌词抒发了恋人的思念之情和对爱情的坚贞信念，音乐采用了似江水般流动的钢琴伴奏音型作为背景，衬托着深情而宽广的歌唱。男中音贺磊明的演唱注重声音情绪的表达和音色虚实的对比，通过较为控制的声音运用，使得整首歌曲演绎得较有层次，突出了悠悠相思、离情别恨的爱情感叹。而同为男中音，廖昌永的演唱更注重歌曲的内在表现，他吐字清晰有力，注重语气的变化与力度的对比、乐句之间的连贯与诗意，把连绵不断的相爱之情表现得淋漓尽致。两位男中音都能从自身的优势出发，表现出各自的独特个性。而作为高声部演唱这首曲目，由于声部和性别不同，其演绎的效果也不会相同，女高音更注重歌曲的抒情性和声音色彩，男高音可能更讲究声音的张力和戏剧性。

同样，在教学中强调这种音乐处理多样化的思维，可以丰富古典诗词艺术歌曲的演唱以及对教学与创作的意义和价值。譬如不同的演唱者面对同一首作品时做出的不同处理，以及同一位演唱者在演唱同一首作品的过程中尝试不同风格的音乐处理等等。前者体现了教学中因材施教的原则，针对不同学生的个体特征，寻求最好的音乐处理风格;后者则使学生通过多种音乐表现手法的学习，增强对音乐的诠释能力和作品的驾驭能力。这种多种风格、灵活多用的音乐处理方法，不仅可以提升经典曲目的教学效果，防止音乐风格同质化的现象发生，同时对古典诗词的演唱与发展都起到积极的推动作用。

(五)独特的民族艺术特性是重新演绎古典诗词艺术歌曲永恒的主题

在今天，我们的演唱为什么会越来越同质化呢?因为我们在音乐风格、演唱形态、发声技法和文化内涵方面丢失了自己的艺术特征。譬如，在学院声乐教学和全国声乐比赛中，由于过分强调发声方法的科学性、过分要求声音的规范性，使得很多美声唱法的演唱者几乎就是用一种演唱风格在演唱，如果不考虑声部、性别所导致的音色差异，根本体现不出声乐艺术各美其美的艺术特征。那么，我们的声乐教学真的不用强调声音的科学性了吗?不是。问题的关键是这个科学性的内涵是什么?正如一位民__族音乐学者说的：在不同的文化体系中，歌曲的演唱技术及与之相关的音乐风格，由于相关价值标准的特殊性而历来以多元并存为基本存在态势音乐的形态(风格)与技术标准，都是特定文化体系的多数成员按照其独特的文化需求和音乐趣好而共同选择的结果。选择不同，显示的是与特定文化所持有的价值标准相关，与普适性的自然律无关，也与科学性无关。不同的演唱只存在风格差异，没有科学或价值区别。因此，不是不需要声音的科学性，而是不要偷换了以科学性为代称的、技术至上的价值观与方法论的概念。

我们要善于把中国各民族自己的演唱风格与西方声乐艺术的技术优势有机地融合在一起，不仅要研究中国传统的和当代的声乐艺术，研究欧美国家从古代到现代的声乐艺术，还要研究亚洲、非洲、南美洲、大洋洲的发展中国家的传统声乐文化和艺术的特色来为我们自己服务。把西方声乐文化与中国的语言文化、民族审美习惯相结合，包括对各民族各国文化属性和民俗习惯与其声乐艺术的关系等许多方面的认识、理解和把握。只有从传统音乐寻根，从民间音乐寻找声乐演唱的生命力，借鉴各民族各国演唱技术和多元化的艺术手段，恐怕才是摆脱单一化困境的途径之一，这也是我们为什么要强调重新演绎古典诗词艺术歌曲的缘由。而建立在国际化通用的发声技术、声音共鸣、气息运用等美声化的古典诗词的演唱，只有把古典诗词中充分表现中国传统文化的含蓄和写意的特点，通过古典诗词特有的语言声调、韵味特征和咬字行腔的演唱规律准确地演绎出来，才能把古典诗词中声乐艺术的文化内涵表达出来，美声风格的演唱也才真正具有了自己诠释古典诗词作品的独特个性。

第3篇：西方古典艺术特点范文

关键词： 中西古典园林；艺术；简述

        0  引言

        园林是指在一定的地域运用工程技术和艺术手段，通过改造地形或进一步筑山，叠石，理水，种植花草树木，营造建筑和布置园路等途径创作而成的美的自然环境和游憩境域。而所谓园林艺术，是指在园林中运用典型形象反映社会现实，表达作者的审美情趣和思想感情的一种艺术门类。不同的园林艺术特征需要通过不同的园林形态来予以表现。在世界园林艺术的发展史上，中国古典园林艺术和西方古典园林艺术以其分别具有的鲜明艺术特征而著称于世。

        中西方园林艺术由于中西文化的结构、形态，或是文化形成的哲学基础、思想观念的不同而形成了两大不同的类型。人们习惯于将以中国为代表的自然式园林称为东方古典园林，将以法国为代表的规则式园林称为西方古典园林。中国园林建筑与西方园林建筑相比，由于各自所处的自然环境、社会形态、文化氛围、审美追求等方面的差异，造园中使用不同的建筑材料和布局形式，表达各自不同的观念情调和审美意识，产生了东西方园林艺术的差异。

        1  中国古典园林的审美特征

        中国古典园林，是把自然的和人造的山水以及植物、建筑融为一体的游赏环境。中国园林是中国建筑中综合性最强、艺术性最高的一种类型，是中国古代建筑中的珍品。

        中国古典园林具有非常突出的审美特征，是一种蕴含着非常丰富和谐而又具有自然韵致的景观体系。中国古典园林还被赋予了深致的精神内涵，中国文化中的人格精神、哲学思想、宇宙观念等等都可以通过园林这个艺术方式而予以表现。

        追求诗画意境是中国古典园林艺术理念中最基本的组成部分。自从文人参与园林设计以来，追求诗的涵义和画的构图就成为中国园林的主要特征。谢灵运、王维、白居易等著名诗人都曾自己经营园林。历代诗词歌赋中咏唱园林景物的佳句多不胜数。画家造园者更多，特别是明清时期，名园几乎全由画家布局；清朝许多皇家园林都由画师设计。园林的品题多采自著名的诗作，因而增加了它们的内涵力量；依画本设计布局使得园林的空间构图既富有自然趣味，也符合形式美的法度。

        注重审美经验，通过多种手段调动审美主体的能动性是造园艺术家的不懈追求。园林毕竟是人造的景物，不可能将自然美完全逼真地再现出来，其中的诗情画意，多半是人的审美经验的发挥，即所谓借景生情，情景交融。观赏者的文化素养越高，对园林美的领会越深。东晋简文帝入华林园说：“会心处不必在远，翳然林水，便自有濠濮间想，觉鸟兽禽鱼，自来亲人。”（见《世说新语》）；明计成《园冶》论假山说：“有真为假，做假成真”，都是强调在园林审美活动中主客观的密切关系。为达到调动审美主体能动性的目的，造园艺术家往往特别注重利用两种手法：一是叠山理水。因为假山曲水比较容易模仿自然，形成绘画效果；二是景物命名。通过匾、联、碑、碣、摩崖石刻，直接点明主题。两者都能较有力地引起联想，构成内在形象。

        创造无穷的空间效果是园林艺术设计特别注意要达到的目标。在中国古典园林的类型中，私家园林面积都不大，而皇家宫苑又是私家园林的集锦。要表现出诗情画意的美学内涵需要某种连续委婉的曲线流动。为达此目的，必须运用曲折、断续、对比、烘托、遮挡、透漏、疏密、虚实等手法，取得山重水复、柳暗花明的无穷效果。像清朝学者沈复在《浮生六记》中所说的那样，中国古典园林艺术就是要达到“套室回廊，叠石成山，栽花取势，又在大中见小，小中见大，虚中有实，实中有虚，或藏或露，或浅或深”的境界，造成无穷空间的意象。

        中国古典园林是一种综合性的空间艺术，为了达到突破视觉局限，与天地融通的要求，造园的过程中还非常强调借景。借景包含借入与屏出两个相反相成的部分。《园冶》指出：“借者，园虽别内外，得景则无拘远近，……俗则屏之，嘉则收之”；有“远借、邻借、仰借、俯借、应时而借”等种种手法。中国园林运用借景手法创造了许多著名的美的画面，如江苏无锡寄畅园借景锡山宝塔；北京颐和园画中游、鱼藻轩借景玉泉山和西山；河北承德避暑山庄锤峰落照借景磬锤峰等，都是这方面最成功的例子。

        2  西方古典园林的审美特征

        西方园林艺术与中国园林艺术迥然不同。西方园林的造园艺术，完全排斥自然，力求体现出严谨的理性，一丝不苟地按照纯粹的几何结构和数学关系发展。“强迫自然接受匀称的法则”是西方造园艺术的基本信条，追求一种纯净的、人工雕琢的盛装美。

第4篇：西方古典艺术特点范文

关键词：家具设计；中西文化；设计风格；文化融合

一、中西方文化在家具中的差异对比

立足于中西方文化的固有差异，中方的文化更加倾向于陆地文化，而“西”文化侧重海洋文化。由于中西方地理环境的不同造就了中西方不同的文化差异，在文化发展过程中，中方文化具有很强的闭塞性与保守性，不过较容易实现文化的传承。西方的文化则更加开放，具有善于变革、善于交换与积极的特性。不同的文化形式逐渐形成了不同的审美观念与艺术理念，而且这些在家具理念以及艺术设计方面都有所体现。

（一）宗教背景形成的艺术差异：在两千多年的封建统治时期，中国受儒家思想的“仁、义、礼、智、信”及道教文化的影响，总体上体现出人与自然统一，物质与人心统一，天人合一的理念。中式家具在不同的时期造就了不同的造型特点，其审美基本原则更加强调对称，协调和统一的审美观，如道家的太极图、如意、祥云、龙、鱼等。另外，导致中西家具异同的原因还有佛教文化的影响，如盛唐时期的佛教文化尤为显胜，这一时期出现具有明显佛教文化元素的家具。同时，著名的唐代壁画中，莲花、七珍八宝等佛教元素也常常出现，使得壁画华美富丽。无论是家具设计艺术还是我国的传统绘画艺术，都深受宗教文化影响。西方国家在上多半信仰神兽来作为其种族及国家的象征。如古埃及家具很多腿部都采用神兽的形态，如狮足形态，显示了其力量的象征，人类征服自然界的勇气和信心，体现使用者的权力与地位。其装饰上也受宗教文化的影响，纹饰都来源于圣经、及其国家文化的象征。如眼睛、太阳、莨苕等纹饰。

（二）中西文化形成的艺术差异：中国古典明代家具造型上多采用直线条，其风格简约、浑厚、大气、庄重。不同于西方家具制作精美、雕饰奢华的设计理念，明代家具没有过多雕饰，以简胜繁，起到画龙点睛的作用。家具装饰上多采用云纹、海水、动物，植物等中国特色传统图案。植物、动物等纹样，被表述为一种形态性符号，这些符号便成为家具装饰的一部分。另外，中式家具在结构造型上的曲线美也有相应的体现，如收背太师椅，其背部采用“拐子龙纹”纹饰（如图1）。西方家具在美学设计上也同样重视线条的应用，不过其线条主要是为了构建家具艺术形态中的“面”，这样的艺术理念使得西方的家具造型以“面”为基准，在结构上重点展现的是局部的面与整体之间的关系。西方国家更倾向于曲线“S”形，工艺结构、雕刻风格都追求动感姿态美，装饰更加奢华夸张，采用镀金，雕刻、镶嵌等手法。装饰纹样上多采用花卉、藤蔓、海草、动物、贝壳、翅膀、天使等纹样（如图2）。

（三）地域背景形成的艺术差异：中原文化最早的发源地——黄河流域，所有的设计融合了当地气候条件、地形因素、劳作方式和乡土风习等因素。《周易》要求“适形”。既要顺应自然规律，又要符合人性，家具要适中有度，不能逾越儒家长幼尊卑的礼仪等级秩序。[1]根据人们的生活起居习惯的变化，中国家具的形式发展经历了从无到有，从低到高，从简单到复杂，从古朴到精雕几个阶段；[2]从时代上可以分为几个时期：商周、春秋战国、秦汉时期席地而坐的无形式感家具；三国、两晋、隋唐的椅腿发展的雏形家具；宋元时期的垂足而坐形家具；明清时期的工艺鼎盛时期家具。[3]西方文化艺术中的发展主要体现在两河流域。其中亚述区域及古西亚时期的家具由于地理环境的特殊性，木制家具没能完整地保存下来，留存于世的家具甚少，我们只能从其建筑艺术和其他艺术上窥视到其家具文化艺术的特点。如壁画、浮雕、青铜像、圆形印章等工艺。亚述人更加注重权力，主要表现在两方面：一是坐具高度较高，下部加设脚踏，以此来象征国王至高无上的地位，彰显君臣之别；二是华丽的镶嵌艺术，以体现统治者的奢华。相比之下，新巴比伦时期的家具拥有自己的艺术特色，但其也深受亚述家具文化的影响。如柱式浮雕、雕刻镂空的装饰图案以及简约厚重的旋木腿等。

（四）民族特点形成的艺术差异：汉族家具特点：从家具的整体造型上来看，主要以直线型为主，整体风格简约概括，给人一种大气、庄重浑厚之感；家具装饰的纹样上，通常采用中国传统元素，“云纹、海水、龙凤纹、狮子等吉祥图案。（如图3）如祥云图案，代表吉祥如意的意思。从家具的整体外观颜色来看，中式古典家具多使用同一种颜色，采用比较庄重的色调，强调的是古典、朴素、雅观以及精致，颜色选择上主要有红、黑、黄、灰四中，能够借此更好地展现出木材本身的纹路以及肌理，展现给人们的是“天人合一”的哲学思想。纵观历史，近代欧洲民族在家具历史上也具有浓墨重彩的一笔。以新古典家具为例（18世纪70年代至19世纪前期），法国新古典家具其艺术风格古典又时尚，多采用直线结构，腿部呈方柱或圆柱形，由上而下逐渐收缩变细并开槽装饰，装饰以薄木雕刻、镀金、金属镶嵌等为主。装饰题材多为古典纹样，如：古希腊的鸟羽、浮雕、绳结纹、蔓草纹样、古罗马建筑中的柱式、盾牌、橡树叶等，整体显得灵秀、优美、纤巧。家具水平线和垂直线的处理是法国家具结构上的重点，多以直线为主，很少采用曲线，强调机能和结构的力量。到拿破仑时期，帝政式家具盛行，家具腿部采用兽腿形，如：狮子腿，显示了其力量与权威（如图4）。同一时期西方不同国家也各具不同特色，18世纪60年代英国新古典家具腿部成细条、尖型，截面成方形或圆形，由上至下逐渐变小，方腿配以梯形或马蹄形脚，圆腿则配以车木脚（如图5）。中西方家具设计风格迥异，从宗教背景、艺术文化、地域背景、民族特点等方面分析了其设计风格的差异，对中西方家具的造型、装饰及色彩运用上作了探究。这种差异性的分析对未来的家具设计提供了一定的参考依据。立足于中西方家具文化的差异来看，未来我们进行家具设计的时候应该综合中西方家具的艺术形式差异，扬长避短，有选择地吸收并且尝试利用优秀的设计资源，让中西方古典文化在家具设计中大放异彩。

二、家具设计融合中国传统文化和西方文化的探索

中西方古典家具的艺术区别体现的是中西方对于自然与人之间关系的不同以及审美观的差异，具体在家具的整体造型、装饰设计、色彩应用等方面都具有一定的差异性，这种差异的分析对于未来的家具设计提供了一定的参考。由此，我们可以得出：

（一）家具设计在造型方面的分析与融合：在家具造型设计方面：1.中式家具比较注重家具体现的别致意境，因此多选用线条进行家具造型的勾勒。西式家具则多选用面来进行造型构建，对于家具的写实性与真实性较为关注，突出其立体感。2.结合中西式家具对脚的处理来看，中式家具多采用高而且整齐划一的脚部设计。西式家具则选择比较矮但是造型丰富的脚部设计，很多都选用拟态动物的脚部进行点缀。3.中式家具比较重视对称，而西式家具除了对称，还有非对称平衡的造型。中国家具在自己发展的同时，也同样不断地吸收着西方元素，如西式图案运用，借鉴西方家具的样式和吸取西式家具的设计理念，使中国家具不断创新。如清代，家具借鉴西方的一些元素来弥补其内涵的不足，从而使家具整体都体现出“中学为体，西学为用”的特点。在造型上，不少家具部件的造型源于西洋古典建筑，比如一些家具在顶部装饰有带雕饰、看上去类似帽子的部件。（如图6）是一件将中西方家具优秀元素继承与融合的完美典例。

（二）家具设计在装饰方面的分析与融合：从家具装饰来看，中西式古典家具在装饰上同样会选择雕刻作为装饰手段，不过具体的雕刻风格以及材料选择方面则存在很大的差异。1.中式家具雕刻多注重吉祥如意的意境，因此选择比较抽象性的雕刻艺术展现手段。西式古典家具则多选择与大自然接近的动植物作为雕刻表现的手段，以尽力展现宗教意义为目的，而且其中多掺杂着生命、艺术以及永恒等这些韵味。2.结合中西方古典家具的装饰物选用方面来说，西式家具多选择铜质的装饰物。而西式家具选择的装饰物件则比较多样化，除了与西式家具类似的铜质物件还选择宝石等作为装饰手段，涉及到的许多装饰手段都十分复杂。中西文化相融合设计的家具，吸取历史上各个阶段家具设计中的精髓，吸收不同时期造型与装饰特点的基础上结合了当代人的审美观念，对装饰物以及纹样进行处理，在结合现代审美观念的基础上不失古典的美感。如清代紫檀嵌黄杨木宝座(如图7)，形象地诠释“中学为体、西学为用”的宗旨，图中可以看到牙板浮雕由西洋卷草和中国传统的夔纹组合而成，遒劲的中方夔龙与柔美的西番莲穿插交织出又密又透的繁丽效果。

（三）家具设计在色彩使用方面的分析与融合：在色彩使用方面，中西方家具也有较明显差别。中式家具惯用黑、棕、黄、红等色，强调沉稳的色彩，色调的选用上比较单一，体现在中式家具色调上比较典雅而且朴素。西式家具除了传统颜色的使用之外，白色、大红色、金色以及蓝色的使用都较为频繁，在颜色的选用上十分开放，用色鲜艳而且多样，充斥着比较强烈的颜色对比，而且选择比较鲜亮的家具装饰物件，跟家具的整体色调形成极端强烈的视觉反差，带给人以强烈的视觉冲击。[4]随着科技的不断进步，家具的材料多种多样。在现代家居中，人们逐渐开始追求个性化的家居产品，家具色彩的使用上也趋于多样化。在现代家具设计中，不仅仅采用朴素简单的色调，而且开始借鉴西方丰富、鲜明的用色理念，如以典型的蓝白色为基调的地中海风情家具，少了传统家具的中庸，多了一丝简洁轻松、浪漫、明亮、大胆的自然的色彩运用。

结语

中西方家具的设计具有悠久的历史，在将来家具的设计中尽可能地吸收并且继承是主要的发展方向。我国历史悠久，文化底蕴深厚。我们要将民族文化坚定不移地传承下去。另外，我们更应该与时俱进，发展创新思维，将中国家具文化与西方优秀设计理念相结合。坚持以东方文化为主导、吸收西方文化之精华的思路，将会给中国家具业带来新的活力和生机。

参考文献

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第5篇：西方古典艺术特点范文

关键词:中西方;古典园林;比较

中图分类号:TU986.1 文献标识码:A 文章编号:16749944(2010)10001403

1 引言

园林艺术创作实际上是按一定的功能和审美需要将山水、植物、建筑进行有机组合。世界上古今园林艺术基本上可分为中、西2大类,中西园林由于历史背景和文化传统的不同而风格迥异、各具特色。西方园林以法国古典主义园林为代表,其景观特点是整齐、规则、对称、均匀,常以轴线作引导,包括树木也都作规则式造型。东方园林以中国古典园林为代表,景观特色表现为不对称均衡,以曲线作为引导,成为著称于世的自然式山水园。中西园林就如同象形的汉字同表音的西方文字一样有着天壤之别[1]。

2 中西方古典园林的比较

2.1 中西古典园林风格的比较

“自然”一直是中国古典园林进行艺术创作的最高原则和审美标准。“源于自然,高于自然”的艺术法则,一直被中国造园家们奉为圭臬[2]。中国古典园林把建筑、山水、植物有机地融为一体,在有限的空间范围内利用自然条件,模拟大自然中的美景,力求再现大自然中各种事物、景物的造型和气势。中国古典园林中山与水的关系以及假山中峰、涧、坡、洞各景象因素的组合,均符合自然山水生成的客观规律。树木花卉的处理与安设,讲究表现自然。中国古典园林无论是北方御园还是江南私园都很强调顺应自然。颐和园的昆明湖、万寿山及其中的二堤、六岛、九桥,均显得自然和谐,丝毫没有人工穿凿之感,而苏州园林中巧妙设置的山水树木、亭台楼阁,亦显现出浓郁的自然韵味。

西方古典园林表现为一种人工的创造。园林中所有的景物,无论是建筑物还是山水树木都有人工穿凿的明显印记。从现象上看,西方造园主要是立足于用人工方法改变其自然状态;园中虽有许多自然物,但自然的气韵已不存在。西方古典园林中最典型的是法国的凡尔赛宫,园中的王宫、教堂、剧院等都是规整排列,连柱廊、花坛、草坪、雕像、喷泉等均是秩序分明,呈现出几何形状,充分体现了人工改造自然的力量。

2.2 中西方古典园林艺术的比较

中国古典园林是滋生在中国文化肥田沃土之中,深受绘画、诗词和文学的影响,遵循“外师造化、中得心源”的原则,非刻板地照搬照抄自然山水,而是要经过艺术加工使自然升华。艺术处理上强调人与自然的融合,进而达到情感、精神的超脱,又兼具诗词“缘情”的一面。师法自然,源于自然,而高于自然,制造出“宛若天开,浑如天居”的局面,顺应自然并更加深刻的表现自然。造园注重“情”与“景”的交融,追求诗情画意般的环境氛围即“意境”,这显然不同于西方造园追求的形式美,而意境是要靠“悟”才能获取,“悟”是一种心智活动,“景无情不发,情无景不生”,因此追求意境成为中国园林的造园要旨。中国造园讲究的是含蓄、虚幻、含而不露、言外之意、弦外之音,使人们置身其内有扑溯迷离和不可穷尽的幻觉,并借以求得大中见小、小中见大、虚中有实、实中有虚、或藏或露、或浅或深的效果,从而把许多全然对立的因素交织融会使之宛若浑然天成,充分体现了园林式的中国文化[3~4]。

在西方,古人认为艺术美来源于数的协调,只要调整好了数量比例,就能产生出美的效果。艺术中重要的是结构要像数学一样清晰和明确,要合乎逻辑。用数字来计算美,力图从中找出最美的线型和比例,并且企图用数学公式表现出来。在这种“唯理”美学思想的影响下,西方造园遵循形式美的法则,呈现出一种几何制的关系,诸如轴线对称、均衡以及确定的几何状,如直线、正方形、圆、三角形等的广泛应用,传达一种秩序和控制的意识。西方园林主干分明,功能空间明确,树木有规律栽植,修剪整齐,给人以秩序井然,清晰明确的印象。

2.3 中西方古典园林其他方面的比较

2.3.1 总体布局上的比较

中西古典园林的一个区别就在于突出自然山水还是突出建筑。中国古典园林在总体布局上一般以自然山水作为园林景观构图主体,其花木配合山水布置,园林建筑亦服从于周围的自然环境,与山水树木相协调,并作为陪衬、表现或点缀山水意境的一部分。中国传统造园要求人工美与自然美的高度统一。所以,在园林设计中遵循“山水为主、建筑是从”的原则。西方古典园林最具代表性的是法国“规整式园林”,其构图特别强调园林中部的轴线,园林的花坛、水池、喷泉、雕像、小建筑物、小广场、林荫道和放射形小路都围绕这条中轴线进行布置。同时,在轴线高处的起点上还布置体量高大且严谨对称的建筑物;在建筑物前后则是几何造型如地毯般的草坪与树,它们作为建筑的陪衬,使主体建筑高大雄伟。可以说,西方古典园林是以建筑物为中心、以突出主体建筑的原则来构园,所以西方古典园林越发显得只是建筑物的扩大或延伸,连山水花木也仿佛是建筑的组成部分。

2.3.2 对“园林美”追求的比较

在对园林美的追求上,中国古典园林追求的是诗情画意和情景交融。它以自然界的山水为蓝本,借景生情,托物言志,从而产生“意境美”。这种意境美不是简单的再现或模仿自然,而是在深切领悟自然美的基础上加以抽象、概括与典型化。它强调的是主、客体之间的情感契合点,即“畅神”。因此中国古典园林的艺术美不仅表现在园林景物的形、神之上,更主要的是表现在与游赏者主观的情感相交融的意境之上。西方古典园林所体现的是人工美,它不仅布局对称、规则、严谨,就连花草树木都修整得方方正正,从而呈现出一种几何图案美。西方古典园林这种轴线对称、均衡的布局,精美的几何式构图,强烈的韵律节奏感,都强烈地体现出对形式美的刻意追求[5]。

2.3.3 空间处理手法上的比较

在空间处理上,中国古典造园“命意在空不在实”,显现的是活泼的、动态的、多点透视的空间。中国园林力求从视角上突破园林实体之有限空间的局限性,使之融于自然、表现自然;它把园内空间与自然空间进行融合和扩展,利用借景手法把观赏者的目光引向园林之外的景色,从而突破了有限的空间限定,达到无限的空间领域。中国古典园林的空间犹如画幅一样,集大自然之精美于一园,在时间和空间的游览路线组织中,任其高低远近、角度和视点的转变,都能观赏到如诗似画的园林景观。而西方古典园林主从分明、重点突出,各部分关系明确、肯定,其边界和空间范围一目了然,空间序列段落分明,给人以秩序井然和清晰明确的印象。空间尺度不在于适应自然环境和人们实际活动的需要,而是着重于强调建筑实体营造所需的气氛。它多运用数学和几何学原理来处理空间的形式,从而产生主次分明、均衡、明晰的空间形态。

3 中西方古典园林差异的原因

3.1 历史源头的差异

中国古代园林在起源之初,就利用自然的山泽、泉水、树木、鸟兽进行早期的造园活动,最初的形式为“囿”。囿是在圈定的范围内让草木和鸟兽滋生和繁育,同时还挖池筑台,供帝王和贵族们狩猎和享乐。就其内容来说比较单纯,除了夯土筑台、掘池养鱼以外,多为朴素的天然景象以及野生的动植物。

西方古典园林是多起源的。西方园林的出现,一方面是崇拜神灵的需求,另一方面也是生产、生活的需要。西方古典园林之所以做规则式布置,是出于农事耕作的需要。一块长方形的平地被灌溉水渠划成方格,各种树木、花卉、药草等整齐地种在这些格子形的畦里。园中的树木有苹果、梨、杏树、雪松和柏树,也有随着军事活动从外地引进的种苗,如椰枣、棕搁树,同时也还点缀着灌木花草,形成朴素、简单的花园,这是西方古典园林的胚胎[6]。由此可见,西方古典园林在造园初期就走上了改造自然的道路。

3.2 城市环境的差异

各种园林的形成,均反应了当时、当地人们的愿望。不同人群所追求的园林形式均是他们在现实生活中所缺失的,他们所要摆脱的城市格局,却是在现实生活中所腻烦的。正因如此,城市与园林才在风格上形成了对照。在古代西方,特别是在中世纪的大部分时间里,因为封建割据,国土四分五裂,城市作为一个小范围地区的中心,其规模往往很小,多则几万人,少则几千人。因为战争频繁,城市常选址于易守难攻的地理位置。建筑物随地形自然分布,街道格局自由。人工环境的创造及自然环境的人工化,反而成为西方城市寻求对立统一的手段。中国在封建社会建立了中央集权制度,政局相对稳定。城市作为中央或地方的各级行政中心,多选址于平原地区,规模常常很大。中国古代在处理城市和宫殿、寺院等建筑的布局方面,喜爱用轴线引导,左右对称的方法而求得整体的统一性。园林宜作自然式布置,自然环境的创造及人工环境的自然化成为在统一中寻求变化的手段。

3.3 文化传统的差异

在中国,原始社会的遗迹风习长期地保存下来,氏族血缘的宗法关系起着极为重要的作用。中国古代社会的经济、政治关系上带上了浓厚的宗法关系的色彩,因而伦理道德关系非常突出,且十分重视人伦情感。可以说,以儒、道、佛为主体的中国传统文化都很重视人的感情,这就是导致中国园林重在“寓情于景”的根本原因[7]。与中国传统文化相比较,西方传统文化更多地注重理性。西方文化源头之一的古希腊在奴隶社会时彻底地消除了氏族社会的传统,氏族血缘宗法关系被政治关系所取代,奴隶主的政治民主制度得到充分的发展,政治问题不是伦理道德问题最为人们所关心。所以古代西方所重视的不是人伦感情,而是理性。这就是西方古典园林之所以重在“寓理干景”的文化原因。

3.4 审美情趣的差异

中国古典园林把美学建立在“意境”的基础上,强调自然美。中国的道家认为,自然界本身是最美的,即“天地有大美而不言”。在道家看来,大自然之所以美,并不在于它的形式,而恰恰在于它最充分、最完全地体现了这种“无为而无不为”的“道”。因此,古代中国人在追求自然美的过程中,总喜欢把客观的“景”与主观的“情”联系在一起,把“自我”放到自然环境之中,物我交融,从而在艺术创作中充分表达自己的思想情感,准确地抓住自然美的精华,并加以再现[8]。因此,含蓄的意境美便成为中国古典园林艺术所追求的至高境界。西方古典园林把美学建立在“唯理”的基础上,强调几何美。西方几何图案式的园林风格正是在这种“唯理”美学思想的影响下形成的。在西方,人的观念中自然是美的一种素材或源泉,自然美本身是有缺陷的。早在古希腊,哲学家毕达哥拉斯就从数的角度来探求和谐,并提出了黄金分割率。古罗马时期的维特鲁威在其《建筑十书》中也提到了比例、均衡等问题,并提出了“比例是美的外貌,是组合细部时适度的关系”。文艺复兴时期的达芬奇、米开朗基罗等人还通过人体来论证形式美的法则;黑格尔则在他的《美学》中提到,“美是理念的感性显现”。所以,西方人认为自然美必然存在缺陷,它不可能上升为艺术美[9~10]。亦因为园林是人工创造的,它理应按照人的意志来加以改造,只有这样才能达到完美的境地。

4 结 语

中西园林尽管由于各自物质条件和精神条件的不同而形成了2种不同的类型,但它们都是世界园林文化的一部分,都具有园林艺术的共同特征。中西虽然空间距离遥远,文化背景迥异,园林形式千姿百态但造园的目的却是一致的,就是为了补偿现实生活境城的某些不足,满足人类自身心理和生理需要。通过研究2者的共性和差异,通过对中西方古典园林各自个性的比较研究,更好地把握园林艺术的共性,使它们互相取长补短,以使中西方园林艺术存在更多方面的综合。

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第6篇：西方古典艺术特点范文

关键词：西方古典合唱；审美本质；中国合唱艺术发展；启示

合唱艺术是一种群体艺术，是不同音色、不同音高、不同旋律之间相互协调后形成的一种音乐表现形式。

西方古典合唱艺术的起源与宗教祭祀活动密切相关。东欧希腊文化中，合唱最早出现在古希腊的神话之中，据说宙斯之子狄俄尼索斯因善于酿酒，被古希腊人成为酒神。在祭祀酒神的活动中，古希腊人都要精心打扮，喝着葡萄酒、唱着酒神颂，来敬拜和祭奠他。而在基督教文化中，合唱艺术与基督教的礼拜息息相关。在礼拜中，教会有专门的唱诗班的带领众信徒唱歌赞美神，在这个过程中，合唱的雏形得以被发现。后来，经过众多合唱家的不懈努力和辛勤探索，使得西方古典合唱艺术不断发展，逐渐有了自己独特的审美。

1 西方古典合唱的审美本质

古典艺术中，普遍存在着和谐、崇高、悲剧、优美等特征。西方古典合唱作为古典艺术中的一个组成部分，当然也具有这些审美特征，然而西方古典合唱的起源，又决定了它审美的本质是“和谐”“崇高”。

1.1 西方古典合唱中的和谐美

在审美学中，“和谐”包括两方面。一方面是“多样统一”的和谐，另一方面是“对立统一”的和谐。在西方古典合唱中，这两个方面相互存在互相补充，使整个古典合唱达到整体上的和谐。

1.1.1 多样统一的和谐

多样统一的和谐，也称为和弦纵向结构的和谐，主要体现在各个声部在音和旋律中等和声结构中达到和谐，这种和谐通常是以音程的形式表现出来的。

（1）音与音之间的和谐。音与音之间的和谐，实际上就是“音程”关系的和谐。在合唱中，依据人的听觉感受到的声音的音程状况，可以将音程分为协和音程和不协和音程。

协和音程每一种音程的高低组合起来之后能够诗人心情平静舒畅，乐声虽高低不同，但总体上给人一种和谐统一的美感。例如在合唱中，纯一度和在一定程度上几乎完全合一的八度，这两种音程会让人产生空灵飘渺的感觉，这是渗透进人类心灵的组合，是极完全协和音程；而纯四度和纯五度在合唱中，声音融合在一起，同样沁人心脾，它们就属于完全协和音程；还有大小三度以及大小六度，它们虽然不是特别融合，但是能够使整个合唱曲变得丰满有内涵，这种就是不完全协和音程。

不协和音程顾名思义就是声音的音程组合过于不协调，甚至刺耳。不协和音程经常让人们产生烦躁、苦闷、讨厌等情绪，这些情绪直接影响着整个合唱的观赏质量。在音程中，大小二度、七度以及各种增减音程基本都属于不协和音程。

在西方古典合唱中，音的和谐尤为重要。甚至在西方社会早期，就已经有人专门研究“协和音程”，例如在西方封建社会晚期以及拜占庭帝国所写的音程理论之中，就清楚地将四度和五度音程分别归为谐音和附唱。在西方古典合唱中，音与音之间的和谐是合唱最基本的审美要求。

（2）演唱者声音的和谐。在合唱中，乐音和乐音自身情感的传递都要通过演唱者来完成，所以演唱者声音的和谐对于整个合唱的成功尤为重要。这里的和谐一般指的是演唱者的音乐功底，比如声音的平稳、圆润、有感情、不抖动等等。这种和谐感是观众用视觉和听觉共同感知的，所以更为直接。

1.1.2 对立统一的和谐

对立统一的和谐，一般是指乐曲中横向的和声的和谐。而对立统一主要针对的是协和和弦和不协和和弦之间。

不协和和弦、协和和弦，这两者之间本身是对立的关系。单纯的不协和和弦由于其乐音极度刺激人的听觉神经，如果用到合唱中，会使整个合唱在质量上大打折扣，同时也毫无美感而言。而协和的和弦能够安静人们躁动的心，陶冶人的情操，用到合唱中，提高合唱质量的同时，也传递着音乐自身的美感和情绪。

“统一”几乎是世间一切事物的发展趋势，协和和弦和不协和和弦也不例外。要实现和声的和谐，就必须使不协和弦与和协和和弦在乐曲中相互转化，之后达到“和谐”。这种方式在乐曲中很常见，可能够体现出两者的统一。

西方古典合唱在发展的过程中，一直离不开和声。因为在原始的乐音中，音程的结构大都是一音对一音，随着音乐研究的不断发展，人们用拉长或者持续音符等方法，是的声部的作用更加重要。之后，各个声部之间会一句音乐的节奏而相互穿插互补，这就形成了多声部，即和声。合唱本身是多声部音乐，它基本上就是在这种情况下发展起来的，在一定程度上它也是和声的一种表现形式。

多样统一的和谐和对立统一的和谐，是西方古典合唱中不同的和谐之美的表现，也是这种兼有纵向和横向的全面的双重的和谐，促使西方古典合唱成为人类音乐的瑰宝。

1.2 西方古典合唱中的崇高美

1.2.1 创作目的的崇高

西方古典合唱起源于宗祭祀活动，多以它们的创作经常是为了歌颂或者祭拜神明的。在古希腊戏剧中，合唱一直是其主要的舞台表现艺术。而古希腊的戏剧经常是根据希腊神话或者传说创作的，并且在这些创作中，悲剧的艺术成就是最高的。这两个方面基本都是崇高的严肃的，所以作为戏剧感情传达载体的合唱，同样也是严肃的崇高的。

与此同时，基督教中的合唱的主要目的就是为了赞美神。比如四声部《Ave verum corpus6》这首合唱曲是文艺复兴时期伯德的代表作，但它隶属于基督教圣餐仪式中的歌曲。宗教本身带有的严肃崇高性，自然而言会感染伯德的创作，使整个合唱曲显得庄严崇高。

1.2.2 所表达的审美情趣的崇高

西方古典合唱在写作过程中，作者向世人所传达的思想和情感是真挚的坦诚的，并且能够揭示相关的人生哲理和社会概况。引导听众看清这些问题，同时能够透彻的认识世界，认识自己，时刻保持清醒的状态。这种崇高在古希腊戏剧的歌队合唱中体现的淋漓尽致，比如索福克罗斯的《俄狄浦斯王》。这是一个关于命运的悲剧，通过当时的歌队的合唱表演，向人们传达的是命运之事，这是作者对生命的感悟，也是崇高审美情趣的表现。

西方古典合唱中中和谐和崇高的美，是其一直延续至今的法宝，也是整个西方合唱艺术发展的基石。相比之下，中国合唱艺术的发展就有些差强人意。

2 中国合唱艺术的发展状况

学术界有一种观点认为中国的合唱艺术发源于夏商时代，至于其准确性，尚有待考证。可中国现代的合唱艺术却是在19世纪西学东渐时期发展起来的。如今经过约两个世纪的发展，中国的合唱艺术随着经济和文化的商业化，渐渐失却其本质。

2.1 作品不能与时俱进

合唱的发展离不开优秀的作品。然而近几年来，由于流行音乐风靡世界，专业院校中愿意从事合唱事业的人才越来越少，直接影响了合唱作品的创作。回想人们耳熟能详的作品，无非就是《黄河大合唱》、《茉莉花》、改编的《听妈妈将过去的故事》等。除此之外，能够引起众人兴趣作品屈指可数。作品不能与时俱进，是造成整个中国合唱艺术发展滞后的重要因素。

2.2 对合唱抱有严重的功利心

当前，中国各高校、各电视台中或多或少都会有合唱比赛，这些比赛在宣传合唱艺术的同时，也摧毁了它。人们参加合唱比赛，很大程度上是因为它能获得奖品、能为自己带来人气、能使自己更加有名气，这些都是将合唱作为一种工具，或者一种手段，借此达到自己的目的。这种功利心使得整个合唱艺术界鱼龙混杂，有人达到目的之后直接转行，导致合唱队的人数缺乏，整个合唱事业发展艰难。

2.3 缺少中国传统文化

中国的合唱艺术来源于西方，在发展的过程中必然会受到一定的影响。然而，西方文化的冲击，使得合唱艺术中中国自己的传统文化日趋减少。这是整个中国合唱艺术的悲哀，念此令人痛彻心扉。

面对中国合唱艺术中存在的问题，我们要寻根溯源，找到合唱艺术的本来面目，帮助中国合唱艺术发展，而这个根就是西方古典合唱艺术。

3 西方古典合唱对中国合唱艺术发展的启示

西方古典合唱从创作到整个演出都透漏着和谐崇高的美，所以中国的合唱艺术在发展的过程中应该也要注重四点：一是要创作具有崇高精神的和谐的合唱作品，这是整个合唱艺术发展的前提；二是在演出的过程中，合唱队的成员们要尽量通过声音极其自己的肢体语言，将崇高和谐的美体现出来，在这个过程中，人们通常能够直接通过视觉和听觉感受到这个合唱营造的氛围；三是要充分尊重和重视合唱艺术，尤其是已经投身合唱中的人，应该纯粹地忠于合唱本身，而不是功利性地利用它；四是重要的也是最能促进中国合唱艺术发展的因素，即在合唱艺术中加入中国元素，中国有深厚的传统文化，这些文化能够为中国合唱艺术的发展创造坚实的基础。

合唱艺术本身不仅是艺术，也是群体凝聚力的象征，中国的合唱艺术之路还很长，需要更多人的支持和参与，我们期望中国的合唱艺术将来能在世界中占据一席之地。

参考文献：

[1] 田晓宝.西方古典合唱中的“和谐”及其审美本质[J].黄钟（中国・武汉音乐学院学报），2012（2）：394.

[2] 华山.我国合唱艺术的发展现状与问题解析――从合唱比赛的繁荣说起[J].云南艺术学院学报，2010（3）：5860.

[3] 田晓宝.西方古典合唱中“和谐”的审美形态[J].黄钟（中国・武汉音乐学院学报），2008（3）：151154.

[4] 田晓宝.论西方古典合唱艺术的和谐和崇高美学特征[D].华中师范大学，2007.

第7篇：西方古典艺术特点范文

一、在现今艺术形式多种多样的情况下，有没有必要创建中国古典舞体系?

二、中西文化大冲撞、大融合的今天，中国古典舞的历史使命、大中国的地位及其意义是什么?是否需要表现现代人的情感?

(1)古典舞蹈与古典文学、古典音乐等都同属于古典艺术，我们需要古典艺术就如同需要养料一样。它之所以是养料，皆因为它是我们民族的根，是我们民族的力量之源、思想的动力。故此，是否需要创建中国古典舞体系，答案也是不言而喻的。但古典舞蹈有着与其他古典艺术门类所不同的特殊性，由于舞蹈这一艺术形式的随机性、变化性的限制，使得它不可能向其他艺术那样，可以通过文本、古碑、壁画、乐谱等形式将他们所走过的历史，记录并流传下来。因此，面对着这样的特殊性，中国古典舞蹈该怎样去创建，大家争论了很久。种种争论，主要还是基于对“古代”和“古典”这两个概念及两者之间的关系，所持有不同的理解而造成的。我的理解是这样：“古代”有着特指性，“古典”有着典范性。“古代舞蹈”是泛指历史上所经历的每一个朝代及在那一朝代中所形成的舞蹈。“古典舞蹈”是在一定历史时段中形成的，具有代表性、典范性，并且能够概括那一历史时期的审美特点，能够成为典范的舞蹈。古典舞蹈的形成，基于对古代舞蹈的研究。只有了解不同历史时期的各种古代舞蹈样式及审美特点，才能从中概括、辨别出具有典型性、代表性的舞蹈。这是两者之间必然的联系，所以，搞古典舞蹈所要做的第一步是要对古代舞蹈进行考察，先尽可能地复原它，然后再去概括它。只有在此基础之上的概括才是有意义的，有价值的。如若想跳过这一过程，就会使中国古典舞成为“无源之水，无本之本”。由于社会政治、经济、意识形态的不同，舞蹈所表现出的价值取向、风格韵味、审美特征等等都不竞相同。因此，必须对古典舞蹈进行深入的研究，把握各历史时期的审美特点，才能从中概括出真正的中国古典舞。虽然我们的最终目的不只是复原古代舞蹈，而是通过它来做为概括古典舞蹈的基础。

(2)我们研究历史舞蹈，真正的目的不单只为复活古代的舞蹈，而是要通过追溯中国历史舞蹈，来考证中华民族的心理历程，来考证中国舞蹈的美的历程。对中国古典舞的研究，应放在文化的层面上来进行。用现代人的思考和所处历史高度的优势。来认识我们的文化。体味几千年来中华民族的兴衰荣辱，重新建立中华民族的自信。找回我们曾有过的气势和雄伟的精神。宏扬中华民族积极、自尊、自信的精神气质，抚慰曾经的屈辱，唤起辉煌的记忆，重建民族自信，找回精神力量，真正地屹立在世界民族之林。

“越是民族的就越是世界的”，所谓中西文化的文化交流、融合应该建立在双方都已具有本民族自己的文化特色上。在其中“求同存异”，找到共识进行交流，与此同时保持自己的特点。反之则不是“融合”或“交流”，而是一种文化吞并和文化侵略。一个民族之所以能够延续下来，正是靠着种种的因袭关系。这不仅单单指外部的皮肤、骨骼、头发上的因袭，更重要的是依赖在民族心理、文化心理上的这种关系，如若不是这样，也许世界上华人都已经变成“香蕉人”了，中华民族也就不存在了。换一个角度说，“皮肤、骨骼、结构、DNA都有因袭并且没有改变，那么由此使得他们在文化发展的历史中也必然发生种种因袭关系。我们在做的事情的目的，是要让国人通过古典舞的这种艺术形式受到震撼，深深地感动他们。制造一个宏大的、广博的磁场，来引发国人内心深处的民族自豪感。艺术的影响是潜移默化的，相信被唤醒的这种精神会更加鼓舞国人，增强国人的斗志，引发他们建立新的伟大中华民族的信心。这就应该是古典舞在当代存在的价值，也是古典舞存在的历史使命。

在印度，六大派古典舞蹈(婆罗多、卡塔克、卡塔卡利、曼尼普利、奥迪西、库契普通)，有的失传后又被后人挖掘恢复，有的还是在古派别中新生出来的新的古典舞。

在日本，历经一千二百多年的宫廷雅乐(乐舞)，不但未随宫廷生活的衰落而断传，从本世纪初成立“雅乐同志协会”到上世纪六十年代创立“日本雅乐会”，它又开始在平民和青少年中进行普及。

在欧洲，有着四百年历史的古典芭蕾，没有因摩登芭蕾和现代舞的出现而被人们所抛弃，至今它仍与交响乐和歌剧一起被尊为“三大艺术”，而欣赏“三大艺术”仍被看做是高雅的时尚……

中国，这个有着几千年文明史的泱泱大国，她的“古典舞”何存呢?……

中国是世界上的文明古国，舞蹈的传统源远流长，早在远古时代，我们的祖先就用“手之舞之，足之蹈之”来表达他们最激动的思想情感。那时的舞蹈活动几乎渗透到人类社会的一切领域：劳动，狩猎，战争，祭祀，娱乐和。可以说，没有一项重大的活动离得开舞蹈。随着社会的发展，舞蹈的思想内容和形式技巧也有很大的发展，祭祀祖先、歌颂英雄的乐舞，庄严肃穆、气势雄伟；宴乐娱乐的舞蹈抒情优美、技艺绝伦。至于流传在各族人民中间的舞蹈，更是千姿百态、色彩斑谰。这些传统悠久的人体动态文化，以其其他艺术形式所无法替代的特色和艺术感染力，成为我国灿烂的古代文化的重要组成部分。

在现代社会不都去搞现代舞，还要搞古典舞，就因为古典舞是历史，是传统文化，是我们的祖先经过了几千年所创造的艺术，代表我们的民族智慧，是中华民族艺术审美的古代传统。而且，与《史记》、与诱蚀的战国青铜器皿、与曾侯乙墓的地下音乐厅、与长城及莫高窟一样，都储存了我们民族发展的历史记忆。假如我们拆掉故宫、长城，书店一切古书绝迹，关闭历史博物馆，停演古典戏剧(包括外国的)，把莎士比亚、达・芬奇、菲尔丁这些外籍古人也一律赶出中国国境，毁掉、寺、观、宫、苑，禁止仿古工艺，看戏是现代戏，看舞是现代舞，广大农村的节庆活动不准舞龙耍狮子、踩高跷，农民一律改跳迪斯科……，设想一下，中华民族还存在吗?生活将变成一种什么局面?有些青年朋 友把文化艺术的现代化理解为就是向外国，主要是先进的资本主义国家看齐，可否注意到，越是科学技术发达的资本主义国家，越珍视他们的历史、国粹，越热衷于举行古老的传统节庆活动。为什么呢?古典舞之必然存在，是因为任何国家都十分珍爱自己的历史创造和历史成就，也无妨说是民族感情的需要。现代化并不意味着取消民族、种族在文化上必存的区别，我们既需要健康的现代舞蹈，也需要健康的古典舞蹈。要搞成一套“既能表现古代，又能表现出现代的古典舞”的这种提法，值得讨论、商榷。即便是搞训练体系也有一些难以解决的问题和毛病。为什么偌大的一个中国就不可以存在纯正的古典舞，而必须一窝蜂地都奔现代，就连艺术的性能也不加考虑呢?党明确地提出“双百”方针，目的是促进文学艺术的多样化发展，造成繁花似锦的局面。而一到实际，何苦非得一刀切，是否只有全变现代舞才算是舞蹈艺术更新革命?现代舞在现代中国一定崛起是无须担心的，古典舞生存于现代社会，也不可避免的会吸收现代综合艺术的表现手段，而且我们是用唯物史观察看待历史，取、舍、扬、弃，也必然反映现代人的思想观念和感情，然而不是艺术原则、艺术风格、审美特征的现代化。如果是现代舞蹈的发展原则是“破格”，不拘泥于任何传统规范，也不存在中外的畛域，为我所用重点表现现代社会；那么古典舞的发展原则是“守成”，不能抛弃古代形成艺术规范和美学传统，必然在一定的条件下发展，重点也是表现历史生活而无须强求它表现现代社会。两种舞蹈性质不同，功能不同，各有各的范畴。古典就是古典，现代就是现代。古典艺术和现代艺术为什么就不可以分工共存呢。几十年来艺术形式、体裁、内格以及表现题材的一窝蜂现象，是违反艺术发展规律的，也不符合“双百“精神。口头上总是提多样化，而行动上总扎堆，这种实质上“左”的现代。一直阻碍着我们事业的发展，应该结束了。

第8篇：西方古典艺术特点范文

关键词：神话；建筑文化；影响

中图分类号：J59 文献标识码：A

文章编号：1005-5312（2012）18-0206-01

一、西方建筑自我否定式的发展

西方神话以希腊神话最富盛名，在希腊神话中，希腊神族的王权更迭是通过一种自我否定的暴力方式实现的，希腊神话中的诸神虽然都是不死的，但老一辈的神的影响力会随着新一辈神的产生而逐渐消失。希腊神话中这种自我否定的精神贯穿整个西方文化发展史中。西方建筑，由典雅的古希腊开始，进入古罗马的端庄，再到哥特式的奇骏，然后是理性的文艺复兴建筑，雍容华贵的巴洛克，严谨的古典主义……我们可以看出，西方建筑就处在这种自我否定的变化过程中。

二、神学对西方各时期建筑文化的影响历程

古埃及时期，神话和对古埃及人的生活具有举足轻重的影响，其中最重要一条是埃及人相信“死后重生”的说法。因此，埃及人非常重视陵墓的制造，金字塔就是在这样的背景下诞生的。金字塔的形态有着宗教和象征的意义，它是帮助法老到达天堂的阶梯。

希腊神话对古希腊建筑的影响非常大，在古希腊人眼中，神是美的化身，是美的理想化的体现。希腊神话中的神是一些富有感性魅力的艺术形象，希腊人把神话中的感性体现在了对希腊建筑的形式美及造型艺术的追求上，把人的形体美赋予了建筑，仿男体的多立克柱式和仿女体的爱奥尼柱式就体现了希腊人对健康优美的人体外形的崇拜。古希腊建筑在美学上达到至高的境界，也使它成为了以后世界各地兴起的多种建筑风格的基础。

古罗马时期的建筑以圆顶、拱门、厚墙为特色，造型宏伟壮观，装饰华丽多彩，显示出古罗马帝国时期的繁荣。古罗马人对神的虔诚虽然不如古希腊人，但他们建造的神庙也能成为杰作。罗马帝国早期出于对希腊神话的崇拜，尽可能的让自己的庙宇看起来同希腊神庙相同，万神庙就是古罗马庙宇建筑的经典。

中世纪时，基督教教会的实力蒸蒸日上，对神的崇拜主宰了人们生活的方方面面，建筑艺术上无一例外也要服务于宗教的需要，人们开始倾向于建立一种外表非常光荣耀的建筑艺术模式，这种精神走向最终促成了中世纪建筑艺术经典——哥特式风格。哥特式建筑中最有名的就是巴黎圣母院和米兰大教堂、科隆大教堂。

文艺复兴建筑是欧洲建筑史上继哥特式建筑之后出现的一种建筑风格。文艺复兴建筑最明显的特征是扬弃了中世纪时期的哥特式建筑风格，在宗教和世俗建筑上重新采用古希腊罗马时期的柱式构图要素。文艺复兴史上最具纪念性的建筑是圣彼得大教堂。

16世纪，罗马的巴洛克风格将建筑外表的华丽风格发挥到极致。这一时期罗马教会的建设非常繁荣，原因是欧洲的天主教君主和诸侯都依靠耶稣教团来对抗宗教改革运动，于是建造了许多教堂、教皇府邸、别墅等。巴洛克时期的代表性建筑有圣保罗大教堂、耶稣会教堂等。

17世纪，建筑又回归理性，兴起古典主义。古典主义指的是以古希腊和古罗马艺术为典范的艺术，歌颂理想主义，气势宏大，多以神话、《圣经》故事的历史人物为题材。这一时期的建筑造型严谨、端庄稳重、规模宏大的古希腊古罗马建筑成了皇家建筑的典范。

18世纪下半叶至19世纪下半叶是新古典主义时期，新古典主义对古代希腊、罗马艺术非常热衷和向往，以回归希腊罗马艺术形式为特点，提倡古代艺术的严肃高尚的形象。统治者把希腊神话所寓意的威严和民主带到了这一时期的建筑上，如法国的雄狮凯旋门等。

工业革命从根本上改变了欧洲的社会面貌，更推动了建筑形式的巨大变化。19世纪后半叶到20世纪初，欧美各国积极开展新建筑运动，产生了令人眼花缭乱的建筑艺术流派。科学和生产力的发展带动了人们思想的解放，人们对建筑的看法有了很大的改变，神话和宗教对建筑文化的影响逐渐减弱了。

三、总结

从西方建筑的发展历程可以看出，每个时期的建筑风格虽然迥然不同，但不同时期的代表性建筑大都以教堂、神庙、宫殿为主，而这些建筑往往都是与神学有着密切联系的。从早期的人们对神由衷的崇拜到被各种教会和统治者利用，再到现在宗教自由的时代，神话对建筑的影响是逐渐减弱的趋势，现在的人们采用各种风格的建筑形式，已经不受神话和宗教的影响。在今后的建筑设计中我们应该吸收西方文化的积极因素，塑造属于我们自己的建筑理念，树立有中国特色的新风格。

第9篇：西方古典艺术特点范文

艺术流派的产生是艺术发展到成熟阶段才出现的现象，需要不同特点的艺术品作基础。形成艺术流派的先决条件是必须具有一定数量的艺术家队伍和较为丰富多样的艺术表现手段。事实上，艺术创造作为一种特殊的精神产物，包含着许多复杂的内容，艺术流派侧重从艺术史的角度来区分各种具有不同特点的艺术派别。17世纪以来，在艺术史上出现了产生重大影响的艺术流派，古典主义、浪漫主义、现实主义、自然主义、现代主义等。

1 古典主义学说

古典主义艺术起源于17世纪的法国，随后波及英、德等国家，指的是以古希腊和古罗马艺术为典范的艺术，一般具有明晰、严谨、形象、和谐的特点，歌颂理想主义、气魄宏大，多以神话、圣经和历史故事为题材。古典主义艺术以希腊的雕塑为最高范本。希腊雕塑表现了非常具体的形象，神总是作为人来表现的，在人体的形象中，神性由特殊转为普遍的人性，但是虽然在个别的形体里神还是要保持他们的普遍性，体现了古典艺术的静穆、典雅和理性主义精神。雕塑是最适宜表现这种特征的，因为它只以静态的方式存在。

拉斐尔对古典主义有着重大影响，作为意大利文艺复兴时期最伟大的画家之一，拉斐尔的艺术以优雅、秀逸、和谐、高度的完美为标志，他的作品充分体现了安宁、和谐、协调、对称以及完美和恬静的秩序。如[意]拉斐尔《圣母子》作品，这一点与古典主义主张的典雅、和谐是一致的。18世纪以前的古典主义具有注意细节的真实强调典型化；具有强烈的政治倾向和理想，艺术作品普遍比较理性化；对于形式的要求很严格，艺术语言精练细腻。到了18世纪下半叶，资产阶级与封建贵族之间的矛盾日益尖锐，法国酝酿着一声场巨大的革命风暴。他们厌恶了过分娇柔和胭脂粉的洛可可艺术，期待着更雄壮、更高尚的艺术出现，大批艺术家以对新的现实主义的探索使古典主义传统丰富起来，掀起了学习和研究古代艺术的热潮，出现了一场新的复古运动，这场运动在艺术史上被称为新古典主义。

2 浪漫主义学说

19世纪上半叶，经过大革命的洗礼，法国的资产阶级的地位逐步确立，此时的政治环境比较宽松，追求个人情感的表达、强调自我成为新的社会时尚。精神需要自由，而古典主义所措以表现的英雄与神的形象毕竟是有局限的，它已经与时代精神格格不入，这个矛盾导致了古典主义艺术的解体，接踵而来的是浪漫主义的艺术。

浪漫主义强调主观、个性、感情和非理性，是与学院派古典主义针锋相对的艺术，向往回归自然，表现理想，抛弃了古代希腊罗马的艺术传统，以强烈的激情和想象焕发出艺术的个性。与古典主义艺术相比较，浪漫主义艺术所表现的是人的主观世界，从物质的现实世界中退回到人的心灵世界里，追寻每个人自己内心的理想美，突出自我的主观性，从而激发了艺术家的创作情感。在艺术创作中，浪漫主义不再把自然作为原型，而是以它为假托，以一种诗情画意的想象和热情来通过具体的艺术形象寄予个人的情感。浪漫主义艺术家一般都以一种超越现实的精神表达自己对理想生活的追求，追求那种多姿多彩的境界。浪漫主义的特征是有理想性。对理想的追求使浪漫主义艺术家对艺术创作保持激情；有抒情性。浪漫主义艺术家注重表现心灵的世界，侧重心灵对于生活的感受；有非真实性。在艺术手法上多采用想象夸张，并不追求细节的真实性。神话故事《西游记》，其中孙悟空七十二变，就是运用了丰富的想象与夸张手法；又如英国浪漫主义艺术的先驱者之一布莱克，代表作《上帝创造亚当》，画面上上帝伸着长翅在空中急速向前飞驰，身体下面是被蛇缠绕的亚当，二者的形象都处在十分夸张的色彩和线条的律动中，对上帝的形象做了突破性的处理和想象，在技法和材料上也做了大胆尝试，运用了油画和水彩相结合，这种意想不到的艺术效果把人们带到一种梦幻的、神秘的气氛中。而在法国，浪漫主义运动影响更为深远，以籍里柯、德拉克洛瓦等为代表的浪漫主义绘画艺术代表了一个新的高度。

3 现实主义学说

现实主义是19世纪西欧出现的与浪漫主义相对立的一种艺术思潮，它真实客观地再现社会现实，在艺术形象中能最充分地表现现实生活的典型特征。由于现实主义艺术家的作品大多是对所处的社会的阴暗面进行揭露和批判，所以又被称为批判的现实主义。