抽象艺术的设计精选(九篇)
第1篇：抽象艺术的设计范文
1 抽象艺术概述
通常情况下，抽象是与具体呈现着相对应的关系，这两者在本质上存在一定的却别，但又是相互影响、相互依赖的关系。并且，他们也是将大量事物拥有的共通点进行逐一的分离和阐述，形成了一个完整的心里过程。其次，抽象艺术还能够对一些复杂性的事物进行简化的概括，使其更加简单易懂。然而，在早期的建筑设计工作中，设计人员通常只是一味的注重了对某一方面事物的凸显，往往忽视了其他设计因素的重要性，这就导致了很多建筑设计作品中普遍发生表达方式模糊不清的情况，致使很多人无法了解抽象艺术的真实含义，常常对抽象艺术有着错误的认知和定义。甚至还有部分人们觉得这是从自然中抽离出来的东西，并不能将其称之为艺术。但是，这种想法是错误的， 抽象是艺术作品中一种较为高级的表达形式，是经过长期磨合而累积下的产物，是任何具体东西都无法取代的艺术结构体系。
2 建筑设计和抽象艺术
2.1 建筑特性
从建设设计工作中可以看出，其双重性比较明显，是技术和艺术的统一体。在建筑设计进行的过程中，需要设计师将建筑设计的相关理论和技巧融入到其中，并且还需要将艺术理念也应用到其中。这样可以有效地提升建筑的特性，形成一种相对比较特殊的建筑风格。由于建筑和人们的生活具有较为密切的关系，因此，需要将建筑的美观性放置到首位。另外，建筑物最初的功能是解决人们的居住问题，但是现如今，建筑的功能呈现出多样化的特点。其形象和美观程度作为一种重要的因素，不得不在建筑的特性中加以体现。不仅如此，建筑的艺术性也不容忽视。现代人的审美观念和审美方式都发生了明显的变化，因此，建筑的艺术性逐渐成为建筑特性的一种，丰富着人们的生活。
2.2 抽象艺术
所谓的抽象艺术也是一种比较特殊的艺术类别，很多人对这种抽象艺术具有预定的偏见，对这种艺术和大众之间的连接进行忽视。有些人甚至认为这种轴向艺术脱离的生活的设计。这些观点都不是科学的，主要是由于抽象艺术就是讲人们的注意力从具体的事物中进行图脱离，传达一种比较特别的信息，对于事物的特征和形态等不去描述，但是却能够表达出一种特别的细腻的情感，这就是抽象艺术。但是，在抽象艺术发挥自身作用的过程中，往往需要借助一定的物质，其中包括线条、颜色等等。抽象艺术本身具有较强的间接性和秩序性，风格比较独特，对于建筑设计也产生了较为深刻的影响。
3 建筑设计中抽象艺术的应用
在现代建筑的设计中，抽象艺术的应用一般是以再现性语义抽象、非再现性非传统抽象等手法来表达，可以运用在建筑图纸的设计中，也可以用在建筑室内的设计中，甚至可以应用在整个建筑外观的设计中。可见抽象艺术在建筑设计中是具有多样手法和广阔应用前景的。
3.1 再现性语义抽象
在实际的建筑设计创作中，设计人员大多数会将抽象艺术应用在一些细节中，以将其功能夸大的手法来表现该事物的特征与风格。例如在设计室内家具时，若以抽象艺术理念为依据，将家具中的某个点放大，以此得出家具不但具有简洁美观的效果，而且内容更加丰富，给人以无线遐想。这种风格派的设计手法在实际应用中一般是先提炼出事物的特点，然后就某一特点无线夸张扩大，继而形成具有独特的造型、干净利落的线条以及多样的色彩，并配以多种材质进行混搭，设计出独具特色的现代抽象建筑设计方案。我们把这种抽象艺术成为再现性语义抽象。总的说来，建筑师在设计时运用再现性语义抽象的方法，通过作品一定的语义信息或符号信息来传达建筑的思想。
3.2 非再现性非传统抽象
在建筑历史上，运用非传统抽象设计手法进行建筑创作是近现代的事，并且占了主导地位。西方现代建筑运动应溯源于18世纪欧洲的工业革命，到上世纪20年代走向高潮。现代建筑运动对中国的影响并不那么大，先是经济基础落后，而后是政治观点的制约，严格地说，中国建筑界敞开思想了解西方现代建筑是八十年代才开始的。几乎半个世纪关于现代建筑运动在西方建筑界的争论我们了解甚少，恐怕只有少数研究西方近现代建筑史的同志才关心这些事。构成派运用立体构成、平面构成和色彩构成的知识进行建筑创作，重视几何形体、空间和色彩的构图效果，这种设计手法在现代建筑或后现代建筑创作中常用。
3.3 建筑图中的抽象艺术理论
在建筑工程领域，经过现代主义之后对抽象建筑形式的认识实现了某种程度上的普及，所以在后现代建筑设计中运用较为广泛。而在研究中它对于非习惯.非传统形态的建筑设计要进行合理恩考，避免在设计中出现墨守成规和缺乏活力的设计方式。在建筑图中画配景时，把配景的细节部分舍弃而抽象地画出，最常见的是人和树的程式画法。
3.4 室内设计的应用
室内设计是设计师们运用抽象艺术最多的地方，这是由于现代建筑的室内设计有很多地方都与抽象元素特别搭配协调，通过运用抽象元素，可以使室内设计呈现出一种简约、明亮又具有现代气息的效果。但由于抽象元素在传统的建筑室内设计中不能很好的融合，使得在运用一些抽象元素进行室内设计时很难得到人们的理解与欣赏。为此，设计师们大多沿袭了传统设计中对于点、锯齿状线条以及自然形状等手法，再结合抽象艺术的理念，将两者融会贯通，从而设计出较为明显的艺术表现效果。例如在现代建筑的室内设计中，常常会以黑白二色或三原色进行组合设计，这些色彩的差异对比造就了一种明快的室内设计风格，颇受现代年轻人的喜爱。另外在一些装饰品中，也可以运用抽象艺术的理念，将其融入设计中，形成一种现代风格的室内设计。
第2篇：抽象艺术的设计范文
抽象绘画产生于20世纪初的欧洲，在一幅画中,我们无法识别出存在于现实世界的客观形象,我们就称为抽象画,抽象画鲜明的风格特征是纯粹点线面和色彩构成，在表面上表现出飘渺的、游离的、捉摸不定的神秘特质。正是源于抽象画的这种神秘特质，引发了一代又一代的后人去研究探索。从抽象绘画的起源来看，最初的抽象绘画是从对自然形象进行提炼,找出最基本的形象。就这点来说，后印象派的“现代艺术之父”的塞尚作出很大的成就。他是第一位把视觉艺术从具象带往抽象形式的艺术家。在他的很多画作中，近景和远景的物象，往往在清晰度上都被拉到同一个平面上来。他的创作一改传统的具象描绘，而是对形象进行概括。就像他说的那样，他以圆柱、圆锥、球体进行几何分割画面、归纳自然，呈现出半抽象的形态，他的作品中，人物、景物描绘都很简约，而且富于几何意味。代表作品有《玩纸牌者》。塞尚的艺术风格极大地影响了后来的立体主义，客观上促成绘画艺术向抽象化发展。
立体主义使绘画向抽象艺术又迈近了一步，立体主义大师毕加索于1907年画了著名的《亚威农少女》，在这幅作品里，画家突破传统的透视规律，将透视散点化，用几何图形归纳画面的人和物，具有明显的抽象意味。但这并不是真正意义上的抽象绘画。毕加索的作品还是写照物质生活、反映具体现实。许多形象还是能从生活中找到原形。但是它的巨大影响力，直接导致纯抽象艺术的产生。纯抽象绘画艺术是完全舍弃自然对象，以完全的形式构成出现。其中又分为热抽象和冷抽象。热抽象也称为抒情抽象，主要图式特征是具有山水、风云、雾霭的形态。以康定斯基为代表。冷抽象的主要代表人物有蒙德里安、马列维奇，主要图式特征是符号重复或规则构图，有规律的点、线、面肌理交错。热抽象代表康定斯的作品《即兴》的抽象绘画，一直以来被认为是第一幅抽象绘画。作品构成和色彩比较随意，视觉元素有着一种不确定性、偶然性，带着一种即兴发挥，画面色彩热情、奔放、活力四射，显得自由奔放。在他的其它热抽象的作品中，都有着同样的艺术特质，引导人们在情绪和精神上感觉它，音乐地接近它，去感受那种神秘的活力和无限的遐想。在自己的艺术实践的基础上，康定斯基进行了理论研究。
1912年发表的艺术专著《论艺术的精神》一书是他对于抽象艺术的理论研究专著。在书中十分明确的提出:形式和色彩本身就能构成一种足以表达情绪的语言因素，如同音乐一样直接诉诸心灵!艺术家的工作就是寻找形式和组织色彩，以完成表达艺术家的情绪和沟通审美者的作品。在1921年以后，康定斯基的抽象画朝几何抽象转变。开始以几何体和点、线、面来构成绘画。在这种创作基础上，他还总结出了抽象艺术专著《点、线、面》，进一步肯定了自己抽象画家的地位。他的这种对绘画形式的探究，为后人开辟了广阔的道路。蒙德里安是冷抽象的主要代表。在他的作品中，简洁明快，井然有序的图式，纵横的直线构筑画面，最初画面以红黄蓝的色彩为主这对以后的广告设计起到了极大的作用，后来蒙德里安以纯几何形来抽象创作，直线和竖线形成直角或长方形，再填以红、黄、蓝及无彩色中的灰黑白，单纯地表现宇宙世界。抽象绘画的追随者———马列维奇，他创造了“至上主义”艺术。他的《白色上的白色》、《白底上的黑色》对后来的极简主义，甚至是观念艺术都有不小的启示。画面中既包含任意和随机的特性，同时又具备一种设计的秩序感。对于热抽象和冷抽象，“我们完全可以根据个人的天赋来爱好这一种，或是爱好那一种。对于那些认为天才意味着勤勉地创作的人来说，他们显然倾向于蒙德里安，主张点滴地把事物描绘出来：而另一些人则认为天赋是一种神秘而不可捉摸的东西，它使人具有内在的不可抑制的创作才情，他们认为康定斯基是最伟大的抽象派画家。”①抽象表现主义的艺术家中,著名的是波洛克常用“滴洒法”创作，线条是波洛克作品的灵魂，时而狂躁热烈，时而沉寂宁静。波洛克最为著名的作品《早晨的明星》。作品没有任何具体形象,黑白交织的画布上,呈现的是缤纷的色彩斑点和自由的线条,观看作品，细细品味，我们可以体会到艺术家创作时的热情和畅快淋漓的情绪。
二、抽象绘画的艺术特征
抽象是艺术家为个人内在精神寻找和选择的一种审美表达。它只是一种艺术语言和表现形式。从康定斯基开始，人类有了明确的抽象画和抽象意识，自从我们有了明确的抽象意识，再回过头看以往的世界时，我们发现，在远古时期，人类就有了无师自通的色彩涂鸦和线条排列，那样一种原始的抽象。可以这么说，抽象绘画是一种非具象绘画，它摒弃了任何对自然和现实的叙述性表现。和具象绘画比较而言，抽象绘画是一种“内向性艺术”，它不像具象绘画那样具有故事情节，不是直接的表情达意，而是采取隐晦的方式解释客观世界的本质，去表现一种“有意味的形式”。“从本质上看,西方写实艺术和抽象艺术都是理性主义的产物,两者的区别只是牛顿的古典物理学与爱因斯坦的现代物理学的区别”。②作为“现实主义”艺术的抽象艺术有着不同于其它现实艺术的特征。在抽象绘画中，焦点透视被彻底抛弃，代之以散点透视、多层次透视，或者无透视；在形象上具有不可辨识性，没有具象的东西存在，任何具有具象因素的绘画都不可称为抽象绘画。抽象绘画中只可有抽象的元素和隐藏其后的情感因素。
但是作品的名称是可以具象化的，比如蒙德里安的纯粹抽象绘画作品《纽约》,其单纯的形式和鲜活的色彩给人一种前所未有的明快心情，总体来说，蒙德里安的作品，在透视、构图、造型、用色等方面与西方传统绘画相比可说是面目全非，但画面气氛却保持了古典的从容和安详，特别是蒙式的集合色块构成，冷漠中墨守成规，面对时代的混乱，仿佛怀着无线的耐心和等待，似儒家从心所欲不逾矩，表现了反叛后对理性的维护，对整体存在的同情，悄然超然中捍卫者人作为个体要求自由的精神，庄重含蓄，理智而优雅③。抽象绘画的形色是自由和谐的，康定斯基的《浪漫的风景》中点、面的结合，平涂以艳丽的色彩，弥漫着轻松的浪漫气息；内容的视觉隐喻是抽象绘画的另一个艺术特征。在抽象绘画里，没有直接的对于内容说教，更多的是体现象征性的、暗示性的意义。艺术家们自己内心深处对话，将最深刻的体会展现在画布上。《至上主义的构图》就是一个鲜明的例子；最后我们说抽象绘画是精神的形上的表现。认读抽象绘画就好似命题创作，仁者见仁，智者见智，于是由视觉感受和主观思考比审美要显得重要的多了。这正如康定斯基的见解，抽象绘画重在诗意。懂与不懂,真懂假懂,也许并不重要,重要的是在欣赏抽象绘画的过程中,得到些许审美享受。
三、抽象绘画艺术在艺术设计中的体现
抽象艺术自诞生之日起，一直对产品设计、现代平面、建筑设计、室内设计产生着重大影响。早在原始时期，抽象艺术就有了萌芽，原始人类在表达情绪时，不自觉的就形成了抽象艺术，带着一种装饰性。这些抽象图形中，存在着几何图形和具象图像的“简化”图形。这些抽象图形都很难一眼看出具象因素。如岩画中的动物、人物“简化”图像，彩陶中高度抽象了的鱼纹、蛙纹和鸟纹。考古发现，在仰韶、马家窑就存在较为清晰的几何纹样的陶器。上面描绘的动物形象已经由写实向抽象画、符号化转变。这点在很大程度上也影响到后来的抽象绘画。在现代平面方面，抽象绘画对视觉风格产生了极大的影响。极大地丰富了形式美。在颜色的形式美方面，我们说，色彩的对比和张力在平面设计中运用是十分有效的。例如，两种颜色的简单对比，一种暗颜色和一种亮颜色的对比，一种暖颜色和一种冷颜色的对比，互补色之间的对比，还有数量和质量上的对比，这些对比都可以成为反映最快的强烈的视觉信息。
在抽象画家中，克利的作品尤其注重色彩的对比和张力。他的这种色彩的对比和张力的运用与画家伊顿是不谋而合的。④克利的绘画语言有符号、箭头、圆圈、十字架等形状，在招贴设计中极其具有视觉表现力，具有了图形化的视觉张力。在视觉传达中，图形的作用是第一位的，蒙德里安的平面设计海报《贝多芬》中，画家设计几何形状的同心圆弧，极具抽象的画面感，体现出音乐的节奏感。圆弧的比例的变化与贝多芬的音乐效果产生了共鸣。不但在视觉传达领域，蒙德里安的抽象艺术思想被广泛的应用到了室内装饰、现代建筑、广告乃至时装设计等领域,艺术家们对空间的不同理解对艺术风格的形成有着重要的作用，抽象绘画的画家们所创作的空间表现方法，拓宽了空间的设计，艺术表现力和审美价值得到了极大地提高。抽象画中，空间的组织形式很丰富，有效的利用形态的立体、扭曲、变形、重叠、组合等产生空间。形成同构、共生、正负形等构成的空间。世界上很多国家的建筑师把对抽象画空间的理解都有效的运用到建筑上去。伊拉克女建筑师扎哈·哈迪德（ZahaHa-did），2004年获得普利兹克建筑奖。是该奖项历届得主中年纪最轻，而且是唯一的女性。从小就非常着迷于抽象画，以后的很多年都执着地研究抽象画。
第3篇：抽象艺术的设计范文
关键词：抽象绘画艺术；景观设计；创意启发
中图分类号：J206 文献标志码：A 文章编号：1673-291X（2012）35-0292-02
一、关于抽象绘画艺术
1910年，俄国画家康定斯基创作了《最初的抽象水彩画》，这标志着抽象艺术开始正式登上历史舞台。
正如马列维奇所说：“谁能理解绘画，他就很少看到对象；谁看见对象，谁就不理解绘画。”对于抽象绘画艺术来说，其本质即是重精神不重形体，将表现对象从禁锢的外表中解放出来，以色、形和构图来表现其精神与实质。
二、抽象绘画艺术语言对景观设计的创意启发
抽象绘画艺术从产生至今已有一个世纪之久，但它丰富的表象形式和深刻的精神内涵对设计领域产生的影响是巨大而持续的。
（一）表象形式
1.平面构图的抽象语言
抽象绘画艺术的形成代表着艺术家们找到了用抽象的语言去表达“纯精神”世界的途径，绘画的构成模式以及造型元素得到了突破性的发展。追求创新的景观设计师从抽象主义艺术家的架上绘画作品之中获得灵感，景观设计开始由古典的讲究轴线、对称、装饰等构图特征向非对称式均衡而又灵活的平面布置转变，抽象绘画艺术简洁明快的构图、强烈肯定的几何线条成为受此影响形成的景观设计的基本特征。
最早尝试将抽象绘画艺术语言应用于景观设计的作品可追溯至1927年，古埃瑞克安设计的位于法国南部Hyeres的别墅庭院。其后，美国景观设计师丹·克雷在1955年设计的米勒花园，可以说是抽象绘画艺术影响下形成的景观设计的里程碑式作品。该设计将建筑空间合理的扩展并融入到周围的景观之中，其中，设计师以树干为结构组织，绿篱为围合空间，以此形成对比，塑造了一系列室外的功能空间。
从格罗皮乌斯设计的花园平面图纸里可以看出蒙德里安抽象绘画艺术语言在现代花园设计中的运用。花园平面图设计得朴实无华，没有轴线，不对称，但却与建筑浑然一体，鲜明的几何特征更是蒙德里安抽象绘画艺术语言的直接反映。
当代前卫建筑师扎哈·哈迪德的设计狂放夸张，从他的一幅设计草图即可看出其思想受到马列维奇的至上主义和康定斯基的抽象艺术的影响。康定斯基在他的抽象绘画作品中引入了一个双重造型元素体系，即黑色线条与彩色的形状。在位置分布上，两者相互岔开，相互独立，改变了几个世纪以来建立的线性透视，以及色彩对线条的服从关系。扎哈·哈迪德的设计草图同样使用了双重造型元素体系，无形的线框以及彩色的形状，位置分布与康定斯基的抽象绘画作品相似，同样互相独立。在构图上，二者同样都强调不对称，明快简洁。在色彩的使用上，两者都追其多色彩中的视觉和谐，但抽象作品使用各种鲜艳的颜色来表达一定的精神内涵，而扎哈的不同色彩的使用则体现一定的功能意味。
德国慕尼黑Riem景观公园在平坦的基地上种植了大面积的树丛和灌木，由此构成了平面图上大面积的几何形体，通透笔直的道路以斜线形式穿插其中，如同一幅极具表现力的平面构成作品。设计中有明显的抽象艺术流派“至上主义”绘画的特征：公园的平面图与至上主义大师——马列维奇的绘画作品形式如出一辙，都采用点、线、面的构图方式。抽象绘画艺术简洁的语言合理的转化为景观设计的语言：几何形的树丛及湖泊、直线的道路、点状的孤植树和灌木丛，在景观设计师的精心组织下形成了如图抽象绘画艺术一般极富感染力的空间。
2.贯穿渗透的空间构成
正如哈普林所说，“空间互相流动没有边界”，受抽象绘画艺术影响的景观设计尤其注重空间的互相贯穿和渗透。以彼得沃克的慕尼黑凯宾斯基酒店景观设计为例，其平面运用了多个正方形的叠加与穿插，并将部分方格网进行扭转，使之看起来更像一件平面构成作品。其中也蕴涵着抽象绘画艺术的诸多特征：每个空间相对独立，但又融合成为一个整体；地面简单的几何图案得到强调；通过地面高差的变化成功地达到了减小透视变形的目的；在线形方面，直线、垂直线、几何形仍被沿用，同时，加入了大量有角度的折线，线型组合更加自由；采用不对称式构图，轴线的运用不是为强调，而是以不完全对称布置的景物，或折线的边缘打破完全的对称，以此达到追求不对称均衡的目的。
（二）精神内涵
1.否定装饰
抽象绘画艺术的画面有一个共同特点，即运用强烈色彩或单色，重视构图与色彩均衡，以求达到视觉和谐。在这种和谐之中，每一处点、线或是色块的存在都有其特定的必要的意义，而不会单纯为装饰效果而出现。如蒙德里安为代表的几何抽象画面明快简练，把对比很强的单色或纯色并置，轮廓切割分明，无任何过渡，通过对色彩的良好感觉或数学般精确的色彩对位和配置，对整体构图进行安排，使得各个色彩单元能和谐地存在于画面。
抽象绘画艺术这种否定装饰的精神也对景观设计产生了一定的影响。美国景观建筑师协会的一位资深者约翰逊回忆道：“我们从来不给长椅装靠背，因为他们与整体不协调，我们都试图达到‘纯粹’。”简单、纯粹，正是现代社会快节奏特点的反映，直截了当的表现出事物的本质，没有任何附加的东西，恰好符合了现代人的审美取向。
2.隐喻和象征
抽象绘画艺术的画面意义可以分为两种，一种是画面本身的构图、几何形式以及单色配置带来的美感，简言之，这类作品其主旨和内容即探索画面和谐的形式；另一种则注重表达画面背后的精神世界，即图像代表着一定的隐喻和象征意义。
如康定斯基所说：“观众必须把图画看作是一种精神图像的再现，而不是对象的翻版。”这类抽象画作也可称为抒情抽象主义绘画，这一派把绘画的创作看成是一种体验，把内心的幻想和对外部世界的体验结合起来以表现一种本质的真实。他们的画面所创造的物象不具有写实性，而是根据内心的感觉、幻象描绘出来，或者说凭空创造出来，因此，画面中的形象只不过是依稀可辨的创造物，如康定斯基的遗作《稳妥的飞跃》，表现了作者即将终止激动生活，预感自己快要升入天堂的宁静心态。
抽象绘画艺术中物象的象征含义是由作者自己赋予的。在现代景观设计中，很多设计师为了体现自然理想或基地场所的历史与环境，在设计中通过文化、形态或空间的隐喻创造有意义的内容和形式，赋予景观设计以意义使之便于理解。
舒瓦茨设计的明尼阿波利斯市法院前广场以大大小小水滴形状的土丘象征当地的一种特殊地形“drumlin”——万年冰川消退后的产物。这些土丘可以单纯的理解为一片小土堆也可以把他们想象成巨大的山脉。与这些土丘平行摆放的还有一些充当坐凳的原木段，暗示明尼苏达州吸引移民的森林资源，林业同时也是当地的一项基础经济。这些有关木材与明尼苏达州的暗示唤起了当地人内心的记忆，而且成果的塑造了广场在城市景观中鲜明的个性。
三、总结
第4篇：抽象艺术的设计范文
【关键词】设计语言；创新
中图分类号：J506 文献标志码：A 文章编号：1007-0125（2016）12-0180-01
纤维艺术的设计语言主要包括对以纤维为艺术载体的材料、技术、纹理、图案和其他因素的视觉表达，以便实现对纤维的使用和再创造。随着当代科学技术的不断演进和人们对艺术审美水平的提高，纤维艺术设计语言的表达形式也在发生着与时俱进的变化。
一、形式语言的创新
（一）结构表现形式的多样化。表现形式在纤维艺术中具有独立的审美价值，是纤维艺术主要的表现手段，“有意味的形式”就是一切视觉艺术的共同性质。结构方式的自由组织结构化，工艺的束缚被解开，表现的形式更加多样。艺术家们尝试各种不同材料与表面能产生特殊纹理的织造技术相结合，对传统工艺进行大胆革新，运用各种不同品种的纤维，通过各种工艺手段创造特殊的织物结构。
（二）图形抽象与意象的互补表现。现代纤维艺术发端于古老而传统的壁挂，由于受到传统绘画风格的影响，在纤维艺术创作的过程中对具象图形的表现一直是主流形式。“直到20世纪20年代，包豪斯艺术学院的艺术家们才为纤维艺术注入了新的现代的设计理念，抽象主义设计风格堂而皇之地步入纤维设计的殿堂。”[1]抽象设计的创造力在于不断地发现，通过多渠道获得抽象意念的方式，其中一个重要的方法就是有意识地打破具象的思维框架，从客观的偶然性中找到抽象的规律，以主观的抽象性意念，改变自然表面的具象结构，使纤维艺术设计更具有视觉感染力。
从现代设计的发展状况看，抽象的形式和意象的感悟相互结合，是现代主义设计走出困惑境地的必由之路。现代主义设计的图形基本模式是抽象化的，而且对抽象形式的挖掘大多基于点、线、面、体的抽象性表现。然而，到了后现代主义，设计家们开始研究抽象与意象两种思维模式的融合，强调抽象设计中的意象表现，满足了人们精神上的需求。
（三）情感的理性与感性的交融。纤维艺术家能从设计形态本身具有的理性特征中发现创意表现方式，就形态而言，具象形态是感性的，抽象形态是理性的，而理性形态往往会给人更多思维上的启迪。在纤维艺术创作中，以最完美的创意表达是理性与感性的交融，使二者最充分地发挥出各自的优势来。“没有感性的创意缺乏激情，没有理性的创意没有智慧，而理性与感融则使纤维艺术创意形神兼备。”[2]
二、技术语言的创新
（一）材料语言的创新。当代以人为本的设计思潮中，“人性化设计”和“绿色生态设计”等开始引领时代创新潮流，高新技术领域的创新材料不断涌现，成为纤维艺术创作前进的突破口。
20世纪末，出现了光感材料、金属材料、透明玻璃纤维材料、真空处理材料等现代高科技材质。虽然这些新材料本身没有特别的纹理效果，但是反射性很强，具有特殊的视觉效果。当代纤维艺术创作中对新材料的使用，尤其是对光影效果的合理利用，得到了人们的一致认可和好评。
现代面料的设计，不仅要求在视觉和触觉上全面创新，更要求纤维面料的性能和组织结构有进一步的提高。这种面料无论是外观还是使用性能都在很大程度上实现了审美与新科学技术的完美结合，同时作为纤维艺术创作的基础材料，其个性化的表现形式更加具有创新价值。
（二）工艺技术语言的创新。随着防腐蚀技术、金属粒子沉积技术、纳米技术等先进技术的植入，使织物和纤维材料在不断改革中被创新和改造。多元化的工艺技术，结合不同的使用方式，为纤维艺术的发展提供了创新机会。传统纤维艺术制作工艺虽具有自身的优点和艺术价值，但需要不断进行革新，以顺应现代纺织技术的发展趋势，将当代纤维艺术丰富的表现形式以及新产品、新技能与传统工艺相结合。
纤维艺术的技术创新还体现在隐喻和视觉表现的超现实的实体材料技术。近几年互联网技术、图像媒体技术、虚拟现实技术、光电技术的快速发展，视觉上的盛宴满足了人们追求艺术的生理和心理需求，纤维艺术家们利用现代科技成果，对织物中纹理创新技术进行不断的追求，已经成为现代纤维艺术创新表现的新趋势。
总之，随着科技的不断进步，社会思想观念的转变以及艺术创作中不同组织形式的表现和新材料与新技术的创新，对推进纤维艺术的快速发展起到了举足轻重的作用。因此，纤维艺术家们应该发挥自己的才华，紧跟时代的特征，采用开放的创作理念，不断推进纤维艺术的发展创新。
参考文献：
[1]高爱香.纤维艺术中的抽象图形解析[J].美术大观，2008，（7）：0.
[2]蔡从烈，秦栗，薛建新.纤维艺术设计[M].武汉：湖北美术出版社，2006，（5）：63.
[3]张怡庄，蓝素明.纤维艺术史[M].北京：清华大学出版社，2006，（8）：.
第5篇：抽象艺术的设计范文
关键词：康定斯基；构成；设计
现代艺术缘起于法国印象派，经历了后印象主义、立体主义、意大利的未来主义、法国的新印象主义、野兽派。20世纪30年代苏联的构成主义、荷兰的风格派、德国包豪斯设计学院的艺术家们，倡导创造与开拓的精神，彻底扬弃从具象形态中提取造形主题，发现非再现自然形象的几何抽象造型的表现力；从造型的关系出发，探索纯粹几何形态的构成性；以感觉性、自由性、均衡性的方法创作作品，他们的成就直接影响了20世纪的建筑、家具、产品、平面设计等领域。由于康定斯基在抽象艺术中的地位甚为特殊，被称为抽象艺术之父，所以本文就从康定斯基开始论述。
一、康定斯基的“点、线、面”理论的形成与发展
康定斯基是20世纪最重要的艺术家之一，对抽象绘画的创立和发展起了极大的作用，他的著作《论艺术中的精神》影响了整整一代的艺术家。在这本书中，他采用二元论的态度，沿用通神学者的说法，认为精神是世界的本原，物质只是蒙在真实世界上的一层面纱，人们只有透过面纱才能看到闪光的精神。在康定斯基勾画的精神三角形中，音乐在精神三角形上的位置，他认为：“音乐在数个世纪里，都是一门以音响的方式表现艺术家的心灵，而不是复制自然现象的艺术……一个画家如果不满意于再现，而渴望表达内心生活的话，也不会不羡慕在今天的艺术里最无物质性的音乐……他自然要将音乐的方法用于自己的艺术。结果便产生了绘画的旋律、数学的抽象结构、色彩的复调……的现代愿望。
在这样一个精神领域中，康定斯基将抽象绘画中的色彩运用类比音乐中的音符，在他看来，色彩同样具有音响和旋律效果，甚至具有交响乐般的震撼力量。用色彩来展现音乐中的心灵震荡的效果，并直接达到精神深处，是那些只将眼光盯着客观世界的艺术家们所不具备的能力。这是一种直接倾听和再现“内在声音”的能力。抽象绘画是超越于古典艺术之上的只表现“内在声音”的艺术新形式。
坦率而言，康定斯基的抽象绘画理论的建立离不开实验心理学。在哲学上，似乎更是靠向贝克莱的“知觉意识”和休谟的“感知印象与联想”。他使绘画更具有符号性质和表意功能，同时，也更注重画面的“隐性形象”和观赏者的心理互动作用。从某种意义上说，他开拓了绘画表现新领域，推动了绘画艺术的形式革命向前发展。无疑，这具有深远的意义。
康定斯基是包豪斯学院最有影响的成员，这不仅因为他是一位伟大的艺术家、现代抽象的先驱、带来俄国抽象艺术革命第一手知识的有才能的教师，还因为他能够有系统、清楚而准确地表达他的视觉和理论上的概念。1926年，他把他的构图课程《点、线到面》一书出版。康定斯基的这本书，想给艺术作品的要素和他们之间的关系，下一个比较绝对的定义。这种关系，是指一个要素对另一个要素，以及对整体的关系。他那脱俗、浪漫的艺术基础，在这里表现得十分明显。
二、现代构成学科的建立
艺术家和设计师是促使艺术与设计相结合的重要因素。西方现代艺术设计史上，艺术家参与，或艺术家同时又是设计师，或艺术家设计师联合进行设计是不争的事实，现代主义艺术设计运动的兴起与发展，正是一大批艺术家、设计师共同努力的下开始的。如19世纪下半叶起源于英国的“工艺美术运动”的领袖莫里斯既是一位画家，又是一位伟大的设计师；荷兰“风格派”代表人物杜斯伯格、蒙德里安，既是绘画大师又是设计大师；抽象太师康定斯基不仅参与了俄国的“构成主义”运动，而且在包豪斯任教，并把他的艺术观念和理论运用到设计教学中去，对现代主义设计乃至当代设计的发展，都起到了积极的影响。
康定斯基――世界上第一个真正意义上完全抽象的画家。1921年受聘于包豪斯学院，在包豪斯教员当中，他是对学院的宗旨和目的了解最为透彻的一个。他的加入对学院的形象有着非常积极的促进作用。教学期间他设立了自己独特的基础课程，并与另一位大师――克利呼应，严格地把基础课程建立在科学、理性化的基础之上，从而建立了包豪斯学院最具有系统性的基础课程
他对于包豪斯基础课程的贡献主要在两个方面：(1)分析绘画；(2)对色彩与形体的理论研究。他的教学是从完全抽象的色彩与形体理论开始的，然后逐步把这些抽象的内容与具体的设计联系起来，比如研究色彩的“温度”与形式的变化关系，对于色彩的纯度、明度，色彩的调和关系，色彩对于人的心理影响，他都通过严格的教学方式进行逐步引导，最后使学生完全掌握色彩与形体的理论，并且能得心应手地运用在设计之上。
三、现代构成艺术的发展
60至70年代，是几何抽象艺术的成熟期。艺术家们在欧普艺术和活动中发现了一种更为精确严谨的几何抽象主义形式，他们立足于纯粹视觉形式的创造，寻求视觉艺术表现的刺激性、新奇性、运动性。现代科技的导入，使几何抽象艺术的发展具备了新的语言。他们以新的理念、超越自然，超越时空。开拓新的视觉艺术领域，开创新的造型和形式，给世人带来全新的艺术体验。
欧普艺术可以称得上是一种挑战人类视觉的智力游戏，从而带领观众进入了一个变幻莫测的幻觉世界。艺术评论家弗波帕曾给欧普艺术作了一个较为科学化的解释：用各种不同的几何体的周期性结构，纬线叠积或色彩排列，同时运用各种不同的艺术手段和使其产生光焦度现象的科学方法一放射光的波纹形效果和色彩的扩散，它的强度分离又并行对比、连续或交叉，色彩和色调的增大或减少，色彩的互相干扰等等，所有这些现象都会对视网膜引起刺激、冲动、振动和其他对视觉的混合、重叠等强烈反应(如图像和背景的颠倒、前部暖色与后部冷色之间的相互渗透关系)，造成一种含义不明的圆体和一种持久的不稳定的造型。欧普艺术家一方面认为抽象表现主义太随意和偶然，另一方面又认为波普艺术太鄙俗。他们主张要吸引观众，但却不能让观众卷入艺术之中；既不联系具体，也不表达感情和体验，而基本上利用视觉变化来造成一种幻景。这种视觉变化主要由两方面来完成――色彩的变化和形态的组织，欧普艺术家们在创造自己作品的同时也在不断地观察着这两方面在视觉中产生的各种幻觉，试图挖掘潜藏在这种幻觉表象后面的基本规律。在这种风格的形成过程中，欧普艺术家们可谓是博众家之长，如在空间透视方面，可以看到印象派美学的影子；在抽象形态的组织上，可以追溯到立体主义、未来主义、螺旋主义及康定斯基和克利等画家；而在色彩的相互关系方面，又受到新造型主义、构成主义的影响；此外，德国的包豪斯和鲁道夫，阿恩海姆的著作《艺术与视知觉》也给了欧普艺术家们很大的启发。
1.对几何式样的应用
瓦萨雷里的作品所采用的几何式样并不复杂，在他的后期作品中几乎找不到什么自由曲线，他所用的都是我们很常见的如圆、椭圆、正方形和平行四边形等简单的几何图形，他的抽象不是随心所欲的，是一种规则化了的抽象。现以“织女星”为例，不看这个名称时，我们只看到它是一幅用平面表现空间感的作品，但和“织女星”这个名称联系到一起的时候，就会与星座的流动和茫茫的夜空联系起来。实际上，他的作品是没有采取再现的方式，将自然界呈现于观者的眼前，而是用联想的思维和科学的方式表现主题。因此，他和其他欧普艺术家一样，采取了与众不同的绘画方式，即使用尺子、圆规等数学工具来代替画笔。当然，也许有人会认为瓦萨雷里等欧普艺术家的作品纯粹是一种“形式主义”，然而，“一种艺术风格，如果仅仅因为它缺乏再现性或运用了抽象的几何形式，是不能把它斥为‘形式主义’的。”“真正的形式主义，是使媒介与媒介服务的内容完完全全脱离开来，进而运用一些美的形式去代替作品中包含的一些戏剧性场面。”而欧普艺术家们则是从对象中直接获取主题，然后用他们的绘画风格把这个主题表现出来，在表现的过程中将其完善和深化，但并没有完全背离主题。我们所看到的，其实就是画家们在表现主题的过程中尝试采用了一种新的绘画风格，即科学的方式，因此，可以说，欧普艺术拉近了科学与艺术的关系，给了它们一次合作的机会，从瓦萨雷里的作品中我们可以感受到这种合作是成功的。
2.凭借色彩表现视错觉
瓦萨雷里的作品最初只用黑色和白色相间产生视错觉效果，到六十年代后期，他使用的色彩才开始丰富起来，尝试运用小块的标准色形，有时呈正面，有时呈侧面，用平涂手法，使绚烂多姿的色彩与底色形成鲜明的对比，在对比中体现出色彩的辉煌。瓦萨雷里很熟悉色彩的特性并能抓住这些特性把它们运用的恰如其分。色彩不仅可以用冷和暖来形容，而且还有进退感，如红色通常被认为是暖色，而蓝色相对就是冷色，橘红色看上去就显得不“冷”也不“暖”，但是，它们之间的冷和暖并不是孤立的，当红和蓝放在一起时，它们的这种特性就会相互影响，从而使整个画面看起来很舒服。同时，暖色和纯度高的色有前进感，而冷色和相对纯度低的色有后退感，瓦萨雷里巧妙地运用色彩的这种特性，用色彩纯度的变化表现空间感，将人的视线引入了画面深处。除此之外，在他的许多作品中，都能看到他用色彩纯度的渐变作为底色，配合形的变化，以达到立体的效果。对色彩能产生视错觉，主要还是源于色彩对心理的影响，“色彩的表现作用太直接、自发性太强，以致于不可能把它归结为认识的产物。”人们对色彩的感觉很大一部分产生于心灵，因此，瓦萨雷里的作品还体现出了平面设计中的心理学要素。
四、现代几何抽象艺术的综合表现
80-90年代的艺术表现形式更呈现多样化、综合化、而现代科学技术的导入，为艺术家们提供了表现几何抽象艺术的另一种新途径，高科技艺术自成体系，以现代科技与艺术理念相结合为综合表现形式，艺术家们智慧的把本是无机的科学技术，赋予生命力，赋予情感，升华为艺术，展现了特殊的艺术面貌。其实，20世纪以来，不少艺术流派的理念都与现代科技有密切关系，从未来主义、构成主义、包豪斯到光艺术、活动艺术等作品中均展示了艺术与科技的关系。当今现代光学、电子技术、电脑技术等迅猛发展，新材料、新媒体的综合应用，为开发新造型的实验提供了许多新资源，高科技技术的创作者们以科技理论与实验中的研究成果，实现于艺术创作中，创造了表达新时代特征的综合造型艺术，发展了造型艺术表现语言，形成了新的艺术观，战时了现代艺术新趋势。
参考文献：
[1]郑立君，郑悠莹：《西方现代艺术设计简史》[M]，上海，上海人民美术出版社2005
[2]约翰.拉塞尔著，常宁生译：《现代艺术的意义》[M]，北京中国人民大学出版社2003
[3]尹定邦：《现代构成艺术100年》[M]，沈阳，辽宁美术出版社2000
[4]康定斯基著，罗世平，魏大海，辛丽译：《康定斯基论点线面》[M]，中国人民大学出版社2003
第6篇：抽象艺术的设计范文
艺术是一种对于社会的真实反映，抽象艺术是从野兽主义和立体主义发展起来的，经过多年的发展，已经具备了自己本身独特的风格和表达方式。当今世界是一个鼓励多样性发展的时代，抽象艺术的发展正印证了这一事实。抽象艺术具有传统艺术没有的视觉冲击力，更加的符合现代人们的审美观念，对于城市中的人们来说，抽象艺术更加容易打开人们的思路，体会到在现今社会，时展的独特魅力，相比于传统艺术的不温不火，抽象艺术更加的容易吸引人们的注意力，增强自身表达的美感，改善城市的居住环境。
一、城市公共艺术与抽象艺术的概念
1、城市公共艺术
公共艺术是在二战后，在美国开始兴起的，艺术雕像从博物馆走到了人们的日常生活中。公共艺术的公共性，不仅包含着空间和场所的共享性，也包括着人们心里行的共同享有与协作，具有多种内涵。在这些理念和当今的环境下，公共艺术天然的具有一些现代化的特征，比如具有多元的表现形式、具有社会化的运营机制、符合城市的审美标准等。而城市的共公艺术作品首先具有开放性，具有普遍的共公精神和性质，面向非特定的人群[1]。城市公共艺术提案、审议、确定都应该尊重大众的愿望。其实施的空间应该包括城市空间、道路、广告路沿、树木等多种广阔的空间。城市雕塑就是人们在公共群体的社会结构中，在城市的公共环境中，以天然或者是人工加工的方式，制作出占有三维空间，并蕴含精神功能的制品。城市公共艺术中的雕塑不是简单的把艺术品放在公共空间之中，而是要与城市文化、环境、人文等向协调，使其具备社会属性与城市特征。
2、抽象艺术
抽象艺术也是在二战后兴起的，主要注重内在的、心理上的表现，以最简单的手法，表现出最深刻的思想。这一艺术理念希望表达一种精神的现实以及更高层次的现实，也就是主观表现上的无象性。与其他艺术形式一样，抽象艺术也包含着点、线、面、色彩、肌理等构成要素，通过对这些要素进行整合与排序，就创造出了独特的艺术感受。
二、抽象雕塑艺术在城市公共艺术中的应用
1、室内公共艺术中抽象雕塑艺术的应用
当代内部空间抽象雕塑艺术主要体现在对公共空间的展示上，通过抽象雕塑对人们活动的空间进行装饰，营造一种舒适的氛围。比如大厅、廊道空间、餐饮空间等多种公共空间的展示。在室内空间抽象雕塑的营造中，主要的目的在于使人们参与到室内空间的结构之中。也就是说，在室内公共空间的抽象艺术设计要与环境完美的结合，突出环境的特色。比如在某一书展中的抽象雕塑设计，无论是展台还是墙壁，都布置了白色的立方体，简单的线条、简单的形体，恰好构建出了纯白简介，安静沉稳的“心理真实”，人们马上就进入了书展的艺术氛围。再比如在thinkinghouse的设计中，作者运用多种的几何造型，独特、简介的抽象雕塑结构，与冷色的灯光和暖色的地板相搭配，创造出了独特活泼的艺术效果，切合主题[2]。
2、室外公共艺术中抽象雕塑艺术的应用
室外公共艺术中的抽象雕塑艺术要反应当代的时代面貌和精神，并与建筑、设施、环境等相融合，但是要突出的表达一种强烈的情绪。这就要求抽象雕塑作品要秉承时间与空间相联系的观念，把点、线、面、色彩、肌理相互联系，组成艺术家的思维和激情，着重展现视觉的流动性。城市公共空间中的抽象雕塑要以基本的构成元素表达事物的内涵。总体来说，城市公共艺术中的首先艺术可以分为两大类，一种是对自然客体的提炼、概括和展现，要抽取最具生命力和精神内涵的自然物象，形成对这一物象更高层此的认识和理解。比如作品永恒；另一种是以简单的结合形状作为纯形式的形体语言，以构建的方式创造空间造型。这一类型展现的是对人们理性的思考，情感方面的表达较弱，具有强大的张力和动感。
3、抽象雕像艺术与城市公共艺术的发展
当前随着人文精神的提高以及科技的发展，两者的结合出现了以下几种特征。首先，体现人性化的特征，注重工具性和实用性，不再只是简单的纯艺术；其次，突出个性化，人们的雕刻师的主观感受和想法得到了极大的体现，不同的理念和想法使公共艺术中的抽象雕塑独具魅力；最后，抽象化程度不断的加深，提倡简约、简化却不平凡的设计理念。
三、结语
第7篇：抽象艺术的设计范文
以陈设装饰为主的陶艺作品主要满足人们的审美需求，其中包括最重要的心理需求，即艺术品打动人们的灵魂，影响人们的情绪。那么，要想很大程度的深入影响观者的情绪，让观者的意识形态跟随陶艺作品而进行思考，就更需要被赋予情节生命里的艺术创作。当然，在创作中不可忽视的创作来源是对于生活的真实感受。作为陶艺创作者要把这些生活元素加以修饰，再进而主观地再创造、再润色、表达出自己的设计理念。在创作过程中，把对生活的浓郁情感，对细节情趣的细致表达，运用到对陶艺创作的独到认识中，才能创作出深入人心的灵魂作品。再众多的表现手法和象征寓意中，现代气息十足并带有趣味性情节的创作风格脱颖而出，自成一派。
趣味性的设计观念无论是存在于转瞬即逝的设计灵感中，还是存在于谨慎的逐步完成的设计方案中，都与时代的审美诉求一致。以鲜明而积极的主题加以表现制作的陶艺作品，表现了具有时代责任的艺术家在丰富自身艺术感知的同时，面对艺术以及面对生活的积极态度。这种创作精神符合时代进步、符合生活前进、符合艺术的探索。同时，这种创作精神作用于艺术品以表现艺术家的生活感知，使得艺术品与时代的发展主流方向互相滋长。它也能激发陶艺创作的热情，通过各种形式使得人民精神风貌更加向上，达到艺术领域与时代文化领域的互相指引。陶艺作品的历史感现实感具有十分重要的魅力。反应积极的奋斗精神和由此带来的进步的人文精神，现代的陶艺作品也应像其他各类艺术作品一样走进现实的生活环境，反应时代进步的主题，把艺术与生活以极好的形式手法结合在一起。积极向上内心体验的自然流露更符合社会的主流精神的需求方向。事实上，这种隐藏在艺术品中的深层精神甚至比艺术品表面想要刻画的情节还重要。
在艺术表现形式上，运用抽象艺术的观念和语言的陶瓷艺术手段很常见，但是用抽象手法表达趣味性题材的陶瓷艺术品则代表了独特的创作要求。抽象的理性的线条结构强调艺术品的得节奏感和体量关系。简洁抽象的集合体人类最早出现的艺术形式，通过这种艺术形式可以帮我们认识一个时代的文化背景。艺术本身无疆界，一种风格或主义的确立，必将影响当时一切与艺术相关的领域。正如抽象表现主义对建筑、服装、平面设计等的冲击。艺术是相互融会贯通的，现代几何抽象艺术在世界美术史中虽然只居于一种艺术类型的位置，但在现代设计史中却有举足轻重的地位。正因为有了印象派到抽象主义等各种艺术发展的脉络，才有了现代陶艺由具象到抽象、由实用到纯粹艺术的转变。这类抽象形式陶艺作品中强化用理性的线条表现生动的情节，放弃了复杂的结构关系和表面肌理表现形式，创造易于接受的认同平台。现代陶艺以抽象语言的形式美感来承载当代文化精神，是现代人远离城市的喧嚣和冷漠、回归自然的一种最好方式。抽象手法集中在空间关系的转折线和艺术品外轮廓的整体效果，淡化用雕塑语言进行细节的描绘。抽象形式造成用简洁化线条的穿插关系讲述丰富的情节，给观众丰富的想象空间，增加陶艺作品中角色的生命力。陶艺创作中的这种继承和创新的统一是在艺术创作的实践中实现的，这既有思想内容的创作思路问题，又有表现形式的技法问题。可以说艺术形式和主题内容相辅相成同等重要。我们探寻现代陶艺的变化，可以通过现代陶艺家的作品体味几何抽象艺术渗透其间的魅力。可以说现代陶艺用其独特的创作方法于传统到现代的过渡中接纳和吸收了构成艺术，构成艺术的概念和语言同时也逐渐渗透到陶艺的每一块领域，不断影响现代陶艺的精神灵魂。总之，现代抽象形式的概念和语言，随着年代的变迁、社会的进步、科技的发展，逐渐渗透到陶艺的每一块领域。
丰富的釉色效果是陶艺语言中的重要因素，它有着非同凡响的魅力，不仅依附于形体，更带给整个作品更加深刻的表现力和生命力。就现代陶艺的观点来看，陶瓷都只是媒材，现代陶艺并不泛指所有的陶和瓷的艺术。现代陶艺是艺术家借助陶瓷材料，或是以陶瓷材料为主要创作媒介表现现代人的思想个性、情感、心理意识和审美价值的作品形式。在种种材料媒介里，釉色占有非常重要的地位，它的表现手法技巧不拘一格，造成极丰富而随机的视觉效果，并可以不断超越传统的技术标准，拓展全新的表现领域。釉色这种因素具备独立的审美价值，形态审美的追求角度需要和极具表现力的釉色效果相契合，以给观者带来不一样的审美情趣。（本文作者：姚曼单位：大连医科大学中山学院艺术系）
第8篇：抽象艺术的设计范文
[关键词］立体主义；低多边形；冷抽象主义
波普艺术室内设计在传统意义上包含三个层次：第一层次是空间的规划；第二层次是对空间各界面的装修；第三层次即室内陈设设计，其包括了室内环境中一切容易移动的物品。
一、从立体主义到低多边形风格
对于时间轴上的过去，我们称之为传统。传统在我们的行为准则中引申为可以借鉴的因素，所谓“前事不忘，后事之师”，传统是可以被人们利用的一个工具和参照物。1907年，毕加索的《亚威农的少女》是西方现代艺术史的革命性突破，开创了立体主义运动。立体派分解客观物体形象，再按照主观意图进行重构。在平面上表现长、宽、高与深度，打破传统的空间透视观念，改变了欧洲传统的习惯画法，专注于主观结构的表现，使物象更简练，更具形式感。把人的脸部和形体分解成多个切面叠压，或者正面和侧面表现在同一个面上，从而产生出不同的节奏感。立体主义的叠压几何形切面，历经一百年的洗礼，依然保持着其新鲜、奇特、年轻的视觉魅力。即使是深受数字技术和移动网络冲击的当下，仍可以处处看到它的相关应用，如计算机低面建模，低多边形图标设计与动态效果设计、面具设计等。立体主义和低多边形的共通点在于以个性鲜明的棱角造型展现出多层次的立体感，其引申的意义正是对模拟的反叛，对抽象化表达的追求，这种设计风格运用在室内陈设设计中，可解读为年轻、时尚、不妥协、不畏惧。低多边形风格的室内陈设设计，特点是在平面上划分更多更小的面，在转折处加入模糊角度的折面，削减转折面棱线的单一性与可确定性，深度低，材质统一，经常配以柔和的色彩效果。低多边形陈设设计作为复古未来派风格设计，有点像现实生活中的手工艺品，感觉很复古，在整个室内设计中起到了新唯美设计的作用。在细节处理上，给低多边形风格陈设定义材质时，可以加入起伏的厚薄变化，提供更丰富的表面细节；在光线应用上，有效利用遮蔽效果，增加深度感；添加光源位置，微妙的光会让居室充满温馨感。
二、从冷抽象主义到简约化设计
现代西方抽象派绘画主张把物质世界的外在形式分解或时间化。比如蒙德里安的抽象主义，通过不同规格的矩形格子代表几何学绘画的分解构图。蒙德里安后期的“冷抽象”作品，把色彩简化为红、黄、蓝和黑、白、灰，原色块和矩形直角形状互相组合。1930年，其代表作《红黄蓝的构成》，寻求自然与精神、个体与整体、物质与意识的平衡等抽象的精神。很多的设计师将《红黄蓝的构成》这种抽象元素组合运用到各类设计中，如室内陈设设计，使平面抽象成为明快的简约化设计风格。从冷抽象主义到简约化设计，我们在不停地思考：如何利用垂直和水平结构的分割达到视觉动态上的平衡？如何利用原色矩形色块表达全景化概念？笔者以为，《红黄蓝的构成》利用贯穿矩形色块的浓重线条使结构不受色彩的影响，从而达到整体上的连贯、统一、协调，而设计发展到最后的简约化、舒适化、无干扰化。现代简约化设计势必会减少彩色的应用，而将材料的本色与肌理构成纳入表现的范畴。冷抽象主义运用在室内陈设设计中应注意其简约化特质：线的结构务必简洁，占主导地位的色块是有个性彩度的原色，删除不必要的修饰，以几何数理上的变化寻求各构成要素之间的自然平衡，作品的每一构成要素都经过仔细推敲，被谨慎地安排在适当的位置，以达到最佳的表达。这些特质让我们很自然地联想到移动互联网时代下的扁平化设计——干净整齐的界面，简洁的使用方式，良好的操作体验，有效减少认知障碍。以此类推，室内陈设设计中的简约化亦注重功能的利用，视觉上有效减少不必要的装饰，强调了抽象、极简和符号化。
三、从波普艺术风格到新装饰化设计
从20世纪50年代中后期开始的波普艺术作为对抽象表现主义的反叛登上了艺术舞台，这也是西方一种重要和独特的艺术形式。波普艺术借用文化符号升华出艺术主题，使艺术创作的走向产生了质的变化。而受波普艺术风格影响的室内陈设设计主要的特点是：1.艺术气息明朗亮眼。波普风格反对现代简约主义的清高，其混合各种风格，强调独特和新奇，大胆利用光效应图形。2.色彩百变夸张。波普漆色塑胶、漆光、聚氯乙烯的饱和纯色，旖旎诱人的热带七彩，色彩的百变风格让你无处躲藏。3.撞色对比强烈。对比色黑与白，补色红与绿、黄与橙等在陈设中处处体现。撞色的靠垫、地毯、床上用品产生了无限活力和魅惑。由此可见，波普艺术对于现代陈设设计的影响是持久的，开放的空间借助波普浓烈的色彩烘托出欢快的气氛，心情跟随这些鲜明的色彩变得爽快起来。波普艺术前卫夸张的形式，颠覆了人们对于家居设计的传统构想。造型多样、质地奇特、图案时尚，使人眼前一亮，治愈了“审美疲劳”。
结语
西方现代艺术流派对室内陈设设计的影响是多角度的，从立体主义到低多边形风格，代表了对模拟的反叛，对抽象化表达的追求——以个性鲜明的棱角造型展现出多层次的立体感；从冷抽象主义到简约化设计，以几何数理上的变化安排各构成要素之间的自然平衡；从波普艺术风格到新装饰化设计，奇特的造型、混搭的质地、流行的图案设计成为时尚年轻人的最爱。综上所述，西方现代艺术流派对当代人们的审美产生了重大而深远的影响，同时对现代室内陈设设计也提供了新的视野和观念。现代陈设设计应是基于传统之上的开放式思维，其本质就是不断地超越与探索，将视觉反惯性的因素引入设计的创新之中，结合西方现代艺术流派的精华，赋予其更强的可传承性和时代意味。
参考文献：
1.尚磊,刘兮兮.室内陈设设计中的符号学研究.中国建筑装饰装修，2013.5
2.胡泊.西方现代美术流派.西南师范大学出版社,2016
第9篇：抽象艺术的设计范文
现代环境艺术是伴随着环境而产生的一门与人类生存紧密相关的艺术形式，作品强调与环境的依存、融合关系，强调作者艺术观念的表达，使作品与环境紧密的融合起来。现代环境艺术设计是一门新兴的学科，是一门伴随着社会发展而兴起的学科，目前，社会上对环境艺术设计人才的需求量特别大，高校也一直在致力于培养适应社会发展的环境艺术设计人才。而中国的现代环境艺术设计要创新就必须与中国的传统文化结合起来，形成具有自身的民族特色，才能逐渐走向世界。
2非物质文化遗产对现代环境艺术设计的启示
2．1审美意象的组合
中国传统的非物质文化遗产大多都有各种审美意象的组合，就拿传统的书画作品来说，中国传扬几千年的水墨画在当今可谓是艺术的瑰宝。在表现形式上，虚与实的结合是最为突出的，中国书画讲究笔不到而意到，给观众大量的留白去思考和想象，虚虚实实、实实虚虚，虚实相生的意境美是中国书画最为明显的特征。从更广泛的角度来说，画家创作出来的作品是实，给观众想象的空间是画家通过作品展现出来的虚。中国人讲究意境美，讲究含蓄美，讲究“多一分嫌多，少一分嫌少”恰到好处的美感。中国非物质文化遗产中有着丰富的艺术资源供现代环境艺术设计去撷取，任何一点的形式都可以经过现代化改造而独具魅力，将审美意象组合起来表现在现代环境艺术设计中，让人们处于和谐美好的环境中，给人们生活带去无限的想象空间。
2．2抽象美现代环境
艺术设计中任何的细节都会影响到整体，就拿室内设计来说，从空间布局到室内装饰品的选择，任何细微之处都可以让人感受到不一样的美感。那么在现代环境艺术设计中如何给予观众广大的想象空间呢？中国非物质文化遗产还有抽象美之说，如：中国的戏曲就是抽象美的典范，从舞台的这边到那边就是两个天地，只是一个手势就可以让人联想到现实广阔的场景，观众从抽象的表达中感知无限的想象空间。现代环境艺术设计上如何展现抽象美呢，如：通过景与景之间、空间与自然之间的相互穿插、因借来展现出无穷无尽的感觉，就像苏州园林一样借助景与景、景与空间之间的各种形式来展现出人与自然的和谐，展现人类的巧夺天工，给人无限的想象空间。
3现代环境艺术设计对非物质文化遗产的继承和传扬
中国有一句老话叫“天人合一”，它强调了人类的发展要顺应自然，要实现人与天、地之间的和谐统一，这一思想正符合现代环境艺术设计的理念。现代环境艺术设计要实现创新，在审美上可以追求中国非物质文化遗产的“自然天成”之美、“闲适恬淡”之美、“简单大方”之美、“虚实相生”之美，通过抽象的艺术语言展现别具一格的现代环境艺术设计。
3．1对非物质文化遗产的继承
现代环境艺术设计对非物质文化遗产的继承可以从两个层面来说：一个是物质性继承，一个是精神性继承。首先，物质性继承是指现代环境艺术设计对中国传统非物质文化遗产表面形式的继承，比如说，中国很多的仿古建筑就可以说是一种物质性继承，在现代建筑中加上一些传统的表现，如在屋顶的设计上，在室内装饰上糅合进一些传统的文化元素进去，让人感受到中国的古典美。但是，在现代环境艺术设计上，单纯的物质性继承是无法实现发展和创新的，要有更深层次的精神性继承。其次，精神性继承是通过对非物质文化遗产中展现出来的审美意象、文化底蕴、风俗习惯等的深层次探讨，并在现代环境艺术设计中将审美习惯、文化底蕴表现出来，达到古人追求的“天人合一”的境界。比如说，在室内设计中，以人性化为基本设计理念，实现室内设计的适度而含蓄，从空间布局到装饰品的选择上给人营造出平静淡雅的舒适空间。在一些材料上将中国古典元素杂糅进去，形成中国古典的抽象美和似是而非的无限美感。
3．2对非物质文化遗产的传扬
非物质文化遗产中有着丰富的文化底蕴，不仅是物质形态的表现，更为深层次的是精神文化的展现。在现代环境艺术设计中，不能照搬传统文化，要将传统文化与现代文化、西方文化结合起来实现创新，才能逐渐形成具有中国特色的现代环境艺术设计，对中国非物质文化遗产中展现出来的文化运用现代思维进行一定的改造，实现对非物质文化遗产的传扬。现代环境艺术设计是一个非常广泛且有着深刻文化内涵的艺术，既要考虑到空间组合，又要考虑到当地的风俗习惯，还要考虑到审美的融合，非物质文化遗产为现代环境艺术设计提供了深刻的文化内涵，提供了时代性元素，提供了人性化的理念等，这些都将不断促进中国现代环境艺术设计的创新。
4结束语
