抽象艺术的主要特征精选(九篇)

第1篇：抽象艺术的主要特征范文

绘画的根本目的已不是用于模仿和记录，绘画更倾向于自由放松的、有鲜活笔触和生动色彩的形式，以此来对抗照相术极其冷漠、光滑、无笔触、无选择的成像方式。当再现自然的目标不再具有合理性之后，写实主义的技术的基础便被动摇了。人们发现任何客观自然的表现都与观念进步密不可分，不存在脱离观念的外界客体。我们的眼睛所看到的自然物并非是客观自然物的映像，它是经过人的心灵梳理过的自然。所谓真实反映自然显然只是一种经不起检验的空泛理想。绘画必须重新选择表现的目标。只有人的观念和思维才具有赋予万事万物以无限意义的可能性。抽象派鼻祖康定斯基认为绘画应离开模仿，追求一种如音乐一样的纯净。他通过简化形象使绘画逐渐变得更单纯和符号化，这是抽象艺术的一个根本原则。照相技术的出现被看成是促使艺术思考并使它最终获得解放的关键。康定斯基的尝试宣告了一个新时代的来临———抽象画的概念开始建立起来，并最终发展成20世纪绘画史。绘画的对象就是绘画者自己，是艺术家自我存在的体现。与早期绘画的实用性相比，绘画开始张扬个性，这是促使绘画艺术在20世纪获得新生的首要条件。凡•高在私人信件中写到：“对于艺术，我不知道还有没有比下面更好的定义：艺术，是人加自然。并解放自然。”黑格尔也说：“人有一种冲动，要在直接呈现于他面前的事物中实现自己。”绘画视觉抽象就是通过整体的比较和归纳，建立起主客观间的同构的关系来表现事物的本质特征。抽象是艺术家个体主观精神的客观形式的外在体现，抽象是艺术发展的必然结果，在这一过程中，建立在整体认识和观察上的简化和归纳是抽象形式实现的必要条件。

一、观察与归纳

艺术的首要目的是认知功能，人类的认知来自于观察。绘画同样来自于观察，如何看决定如何画，而观察并非简单地看。面对丰富多彩的自然界，绘画所能表现出的东西总是有限的。人们通过观察世界，有选择地表现出那些绘画中能够被接纳和表现出的东西。归纳和简化是人类思维的重要特征，是人类区别其他生物的重要标志，从门捷列夫的元素周期表到汉字的点、横、竖、撇、捺，无不包含了人类运用归纳的方式来解决问题。印象派画家塞尚所以被誉为现代绘画之父，是因为它将视觉印象通过人们可接纳的几何形固定下来。塞尚认为：“一切物体都是圆形、锥形、圆柱形”，在他看来，世上一切事物都是静止的、厚重稳固的实体；艺术家的任务在于如何用冷静的目光和头脑去分析它的体积。他强调的是具有体型特征而不是简单的几个形体的认识。他的几何化构成形式具有独到的风格，对现代艺术具有深远的影响。而且他有条理地探索体积和块面的问题，导致了后来艺术表达中的点、线、面的出现，对后来的立体派艺术及抽象绘画的产生都具有深远意义。在绘画创作中，绘画归纳可分为3个方面：（1）绘画内容上的归纳。如花鸟画、山水画、风景画。绘画总是通过要表达的内容进行形式上的归纳，以达到主体的要求；（2）画面结构的归纳和提炼。通过将视觉形象转换为点、线、面笔触等，产生大小、疏密、主次、位置、方向、空间、结构关系等；（3）色彩归纳。通过将色彩还原成三原色的科学理论，将色彩归纳为不同色调，如红色调、黄色调以及蓝色调。从色性上将色彩分为冷色调和暖色调等。归纳的目的是走向简化，但不能理解为简单的简化，阿恩海姆认为简化不是从量上而言的简单，而是着眼于结构的简单，“在一种物体仅包含很少几个结构特征时，便是简化；在一种相对意义上来说，如果一个物体用尽可能少的结构特征时，它便是简化的。”简化是归纳的重要形式特征，归纳是简化的先决条件。

二、简化的内涵

面对变化万千的世界，如何用绘画语言去描述和表现自然世界？大自然并没有给我们提供可描绘的样式和依据。简化是艺术家面对自然时所选择最好的解释方法。在一定的条件下，视知觉倾向于把任何刺激式样尽可能组织成最简单的结构。阿恩海姆认为：“简化是艺术品的一个极为简单的技巧，典型的儿童画和真正的原始艺术一样，大多都因为运用了极为简单的技巧，而使它们的结构整体看上去很简单，然而，那些风格上比较成熟的艺术便不是这样，即使它们表面上看上去很简单，其实却很复杂的。如果我们仔细的观看一尊优秀的埃及雕像，或各种形状的希腊庙宇……当我们不愿意承认一般的儿童画、埃及金字塔或某些使用建筑为艺术品时，我们所持的理由恰恰就是对于一件艺术品来说，最低限度的复杂性和丰富性应该是不可缺少的……当某件艺术品被誉为具有简化性时，人们总是指这件作品把丰富的意义和多样化的形式组织在一个统一结构中。”［1］从这段话中可以看出，简化不应该是量上的简化，而应该是结构上的简化。如果用最简洁的形式反映出最简单的结构特征，我们就可以认为是好的简化。以人物画为例，形体体积感的形成是由于具有了转折的性质，形体的体积可以理解为由彼此首尾相连的转折线组成，我们将面部的凸起称为“高折线”，凹进称为“低折线”，起到了简化的作用，使被分散的注意力集中在对大形体的控制上，为建立空间关系和进一步塑造提供依据。简化使形象摆脱古典主义时期人们对事物的认识受到意识形态的控制，简化使绘画从繁杂的细节中脱离出来，简化使绘画形象更加单纯和有力，简化对整体把握形象建立抽象形式具有重要的意义。

三、整体意识

绘画的观察与表现来自于整体，是整体形势的显现。法国当代思想家莫兰说：“整体具有一种属性是各部分在彼此孤立的情况下所没有的，而部分的某些性质或属性也可能被来自整体的约束所抑制。”整体首先是知识性的，其次是强制性的。艺术家应该有意识地在自己的绘画学习和实践中贯穿整体性意识。从绘画角度来说，是画家对客观对象有意识的主观关照和简化，从而使整体性意识贯穿绘画的始终。绘画中的每一笔颜色都要围绕画面整体。各个局部必须统一在大的整体中。从狭义的角度来说，绘画中的整体性意识分为两个方面：首先这种整体性是指作画过程中的起轮廓、塑造到深入地刻画，最后进入整体，而且把整幅画的各环节及绘画要素联系起来融洽为和谐的整体，有力地表达出艺术家审美感受和理念；其次作画步骤中的整体调整是完成一幅画的必要阶段。大胆舍去不必要的局部琐碎，要知道细节的生动永远掩盖不了整体的不足。罗丹说：“整体气势惊心动魄，细节刻画趣味无穷。”在保证整体的基础上，有意识地强调独具特征的局部特征是保证艺术作品生动性的重要保障。绘画整体性体现在视觉活动的主动参与过程中。格式塔心理学派认为，观看世界的活动被证明是视觉刺激物与观看主体之间相互作用的过程。一个“格式塔”绝不是对于感性材料的机械复制，而是知觉活动对客观现实的一种能动的把握，它是与直觉活动密不可分的一种主体经验中的组织结构，是直觉的“自上而下”的一种组织。换言之，“格式塔”心理学认为：“任何‘形’都是知觉进行积极组织或建构的结果，而不是客体本身就有的。”［2］因此，格式塔是指客观对象经由知觉组织、建构而成的经验中的整体，是主客统一的参悟。整体是由客体形式所引起由主体知觉积极组织、建构而成的经验中的新整体。从归纳到整体意识的建立是抽象的基础条件。#p#分页标题#e#

四、视觉抽象

归纳和整体意识是对形象进行抽象的先决条件。“西方现代艺术审美的一个主导趋势，就是走向抽象（abstraction），它构成了20世纪西方现代主义艺术和审美的根本特征，从现代主义到后现代主义，抽象是艺术的根本语法。”［3］绘画早期的抽象是对事物外部特征的抽象，抽象的发展是对外部特征的抽象，是建立在整体的关照下的外部抽象，著名的维纳斯雕像的S曲线、山峦起伏的Z字线、人物运动的动势线。将这些观看到的形象用最简洁概括的线条提炼出的各式点、线、面都可以作为抽象的形象来理解。后来的抽象是对事物内部的抽象，如康定斯基及蒙德里安用纯净的线条和色彩表现出的抽象形象，体现并强调出内在变化的绘画形式，建立起纯粹的抽象艺术语言。人类绘画的发展从幼稚的简化阶段到具象写实，再到抽象的过程，是绘画技巧和思维的进步过程，也是认识发展的必然结果。人们从简单模仿到写实模仿的过程一旦完成，就会进入理想化阶段，最终完成了内外统一，而人的内心是主观的，任何抽象都是主观看事物结果的表达。无论绘画的形式如何，其中都隐含或具有抽象的因素，这是衡量优秀作品的重要标志。

抽象对色彩也同样具有重要意义。俄罗斯现实主义画家列宾和他的朋友在大雪后的院子里散步，可是，路边有一泡狗尿，颇煞风景，朋友用脚尖挑起雪来把它盖住。列宾看到却很生气，他说，几天来他一直在欣赏这片美丽的琥珀色！艺术品的价值总是体现在它特殊的形式上，绘画也只不过是在画布上建立色彩颜料之间的关系，列宾对色彩的观察，抛开对具象物的关注，是色彩抽象意识的觉悟。以后的野兽派画家马蒂斯更是对色彩进行了大胆、彻底的革新，完全抛弃了复杂变化的条件色，他采用平涂色彩甚至采用剪纸的方式剪出色彩，使色彩从印象派对自然光色追逐以及内容中解放出来，这使色彩被彻底娱乐化了。马蒂斯对色彩的简化是革命性的他使我们认识到，色彩本身就是色彩，它不再和形象符合而且不需要和形相结合，色彩被完全抽象出来。

第2篇：抽象艺术的主要特征范文

[关键词]雕塑；具象语言；抽象语言；划分；发展

[作者简介]曲鸣，广西年鉴社美术编辑，广西南宁530022

[中图分类号]J30　[文献标识码]A　[文章编号]1004-4434(2011)10-0083-03

一、具象语言与抽象语言

雕塑作品有着多种多样的分类，抽象与具象就是其中一种重要的分类，它是从作品形象与自然对象相似的程度上去划分作品的风格的概念。雕塑作品按具象和抽象语言的比重来划分。如作品中的具象语言的成分比抽象语言的成分多，那就可以认为这一作品就是具象作品，反之则是抽象作品。

要明确了解作品中的两种语言，我们应该先了解具象与抽象这两个概念。

抽象，本意是提取、提炼和舍弃的意思。从艺术手法来看，抽象是指不可辨认的与外在世界无直接关系的内容。艺术形象大幅度偏离或完全抛开自然艺术的外观，虽也属一种反映，但并不是忠实的反映，而是主观、情绪化的反映，即写意。

抽象中的形象与自然对象较少或完全没有相近之处，一些美术样式，如书法、建筑，其样式的特征决定了其在整体艺术上是抽象的，有一部分是来源于现实世界，与现实世界相近的，部分的原始艺术作品和绝大部分工艺美术作品都属于此样式。夸张也属于一种抽象。

具象，顾名思义就是具体的形象，在艺术中可辨认的与外在世界有直接关系的内容，它是外在世界的直接反映。具象艺术手法是对现实物象的客观再现，理论上有“摹仿说”、“反映论”等，即写实。

具象艺术是形象与自然对象基本相似或极其相似的艺术。希腊的雕塑作品和近代的写实主义和现代的超写实主义作为典型代表，具象作品广泛的应用于人类的艺术生活当中。从原始的岩洞壁画至文艺复兴时期的宗教雕塑，从印度的佛教艺术到中国的画像砖石，都可以看到这一类作品的重要艺术风格。

当我们详细认识具象与抽象的概念后，就可以知道在雕塑作品中具象与抽象都具备可识性。很大程度上是由个人主观的判断，如认为某件作品的抽象艺术占70％，具象艺术占30％。可以说雕塑作品具象与抽象并没有严格的划分。

建立在形象、形象与自然对象之间的细致的解剖上，任何酷似对象的形象也不可能不包含对对象一定程度上的偏离，因此，具象艺术也包含着或多或少的抽象成份，相同的，抽象艺术中也一样。中国的画家齐白石的“作画妙在似与不似之间”和画家黄宾虹的“不似之似为真似”。都是对作品的形神兼备双重要求作为抽象语言和具象语言的一个概括。

二、在不同的历史时期、不同的地域。有不同的偏重

纵观古今中外的各个时期，抽象艺术和具象艺术都是共同发展的，在不同的历史时期和不同的文化生活背景下产生不同的偏重。如石器时代，其雕塑是起源和萌芽时期，那时人们是以模拟生活中的动物的形体和自己的形体的特征塑造形体，雕塑作品无不体现出人类原始的审美意识。也正是因为那是人类的艺术活动的初期，艺术品的创造者能力有限，其造型较为粗略、夸张并具有极强的原始装饰性。新石器时代的石雕头像的风格古拙、自然、质朴、幼稚，由于石质坚硬，工具落后，所以大多采用阴刻的手法，由此也可见那时的原始人类对于人的面部结构已经有一定的认识。但其写实能力有限，只能将作品夸张化、抽象化，所以这一时期的雕塑包含较多的具象语言。

又如秦代的雕塑，秦始皇陵兵马俑展示了秦代雕塑艺术的辉煌成就。在具体塑造技巧上达到了相当高的水平。在塑造方法上采用了模型与手塑相结合的手法。造型写实在对形象的塑造上表现出了雕塑家们对“逼真”的尽力追求。雕塑准确的结构与细致入微的个性刻画、高超的写实塑造使这些陶俑似乎变成了真正的血肉之躯，其具象的塑造手法和辉宏的气势表现了秦代强大的政治背景。

汉代雕塑主要集中在陵墓装饰中，在具象雕塑的基础上抽象因素较多，如西汉时期陕西平阴霍去病墓前的石雕群，马踏武士最为鲜明突出的雕塑主体形象是一匹气宇轩昂的战马和被踏在马蹄下的武士，构成两个极具象征意义的典型形象：战马肥硕矫健，昂首屹立；战败的武士手持弓箭卷曲于马下，作挣扎状，尽管他龇牙咧嘴，神态凶悍，但仍然无法挣脱重如泰山的战马身躯。这一雕塑是纪念碑性的雕塑，雕塑的构成透露出了典型的东方写意文化，从解剖学看，它是不符合现实的，然而当人们面对雕塑时并不会感到它失真，相反的，这些夸大的变形抽象处理手段正好有利于表现马的雄壮和战败者的矮小狼狈，更形象的表现出雕塑的本意。

中国上世纪留学法国、苏联的雕塑家，他们的雕塑是以写实的具象语言为主的，做人物，做重大题材。近代的雕塑家更多学习欧美的现代艺术。接受新观念，他们做的雕塑是以抽象语言为主的。

又如国外的雕塑，主要可分为三个时期，史前雕塑、古典雕塑、现代雕塑。

神秘的史前雕塑主要以抽象的表达方式为主。比较著名的西方史前雕塑有两个，一个是威伦道夫的维纳斯；另一个是维斯普格的维纳斯。这些滚圆丰满的妇人抽象形象，表达出原始人对象征性渴望，这一时期雕塑以抽象形象为主。西方雕塑的传统发端于古希腊和罗马文化，他们的雕塑有着准确的造型、风格化的语言。如尽善尽美的掷铁饼者、活的维纳斯等写实性雕塑，给我们留下千古典范。

希腊的“古典时期”是希腊的全盛时期。这时的希腊雕塑在追求真实的完美、追求客观真实之美的境界已经到了登峰造极的程度。这一时期是以具象的艺术形式为主。

雕塑发展到现在的现代雕塑，在语言形式上有了很大的变化。一方面希腊、罗马的写实雕塑传统还在继续，比如东欧的一些国家的雕塑家主要以写实的方法进行创作；另一方面，实验性的艺术的兴起转而取代了学院派艺术，成为主派。立体主义的产生揭开了雕塑史现代部分的新篇章，如毕加索的作品妇女头像，立体主义在雕塑语言内部建立了一种抽象的几何构成为基础的自身逻辑，这时的雕塑已不再是对对象的忠实记录。此外，还有未来主义和达达主义。

在20世纪50年代以后，许多艺术，如集合艺术、废品雕塑、行为艺术等，都成为抽象艺术的范畴。他们通过对现成物品的拆分和重组，对工业废品的重新处理，对新材料的综合利用等手段，表达

了自己的观点――对工业文明的怀疑与赞美，批判与肯定的复杂情绪。这些艺术家选择了以抽象语言形式的表达为主，是因为具象语言形式难以表达他们的观点与想法。现代科技的发展使得新的手段得以利用，如利用电器灯光、声音、雷射等手段，拓展了光雕塑的虚像体积，反射表现幻象性的光学装置等成果。如芝加哥联邦政府中心广场上的《火烈鸟》，是通过提炼具象物体的要素做成的雕塑，无不是当时的艺术家对抽象的理解。如亨利・摩尔的雕塑《母与子》《斜倚像》，同样体现出对抽象语言的运用。

西方雕塑从古希腊时期的辉煌到现代派雕塑的繁荣，其发展有着历史的必然性，并且有着其文化的内在特征，是文化特征的逻辑发展，如古希腊的核心内容是“摹仿说”，它如同一面镜子，反映视觉的真实性，因此，艺术家必须研究雕刻技术、材料、人体结构、运动规律等，所以，艺术家的第一步是要把握现实的具象语言。同时，艺术家是人，是文化的人，他不可能像镜子一样被动地反映世界，在雕塑的制作过程中。艺术家的感情、审美观也自然融入作品当中。因此，在把握具象语言的同时，进一步融入经过自己提炼加工的另一种语言：抽象语言，这样才能更好地创作出好作品。

三、抽象与具象的关系

在哲学的角度来说。事物的抽象和具象是不可割裂的统一体，抽象融合具象，抽象和具象相互包含、相互交织。就人而言，感性存在是具象的，理性存在是抽象的，是一个矛盾的对立统～体，它们相互制约。

抽象艺术、具象艺术与艺术作品中的抽象语言、具象语言是两类不同的概念。后者建立在对形象、形象与自然对象之关系的细致解剖之上，任何酷似对象的想象也不可能不包含对对象一定程度上的偏离。因此，具象艺术之中也包含着或多或少的抽象因素；同样，许多抽象艺术作品中的形象也与自然对象有着不同程度的联系，包括着具象因素，上述第一类现代抽象艺术便是例证。抽象艺术、具象艺术的概念是宏观的、直观的；抽象因素、具象因素的概念是微观的、分析的。对这两类不同性质的概念的混淆，会导致抽象艺术、具象艺术概念的瓦解。

四、抽象语言、具象语言对艺术创作的影响

很多艺术家在创作实践过程中深刻体会到创作中的抽象语言、具象语言运用的重要性。有经验的艺术家知道，要进行抽象艺术、现代艺术的创作，前提就是要学好最实在的写实基础(具象语言)，只有在这一基础上进一步去理解、创作，才能去做好抽象艺术、现代艺术。

的确。做好具象语言是第一步，第一步完成后，才能去提炼出抽象语言的第二步，否则，所做出来的抽象语言便是平庸的。所以在创作过程中，先寻找具体的东西，再在具象里进一步提炼出自己的语言，并融入到创作中去，使作品更符合自己的想法和目的。例如有个学生创作一个作品《苹果心的联想》，第一步是在生活中发现一些有意思的有感觉的东西，他发现吃剩的苹果心很有意思。于是便考虑以这个为题材创作一个作品，当做完一个苹果心的泥塑后，就开始考虑如何在这一个具象语言当中加入其他的东西。在不断的思考、不断的实践当中，经过不断的提炼后，最终在苹果心里加入了许多具象语言和抽象语言，于是，一个系列作品就出来了。

结论

第3篇：抽象艺术的主要特征范文

关键词：抽象艺术；雕塑；审美；想象空间；整体；期待视野

中图分类号：J305 文献标识码：A 文章编号：1005-5312（2013）03-0055-01

抽象艺术是一种新型的审美活动，是审美主体对审美对象积极的能动反映，抽象艺术为作品留下许多空白而构成了期待视野，为欣赏者提供更加广阔的空间，艺术品的审美价值因抽象艺术而得到更好的诠释，所以抽象艺术得到广泛的运用。通过对现实生活的感受，理解并自主抽离一般现实的概念，按照美的规律创造出具有表现力的艺术形式，这样的雕塑作品具有广阔的想象空间和美的期待视野。

抽象艺术通过具体生活中形象，加上某些触动他人的灵感，产生表现的欲望，不断想象和概括从而形成一种新的艺术审美形式。抽象艺术让雕塑艺术越来越有活力，朱光潜先生说过，艺术要有高度的综合性，协调各种感觉能力，丰富和深化人们的审美体验，展现艺术的光彩和魅力。在雕塑创作中强调形式感，将自然形态中吸取形式变化的灵感，保持原状态的结构魅力，删减细节，以简约的形式表现出来，体现了独特的精神空间和抽象雕塑的外延空间。经过抽象艺术美化后使内容美和形式美和谐统一，使艺术具有审美特性，具有震撼人心的感动力量。

抽象艺术具有不同的时代风格在表现现实的同时，也在不断追求艺术形式的完美性。艺术形式中抽象的运用与现代生活内容相适应，在理解传统形式的规律特征之后，保持其生命力，递减或不断融入新的形式，抽象艺术一定要学会吸收和提取，通过具体的生动形象和细节体现出来，在生活实践中逐渐形成一种强烈的风格，最后通过雕塑这一媒介表现出来。

抽象艺术首先要学会讲究整体，对空间的序列组合持续转换，将各部分构成一个综合且统一的整体，最后进行归纳调节。能够使艺术吸纳并结合多种印象，灵活转化，相互渗透统一。通过抽象艺术实行互补，不断超越载体的局限，打破经验的羁绊，创造出一种独特的审美模式。

就雕塑作为一种符号而言，抽象艺术的运用会使空间变得更有视觉感，雕塑的象征主义，丰富的符号意义，才能表达雕塑艺术的涵义。

雕塑艺术家对客观事物既要“入乎其内”，把握它的基本特征和联系，又要“出乎其外”，不拘于实物，充分发挥想象和情感的能动作用，通过抽象艺术取得更好的艺术效果

景德镇雕塑所运用的法则是仿佛很随意，自我为大，细腻又猖狂，使泥与釉和火的结合产生的艺术达到了一种极致，浑朴自然，豪放大气，为它的魅力而倾倒。雕塑要求简练概括，线条流畅，具有明显特征，艺术是根据现实加以创造，创造出具有典型环境的产物，这样的创作过程是文艺的概括抽象。运用抽象的方法提炼形象，采用艺术夸张的方法，服从真实对象，主题需要和视觉要求保持一致。通过表现方法达到以小见大，见微知著的艺术表现能力，使作者与观众审美情趣与情感交流的碰撞结合，也因为独特的艺术形式无法模仿，而具有鲜明的艺术特征。通过探求艺术创造的规律，解决美学的基本问题，力求获得美学理论和艺术实践的双重价值，通过抽象艺术对多种知识的相铺相成的描述和印证，从生活感悟出发，从实践的体验出发，做出深度的理论分析，开拓思路，将原理和方法论相结合。从欣赏的角度看，在抽象形式中更容易获得共鸣，从不同的角度进行艺术鉴赏，从而有开阔的空间，使心灵得到升华，营造一个不同的视觉世界。

当代雕塑从艺术本体的内部来认识不同的形态，从感觉与知觉的角度来把握它的视觉形态，从整体的方面把握它的意义，揭示美的外延，为视觉提供更多的想象空间，同时创造一种具有文化深度和多重艺术价值的艺术之美。抽象作为公共空间对话中展现的一种独特语言形式，让人从本质上感知美并超越一般意义上美的含义，当然体现更多的是精神空间的魅力。

当然抽象艺术也要注意整体观念，注重多样的形式因素组合关系所具有的表现力，即使抽象艺术具有外延性，形式的组织结构在实际运用中也有许多条条框框。抽象同具象巧妙地结合在一起，产生了出乎意料的效果。以形写意是强调一种抽象的意蕴。

第4篇：抽象艺术的主要特征范文

［关键词］电影艺术；运动的声画影像；媒介表现；接受主体

电影媒介:运动的声画影像本体性质论

艺术，是人类从精神上掌握世界的四大方式之一。与宗教、实践、科学掌握世界的方式比较起来，艺术掌握的方式主要诉诸具体形象和抽象的情绪，是人类对现实世界进行的审美体验、认识和掌握的最高形式。1895年，由卢米埃尔兄弟在法国巴黎放映了《水浇园丁》《火车进站》等短片，制造出能将影像放映在白色幕布上的电影机后，电影发明终结，从此一门新兴的、惟一可以知道诞生日期的艺术出现在人类发展史上。

电影是根据“视觉暂留”原理，运用照相、录音为技术手段，通过放映（以及还音）在银幕上造成“活动影像”，以表现一定内容的年轻艺术。［1］4各门艺术，媒介表现多种多样，文学艺术的媒介表现是语言与文字；绘画艺术的媒介表现是二维的平面上线条与色彩；戏剧艺术的媒介表现是外部形体动作与语言；音乐的媒介表现是运动着的乐音；雕塑，其媒介表现是三维中的点、线、面；而舞蹈艺术的媒介表现，是其外部的动作形体，电影作为艺术的媒介表现则是运动着的声画影像。可以发现，决定艺术门类的根本标志是该门艺术的表现媒介，而不是技术过程，七大艺术中，每一门艺术的任务是由它的媒介所决定，因此艺术媒介是由客观决定的，而不是主观约定的。

电影艺术的媒介表现是“运动着的声画影像”，它与其他艺术门类有根本的区别，其重要特征为灵动、具体以及直述，并且诉诸视觉感官，这就决定了电影不能像文学作品可以由创造主体自由发挥他们的想象，运用抽象的文字表达出来，由接受主体自行完成，电影媒介的具体性特征即人物、时间、空间的具体性导致影像永远是物质现实的影像，影片则通过布景介绍时代、社会、人物地位、季节。上场人物穿什么衣服，就表现了什么时代，穿古典服装当然是古代，穿袍子马褂当然不是今天。道具反映着人物的职业，反映着地方的色彩。工程师有丁字规、计算尺；美术家有画架；在电影《十五贯》里，一开始为了表现屠户，所以就有屠刀、案板。灯光，可以反映早上、黎明、黄昏或者晚上，因此接受主体只能接受编导给定的具体形象，别无选择。运动的声画影像，技术的生成条件决定了其所需要的形象都能在现实生活中拍到，不可能是抽象的人物符号。

电影的根本任务是叙事，构成了其基本的任务和规律，这与其他叙事类艺术在内容上是一致的，但是电影叙事任务诉诸本身独特的媒介“运动的声画影像”，在大众心理积淀的基础上最终走向了一般现实逻辑。运动的声画影像导致了电影的叙事机制在一般现实逻辑的层面上被划分为七种影像系统，即真实影像系统、抽象影像系统、象征影像系统、特殊文化影像系统、兼容式影像系统、神话影像系统、解构型影像系统。

电影《风声》在中间交代了五个主要人物的出场，室内有两个跟拍的长镜头，整个故事很干净、很利索。其好在于故事结构安排得紧凑巧妙，观众被电影的故事逻辑吸引进来，同时在思考着谁到底是“老鬼”。陈国富很好地利用了电影语言，将这些文字无法描述的美妙变为电影的独特性，让《风声》的叙事机制彻底抓住了认真看这部戏的观众的心，这说明观众对《风声》的叙事机制是认可的。

第5篇：抽象艺术的主要特征范文

（一）概念及实践性价值

设计素描是设计专业各学科的基础实践课程之一，其主要任务是培养、训练学生运用设计的元素以素描的表现手段对客观形态的构造及特征进行素描的表现与设计性的分析，发现客观事物的根本肌理及内部结构属性特征。通过设计素描的训练培养学生敏锐的观察力、艺术思考力、素描表现的创造力以及结构分析与表现归纳能力。设计素描教学的质量将直接影响到设计类学科学生的专业思维方向、专业创造表现力等。

“美是人在他生活实践创造中取得的最高的自由的感性的表现”。设计素描相对而言更趋于理性化，主要研究客观对象的内在构成关系与外观形式的统一性与设计性的理性美感，在教学中更多强调主动性的理性探究、理性认识与科学性艺术创造，因此在教学过程中应着重注重设计的艺术结合特性，强调理性构思与艺术想象能力的结合与实践。

（二）设计素描的特性延伸

经过近年的设计素描教学实践与改革，这种教学形式与方法已经体现出其优越、积极的存在意义。以往我们的“结构素描”已被列为设计素描教学的部分内容。设计素描作为一种依据视觉形象展开理性与感性结合的素描表现形态，在实践的总结中可划分为：具象表现设计素描、结构研究设计素描、抽象表现设计素描、表现性设计素描、意象性设计素描和材质综合媒介表现性素描等多种样式，而且其各具特性。

二、设计素描的本质及从传统性模式培养的转换构建

（一）设计素描的本质

“本质是事物内在的规定性的东西，是规定事物之所以为此物而非彼物的稳定性特质”。设计素描有自身的内在规定性与特质。

1、设计素描是一种艺术表现思维与艺术表现方法的双向结合训练方式，是主体眼与手的协同训练，是认知与表现的同步训练。

2、设计素描是一种艺术视觉语言体系，它表现生理的眼睛所见所感的事物外显形态与印象，也表现主体心理的“内在视觉”所视所思的意象与创想。

设计素描表现本质特征一般通过直觉、感受、联想、想象思维途径，运用解构、重构、渐变、重叠、透叠、错位、变异、矛盾等诸多艺术处理手法，再融人技法材料的特性，可以探索出由概念牵引出的抽象造型的最大可能性。

（二）抽象在设计素描中的重要性――针对传统美术高考程式化训练的转变

1、抽象艺术在设计中的应用

“所谓抽象，一般指抽取同类事物的共同的、本质的属性或特征，舍弃其他非本质的属性或特征的思维过程”。

抽象艺术的特征是缺乏描绘，用情绪的方法去表现概念和形式。而这种方法基本上是表现主义的，主观艺术处理的成分很大，我们可以从康定斯基的作品中体会得到。抽象艺术它是由各种反传统的艺术影响融合而来，特别在20世纪的现代艺术、现代设计中普遍被采纳。

2、抽象思维能力的训练

在设计素描中，我们的训练还是需要从“具象素描的训练”开始，它既是我们的前提，也是我们的基础。从“具象”中寻找“抽象”的规律，从“具象”中发现“抽象”，通过“具象”去认识大自然的造物法则，并让我们在其中心领神会。

我们在教学中引导学生透过物质的表面去发现、探究物质的整体形状所构成的那些微小的结构单位，运用“结构单位替代表现法”重构，还有按照其他组合模式重新构建的潜在因素，它可以被我们的视觉所把握，也有被解体之后重构的可能性，我们可以将其抽取、归纳、概括、加工，在主观的艺术处理同客观形态的结合下产生新的艺术表现想法。

三、设计素描教学实践中的拙见与感受

（一）、突破常规素描的束缚――教学方式的转变

1、打破思维定式的静物组合方式和常规的静物选择方式

在传统绘画中，我们习惯了一些物体的组合模式。传统的物体组合主要包括：关联性事物组合，体量类似物组合，高差异体量组合，质感差异组合等。为了打破这种组合，避免常规式的摆放方式，可以用悬挂、倒挂、垒积、包扎等多种形式进行随机性摆放，让学生参与其中进行物体选择，同时融入自己的思维和观念，使原来被动学习变成主动教学互动方式，提高学习积极性和主动参与意识。

2、多种素描手法和工具的尝试与常规法则的创新

传统素描模式是用排线的方式画素描。设计素描的方法不同于传统素描，它的表现手法是无穷的，包括涂、抹、擦、印、贴等。不同的手法会产生不同的视觉美感，不再拘泥于传统素描的像与否。在这方面可以结合设计素描的类型多做尝试性的探索。另一方面，工具的改革也是提高设计素描教学方法的一种手段，设计素描应放弃传统素描只用一两种工具绘画的习惯，可选择多种工具媒介或结合各种有色纸张综合使用，甚至可以通过摄影、电脑制作等高科技手段获得，寻求新颖别致的形式组合。这样教学即可以丰富学生的兴趣，也可以开阔学生眼界，提高学生的创新意识和审美能力。

（二）突破常规素描的束缚――思维方式的转变

1、开发设计素描创造性构思的应用

设计师的创造力是对自然的独特感受和见解，设计师必须通过想象开拓设计思路，因此想象力对设计师起着至关重要的作用。“美是人们创造生活、改造世界的能动活动”。设计素描是创造性的思维活动，它的关键是构思，没有独到的构思，画面就会黯然失色。好的构思源自富于个性的思考，设计素描应打破传统素描的思维定式和既成套路，变换思维角度，从多维而整体的全方位角度处理问题。在教学中，教师要了解学生的特点和长处，利用引导方式启发他们的想象力，强调每个学生的作品要有个陛和原创性。

2、加强设计素描中的抽象意识

那么如何在设计素描教学中，使学生感受到事物的抽象元素呢？可以根据专业的差异，对学生从具象到抽象分阶段、有侧重、由低到高、循序渐进地进行训练，使他们逐步摆脱表象、概念、模仿的束缚，获得感知的最大解放和主动。还可以通过寻找“微观”形态元素，对群体进行重构，如对实体切割后，用微观特法表现对象，追求肌理脉络和图形特写以及质感的变化，以小见大，以精微见宽宏，探索和挖掘物体的陌生因素。这种训练方式极易得到物体完整的抽象造型，使学生的思路得到开阔，创造出新的表现形态。

3、拓展设计素描材料媒介的综合实践

恰到好处的材质表现能给人以强烈的视觉印象，发现材料的新特性，探索材料的独特表现手法和效果应是设计素描教学内容与创作实践活动的重要组成部分。一方面材料媒介原本是我们教学中的弱项；另一方面材料媒介的丰富多样和未知性，都要求我们进行尝试、研究。对材质媒介特性的感受与体验是一种创造性的实践活动，能激发创造的冲动与激励创作的灵感。

结语

设计素描的教学实践与创新是一项需要长期探索的重要课题，随着艺术设计类专业的学科扩展与培养方式、培养方向的变化而积极地在自身内部及教学方式上自觉地进行调整。设计素描在艺术类高校的设计专业基础教学中有着重要的实际价值，因此对于其教学实践改革的探索也必然是一项长期的任务。

参考文献：

[1]阿恩海姆美《艺术与视知觉》四川人民出版社.

[2]吴廷玉《绘画艺术教育》人民出版社.

第6篇：抽象艺术的主要特征范文

关键词：平面广告 视觉艺术 视觉传达 平面设计

Abstract:The advertisement is the vision of two-dimensional space to inform, was commercial of vision art.Advertisement and vision art exists very big relativity and the vision art can contribute efforts to the advertisement, but can't equal the sense of vision art to the advertisement.Can draw lessons from the technique of expression of sense of vision art in the creations of advertisement, for example say:Realistic technique of expression, comfortable technique of expression, abstract technique of expression etc., but again can't the blindness draw lessons from, otherwise get just the opposite.

Keyword: Advertisement Vision art Vision inform Graphic design

1 绪 论

在这个广告信息“泛滥”的时代，作为一个平面广告设计师，我们为了使平面广告能更好地适应视觉时代的特征，使自己所创作的作品在众多的广告作品及广告信息中出类拔萃、与众不同，在第一时间内抓住受众的眼球，吸引受众阅读广告信息，以达到更高的信息传播效果，这就是要研究平面广告与视觉艺术的联系的必要性和重要性。

2 视觉艺术的概念及特征

2.1 视觉艺术的概念

广义上的视觉艺术是指用一定的物质材料，塑造直观形象的艺术，包括绘画、雕塑、建筑艺术、实用装饰艺术和工艺品等。

视觉艺术是一种感受的方式，它也就是造型艺术。它的特点是所选用的材料是多方面的，木、泥、铜、布多种多样；所表现的形态主要为三维的立体形态，既或是平面的两维绘画作品，也会因为色调变化和透视原则的运用，而使人们有三维感觉；视觉艺术的另一特征是它的静态的、凝固的特点，是在某一时间断面上凝固的审美客体。不过静态的视觉艺术也可以产生动态的效果。 除了国画、油画、版画、摄影等大类别，其他的如漆画、粉画、速写、根雕、木雕、剪纸等等，均具备以上所谈及的艺术特征。

狭义上的视觉艺术仅指在二维空间上进行创作的视觉艺术，包括国画、油画、版画、摄影等。

2.2视觉艺术的特征

视觉艺术的表现形式多种多样，本文仅从绘画角度来分析视觉艺术及特征。

依照纳比画派莫里斯・德尼的观点，绘画是画家把自然综合为个人的美学隐喻和符号，从而获得的最终产物和视觉表达。德尼的论调具有明显的象征主义意味，将绘画视为个人心相的外化。而中国古代的《考工记》里则说：“绘事，后素功”，意思是说绘画就是在白底子上画线条。二者对于绘画的不同表述，并非源于对绘画本质的误读，而是对不同风格绘画语言差异的解构。绘画风格是指特定时代、特定地域或特定人的相对稳定的艺术语言诸如造型、色彩、构图以及材料技法等的整体特点，是绘画发展到一定阶段的必然产物。艺术创新则是形成新风格的必由之路。

绘画风格包括时代风格、个人风格、地域风格以及不同民族和国家的风格。风格的形成和发展与历史文化背景、民俗民风生活习惯以及个人所受教育及个人成长经历息息相关。一般说来，个人风格统一在时代风格之下，并或多或少带有民族和地域的影子。创新是突破，但应当是建立在优秀艺术传统上的创新，并非无本之木、无源之流，它始终切不断与历史和社会的内在联系。纵观中国美术发展史乃至整个世界绘画史，莫不体现出这一必然规律。

2.3平面广告的概念及特征

2.3.1 平面广告的概念

平面广告就其形式而言，它只是传递信息的一种方式，是广告主与受众间的媒介，其结果是为了达到一定的商业目的或政治目的。广告在经济高速发达的国家是不可或缺的。当然，广告作为现代人类生活的一种特殊产物，仁者见仁，智者见智，褒贬不一，但我们要正视一个事实，就是在我们的日常生活中随时都有可能接受到广告信息，翻开报纸、打开电视、网上冲浪，处处都会看到广告。可以说它已经渗透到我们生活的方方面面。简单意义上说平面广告就是指发生在二维空间里的广告信息的视觉传达。

2.3.2平面广告的特征

平面广告在非媒体广告中占有重要的位置，它不论在表现形式上还是在表现内容上都十分宽泛。表现形式可以多种多样，不像绘画那样受某种介质的限制，绘画的、摄影的、拼贴的，各种形式都可以为我所用，写实的、写意的、抽象的，各种手段都可以取其所长。

概括地说，平面广告创作包括两个方面，即创意与表现。创意是指思维能力，表现是指造型能力。它们在概念上是有区别的，但在创造过程中又是统一的。道理很简单，只有一个想法，没有造型能力，即使想法再好也不可能把它表现出来。从另一个来说，没有创造力和审美意识，其想法是很荒唐的，不可行的。另外只有造型能力，缺乏创意思维，是不可能称其为广告设计的，因为广告有很强的功能性，最基本的功能就是传递信息，这个信息如何传递，所体现的就是创意思维能力。现代的广告已不仅是简单的告知功能，独到的创意思维，恰如其分的表现，是一则广告成功的关键。因此，两者既有不同，又相互统一，这两方面能力的培养具有很强的专业性。[2]

3 平面广告与视觉艺术的联系

既然平面广告和视觉艺术都属于二维空间上的视觉传达,那么它们之间就必然存在着一定的联系,一定有着可以相互借鉴的地方，因此我们从表现手法来分析二者的联系。

3.1.写实的表现手法

西方油画有很多都是写实的表现，比如说最著名的达芬奇的《蒙娜丽莎》，就是一个典型的人物写实表现。写实作品以写实的手段表现物体、人物及景观的真实面貌，让读者获得真实的感受，引起它们心理上的共鸣。

平面广告中的写实表现手法又叫直接展示法，这是一种最常见的运用十分广泛的表现手法。它将某产品或主题直接如实地展示在广告版面上，充分运用摄影或绘画等技巧的写实表现能力。注重刻画和着力渲染产品的质感、形态和功能用途，将产品精美的质地引人入胜地呈现出来，给人以逼真的现实感，使消费者对所宣传的产品产生一种亲切感和信任感。画面中间放一部摩托罗拉手机或者是放一只可爱的卖当劳汉堡照片，这就是我们最常见的直接展示法。

这种手法由于直接将产品推向消费者面前，所以要十分注意画面上产品的组合和展示角度，应着力突出产品的品牌和产品本身最容易打动人心的部位，运用色光和背景进行烘托，使产品置身于一个具有感染力的空间，这样才能增强广告画面的视觉冲击力。

3.2写意的表现手法

我国国画最常用的就是写意的表现手法，比如说齐白石的“虾”、郑板桥的“竹”、徐悲鸿的“马”等都是使用写意的表现手法。这种表现手法不重形只重意，它追求神似，通过寥寥几笔，追求一种超脱世俗的意境。在构图上还往往运用大面积的“留白”，有句话叫做“画在有笔墨处，画之妙在无笔墨处”，其实“留白”的实质就是一种构图，这种构图方式在平面广告中也被广泛运用。

平面广告中的这种写意的表现手法在房产广告中运用的比较多，这种手法通常运用优美的，洋溢着诗情画意的画面来表现广告主题，并依此来制造一种情绪或气氛，让读者有联想回味的余地，从而产生感情上的共鸣，以达到广告宣传商品、促进销售的目的。“水木青华”房产的一组广告就用国画的写意效果，整幅广告没有用太多的文字与图片来充实广告画面，而仅仅用一束腊梅的独秀群芳来喻房产，大面积的留白，留有大片的空间让受众去思考。

3.3抽象的表现手法

抽象的表现手法在西方油画中出现的较频繁。抽象艺术上不以自然的造型或具体的对象物为出发点，而以不受物质对象拘束的或以纯粹的形态为创作出发点的派别称为抽象派。抽象画就是非理性的纯粹视觉形式。非理性的纯粹视觉形式有三个内涵：

首先：抽象画作品中不描绘、不表现现实世界的客观形象，也不反映现实生活；

其次：没有绘画主题，无逻辑故事和理性诠释，既不表达思想也不传递情绪；

第三：纯粹由颜色、点、线、面、肌理、构成、组合的视觉形式。

抽象表现主义并没有统一的风格特点，也没有统一的社团。美国艺术史论家们一般认为，它是没有形象的、反形式的、即兴的、动感的、有生命力的、技巧自由的艺术，是用来刺激观察力而不是满足传统鉴赏趣味的艺术。抽象表现主义豪放、粗犷、自由的画风，反映了设计师不拘常规、敢于创造和求新的精神。

有些广告设计作品也引用抽象的概念，通过一些抽象的图形来传达产品的广告信息。例如《绝对伏特加》系列广告正是运用了这种抽象概念，把“伏特加”独特的瓶身与大自然和人们的生活融会在一起，表现了伏特加独具的自然魅力。

3.4卡通的表现手法

卡通画最大的特征是夸张的表现手法。夸张是一般中求新奇变化，通过虚构把对象的特点和个性中美的方面进行夸大,赋予人们一种新奇与变化的情趣。

按其表现的特征，夸张可以分为形态夸张和神情夸张两种类型，前者为表象性的处理品，后者则为含蓄性的情态处理品。通过夸张手法的运用，为广告的艺术美注入了浓郁的感彩，使产品的特征性鲜明、突出、动人。

这种表现手法是在产品宣传时不采用产品的实物照片，而是用卡通的形式表现产品的特征。这种手法利于运用夸张的表现把产品的特征表现到最大，达到更突出更醒目的目的，更利于突出产品的特征，吸引受众的注意。比如说脑白金的广告，就是通过两位老年人的卡通形象来表现它的产品。

这种表现手法的特点是：对广告作品中所宣传的对象的品质或特性的某个方面进行相当明显的过分夸大，以加深或扩大这些特征的认识。文学家高尔基指出：“夸张是创作的基本原则。”通过这种手法能更鲜明地强调或揭示事物的实质，加强作品的艺术效果。

4 结 论

平面广告中有视觉艺术的因子，但从本质上说，平面广告不是艺术，不是美术作品，而是一种商业行为，是在做生意，在做说服人的生意。平面广告和视觉艺术之间既存在着一定的联系，也不存在着内在的分歧，二者之间可以相互借鉴，但是又不可盲目的借鉴，要警惕平面广告设计犯“形式主义”和“唯美主义”的错误，过分的夸大平面广告的艺术效果，而忽略了平面广告作为一种商业活动所必须遵循的商业规律。

平面广告可以借鉴视觉艺术的表现手法，可以借鉴视觉艺术的构图法则，但是具体的操作要视具体情况而定，要根据具体的广告产品信息、具体的广告创意以及具体的广告投放媒介而定，不可盲目的追随视觉艺术，否则只会适得其反。

视觉艺术在不停地发展，平面广告也在不断的创新，作为一个平面广告设计师，也应该不断的求新求异，不能故步自封地遵循这些理论上的东西。广告设计的真谛在于创新，在广告设计中没有现成的套路可以直接搬过来使用，本文所作的研究仅仅只能作为一个参考，只能借鉴，万不可盲从。

参考文献

[1] 让・路易・普拉岱尔.《西方视觉艺术史》[M].吉林美术出版社.2002

[2] 李克.《广告设计的风格与演变》[M].山东美术出版社 .2002

[3]（美）艾莉森・古德曼.《平面设计的七大要素》[M].上海人民美术出版社.2002

[4] 马英俊.《 视觉设计色彩》.东南大学出版社[M].2006

[5] [6] 李砚祖. 《视觉传达的历史与美学》[M].中国人民大学出版社.2000

第7篇：抽象艺术的主要特征范文

当前各式各样的装饰画让我们目不暇接，它用简洁、鲜明、独特的形式语言修饰物象之美，应用领域之广泛，已经构成了文化生活中的一部分，点缀这繁杂无序的世界。装饰画符合时代的审美需求，是富有传统意味的图案，具有强烈的民族情节，是设计者的灵感之源，同时也给现代画家很多启示，在装饰画艺术中吸取营养，采用平面、夸张、变形等手法创作自己的作品，丰富绘画语言。

一、装饰画艺术的发展与特征

装饰画是历史文明的产物，伴随着社会文化的进步而发展。它包含两个方面:其一是附属于器物上的图案和装饰纹样;其二是具有一定独立性、装饰性的绘画。早在石器时代洞窟壁画和岩画上的野牛、花鸟鱼虫等动物图形，彩陶上描绘的人面鱼纹、蛙纹等都是装饰画的最初形式，形象元素从自然形态中提炼、抽取而来，其手法写实生动、朴实并富有象征意味，原始人直观感受和深入细致地观察自然才逐渐掌握了扑捉对象特征的本领，所以最初的装饰艺术是模仿自然或取其所用材料的天然形式，朴素直观。到古埃及、古希腊时期，装饰艺术的审美特征有本质上的提升，由于受当时制度和宗教习俗的制约，表现手法基本一致，风格十分明显，主要体现在浮雕和壁画上，例如《三个乐伎》、《死亡之书》、《宫女》等，程式化的人物造型简洁明快，多层并置，色彩固定。到中世纪，基督教成为治理国家的精神支柱，这时刻的美术也突出反映在宗教题材之中，例如镶嵌画《查尔丁尼皇帝及随从》，画面追求神秘感，装饰意味隆重富贵，以体现宗教的神圣力量。随之而来的文化变革“文艺复兴”运动，绘画艺术得到了繁荣发展，装饰艺术主要体现在壁画和雕塑上，手法写实、严谨，透视科学，讲究空间深度和结构关系，同时也注意构图的形式美感，这给刚刚诞生的油画艺术提供了宝贵的经验和营养。

在我国夏、商、周这段历史时期，出现了神秘、凝练形象的装饰图案和富有节奏感的几何装饰纹样，是对客观自然形象的升华，形成了装饰画形简意赅的艺术特征。随后装饰画的题材和表现形式更加多样化，战国时期的帛画艺术、汉唐时期的画像石和壁画、明清时期的家具图案和木板年画等，越来越和人们的生活密切相联，反映了各个时期的审美追求和艺术思潮，因此，装饰画又具有时代特征和民族情节。当前全球科学和信息技术突飞猛进，各种文化和艺术相互碰撞，多元化的格局给装饰画艺术发展带来了史前未有的机遇和挑战，艺术家只有创作出符合时代特征的、被大众认可的作品才赋予价值和生命力。

二、装饰画对现代油画艺术的影响

19世纪末20世纪初，西方资本主义经济的迅猛发展，引发了哲学、心理学、美学等一系列人文科学深刻而又复杂的变化，现代美术的各种思潮变幻迅速，各种流派更迭频繁，艺术家们用尽毕生的精力去挖掘新的艺术语言和形式，西方油画自印象派之后，先锋艺术家们不断地否定传统写实主义的同时创造了一个又一个奇迹，直至他们把绘画语言形式表现的淋漓尽致。装饰画是一种典型的形式美至上的理想化艺术，运用夸张、变形等艺术手段对自然形象进行高度的概括和提炼，注重画面的内在构成与韵律，达到客观与主观、具象与抽象、形式与主题的统一，常以均匀平涂的技法来完成画面，这种表现形式和技法对现代油画艺术产生了巨大影响。

首先在对物象的造型手法上，现代油画艺术从装饰画艺术中吸取了充分的营养。复制时代已经过去，油画艺术家们不满足于对客观的再现，而是尝试运用夸张、变形或抽象等手法创造有意味的形象特征。例如野兽派画家马蒂斯的油画作品《舞蹈》，是1910年受俄国商人委托在莫斯科一所大厦内创作的装饰壁画，画面描绘的是在纯绿色草地上形态各异的五个人物，彼此手拉着手围成一圈正在欢快地舞蹈，人物造型极其简练，形体明显被夸张，让人物之间更具节奏和动感，而且运用平涂色彩的方法来营造气氛，摒弃了传统的空间表现法，运用简洁的线条和具有强烈视觉冲击力的色彩，使人联想到新石器时代陶器上的装饰图案，古朴却又真实体现了艺术家的内心世界。再如表现主义画家蒙克，“强调绘画必须透露某种情感和体验，传达作者的内在信息，常表现为造型的扭曲和夸张，色彩的强烈和主观，视觉上的冲击和粗放，故给现代艺术有力的推动”。［1］(P317)

其代表作《呐喊》，画面中一个充满恐惧、悲伤的人双手捂着骷髅似的脸庞，身体像要被血红色的夕阳融化，留下一个蝌蚪似的外形竖立在大桥之侧，蓝黑色的海水让人不安和绝望，画家运用抽象的造型语言来表现自身的苦难和悲哀，是对生命的体验和诠释;又如立体主义画家毕加索，受非洲黑人雕刻艺术和塞尚的影响，打破常规的视觉感受，把多个视角的景象组织在一个平面内，作品《亚威农少女》中，五个女人体经过抽象和变形，几何形的脸谱、不对称的五官和多角度的肢体组合，没有传统意义上的空间刻画和明暗调子，而是强烈的夸张主体形象，这种革命性的、另类别趣的造型手法让人耳目一新。因此，现代油画大师借助装饰画的造型手法来创造标新立异的视觉形象以突破传统造型观念，展示了现代艺术家的个性解放，大胆革新的艺术精神。

其次，装饰画在画面表现形式上对现代油画的影响。装饰画通常采用均匀平涂的技法来设色，不追求三维空间，而是强调平面构成的特征，追求理想化的抽象次序，这种绘画语言对现代主义绘画中的抽象画家颇具吸引力，丰富了油画语言。例如美国抽象表现主义画家路易斯的代表作《扩散的光》，画面按照光谱顺序排列数种细长形状的色彩，与白色画布的背景产生强烈对比，似乎是自然流淌的印记，明快简洁，轻盈抒情。再如抽象主义画家蒙德里安，他认为自然的丰富多彩可以压缩为有一定关系的造型表现，艺术成为一种如同数学一样精确地表达宇宙基本特征的直觉手段，在作品《百老汇联奏爵士乐》中，画家利用平行线与垂直线的组合来表现抽象语言的图式，把纯净鲜明的色彩平涂在大小不一的方形之中，画面充满了装饰和构成意味，形式感强，虽然冷静严谨，但不乏情感的注入。现代油画家借用装饰画的表现形式来创作，从而寻求到了一种全新的、明快简洁的诉说方式，成功地丰富了油画语言。

再次，装饰画的创作题材对现代油画艺术的影响。油画有表现物象质感的优势，常以写实的手法创作，即使古典油画中出现的神话题材，也是依据现实生活中的人物为原型，而装饰画艺术的取材较为广泛，有现实中的物象，也有天马行空的想象元素，在我国夏、商时期就出现了“饕餮纹”，是对客观自然形象的升华，由表及里的概括提炼和夸张变形，加入了丰富的想象和情感因素，具有强烈的装饰意味和审美价值。随着交通、信息技术的发展，很多像高更、毕加索、克里姆特等一批欧美画家迷恋于东方、非洲艺术，他们对其他文明的借鉴自然体现在作品之中，例如法国现代派画家卢梭的作品《梦》，描绘的是沙发上的女子梦见自己置身于热带丛林的景象，画面中的植物繁茂，但色彩浓烈，每片叶子都刻画得一丝不苟，极具装饰意味，淡淡的月光下吹笛黑人和几只可爱的动物形象也是卡通式的表现，营造了一个荒诞离奇、美妙迷人的梦幻之境。现代油画对装饰画题材的借鉴，有效地拓展了绘画创作空间，为现代主义绘画寻求一种多样、宽松、自由的艺术表现。

因此，装饰画对现代油画艺术的影响，是人们生活方式和审美观念的更新，强调主观处理、富有个性、求新求变的绘画方式冲击着数百年沉淀的西方美术，必将赋予现代油画艺术更为广泛、灿烂的前景。

三、油画艺术中装饰性语言的审美价值

油画历经半个世纪的发展，从古典主义到印象派，再到现代主义、后现代主义，每一次革命性的更新都与当时的文化思想和美术思潮相联系，特别在风格繁多、积极创新的现代主义时期，艺术家追求标新立异的绘画语言给后人留下了璀璨的经验，其中装饰性语言的运用极大地丰富了油画内涵，具有不可忽视的审美价值。装饰画艺术以程式化的表现方法强调韵律和节奏感，其线条和色彩是经过高度提炼和理想化的分析，正如罗丹所说:“在我们看来线条和色彩不是别的，是内在的真实的标志;我们的目光透过表面一直潜入内心，当我们后来表现轮廓时，便会用内涵的精神丰富轮廓本身。”［2］(P119)

所以，油画艺术利用装饰性的语言形式表现不仅丰富了油画风格，而且更具思想性和内涵，我们从现代主义大师克里姆特的艺术里强烈地感受到装饰语言的审美价值，在作品《生与死》中，墨绿色的背景前呈现着两组人物，左边是衣着紫色的骷髅，象征死亡，右边是年龄不等的暖色人体，寓意生存和对生命体验的思考。

第8篇：抽象艺术的主要特征范文

 

关键词：抽象　具象　对立　互补

在西方现代美术的范围中去划分作品的风格，从概念上大多以作品形象与自然对象的相似程度来比较。其中的抽象艺术一般是艺术形象较大幅度的变化或完全偏离自然对象原有外观的艺术：其中的具象艺术一般是艺术形象与自然对象总体上类似或极为类似的艺术。抽象艺术发展自具象艺术，源于具象艺术，抽象的本义是人类对事物非本质元素的舍弃和对本质元素的提取。在美术领域的研究和应用中，抽象艺术和具象艺术共同构成一对相互关联的基本概念。西方现代美术中的抽象和具象发展在不同的阶段，两者之间的对立和互补的关系也在不断的发生着变化。 

 

一、印象派中主观具象的发展 

 

印象派的出现和发展改变了西方美术界对艺术的认识，同时对西方现代美术产生了深远的影响。印象派画家用科学理论中新发现的新色彩理论，观察到物体本身并没有永远固定的色彩，颜色随着环境与时间而不断变化。作品表现的不单单是物体本身的色彩，而是光线在物体表面呈现出的变化，表现的是画家的主观视觉世界。是在具象的物体基础上发挥主观的视觉感受，作品描绘的是具象事物，但色彩上呈现的更多的是主观感受，这种主观感受多少夹杂着抽象的因素。 

后印象派不满意印象派过于依赖感觉和自然，流于瞬间，他们认为光靠眼睛是不够的，还必须思考。后印象派的绘画是在大自然的面前长期观察思考的结果，而不是自然中短暂瞬间效果的快速记录。后印象主义画家的作品不再刻意表现光线，而是强调主观感受，主观感受是一种抽象的物资。印象派对二十世纪初期的立体主义、原始主义和表现主义等现代美术流派的观察方法和风格发展产生了很大影响。 

 

二、现代主义艺术中的抽象与具象 

 

在近现代科学技术高度发展的西方现代社会，人类改变自然的能力是越来越强。但是人与自然、人与社会、人与人之间的关系却日益复杂和严重。现实世界处于两难境地，出现抽象艺术和其象艺术的对立与互补。象征主义发起于法国，艺术家受高更的影响，反对写实主义，相信艺术是内心的召唤，情感和意念成为他们艺术创作的出发点，随意表现人的精神状态，包括梦中所形成的象征符号。精神、情感是一种抽象的物资，如何把这种抽象具体化，艺术家采用熟悉的具象的形态的组合来表现抽象的内涵。 

野兽派是典型的具象和抽象的结合，野兽派发起于法国，最具代表的领军人物是马蒂斯。曾经受到黑非洲雕刻艺术的影响。他们的特点是受梵高影响，反学院派，惯用红、绿、青、黄等原色，喜用大笔触、单纯化的线条，情感真挚外露，富于激情。野兽派的艺术家的作品线条单纯，虽外形没有完全脱离具象，但线条的组合，色彩的搭配，形状的分割，已有抽象的意味了，是介于抽象与具象的完美统一，是抽象与其象互补的完美体现。 

立体派是典型的抽象表现形式，立体派和野兽派一样发起于法国，立体派受野兽派及非洲黑人雕塑的影响，将自然的形象还原为几何学的图形，将不同时间、不同角度所获得的景象组合在同一个静止的视觉形象上。立体派的代表人物有毕加索，波拉克等，立体派的作品都是经过提炼的几何形，同时又是多空间事物的同一空间组合，虽画面整体是抽象的，但从画面中还是可以找到具象的单个造型形态。

三、二战后美术中抽象艺术的多元化 

 

二战后经济复苏，社会发生了质的变化，科学技术彻底走向了反人本主义的境地，形成了科学与人相互对峙的局面。在这样的生存语境下，构成二十世纪现代人本主义核心的不再是以科学技术为基石的理性主义，而是反科学、反理性的非理性主义。艺术作为时代思想的形象表征，具有了浓烈的反现代的后现代主义色彩，出现了与传统艺术流派皆面目全非的后现代艺术。 

二战后形成的艺术风格名目繁多，如波普艺术、新达达艺术、新具象艺术、综合艺术、最少派艺术、观念艺术、环境艺术等如潮水般涌来。后现代艺术以反历史、反传统、反宏大叙述作为起点，追求个人言说和标新立异，各说各调，并非追求一定的理论目的，有较大的偶发性，常常匆匆而来，又匆匆而去。艺术以抽象或具象或抽象与具象的结合的形式来来去去，也反映出抽

[1] [2] 

象与具象既对立又互补的复杂关系。 

后现代主义艺术不管形式如何多变，都是以抽象的观念为中心，通过各种具象的形式、行为表现出来，使艺术从单纯的架上发展到更多元化的表现形式。

四、后现代美术的新动向 

 

在后现代美术的发展中，观念艺术、波普艺术、环境艺术等流派的艺术家在创作中不断的挑战绘画的固有形式，希望取消架上绘画。但在进入-年代后，传统的架上绘画并没有逐步的走向消亡，而是打破原有格局，重新的迅速发展起来，成为西方-年代后现代美术的艺术主流。 

在这股后现代艺术风潮中产生的重要的新一代艺术家代表就是德国新表现主义画家，他们对后现代艺术的风格产生了巨大影响。这一流派是-年代西方后现代美术中影响最为明显的力量，它撼动了美国在当代艺术发展的中心地位，而且还开创了新的当代艺术精神，给此后十余年的西方美术发展奠定了新的方向。新表现主义是德国在特定历史时期和文化环境中混合构成的，它在核心理论上接受当时流行的存在主义哲学观念，在创作实践中融合抽象表现主义的艺术风格，特别讲究在绘画过程中的情感突发和即兴处理，追求原始的、粗狂的、简单的美学风格，主张绘画要以本来面目出现，探索内容和形式，注重造型和色彩。新表现主义把具象与抽象同时运用，加以表现现实与荒诞的处境，增强绘画本身的感染力。 

此外，在年代以来，涂鸦艺术逐步在美国兴起，成为后现代美术中异军突起的绘画语言。在涂鸦艺术中，涂鸦造型大多是用线表现的象征性语言符号，是具象的形象与抽象的象征结合的语言符号，表现内容非常广泛。创作者通过涂鸦与观众直接交流，涂鸦是典型的底层民众创作出的大众化表现艺术。 

 

五、结束语 

 

我们从历史来看，在丰富的人类美术发展中不断的可以看到具象与抽象的变化与发展，众多的艺术作品不是具有纯粹的抽象艺术风格，就是具有真实的具象艺术风格，更多的艺术作品则是具象与抽象共存，这类艺术作品对特定对象进行大胆的变形和装饰处理，将不同的物体局部特征进行解构和重构，把对象进行程式化的抽象化处理，使对象造型进行变化和发展。西方现代美术作品中的抽象元素与具象元素大多难以简单地用概念划分是抽象艺术还是具象艺术，他们处于一种变化的统一的状态。西方现代美术就在抽象与具象的反反复复的对立与互补中发展与完善。 

两方现代美术中的抽象艺术与具象艺术是辨证的，他们是磁棒的两极。不论是抽象艺术还是具象艺术，都是在人类历史上长久存在和发展出的艺术形式，是人类创造出的伟大精神财富。 

第9篇：抽象艺术的主要特征范文

关键词：漆画；表现型漆画；形式语言；审美自律

中图分类号：J223.9 文献标识码：A 文章编号：1005—5312（2012）27—0043—01

表现型漆画的形式语言构成元素带有强烈的绘画与表现性，画家在创作中面临自然，被自然激起的生活情感和审美情感，借助漆的性格意蕴、具象联想和抽象联想，凭直觉选用适当的材料特性进行艺术表现，在创作过程中充满个人的情感律动。而这种情感必然具有画家的个性特色，然后画家选用相应的色彩表达这一情感，以传达内心感受为艺术特色，并非机械模仿客观物体，又充分体现了漆的趣味。在整个绘制中，追求漆艺的合理性，尽可能完善地将漆的天趣有意识的进入画面，而成为一种理性化而有意味的情趣。从天趣到情趣的演化既由漆向艺术的转化，为的是完美地体现创作本体的情感与追求。从画面的角度来看，可分为三个基本特征：抽象元素，形式构架、意象式样。

一、表现性漆画中抽象元素由平面构成的三要素组合的特征

平面构成的三要素是点、线、面。由于漆画在创作中擅长于装饰性，仅仅停留在装饰层面停滞不前。传统的漆画装饰手法不能满足表现现实人物的需要，在铝箔粉上实验成功了罩漆研磨的方法。突破了平面装饰的局限，融进了西洋绘画的明暗造型法则，使漆画具有了极强的写实能力。在写实型漆画形式语言中点、线、面的组合是借助着具体的情景。而在表现性漆画形式语言中点、线、面的组合却是具体情景中概括出来，通过高度的分析、综合、归纳等方法，对漆性的把握后进行再次整合构成画面。在抽象的画面充分的使用圆、曲线、多边形、平衡、失衡、稀疏等。在艺术效果的把握上是对点、线、面、以及材料特性的熟练运用，体现出漆画艺术家对表现性形式语言的感受。其代表作品有朱斌《共存》系列之一、二、三入选2011’中国（厦门）漆画展，带有强烈的绘画与表现性，画面运用的抽象形态，让画面更加具有符号化的偏向，同时也能更深刻的表达出漆艺家们的思想情感。

二、表现性漆画中形式构架高度概括的特征

在写实型漆画的形式语言中画面严谨的按照物体构架特征，运用材料的特性依附形体进行表现，形式构架并不是重要的表现手法。在表现性漆画形式语言中对画面的构架再次组合和深刻的解析，同时把图像的本身构架的各种形体加以关注。再考虑画面的平衡关系，把变化的元素进一步归纳和组合。在陈恩深《迷失之一》作品中可以看出形式构架高度的概括，并且充分突出材质美。漆画的纯粹只能是由人的意识决定的事情，深化的形式构架，一方面满足漆艺家们的创作欲望，充分释放漆艺家的创作潜力，发挥漆艺术家的自主创造力。另外一方面，使艺术作品不断的推陈出新，使漆的语言更加丰富多彩，满足公众多元化的审美需求。

三、表现性漆画中意象式样以变异作为特征

在写实型漆画的形式语言中画面的意象式样艺以记叙的手法进行创作，运用漆的特性，完全模拟客观物象的形态特征。在表现性漆画的语言形式中样式意象把形态变型为特征，充分使用想象和概括等表现手段。写实性漆画的形式语言中过多的模仿客观物象，从而不能完全的抒意，在表现性漆画形式语言的形式构架中一直寻求内心情感的流露，画面里以情感流露为主要表现手段。

漆画既是来自传统的一门艺术，又是当代的新创造。它具有纯艺术和装饰艺术的双重属性。它把传统与现代、纯艺术与装饰艺术的双重结合起来。中国漆画作为传统艺术的新形式，将遵从自身的规律，释放其所有的能量，得到多姿多彩的表现。在乔十光的观点里面我们可以看出，表现性漆画的形式语言的特性，并非完全依靠漆艺术家的自我发现和漆画材料的丰富，也不是将作品中无限制情感发泄的载体。表现性漆画的形式语言是符合艺术规律的表现，也是人类社会生活情感和审美情感的完全体现。

表现性漆画的形式语言不仅仅有艺术的创造性、表象性的一般规律，还依然具有自身形式语言的特性：抽象元素，形式构架、意象式样。表现性漆画形式语言的形成是受到诸多元素的制约，然而更加重要的是受到其自身的所具有的审美自律的限定。漆画艺术风格的发展逻辑，艺术家本身艺术的形式语言和风格的倾向，还有艺术家的人生经历、思维模式、喜好，无形之中受到某种关键的因素制约着，这些东西约束着漆画艺术的形式语言和审美的倾向。

表现性漆画作品不单纯是源于生活的基本规律，而更多的是由于其自身的一种审美自律所制约着。表现性漆画是现代漆画创作中极为丰富的形式语言之一，在形式语言中有自己的特征，相应也受到审美上的制约，在漆画艺术中具有一定的限制。