文化艺术和艺术文化精选(九篇)

第1篇：文化艺术和艺术文化范文

当今学术界的某些观点认为，现代艺术设计属于西方文化范畴，源自于西方，其理念与中国无太大关系。笔者认为现代设计与中国传统文化之间存在着内在联系，特别是中国“和”文化的内涵博大精深，对现代艺术设计的思维与方法起到了重大的影响。首先，中国传统“和”文化与现代设计的关系也是传统文化与现代文化的交融。传统文化是现代文化的历史基础与前提；现代文化是传统文化的超越与延续。其次，中国传统“和”文化与现代艺术设计的关系，也体现了中国与西方文化的相互关系，它们既有相同点也有相异性，它们相互学习，相互交融，相互补充，相互促进。一方面，西方现代文化及其现代设计思想有选择性地吸收了中国传统文化特别是“和”文化精神。例如，在人与自然的关系问题上，西方讲究“天人分立”，讲究人可以战胜、征服自然，结果导致环境破坏的严重性与资源的浪费与污染。这一严重的后果致使西方社会重新审视人与自然的关系，提出绿色设计、环保节能的概念。这种观点也是从中国传统文化中寻找有价值的思想，事实上，现代西方文化特别是艺术设计已经吸收了中国传统“和”文化关于“天人合一”的思想，开始注重人与自然的和谐统一，有人甚至提出了“生态设计”、“绿色设计”的新理念。另一方面，中国现代文化包括艺术设计也应从现代西方文化特别是艺术设计中寻找有价值的思想，“取人之长，补己之短”，促进我国现代文化特别是艺术设计理论的发展。

二、“和谐化艺术设计”

“和谐化设计”的概念及核心“和谐化设计”的概念。所谓“和谐化设计”，也叫“和谐化艺术设计”，是指在现代艺术设计过程中，坚持以“和”文化精神为指导，在处理人、作品（产品）与环境之间的相互关系，以及构成作品（产品）的各种要素之间的相互关系时，调和其矛盾与对立、使之获得动态平衡，建构一个有机协调的统一整体，最大限度地满足广大受众的实用和审美的双重需求。四、“和谐化设计”的基本内容，和谐化设计的基本内容就是指现代艺术设计的各种构成要素之间及其与环境之间的和谐协调关系。主要包括：设计主体关系的和谐、设计主体与消费主体关系的和谐、主体与客体关系和谐、客体关系的和谐、设计主客体与环境关系的和谐等等。

（一）主体与客体关系的和谐

“主体”包括设计主体和消费主体，是设计中人的因素。“客体”是指设计对象，即由材料构成的产品或作品，它属于设计中的物的因素。因此，从本质上讲，主体与客体的关系是设计中人与物关系。客体是联系设计主体与消费主体的中介与桥梁。主体与客体关系包括两个层面：“一是设计师与产品或作品的关系；二是受众与产品或作品的关系。要建立主体和客体之间的和谐关系，首先，要实现设计主体与客体关系的和谐。设计主体与客体的关系是辩证统一的。一方面，作品或产品是设计师的创意和设计意图的物化，设计师的设计思想要通过作品或产品来表现；另一方面，设计师是产品或作品的直接创造者，设计师的素质和能力决定产品或作品的艺术品位和特色。当然，设计师的设计思想在产品或作品中的体现程度，受到设计手段的制约。所谓“设计手段”，是指设计师用以作用于设计对象的一切因素，包括物质手段（硬件）和精神手段（软件）。设计手段是联系设计主体与客体的中介，采用何种手段对设计效果的影响极大。在普遍采用电子计算机及网络技术的现代艺术设计中，必须建立和谐的人——机关系。电子计算机是模拟人类思维的工具。在人——机关系中，人永远处于主动地位；人制造和利用电子计算机为人类造福，绝不能成为电子计算机的奴隶。在艺术设计过程中，设计师对电脑及网络技术的熟练程度和操作水平在很大程度上影响设计的质量和效率。因此，每一个现代设计师都应当把学习和掌握电脑及网络技术作为一门必修课，这是建立人—机—产品（作品）之间的和谐关系的必要条件。

（二）客体关系的和谐

客体关系的和谐包括两个层面：一是客体构成要素之间的关系和谐；二是客体与客体之间的关系和谐。首先，产品或作品的构成要素之间的关系必须是和谐的。为此，必须做到以下三点：其一，产品或作品的形式构成关系的和谐。前面讲过，西方传统美学是特别重视形式美的，受其影响，现代艺术设计十分重视产品或作品的形式构成关系的和谐。比如：平面设计一般由文字、图案、色彩三个基本要素构成其形式美。其中，文字具有画龙点睛的作用，在某些平面设计中，甚至可以文字为主题。图案由点、线、面三个要素构成，协调点、线、面的关系，是构造形式美的关键。可见，能否构造和谐的色彩关系，对设计效果的影响极大。

（三）设计主客体与环境关系的和谐

所谓“和谐化设计”十分注重设计主客体与环境关系的和谐。设计主客体与环境的关系是指人、产品（作品）与环境的关系。从本质上讲，是人与环境的关系。设计离不开环境。“如果我们脱离环境而存在，那么就不可能有什么设计活动，也不可能产生正确的观念和思想。正确的设计也就不可能创造。”艺术设计的环境包括两个方面：自然环境与社会环境。有学者把研究设计主客体与环境的关系的学科称为“设计生态学”。从设计生态学的视角看，设计生态系统是由主体、客体与环境构成的有机整体。离开了环境，设计生态系统就不能正常运行。主客体与环境之间存在着双向互动关系：一方面，环境对主、客体产生重要影响。就自然环境对设计的影响而言，自然环境成了一些设计师的灵感之源，比如，当代西方有的设计师受生态环境被破坏而产生灵感，提出了“生态设计”、“绿色设计”等新理念。

三、结语

第2篇：文化艺术和艺术文化范文

中国目前有很多美术馆，但很多的国有美术馆的体制基本上还在延用1980年代以前建立的运行体制，它和各地的美协以及由这个系统派生出来的大大小小的族群构成了一种美术界的力量。这些机构及其力量在1980年代以前，因为目标任务非常清晰，所以在社会政治生活中影响很大。但是，“”结束以后，这些机构及其队伍如何完成自身涅磐、走出思想禁锢，至今还没有明显的迹象，所以这个族群里的人似乎都远离民间，又和现在已经越来越进步和国际化的社会对话不起来。我个人认为这个族群里的人被“政治工具”和“传统国画”这两种眼界给障目了。即使这两种眼界对于当前中国来讲仍然需要，那也需要适应这个时代。

文化问题有本土背景，但文化艺术最终是全人类的，只有向世界表明你的艺术历史观是公允的，文化才能真正得到全世界传播和尊重。

我们正在逐步成为影响世界的大国，这是历史给我们的机遇，但大国要承担世界责任，得让世界知道，你是怎么看待和释读世界，看待和释读历史，看待和释读未来的，得让世界了解和理解你的价值观和文化方式。在过去的时代，美国人用MoMA、古根海姆等美术馆在叙述这个时代用视觉书写的历史――现代美术史；英国人用泰特美术馆、法国人用蓬皮杜艺术中心完成了同样的任务； 而我们的很多美术馆还在拘泥于完成政治任务。毫无疑问各国都有自己的立场，但方法和竞技场是同一的。而我们在这些方面还很薄弱，政策出台后相应的措施没有跟上，不同地方的执行会出现偏差，或者低端事物上轰轰烈烈，把文化问题弄得过于物质化，忽略了文化这一精神性的特质，或者在一些专业问题上又严重缺失，美术馆缺乏国际视野和比较标准，媒体传播缺乏艺术的基本修养，真正具有国际影响的专业人才得不到应有的尊重，间接使得老百姓也只能把艺术品当作股票和首饰一样对待。

中国在当代文化的国际较量中，只能依靠当代人的文化创造力。

中国画在失去农耕社会封建文人士大夫主导的语境以后，就已经无法挽回它历史终结的命运，中国画可以仍然坚持的未来习惯上就是以创新型社会的形成。再比如：我们今天都在发问“道德底线”，道德底线是由人的思想基准构成的。那么这个思想基准又是由什么构成的呢？我认为你首先要让他（她）知道自己是谁，以及做人的基本权利和尊严，而真正的艺术是可以让人们获得答案的，人们从艺术中可以领略到人的尊严和平等……这些社会问题看起来与美术馆没关系，而实际上如果有更多好的美术馆在履行这样的责任，完全可以影响甚至改变社会文化习惯的消长。

艺术也许是改变社会生活和文化习惯一扇最恰当的窗户。我执着于美术馆事业是有一个愿望，希望通过更多人的参与和努力，让具有创造力的文化环境在逐步成为常态。

回顾历史，我们习惯于模仿而创新不足，这和传统的中国画习惯于临古和讲究师承很巧合。在中国几千年封建社会的历史经验中，限制文化精英思想出轨从来都是一件大事，尤其是到了清代，知识分子（包括艺术家）必须在统治者规定的法度里生存，久而久之中国的文化习惯就变成如此因循守旧。而所谓当代艺术的思想体系虽然出自于西方，但实际上是由当代公民社会民权平等的理念中派生出来的，它强调人在艺术上的权利，反对权力对人的蒙蔽和愚弄，反对权力对人们思想创新的压抑，主张人人都可以创造艺术。这种精神理念影响到文化习惯上就表现为以创新型社会的形成。

开放和成功的中国人民需要真正的时代艺术。

当前代表中国主流美术界的群体在思想建设、理念准备和文化形势判断上表现的陈旧、保守和缺乏创造，在过往的三十年文化发展机遇期内，不难看出，部分拿民族文化做招牌，实则相对自我、眼界也很局限，在现代社会和新的文化形势面前完全过时和滞后，使改革开放以来的中国文化艺术，错失了许多机遇，带来负面的影响。在历史机遇面前，中国的文化艺术应该有一个大发展、大繁荣，追求理想的文化人和有能力影响现状的管理者都负有历史的责任。

1980年代以来的这段当代艺术史开启了未来中国新艺术的纪元，并在整体逐渐形成了中国艺术更加广阔的国际视野。

民生美术馆毫无疑问应运而生于这一时代。它的责任和使命是为这个社会提供一个可以独立思考的艺术现场。开馆一年多来，一直在研究1980年代以来的中国当代艺术。因为这三十年来中国发生的巨大社会转型和变迁以及由此产生于艺术领域的巨大收获，绝非几个主题性创作所能承担。这段美术史的书写核心，离不开这个时期经历国家命运、体味人民生存环境的“另类”艺术家，他们的作品在艺术语言上具有国际性，而在内心体验上完全释放个人的精神经历。这些所谓“标新立异”的艺术另类，他们对于传统精神来讲是标新，而对于中国画语言来讲是立异，但对于今后中国的艺术历史来讲他们无疑是真正的幸运儿！一部新的美术史已经开始由他们书写，并由此开始有力量融入世界，进而展开在国际文化竞技场的角逐与较量。

要做国际上有重要影响力的美术馆，不能简单理解为把国外的展览引进来，把国内的展览推出去。

打造中国自己的具有国际重要影响力的美术馆，要思考从中国自身的思想建设和力量出发来提出自己的艺术主张，这个主张的视野是国际化的，核心是中国在今天（当代）的艺术创造。当然，我们现在所能聚合的力量还很有限，做这件事无疑是既伟大又艰难，而且因为民间力量在“为肉食者谋”，所以有可能还会吃力不讨好。

做美术馆，背后的财力支持是一个方面，更重要的是如何非常专业地建立起自己的体系，而你的眼界又恰好在能社会层面和国际视野上构成了较好的交流和对话。

以民生上海现代美术馆为例，它总面积将近4000平方米， 改建和装修预算仅有500万元人民币， 在开馆展以后，民生美术馆的每一个展览，不论规模大小都遵循十分俭朴的原则，每次布展包括馆长在内的每个员工齐动手加班加点，开幕式俭朴，没有往返机票、没有晚宴，一切自然而然，它每一个展览获得的良好口碑完全取决于它的专业态度，与人们对金融机构办美术馆财大气粗的想象完全不合。其实俭朴和纯粹正是我们对待公共事业的态度，是我们与形形商业仪式拉开距离的一种表达，而并非吝啬。 我们在上海民生现代美术馆开放不到两年时间中，已经完成了十多个不同形态的国际国内艺术展览，举办各类艺术教育讲座四十多场，美术馆累计接待观众超过了60万人次，已经成为上海最重要的文化现场之一。我们计划中的北京民生现代美术馆建设也在进行中，其规模和定位将更具国际影响力。

民生现代美术馆在收藏理念上坚持由中国出发，面向未来，面向国际。

我们鼓励年轻艺术家个性创造，意图建立一个1970年代后中国当代艺术的研究体系，整理一条在国际上具有比较研究价值的作品线索，进而力争经过十年努力完成一个中国版的比较完整的当代艺术史的收藏与研究。

第3篇：文化艺术和艺术文化范文

关键词：数字艺术；茶文化；结合；发展

目前，计算机技术得到了广泛的应用，并且逐渐涵盖了艺术范围，形成了艺术与数字技术结合的综合体，也就是数字艺术。数字艺术是以计算机技术为基础的艺术形式，数字艺术与传统茶文化相结合可以更好的呈现出传统茶文化的魅力和内涵，并且突破传统茶文化的局限性，对传统茶文化进行创新和再现。这样让传统茶文化很好的跟随时展的趋势，凸显传统茶文化的创新意识。将数字艺术与传统茶文化有机的结合在一起，还能充分帮助传统茶文化进行艺术转型，拓宽传统茶文化未来的发展道路。

1数字艺术的发展与茶文化结合的内涵

1.1数字艺术的发展与茶文化的结合现状

随着现代社会和经济的发展，中国传统文化也面临着创新和传承问题，如何更加符合人们的审美意识和标准，是传统茶文化需要思考的问题。在数字艺术广泛应用的现代社会，要想让传统茶文化的发展之路更加宽广，就必须突破传统茶文化的局限和框架，与数字艺术充分结合，形成数字艺术形式的新格局，满足人们日益提高的审美需求。传统茶文化的表现形式也应该具有更新的创作观念，提高创作水平，从而更好的传承和发展传统茶文化。

1.2数字艺术的发展与茶文化的结合形式

自计算机技术得到广泛应用以来，在各个领域都发挥着至关重要的作用，并且与人们的日常生活密不可分，同时也改变了人们以往的生活和思维方式。数字艺术被越来越多的用于茶产品广告包装制作、茶文化空间的模拟和设计、茶文化相关网页设计等。数字艺术这一概念一经提出就给传统文化的艺术处理提供了很多的便捷，如今数字艺术已经成为传统文化传播和发展不可或缺的重要载体。传统茶文化也可以借助数字艺术的平台，加快传承和发展的速度，设计和创造出更符合现代审美同时兼顾茶文化内涵的茶文化产物。

2数字艺术的发展与茶文化结合的审美特质

2.1文化形式的数字性

传统茶文化相关的艺术设计需要对茶文化有深入的了解，并且有较强的文化领悟能力和专业技能，这些实际因素的限制，让很多设计师无法设计出理想的茶文化相关设计作品，这也很大程度的限制了传统茶文化的传承和发展。针对这一问题，数字艺术可以成为设计师很好的工具，将茶文化艺术设计的过程与数字艺术相结合，可以更好的方便设计师设计出更新颖的茶文化相关艺术设计作品。茶文化的内涵丰富，对于一些设计师而言，都是取之不尽用之不竭的养料，这些数字艺术的设计师会从茶文化中找寻灵感，通过数字化的方式进行呈现，在本质上，数字化设计师和一般的设计师是一样的，都是文化的传播使者，只是大家用来表达的手段和技术不一样。此外，过去人们记录和保存文化都需要用到实物，费时也费力，传播效果也不佳，而如今科技非常发达，数字化可以非常好解决这些问题。例如，我们想要记录全国范围内的茶文化材料，过去需要复杂的调查和记录，现在人们通过互联网可以非常快速和高效的完成这一过程，信息的保存和筛选也会更加的可靠，这些资料也非常适合去分享和传播，让普通的民众都能接触到专业且完整的茶文化资料。

2.2实际操作的交互性

通过数字艺术在进行传统茶文化的艺术设计时，需要很好地展现设计师的思维和意图，同时也应该考虑用户的需求和想法。数字艺术可以很好的方便设计师与用户进行沟通和交流，让设计师更加了解用户的意图，从而产生更多的创作灵感，创作形式更加丰富。通过数字艺术对茶文化相关作品进行设计的过程中，还可以在通过数字技术创作的过程中，不断的对作品进行完善和更新，保证其品质和质量，从而更好的对传统茶文化进行传承和发展。通过数字艺术的交互性，让传统茶文化设计作品能够更好的表达情感，展现茶文化的精神和内涵，设计出更加有深度和思想的作品。交互性的实际操作让更多的人及时的浏览到传统茶文化的相关作品，更加方便地发表看法和意见，从而让设计师了解到人们对传统茶文化的想法，吸取更多的反馈和意见，为传统茶文化相关作品的设计积累更多的素材。

2.3时空的虚拟性

传统茶文化的传承和发展容易受到时间和空间的限制，传播起来速度较慢，阻碍了传统茶文化的发展，同时也局限了传统茶文化内涵的推广和渗透。针对这些问题，数字艺术的发展与传统茶文化的结合可以加速传统茶文化的发展，通过计算机技术增加传统茶文化的文化表现形式，利用先进的设计和传播方式，让传统茶文化得到广泛的传播，更好地推广传统茶文化，让更多的人了解传统茶文化的内涵。除此之外，数字艺术与传统茶文化的结合，可以让对传统茶文化感兴趣并且想要了解的人，更加方便快捷地浏览和了解，保证画面和质量的前提下，利用数字艺术的形式完美的呈现传统茶文化的内容和文化精神。让传统茶文化被更多的人所熟知，成为中国传统文化中的优秀代表，利用传统茶文化的精神和内涵为现代人带来更多的启示和精神洗涤。

3数字艺术的发展与茶文化结合的发展趋势

3.1创造方式的发展趋势

通过数字艺术的规制和机制，有效地结合传统茶文化的形式，将计算机技术和传统茶文化的内涵有机结合在一起，让传统茶文化得到全新的升级和蜕变，对传统茶文化的艺术形式进行改革，同时对其传统思维进行创新，这样才能让茶文化与时俱进，才能让茶文化更好地融入到现代人们的生活中去，这样不仅能够帮助茶文化更好的传播和发展，也能丰富数字艺术的表现形式。同时，通过全新的创造方式，也让更多对传统茶文化感兴趣的人可以更好的了解传统茶文化，让传统茶文化与人们的生活产生更多的关联，与现代人有更加亲密的关系和感情，而不是一种与人们非常疏远的文化形式。只有顺应时代的变化，尝试数字艺术这种全新的艺术形式，才能让传统茶文化获得全新的思路，拓宽发展的道路。

3.2创造内容的发展趋势

传统茶文化的内涵和艺术形式一直都是结合非常紧密的，但这些结合也有更好的实现途径。随着计算机技术的普及，数字艺术的广泛应用，传统茶文化与之结合可以更加方便快捷地进行传承和发展。数字艺术与传统茶文化的结合越来越受到人们的关注和兴趣，很多利用数字艺术设计出的传统茶文化作品深受人们的喜爱，所以人们越来越熟练地将计算机数字艺术与传统茶文化相结合，这也为传统茶文化的创新创作提供了无限的可能。这种传统文化精髓与数字艺术的结合可以对其赋予更多的生命力和活力，让其能够更好得到发展和推广。通过这种形式让传统茶文化的内容更加丰富，形式更加多样，让人们感受到传统茶文化与现代艺术形式也可以很好的结合，是具有深刻思想和内涵的传统文化形式。

3.3创造理念的发展趋势

传统茶文化的艺术表现形式是非常具有思想和内涵的，其展现的是深厚的传统文化底蕴，不仅有儒家思想的精髓，还有哲学等丰富的思维。针对传统茶文化的创作，需要对其有深入的了解，采用灵活多变的形式和手法对其进行展现，充分的体现设计者的思想和创意。设计师用数字艺术技术可以更好的表达自己想要表达的东西，解决其创作的难题，让其实现创新发展，让茶文化以更加完美和高效的方式来传承下去。只有采用新的创造和发展理念去看待传统茶文化的传承和发展，才能让其更好的适应现代社会的发展，让其保有顽强的生命力生生不息的流传下去。

4结束语

综上所述，数字艺术的发展和传统茶文化的结合，有其特有的优势，可以改变传统茶文化设计和传播的局限性，设计师借助数字艺术技术，其表达方式会更加多样，也让茶文化在传播过程中更加丰富多彩，让更多的人能够越来越轻松地接触到茶文化。

参考文献

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[9]王振湦,林华.数字艺术在美术史论教学中的应用研究方略[J].和田师范专科学校学报,2010(2):224-225.

第4篇：文化艺术和艺术文化范文

面对民族文化艺术存在的新情况新问题,我们的民族艺术馆,应要明确新时期发展民族文化重要性的认识,建立新艺术馆理念,克服面临的各种困难,为保护、创新、弘扬和发展民族文化做出贡献。

一、民俗传统的文化艺术需要积极保护

我国历史悠久,地域辽阔,民族众多,在几千年的历史长河中,各民族人民在不同的历史时期、不同的自然和社会环境中创造出了丰富多彩、光辉灿烂的民族民俗文化艺术。这些民族民俗文化艺术真实地反映了本民族群众的内心情感、道德理念、文明成果,现已深深根植于广大群众生活之中,渗透在群众的生产生活各方面。为此,民族民俗文化最易于本民族广大群众所接受和爱护,有着深厚的群众基础。民族艺术馆要通过多种途径、多种载体,把那些传统优秀的、广为流传的、健康有益的、群众愿意参与的民族民俗文化活动经常性地组织起来,既可以满足群众的文化生活需求,又可以弘扬民族精神,还能有效地保护和继承民族民俗文化。

二、民族特色的文化艺术需要不断创新

保护传统和文化创新并不矛盾,民族文化艺术只有不断创新,才能生存和发展。创新和建设当代中国特色社会主义先进文化,就必须依托历史、立足现实、尊重过去,面向未来,通过对传统文化的深刻继承和科学扬弃,来创造和熔铸既有丰富历史底蕴又有鲜明时代特色并深受人民群众喜爱的新文化。我们朝鲜民族艺术馆面对群众日益增长的文化新需求和群众文化市场多样化的新形势,对风格独特的朝鲜族文化艺术进行不断创新,提升民族文化艺术的凝聚力、创造力,使民族文化更好地体现时代性、富于创造性。

在民族特色文化艺术的创新过程中,要坚持以人为本的原则,按照文化要贴近实际、贴近生活、贴近群众的“三贴近”要求,把朝鲜族群众喜闻乐见的有群众基础的文化活动,不断提高活动档次,进行艺术再创造。

三、民间优秀的文化艺术需要互相交流

随着时代的发展,社会的进步,我们已开始融入经济全球化、文化多元化的新时期。文化是民族的灵魂,文化的交流是人与人心灵的对话和沟通,重视人的全面发展是世界潮流性的价值取向。优秀的传统民族民间文化艺术要互相借鉴、互相学习、互相交流,才能不断升华,不断繁荣、不断发展。墨守成规、因循守旧,只能导致民族优秀文化的丧失。只有敢于和善于吸取,融汇世界先进文化的优秀成果,才能推动民族文化的新发展。我们朝鲜民族艺术馆发挥民族优势,解放思想,开拓进取,大胆开辟了和韩国、朝鲜的国际文化交流新路子,广泛开展民族民间文化交流。通过国际民间文化的交流活动,既丰富了广大朝鲜族群众的文化生活,又吸取了民间优秀文化艺术的营养,又激发了民族的感情,推动民族文化的不断发展。

四、地方特有的文化艺术需要有效开发

第5篇：文化艺术和艺术文化范文

    论文摘要:艺术教育有益于大学生的心理健康和个性完善,是素质教育的重要组成部分。通过加强大学生艺术教育不仅有利于学生树立正确价值取向、涵养个人气质、提高文化素养,更有利于创建和谐校园文化、营造积极的校园氛围,为学生的全面发展提供环境支撑。 

一、加强大学生艺术教育的现实意义 

艺术教育是思想教育、做人的教育,它不仅单纯属于审美范畴、更是在德育、智育、体育、劳动教育、心理健康教育等方面有着广泛的涉及、渗透和深入,是具有跨越性、综合性、多层面特点的、能在愉悦中促进人全面发展的素质教育形式。艺术教育以其特有的功能和途径深深地影响着人的发展,提高人的艺术修养,使人能够主动地、充分地实现感性与理性、情感与理智的和平共处,令其人格得到较好的发展和完善;有助于人在心灵开发和交流的氛围中培养一种协调的人际关系,使人与人之间更好地交流内心的感受。加强艺术教育有利于推进大学生全面的审美观点、审美能力的形成,培养全面发展的人才,提高大学生的文化艺术素养,进而实现加大对社会各界的影响,促进国民素质的提高。 

(一)加强大学生艺术教育有利于促进大学生全面发展 

全面培养大学生的思想道德素质、文化素质、业务素质和身心素质,是党的教育方针的具体体现,是我国高等教育的根本任务。中央《关于教育体制改革的决定》中阐明了我国教育的任务和目的:“教育的根本任务是提高整个中华民族的素质”。十七大报告也指出,今后的教育要“坚持育人为本、德育为先,实施素质教育,提高教育现代化水平,培养德智体美全面发展的社会主义建设者和接班人。” 大学生,作为具有高学历的知识群体,在未来的社会中,发挥着至关重要的作用。从大的方面说,它关系到国家现代化建设的宏伟目标。从小的方面说,它关系到一个人是否能够健康成长,将来是否成为一个对社会有用的人才。只有人的道德品质提高了,才会形成爱国爱校、诚信友善、求实创新、严谨勤奋等优秀品质,才能够升华人的境界、提高人的素质,使人的价值实现合适于整个社会的核心价值观取向,成就有利于社会的全面发展。因此,大学教育不仅要重视专业知识和技能的培养,更要着重于人的全方面素质的培养,而其中艺术文化教育是较为重要的一项内容,对于实现大学生全面发展,践行国家“德才兼备、以德为先”育人用人标准具有现实意义。 

(二)加强大学生艺术教育有利于构筑大学和谐校园文化 

校园文化是学校教育的内容,它包括精神文化、物质文化、管理文化。和谐校园文化的核心就是要通过精神文化、物质文化、管理文化三方面的协调发展,营造出一种和谐的活动秩序,实现校园文化处于协调、均衡、有序的发展状态,从而体现高校校园文化艺术氛围对于人及人与人之间的全面协调发展的重要作用。加强高校艺术教育,有利于促进大学生身心和谐、健康的发展,促进大学生的思想交流、品格完善和性情陶冶,是高校实施素质教育的重要手段和有效措施之一,也是建设校园文化的重要组成部分。校园文化是高校德育教育的重要构成部分,校园文化的建设对于培养学生的全面素质起着极端重要的作用。所以高校艺术教育和高校校园文化的建设二者之间相互影响、相互协调。 

二、加强大学生艺术教育的重要途径 

随着现代社会竞争加剧,社会关系日益复杂,必然要求大学生在专业知识以外具备更加全面的素质去克服困难、融入环境。加强艺术教育,营造和谐校园文化,有助于降低大学生心理压力,塑造坚强的心理素质,提高与人相处的能力,实现大学生的全面和谐发展。 

(一)实现艺术课程设置的人性化,完善大学生的人格塑造 

艺术教育是实施美育的主要内容和重要途径,它能够潜移默化地提高学生的道德水准,陶冶其情操,促进其智力和身心健康发展。在促进学生健全人格的形成和发展有着重要的作用。 

在高校许多大学生中存在着不同程度的心理障碍与心理疾病,艺术审美可以消除人脑的高度紧张和疲劳,使大脑各部位的兴奋和抑制有序交替出现,从而有助于脑机能的平衡健康发展。艺术教育的动情自由,让学生在多元文化情境中获得宽容精神。加强艺术教育,使人在美的环境中产生对美好未来的追求,性格开朗,精神饱满,活力旺盛,情绪稳定,意志坚强;使人的气质和风度高雅大方,保持鲜明的个性,形成完美的人格。同时它能够调整情绪,使情感获得正确释放的途径,而且还能够超越感性娱乐,进入人格塑造身心和谐的层面,以求在将来面向社会时具备更完善的心理。 

(二)增强艺术活动开展的多元化,提升大学生的思维创新 

在高校中需要增强艺术教育的多元性和前瞻性,促进多元智能的开发。第一,开展专题性艺术活动。第二,开展竞赛性艺术活动。第三,开展趣味性艺术活动。有利于培养和发展学生高尚的审美情趣和创造精神,提高审美能力和创新意识,使学生乐于接收来自外部的信息,尝试新的思想行为,立足于艺术的前沿来思考问题,始终保持个人成长的生机与活力。 

小结:随着经济社会的发展与进步,对于人才综合素质提高不断提出了新的要求,高校艺术教育的重要性也愈发凸显。加强大学生的艺术教育,是大学生成长发展的需要,更是创建和谐校园文化的必要。这就要求我们应全面转变教育思想观念和认识,认清艺术教育的根本目标在于培养高素质人才,实现人的全面发展。搞清艺术教育的概念是让学生获取基本艺术知识技能、艺术思想与审美等艺术能力的过程,是人的精神文明教育,或者说是人的“修养”、“灵魂”、“做人”教育。其次,要深刻认识到艺术教育是使实现学生全面和谐发展,推动高校和谐校园文化建设的核心手段。 

 

参考文献: 

第6篇：文化艺术和艺术文化范文

关键词:现代艺术;广告设计文化;视觉现代性

国内设计史家王受之先生在《世界现代面设计史1800-1998》中把现代主义艺术对现代平面设计从观念价值、意识形态到设计艺术语言的影响置入一个决定性的地位,并把这些影响精确地归结为:“立体主义的形式、未来主义的思想观念、达达主义的版面编排、超现实主义对于版面和插图的影响.

它们或是在意识形态上提供了现代平面设计的营养,或是在形式上提供了改革的借鉴,对现代平面设计总体来说具有相当重要的促进。”[1]142的确,现代主义绘画带来了艺术观念和艺术语汇的现代转折,从而深深地影响了平面视觉形态的变化,然而在他的论述中似乎忽视了另一股以俄国构成主义和荷兰风格派为主的更为前卫的现代艺术精神的力量,正是他们对艺术形式的更为持久和深入探寻,成为塑造现代主义艺术设计语言特征的重要力量之一,并最终促成了现代平面设计现代性内涵的定型,以广告设计为代表的平面设计也在这个转折中走向具有现代性质的审美风尚和视觉形态。本文正是以此为基点展开论述.

一、构成主义的视觉语言创新

俄国构成主义设计运动在艺术上也称为“至上主义”,是一场具有前卫精神的艺术运动和设计运动。它们在起源上具有相似性,至上主义和构成主义有一个共同的艺术理念,这个理念阐述重点落实在了对艺术形式的革命性认识:视觉艺术的某一要素,如线条、色彩、形式都具有其自身的表现力,从而独立于世界表象的任何关系之外,这无疑突破了西方绘画自文艺复兴以来的传统理念———形式因素只能是再现性绘画造型的基本手段。马列维奇(k.malevich)、加伯(gabo)、利西斯基(e.lissitzky)、克利(klee)等人,他们把最新奇的抽象艺术带入构成主义体系中来。二十世纪初的现代艺术,尤其是立体主义和构成主义雕塑的几何造型和构成形式,对二维艺术设计和建筑空间设计有很大参考价值。构成主义对平面设计语言的贡献主要在于:平面视觉图形进一步向更加简单化和立体化的方向转化.

(立体主义的理性化、绝对化和逻辑化)虽然,构成主义艺术大师们的视觉探索往往来自于艺术表现的基本动机和具有独特的意识形态内涵,但是,构成主义的平面结构的理性处理、次序感最终奠定了现代版面设计系统的基本模式.

构成主义(constructivism)认为平面视觉元素具有明确的意识形态内涵,设计是为无产阶级和政治服务的。构成主义认为应该抛弃表现主义的方式而转向理性主义。在视觉形式上它是未来主义与立体主义的一种综合,但是在意识形态内涵上却是艺术家和设计师为新兴的苏维埃政权寻找视觉风格的积.

和设计哲学说明了现代主义设计的复杂性质,而至上主义在后来的发展中精神内容和意识形态立场和构成主义出现了分歧,它并不具有明确的意识形态内涵,主张形式语言探索的第一价值。其构成主义的代表人物马列维奇(k.malevich)崇尚至上主义的艺术观。他否认艺术上的实用主义的功能性和绘画的再现性,主张探索绝对的至上的形式构成,甚至把艺术经验凝结为单纯的色彩要素的感觉效果。因此马列维奇的至上主义艺术创作往往表现出立体主义的结构、简单的几何形式以及鲜明的色彩对比,形式探索和组合成为艺术创作的唯一核心。这种视觉哲学直接催生出日后国际主义平面设计重视图形的视觉风格。同时与之理念相同的抽象表现主义大师康定斯基(wassilykandinsky)也进行了大规模的现代形式语言的探索,但是这种纯粹视觉形式的探索虽然没有社会政治的意识形态背景,取而代之的是更加耐人寻味和不可理解的神秘主义精神动机。康定斯基的形式探索在现代主义设计教育中心———包豪斯的基础课程中发扬光大,影响所及几乎遍布每一个深受包豪斯熏染的现代主义风格设计师的造型语言和视觉形态之中.

构成主义的形式语言探索有鲜明的艺术主张和理论基础,1922年亚历克赛•甘(alekseigan)在《构成主义宣言》中不仅阐述了构成主义明确的意识形态追求,更为重要的是还提出了构成主义视觉语言创造的三个基本原则:技术、肌理和构成。技术是社会功能和实用价值,肌理是对现代材料的了解,构成就是视觉元素的组织规律。这三个原则深深地渗透在了这个设计家群体几乎所有的设计类型之中。利西斯基(e.lissitzky)是构成主义的集大成者,被视为现代主义平面设计风格的创始人,他的贡献主要在于对现代版面的理性基础的探索和广泛采用摄影拼贴。利西斯基安排视觉元素的出发点是结构,清晰的结构本来源于建筑设计现代视觉形态和技术要求的基本标准。然而,在利西斯基之后结构的展示成为平面视觉形态的基本面貌。在构成主义另一位重要人物罗钦科(alexanderrodchenko)的平面视觉形态创造中仍然是将平面元素组织为清晰的结构,只是字体更为粗壮,图形更为几何化,线条更为抽象,对比和视觉规律、视觉流程一目了然.

二、荷兰风格派运动的理性视觉编排

荷兰风格派运动是立基于立体主义的理性化视。(mondrian)、杜斯伯格(doesburg)等风格派画家的绘画探索创造出纯粹抽象、高度简单的几何组合。这是一种新的观察世界的视觉方式使然。这种视觉哲学认为,世界是由纵横两种基本结构组成,红、黄、蓝是构成世界的三种基本色彩;所谓艺术真实在于从有机的运动过程中寻找理性的平衡,这也是视觉艺术的灵魂与核心追求。这种艺术观进而影响到对平面版面编排风格,出现视觉元素的高度抽象和理性化编排模式,强调纵横编排的理性逻辑次序和简单的色彩计划。这种视觉哲学还认为:立体主义还存在巨大的发展空间而延伸为真正的视觉艺术,即通过有机运动、在对抗中而达到高度的平衡与和谐。这个对抗于平衡的中介点对人类来说意义非凡,也是所有视觉形态的意义和价值所在。1925年包豪斯平面设计大师拉兹罗•莫霍伊—纳吉(laszlomoholy-nagy)与风格派大师西奥•凡•杜斯伯格(theovandoesburg)合作出版《新格式塔的基本观念》就是这种新的视觉方式和设计理念的理论集成。荷兰风格派是视觉语言现代性表述和现代转折的界碑和中坚力量,从绘画而至现代设计的所有领域都受到构成主义视觉哲学的影响和渗透:绘画、雕塑、建筑、家具、工业产品的设计无所不包。它们的视觉形态完全摆脱装饰动机,被抽象出丰富的几何单体元素,这些元素的组合、视觉流程和结构清晰,在色彩计划上原色和中间色广泛应用。这些视觉理念没有被封存在形而上学的乌托邦之中,尤其在广告设计领域广泛传播、发扬光大。这种影响在西方视觉语言创造中已经成为一种千丝万缕的文化基因至今挥之不去,共同塑造着当代视觉环境和视觉形态的文化表述.

三、传播与意义:广告设计文化功能的显现

广告设计是现代艺术和现代设计语言传播的主要途径,构成主义和风格派艺术语汇也有自己发生社会功能和文化价值的传播方式:

1、通过设计教育的国际交流。

1921年到1923年,风格派大师杜斯伯格频繁前往包豪斯设计学院讲学,构成主义的设计原则和设计理念对包豪斯师生影响深刻;

2、通过广告视觉传播。作为整体现代主义艺术设计语汇的传播和演化很难对其进行精确的、量化的社会学调查,但是平面广告作为最基本的现代平面设计语言的载体,却能以最大的数量、最密集的传播频率借助商业社会的信息传播媒介而得以广泛传播,成为构筑现代视觉信息环境的主要内容。从这个意义上看,平面广告设计应该是现代艺术和现代设计语言得以传播的最为基本的途径,构成主义的传播的重要领域即在平面广告设计领域。20世纪20年代,俄国构成主义大师李西斯基在波兰讲学,深刻影响了波兰平面设计家亨利•波莱维(henrykberlewi).

波莱维有自己独特的艺术创作哲学和设计观念,史称“麦卡诺—法克图拉”(machano-fakturatheory)理论。这种事关设计和绘画的哲学性思考,其中心仍然在于重视画面与版面的理性化和利用几何构造原理进行创作和设计。波莱维的平面视觉语言带有明显的数学计算与几何合成的特征,显示出构成主义的艺术语汇的家族相似性质。波莱维自己并没有意识到自己在艺术语言传播史中的地位,然而他通过雷克拉玛•麦查诺(reklamamechano)广告公司的广告设计活动将构成主义的广告设计语言介绍给了整个波兰乃至东欧。雷克拉玛•麦查诺广告公司的艺术与设计追求是相当自觉的,公司的设计家群体声称:广告的风格和广告费用的决策一样,都严格服膺于现代工业生产条件下普适性的现代经济法则。商业广告应该最终打破和消灭艺术家和现代社会之间的隔阂,这是广告的重要的文化功能。在此,我们深刻地感知《构成主义宣言》所表述的内容、所显现的设计文化观念至今都是发人深省的,因为它揭示了广告设计现代性质的基本内涵:其一,在平面广告设计中从属于艺术表现的风格让位于现代经济和商业运作的基本要求;其二,现代商业广告无不具备现代艺术的表现性质,被赋予反思人类艺术性质的社会文化功能.

就艺术概念而言,贡布里希(e•h•gombrich)曾经有过这样经典的哲学性表述,他说:“现实中根本没有艺术这种东西,只有艺术家而已。所谓艺术家,以前是用有色土在洞窟的石壁上大略画个野牛的形状;现在一些则是购买颜料,为招贴设计广告画;过去也好,现在也好,艺术家还做其他许多工作.

只是我们要牢牢记住,用于不同时期、不同地方,艺术这个名称所指称的事物会大不相同,只要我们心中明白根本没有大写的艺术其物,那么把上述工作统统叫做艺术倒也无妨。”[2]

四广告设计的文化功能

恰恰在于它再次向人们提出一个古老而弥新的艺术文化人类学命题:什么是艺术。形而上学的艺术概念来自启蒙主义之后艺术的“审美化”过程,其标志是法国美学家阿贝•巴托的“美的艺术”的概念的确立。这一思想与哲学上的有关艺术的形而上学的定位活动不仅使艺术有了审美和纯粹的唯美内涵和能指意义上的种概念,而且也衍生出视觉艺术(artideldisegns)[3]390这样诉诸二维平面和三维空间的艺术属概念,这里视觉艺术特指架上绘画和雕塑艺术.

然而,工业革命之后,基于现代商业宣传需要的商业美术和现代平面广告设计却以现代传播媒体的传播力量,以现代印刷技术的革命和成熟的机械复制特征占据了现代人类视觉环境的主要空间。一方面,它(现代广告)成为现代社会形态下艺术语汇与平面设计视觉形态的交叉地带,成为现代艺术探索和实验以及应运的重要领域;另一方面,现代广告又是大众媒体覆盖之下社会大众获得视觉信息和艺术语言体验的重要来源,往往成为视觉习惯和视觉教育的第一范本。那么,形而上学的诉诸唯美的纯艺术概念就要反思广告的介入或者面临解构的威胁。广告设计的设计主体大量来自于现代艺术的先驱或者在艺术语言的承继方面大量接受现代艺术的影响.

但与此同时,这些设计前驱又不约而同地认识到现代广告的现代性质恰恰在于服务于现代商业视觉传达和商业信息传播的经济需求。现代广告毋宁说又是现代市场体系和社会化大生产技术体系的产物.

由此,广告设计似乎使艺术的概念回归到古希腊以来“技”“道”未分、混沌初开的历史状态,即古希腊所秉持的那种涵盖一切技艺(医疗、种植、采矿、农业甚至战争)在内的实用技巧(usefulskills)。[3]382当代西方著名科学主义美学家托马斯•芒罗提出所谓“走向科学的美学”,其题旨就在于重新考虑当代技术条件对启蒙主义艺术观念的冲击和解构,并进而指出未来关于艺术的美学反思应注意“抛弃那些把审美的艺术和实践的艺术、优美的艺术和实用的艺术尖锐的对立起来的艺术观。承认这两种艺术类型永远的混通。”在预测西方美学发展的未来趋势时,托马斯•芒罗指出其中重要的一个趋势就是“对实用的、工具的、功能的艺术的巨大兴趣”[4]56。所以,以立体主义、构成主义诸艺术流派为代表的现代艺术与广告设计的合流,使得现代广告成为沟通艺术与现代社会的桥梁,使得现代广告成为大众视觉经验获得的重要范本,也使得广告文本成为诠释和解构形而上学艺术概念的重要砝码。广告的社会文化功能由此发生,而且成为现代广告文化批评的逻辑起点和哲学基始.

总的来看,发生在俄国与荷兰的前卫艺术探索与实验给现代设计赋予了复杂而深刻的社会改良的社会功能和文化普及的文化功能,是现代主义艺术精神和视觉探索的继续与深化。前者是一种意识形态范畴的价值诉求,后者是一种艺术语汇的现实建构;前者奠定了现代设计现代性质的基本内涵,后者通过设计实践形塑了现代设计理性主义的形式特征。二者共同界定了现代设计的现代性质。这个现代转折的过程在后继的包豪斯为中心的设计探索中达到了理性的极端.

科学与技术的关系

“科技成果”、“科技信息”、“科技部”、“科技频道”、“科技报道”、“科技时代”、“科技资讯网”、“科技论文”……浏览报纸、书刊、网络、电视，大都可以见到或听到诸如“科技××”之类的语汇，大多数人对此早已习以为常，也没有感觉有何不妥。因为在人们的心目中，“科技”是一个普普通通的词，一个如同那些在生活中被广泛使用的千千万万个名词一样的词。相信很多人都会认同这个观点：“科技”是“科学技术”的简便叫法，是为方便起见使用的一个简称。事实果真如此吗？回答是否定的。不可否认，使用简称可以使语言在表达上更简洁、更方便。比如我们用“化肥”指代“化学肥料”，用“环艺”指代“环境艺术”，用“书装”指代“书籍装帧”，用“中专”指代“中等专业学校”……虽然字数大大减少了，但并不影响人们对原词语表述意义的认知.

但是如果因为简称的使用误导了人们对原有词汇含义的理解，并因此带来一系列理论研究与实践应用方面的混乱，那么这个简称就是无益的，应该被摒弃。而“科技”就是这类词汇。事实上，“科技”是一个颇具中国特色的词，在其他语言中是找不到所能与之相对应的单词的。在中国，长期以来这个词一直涵盖了科学和技术两个方面并被广泛使用，以至于多数中国人误认为“科学”与“技术”是同义词，完全指的是同一个范畴，搞不清科学与技术的关系。时至今日，我们已很难考证究竟是谁在什么时间什么地点富有创造性地首先使用了“科技”这个“词”去指代“科学”与“技术”这两个具有不同内涵和外延的词汇。毫无疑问，科学和技术确实有着非常密切的关系，但是不能因此就忽视了它们仍然是完全不同的两个名词，具有不同的概念和属性。科学是获得知识的活动及其这种活动的结果，是一种特殊的意识形态；技术是为了满足人类社会的需要、综合利用知识于改造自然的实践中所创造的劳动手段、工艺方法和技能体系。科学与技术两者之间有着不可分割的联系.

科学提供知识，技术提供应用这些知识的手段与方法。对于科学来说，技术是科学的延伸；对技术来说，科学是技术的升华.

科学的成果是理论，如报告、论文、著作等，属于精神产品的范畴，并不具有明确的、直接的社会目的，所以也不能立竿见影地带来所谓的利益。而技术的成果形式是物质形态，如产品、装置、设施及控制软件等，其体现出的是实实在在的物质产品和效益。美学家李泽厚曾说中国人素有“实用理性”倾向，重“有用之用”轻“无用之用”，重“学以致用”轻“学以致知”。也许正因为此，在我国长期的社会发展中才形成了重实用轻理论的格局和思维模式.

高校开设艺术设计专业的时代背景今天，科学精神的缺失，重技术轻科学对于我们来说已经不是一个理论问题，而是一个带有普遍性的实际问题。大学是文化传统的产物，而文化传统最重要的一点就是以前的东西可以一直影响后来的东西。每所大学都有其秉承的办学方针和理念。随着时代的变迁,也因为国家命运的震荡，中国的大学教育一直在不断地探索与变革，这其中有主动的改变也有无奈的抉择。究竟有多少高校能不被社会的风向标左右而矢志不渝地坚持科学的办学路线？我们很难界定。但可以肯定的是，功利思想已经对高校的办学思想产生了严重的影响，一个典型的例证就是艺术设计专业的扩张之路。对于仅有数十年历史的高校艺术设计教育来说，其发展历程颇具戏剧性，走过了一段令人咋舌的兴盛之路。上世纪80年代，初具雏形的当代设计艺术被美术界称之为商业美术，传统美术界对这个新成员不屑一顾，将其以“非纯艺”之名排斥在美术的主流之外。被冠以“商业美术”之名的艺术设计似乎周身都散发着铜臭气，岂能与纯艺术相提并论？更是不配进入“艺术”之大雅之堂。但是仅仅过了不到十年的时间，起初遍遭鄙视的艺术设计竟然变成了香饽饽。入学门槛相对较低、专业实用性强、毕业生供不应求、收入高都彰显了这个新兴学科的优势。对于开办新专业来说，民众的追捧固然重要，但对学校有利才是决定性因素。设计专业较一般专业高出近一倍的学费无疑为学校带来了更多的收益，于是各大高校基于经济效益的考虑，在不菲的学费收入的巨大磁力吸引下一哄而上办起了艺术设计专业。放眼望去，从中专到一本，从地方所属高校到中央直属高校，各级各类学校都争先恐后地开设艺术设计专业，唯恐动作慢了，这块大蛋糕被别人独霸了去.

这股设计教育的办学热充分暴露出高校在专业设置、招生中的功利追求。事实上，各学校在随后的设计教育教学阶段所表现出来的片面追求眼前利益的功利主义和着眼于小团体的功利思想更是严重影响了中国当代设计教育的发展.

 

艺术设计专业办学中的功利性

当前科学发展观作为一个国家战略被提出来并逐渐成为全社会的共识。科学发展观的提出，意味着必须实事求是地按论高校艺术设计专业的功利性王晓予名，不惜花费重金，有的甚至不惜卖房子卖地给孩子请老师，请人发短信，造成参赛选手家庭沉重的负担。因此，应重新审视评价的方式方法，使活动健康发展。否则，将影响“草根文化”的群众性和广泛性.

对普通百姓来说，电视不仅是一个和外界联系的窗口，也担任了生活调味品的角色，给了人们的生活无限的精彩。我国的大众传媒正在进入大众文化时代。争取更多的受众，争取更多的消费者成为电视工作者的一个方向。在丰富的电视节目面前，在综艺节目、真人秀节目面前，普通百姓成了电视的忠实观众，也把电视当成了生活中不可或缺的一部分。对很多百姓来讲，家里的电视机就像家里的一个成员一样，有人在的时间，就有它的声音和图像.

对于工作在一线的电视人来说，应该充分挖掘“草根文化”，教育群众、丰富群众的精神文化生活！照科学规律老老实实办事。这同样对高等院校的设计教育也提出了明确的要求.

从本源上来看，功利主义是实用主义的一个基本内容，是现实世界中允许并值得提倡的一种思想理论和行为方式。功利主义只有在一定的环境中和一定的制约下才能发挥其积极作用进而产生实效。实事求是地讲，我们不可能不讲功利，功利主义是促使人类进步的原动力，但绝不能过分追求功利。教育的功利性就是过分强调教育的工具价值，这是教育急功近利的最直接表现。高校办学中的功利性必然带来学科发展的盲目性。自改革开放以来，艺术设计专业迎来了前所未有的发展机遇，无论是专业门类还是招生规模都呈现井喷式增长。不能否认，艺术设计专业的兴起及快速发展有其必然性，是社会大环境所致。比如专业起步晚底子薄，初期受美院一些原有学科知识结构、专业招生人数和教学方式的影响，招生规模很小，加之还要经历4年的培养期，以至于在一段时间内，设计专业毕业生的数量远远不能与改革开放后快速复兴的经济形势相适应。特别是在20世纪80年代末和90年代初，社会对专业设计人才的需求旺盛，人才缺口比较大。在这种情况下，为适应国家建设和社会经济发展的需要，选择一些有条件的专业院校开办适合的专业方向并适当增加招生人数，以期在短期内快速补充人才也是合情合理、切实可行的，是符合高等教育的办学方针和教育改革的初衷的。但是如果因急于求成而违背客观规律、三步并作两步走，遍地开花，以培养社会急需人才为借口，人人都站在自己的小团体角度考虑问题，竞相开设同一专业，就必然会造成决策的盲目性和教育资源的浪费.

由于历史的原因，我国曾经对艺术教育没有足够的重视，因此很多综合性院校原本都是没有美术系的（或者艺术系）。可以想象，当艺术设计的办学热潮风起云涌之时，从学校层面上看，并不能在短时间内及时出台一个完善的院系建制规划，毕竟从零开始创建一个带有若干专业的系不是件容易操作的事，甚至是不切合实际的。这不仅牵涉到编制、经费、办学场地的兴建等诸多实际问题的论证，而且还需要层层请示、汇报、申请、批复。即便一切都很顺利，接下来的师资引进、设备购置、招生计划上报、教学大纲的制定也需要相当长的时间，没有个两三年是很难有眉目的。等到这一切都筹备好了，谁能保证艺术设计的招生热还能否继续存在？新建一个系对学校来说无疑是件大事，有一套严格的程序。运行周期长是必然的也是合理的。然而谁都知道，机会之所以被称之为机会并能发挥其最大效益，抢占先机是关键！所以在校方踌躇不前时很多院系就打起了短平快，利用本院系已有的学科背景积极申请、争相开设相关的设计专业或方向，上专业慢就先上方向。总之，怎样做能快招生多招生就怎样操作。于是就出现了在一所学校同时有若干个院系都招收设计类学生的怪现象，好像艺术设计专业被分割了一样。比如说，机械学院依托其原有的工业设计系开设工业造型设计专业是比较容易的；材料学院因为已有包装材料系，所以再申请开设包装设计方向也不是什么难事；至于建筑系招收环境艺术设计方向的艺术生就更是合情合理的了；按此路数，在新闻传播学院的广告系里增设广告艺术设计方向也是名正言顺的……如此一来，院系高兴，招生人数、收入都有了增加；学校也满意，院系不等不靠，自力更生创造条件，迎合市场需求积极主动上新专业、拓宽办学口径不是很好吗？考生也高兴，突然之间就增加了这么多的上学机会能不是件好事吗？看来这确实是一个让学校、院系和考生都能受益的万全之策啊！情况真的是这样吗？相信每一位站在客观公正立场上的人都能看清楚：这完全是一种基于投机心理的功利主义的办学方式。高校设计专业数十年的无序发展、各自为阵，割裂了艺术设计各门类各方向之间的联系，基础课师资的重复引进、设备机房的重复购置与低使用率、基于理工科学院背景的艺术设计课程的教学内容的偏离、所处院系艺术专业学术气氛的缺失、孤立于大艺术设计平台的课程设置单一狭隘，学生眼界不开阔，更接触不到广博的大美术思想。教学中的“因人设课”、“随机应变”，也是屡见不鲜。甚至是先招生，再四处招聘教师的现象，也不乏实例.

同时，设计教育中的重技术轻文化现象也非常严重。艺术教育，不论是绘画还是设计都离不开审美文化的教育，而依托于非艺术院系开设的艺术设计专业根本不具备这种人文环境，因此教学只能仅仅局限于设计技能的培养。思想上不重视，客观条件也不具备，自然更是无从考虑对学生进行审美文化素质教育和创造能力的培养。艺术设计是包含很多专业方向的综合学科，是基于美术大平台、集审美性与实践性于一身的创造性活动，这种从小团体利益出发的功利主义办学方式最终伤害的是设计教育本身.

按照科学的发展观，任何事物的发展都要遵循科学规律，一个新专业的开设更是如此。艺术设计是一个实用性极强的专业，涉及人类生活的方方面面，跟社会经济生活关系非常密切。所以，一所综合性大学设立美术系或艺术系是现代教育发展的必然。对于已经拥有美术系的学校在拟增设艺术设计专业时首先要考虑的问题就是确定适合的专业方向.

在选择专业方向上要深入调研，反复论证，不仅要从已开办此方向的兄弟院校获取直接经验，更重要的是要针对学校所在地区的产业结构、经济发展状况、社会需求情况和学院的专业结构、师资情况、设备资金投入等综合因素做出全面的评估后再做决定，切不可求大求全。做精一个好专业就等于积累了一套成功的经验，专业设置可以由少及多，逐步健全。至于招生规模，更是要本着科学的和负责的态度量力而为.

然而令人惋惜的是，有为数不少的高校开设艺术设计类专业缺少长期发展的战略目标，仅仅是迎合市场的跟风行为.

或者是受功利主义思想的驱使，为了体现学校专业种类齐全而不顾实际办学条件的限制，不考虑地域特性、无视学科基础、不计师资匮乏，多头并进盲目上专业，搞大而全，目的就是多招生多挣钱，完全背离了教育的道德底线。以至于学生进校后迫于教学条件的限制，很多课程都无法正常进行，只能用修订教学大纲的手段勉强应付教学。这都是无视科学发展观的小团体功利思想在作怪。当下，影响我国高校艺术设计教育健康协调可持续发展的根本障碍就在于教育价值取向上的功利主义和教育方法上的工具主义，这个问题已经到了非解决不可的时候了.

参考文献：

1.丁长青：《科学技术学》，江苏：江苏科学技术出版社，2005年版.

第7篇：文化艺术和艺术文化范文

关键词：李泽厚；《美的历程》； 中国传统文化

中图分类号：J01 文献标识码：A 文章编号：2095-4115（2014）01-77-1

《美的历程》是20世纪八十年代的一部美学巨作，由我国著名的美学大师李泽厚先生所著，这本书的诞生在中国社会产生了广泛的影响，掀起了一股追寻古代艺术美的热潮。我在很早之前就拜读过《美的历程》这本书，当时只是大致的浏览了一番，属于“好读书，不求甚解”，今天再一次重温这本书，感触颇多，似有“蓦然回首，那人却在灯火阑珊处”的意外收获。

《美的历程》这本书，主要讲述了中国各个时代占主流地位的时代精神和审美趣味。从原始社会的龙飞凤舞开始，到封建社会晚期的明清文艺思潮结束。虽然对每一个时代和章节描写的篇幅有限，对中国古典文艺只是作了一次匆匆巡礼，但中华文明浩浩荡荡五千年历史，要想在一本书中面面俱到地描述又谈何容易。李泽厚先生站在历史的高度，总览全局，给我们展示的是中华民族文化美的鸟瞰式的全景，使读者在感叹中华文明的伟大的同时，也获得了“一唱三叹，流连忘返”的美的享受。

全书共分为十个章节，在第一章“龙飞凤舞”里，讲述了中国史前文化的远古图腾。在人类野蛮期的低级年代，由于科学知识的贫弱，原始人类对他们赖以生存的社会环境和自然现象感到好奇，“对我是谁，我是怎么来的，将往哪里去”感到疑惑，这时原始的巫术礼仪和远古的图腾崇拜就正式开始了。从女娲、伏羲的传说到龙凤图腾的原始崇拜，值得注意的是这种史前的文化意识后来竟然发展成为整个中华民族的图腾象征，其生命力之旺盛真是让人惊叹。第二章论述了充满狞厉美的青铜时代，青铜器以夏代作为发端，在商周达到鼎盛，之后开始逐渐没落、消亡。那么青铜器艺术为什么会具有审美价值，在今天的人们看来依然具有美的享受？这是因为它极为成功地反映了那个进入文明时代所必经的血与火的野蛮年代，通过观看这些青铜艺术品能让今人遥想前人生活的场景，体会那个已经逝去的遥远的年代。在第三章“先秦理性精神”中，以孔子为代表的儒家和以庄子为代表的道家，成为了中国封建社会意识形态领域以及文化内容和形式的主要代表，儒道互补是中国两千多年思想史的一条基本线索。第四章的“楚汉浪漫主义”论述了那种充满神秘图腾神话的楚文化，相对于北中国的文化而言，这是南中国的主流文化。屈原是中国最早、最伟大的诗人，是楚文化的精神领袖和典型代表。。在“汉承秦制”的汉朝文学艺术领域似乎脱离了先秦的理性，而保持了南楚文化的那种弥漫着奇异想象和炽热情感的浪漫主义，呈现出“气势与古拙”并存的基本美学风貌。第五章的“魏晋风度”讲述了中国正式进入封建社会的大变革时期----魏晋时期。这是一个求新求变的时代，人们从两汉经学中解脱出来，冲破了旧的传统和价值体系，开始对人自身的生命、意义和命运重新进行了思索和追求。而文化艺术的变革则代表了这个动荡时代变革的先声。相对于两汉艺术的功利性而言，这时的艺术则体现出一种“为艺术而艺术”的姿态。阮籍与陶潜正是这股浪潮中的优秀代表。第六章的“佛陀世容”从“悲惨世界”，“虚幻颂歌”，“走向世俗”这三个方面来进行描述，介绍了佛教艺术从发展初期到繁荣期，再到消亡以及世俗化的变化过程。李泽厚先生以经济基础决定上层建筑为理论依据，从各个时代大的社会背景以及不同的审美标准和美的理想出发，对历时数百年之久的中国佛教艺术进行了重要的历史分析和具体探索。第七章的“盛唐之音”主要由李白的诗，张旭和怀素的书法，以及杜诗颜字韩文组成。李白的诗充满了不羁和豪放，具有浪漫主义的艺术气息。张旭和怀素的书法笔走游龙，都具有一种天才性的艺术美。这正是和开放、繁荣、大气的盛唐环境相匹配的“有意味的形式”。第八章是“韵外之致”，论述了规范化、格律化、百花齐放、充满忧伤的中唐文艺和审美内容与形式的内在矛盾以及苏轼的意义。第九章“宋元山水意境”，则讲述了作为中国传统绘画艺术的山水画从“缘起”到“无我之境”，“细节忠实和诗意的追求”，以及“有我之境”的发展脉络。最后一章即第十章“明清文艺思潮”，则讲述了进入封建社会末期的明清之际产生的文艺思潮，这是中国封建时代的回声。论述了资本主义萌芽的明清时期市民文艺、浪漫洪流、从感伤文学到《红楼梦》和绘画与工艺四个方面的问题。以戏曲为代表的明清文艺描述的是那些社会矛盾和悲欢离合的世俗人情，而上层的传统文艺却笼罩着浪漫主义，浪漫主义文学又幻化成像《桃花扇》和《长生殿》那样的感伤文学。这种鸟瞰式的宏观把握虽不能使每个问题都得到细致入微的描述，但给我们的印象却并不模糊。

总而言之，读完《美的历程》这本书，感触颇深。通过李泽厚先生在书中的精彩论述，我对中华文明五千年浩浩荡荡的文艺之路已有了一个基本的了解，文艺的发展之路不是人为的因素可以改变的，一路走来，它有自己的发展轨迹，体现了一种时展的必然结果。

参考文献：

[1]李泽厚著.美的历程[M].上海：三联书店出版社，2012.

第8篇：文化艺术和艺术文化范文

将正统的声乐运用和发挥在流行音乐及怀旧金曲方面，深受广大群众的赞赏；在“怀旧金曲”、“中国民歌”、“外国歌曲”等各种类型的风格上作了大胆的尝试，这也是艺术家们在不断探索的声乐道路，希望能够发挥出较高的演出水平又得到普罗大众的接受。

四位台柱擅长演唱三，四十年代以来的经典怀旧金曲，2001年来在澳门举办多场“流金岁月--怀旧金曲演唱会”，并赴香港,珠海，中山演出, 广获好评, 曾多次参与央视，政府及社团大型晚会。

2003年初成立怀旧金曲歌友会,目前澳门歌友会成员达600多人。

2004年接受澳门广播电视有限公司“凡人曲”节目采访。

2005年获澳亚卫视 “访谈夜总会”栏目邀请做访谈嘉宾。2005年6月接受澳门广播电视有限公司“飞越文化街”节目专访。

2005年3月及4月应香港歌友邀请往香港演出，令现场歌友陶醉。

2005年11月获中山广播电视台邀请，为该台“群星拱照 粤韵今宵 第八届粤曲卡拉ok擂台阵年度冠军总决赛”担任表演嘉宾，极受欢迎。

2005年底参加中央电视台第四套《欢聚一堂》节目“相聚澳门.庆祝澳门回归六周年电视晚会”的演出。

2006年签约“澳门天和娱乐有限公司”，并隆重推出原创歌曲《澳门，东方之光》。

目前参加澳门龙汉电视走遍澳门“特辑”拍摄，该片将会在广东，上海，杭州电视台分别播出。

记者近日有幸结实了四位台柱之一的蔡文君小姐，初识蔡小姐，记者被蔡小姐的雍容高贵的气质打动了，蔡文君祖籍广东省揭西县，其实蔡文君并不是像其它歌手一样从小就经过严格专业的训练，只是有时候听听歌，跟着唱几句。

命运之神还是特别垂爱蔡文君的，2000年蔡文君举家来到澳门，开始了新的生活。这时，蔡文君结识了影响她人生的一位重要人物，那就是现在东方文化艺术团团长郑丽，郑女士像姐姐一样的对待蔡文君，特别是在音乐上， 使她经过一段时间的培训之后脱胎换骨一般，整个人都变了。好象专业的歌手一样，一举手，一投足都是那回事了，当然更有她那甜美的歌声。

2001年12月，蔡文君抱着一种试一试的态度参加了澳门一个怀旧金曲的比赛，她以邓丽君的一首《夜来香》把评委和观众都深深的折服了。最终获得了冠军及最佳台风奖。02年第二次参加澳门的歌唱大赛，获得了亚军。之后，代表澳门参加全国职工歌手大赛。取得银奖的好成绩。

2003年蔡文君正式加入了澳门东方文化艺术团，四位台柱齐心协力，实力不断强大，多次在澳门举办《流金岁月怀旧金曲演唱会》，并赴香港、珠海、中山演出，广获好评。2005年参加中央电视台第四套“相聚澳门庆祝澳门回归六周年电视晚会”（欢聚一堂）节目演出。受到了国内外观众的普遍喜爱。

团长郑丽女士是一位资深的声乐教师，目前澳门很多著名歌手也随她学习，她除了擅长演唱国、粤语怀旧老歌，演绎中国民歌，外国歌剧等水准也非常高。所以她有“百变歌后”的称号。

“小调歌后”徐鸣莉，唱起民歌，小调之类的歌，特别有味道。

麦志强先生是澳门早期实力派的酒廊歌手，八十，九十年代已经多次获得澳门公开歌唱比赛的奖项，有“抒情歌王”的美称。

澳门东方文化艺术团作为非牟利的组织，澳门政府各部门（民政总署，文化局，旅游局，澳门基金会，霍英东基金会等）都对该团大力支持，使该团能够更好的顺利运转，更好地把精神食粮献给普罗大众。

不仅澳门政府，广大歌友及传媒也很支持的艺术团。如今年跟澳门的天和娱乐公司签约，联系一些演出事宜，澳门的澳亚卫视每年都邀请该团参加很多大型晚会，专访及休闲节目。 最近艺术团的成员还参加澳门龙汉电视“走遍澳门”特辑的拍摄，已经确定此片会在广东电视台，上海及杭州的电视台播出。澳门电视台以及电台也经常播出该团演唱会片断及最新原创歌曲《澳门，东方之光》。

第9篇：文化艺术和艺术文化范文

古代中国“天人合一”的思想源远流长，在中国古代思想家看来，天与人、天道与人道、天性与人性是相通的，故而可以达到统一。这种思想熔铸了中国文化中的艺术精神，这种艺术精神融入在剪纸艺术品中，就是剪纸的“心里想的”，注重表现抒感和理想的意念。“天人合一”论中强调了天与人的统一。也就是天地、自然界是大天地，小天地是个体的人，大天地与小天地始终保持和谐统一。人体中感情的发生表达，以及它的走向和互相作用的规律，都是与天地相互统一的，即人的情感世界，也遵循自然界中物质运化的规律。

人的感情是丰富多彩的。交流喜悦之事，倾诉悲愤之情，抒发哀怨之思等，都是人体自身经常需要的，但这些情感历来都是受到伦理制约的，绝不是动物性情感的自然宣泄。历代的统治者都十分重看艺术所具有的协调个体与社会关系的价值，高度重视并利用艺术具有的陶冶人的情操、稳定社会秩序的独特作用，用以加强其精神统治。所以，“天人合一”论，既是社会、政治的需要，又是艺术扩展自身，把对周围事物深刻的了解和体验高度升华到意念，注入艺术自我情感，表现大自然、大天地的需要。在精神领域里让人与山水、自然界的动植物产生某种情感的交流，也就是让人在欣赏自然时得到启示，从而精神得到升华与净化。这种人和自然的情感交流在剪纸艺术作品中的表现尤为突出。

实际上，中国传统的“天人合一”论承认人的现实存在，同时也承认在进入精神绝对自由境界可能性的生命存在。在不受功利标准的束缚，超越了伦理规范制约的意境中，民间剪纸艺人把自己的感情大胆地宣泄到了他们思念向往的形象中，把不曾见过的天堂仙境抽象成月宫瑶池等，把不存在的龙凤、鬼神兑现为神奇可视的艺术形象。这一切都带着明显的心理体验特征。在人与周围环境的现实关系中，一旦摆脱了“外物”的桎梏，就能在精神世界中更体会到自由人的“小天地”的存在。民间剪纸往往都是从当前利益得失的观念中超脱出后，就创造出无数描述自由、美丽的“小天地”的艺术作品，并且是带着个体的强烈的情况，使艺术品题材广泛，内容丰富，并且释放出艺术的光辉。

缺乏感情的艺术不是真正的艺术，但所带的感情应是一种自然的流露，强行加入的感情，会引起人们的反感，每位艺术承受者会欣赏、了解艺术中的感情。人的情感基本可分为喜、怒、忧、思、悲、恐、惊七种。这七种情感可归结为五大类：

喜，包括快乐、舒畅；怒，包括愤怒、威严、至尊至上；忧思，包括忧愁、思虑、远见卓识、思想；悲，包括悲痛、伤心，没落；惊恐，包括惊吓、恐惧、害怕、畏缩。

这七种（五类）情感的表达在剪纸制作中是有一些规律可循的。中华民族传统的五行运化理论，从客观上解释了自然界和人体中生克制化的关系。在剪纸艺术的情感表达上也同样适用。

五行运化理论的基本观点是：世界上的物质分为五种，即金、木、水、火、土。这五种物质的分类是根据客观上的物质、物体或生命体的所有属性综合起来分类的。

在情感上，以上五类情感也可分属五行，如喜属火，怒属木，忧思属土，悲属金，惊恐属水。下面分别加以阐释：

喜：喜属火。在五行运化理论中火的性质就是向外发散。

在图形占有面积上，向外发散占有的最大空间是圆形。在数学中，当周长一定时，面积最大的是圆；在四边形中，面积最大的是正方形。所以人们不自觉地常用圆形和正方形，以及向外发散的线条造型来充分地表达喜悦之情，总造型是圆形或正方形。要使剪纸作品表现出喜气洋洋，应尽量使之发散，不加边框。比如经典作品《老鼠娶亲》，在创作时样稿几次改变，最终把花轿放在正中间，四周二十个老鼠，不论是放炮的、吹唢呐的，还是送礼的、献花的，都显得喜气洋洋。由于周边不加限制，似乎炮响一直继续，欢庆的气氛在不断扩展，使作品中“喜”的情感得到充分表达。

怒：怒属木，木性升发，其气机向上。自然界中树木向上长，有向阳、向上的趋向。五行理论中木代表生发力量的性能，标示宇宙万物具有生生不息的功能。古人对怒有“怒发冲冠”的形容。如作品《钟馗捉鬼》中的钟馗，怒发冲冠、眉毛向上，其威严的神态将小鬼震吓得匍匍倒地、瑟瑟发抖。剪纸《包公》也是用一种凛然的气势来剪成的，不仅官帽向上，而且官袍上的火焰也向上，衬托出包公嫉恶如仇、为民除害的一身正气。在具体剪的过程中，作品为表达怒的情绪常突出向上的尖锐的直线条。

忧思：忧与思属土。土的属性是集结收敛。同时，还具有土载四行为万物之田，承载受纳的性能。在人体中它主管气机的“气结”，即气体扭缠混绕在一起。因此，在剪纸中，凡扭结在一起、缠绕在一起的线条或结构都是忧思的情感表达。爱情作品《相思鸟》就是用一圈鸟儿头顶上集结的许多缠绕在一起的云彩来表达鸟儿的相思情。而《沧桑岁月》是用许多蔓藤缠绕在两棵大松树上，同时用线条绕出了“沧桑岁月”四个字，体现了对岁月的思考，隐喻作者的思绪延伸到很远很远。凡是线条向内、向中心结集的趋势，均可以表现忧思的情感。如着名的雕塑作品《思想者》的主人公就是半蹲半屈，全身各个关节呈曲状，向中心集结。即使可以不看主人公的面部表情，仅仅从他的姿态就能明白，他正在思索或正处于忧虑状态。

悲：悲属金。在人体的脏器里，肺属金，中医的基础理论中阐述了肺的客观属性是主哭，主一身之气。肺藏魄，即魄力、气慨。金也有服从、顺从、收敛之意。如果悲伤过度，自然就失去了魄力，没有了气概。哭的太甚，也会软弱无力，重则晕倒甚至休克。肺主的是一身之气，悲情过度，一身之气不足，就会正气消耗、咳嗽上逆，气短乏力，伤风自汗，弯腰驼背。所以中医明确提出“悲则气消”。

使正气消耗的“悲”的情绪在剪纸的表现上是一派无力、萧条的景象。要剪悲情的人物，此人一定瘦弱无力，风吹欲倒。如果弯腰驼背有碍于美，在作品中只有使其削肩、细腰、低头、内视等。悲情的动物一般表现为低头、皮毛不乍起而顺之下滑，并瘦弱无力。悲情的植物一般表现为枝条软弱，叶茎细小并下垂，随风摆动。

惊恐：惊与恐属水。水向低处流，水具有滋润、顺下、闭藏的特性。

“惊恐”中的“惊”会造成逆乱。传统剪纸《钟馗捉鬼》中的那些形态各异的小鬼因为害怕钟馗，跪趴在钟馗的脚下，个个形态惊乱。若要表现剪纸中的小动物受惊，要把小动物所处的环境剪成逆乱的线条。如表现小鸟受惊，只要把小鸟周围的树枝剪成摆动的混乱状态，美丽的小鸟儿就变成了受惊之鸟。

用剪纸表现不同的情感。除了有上述总体造型上的规律外，在剪纸的具体制作上，各种情绪之间的剪法也有较明显的区别。不同剪法剪出来的线条所表达的情感内涵是有区别的。

例如，剪“喜”的感情时，走剪的速度均匀、流畅、光滑、圆润。即使需要跳跃，也如欢乐的小溪一样柔顺，向外自然发散。

“怒”的剪法，直接迅速，笔直向上，拐弯处硬而不流畅，剪出的线条横来直去，干脆利索。

“忧思”的线条，由于是缠绕扭结在一民的，因此剪时最不流畅，很少有一剪子剪到底的线条，其线条多细长、柔软。

如作品《小鹿梅花》中既有表达思虑的线条扭结，又有流畅、圆润之感，所以表现了小鹿正沉浸在一件美好幸福的心境之中。一般地说，表现忧愁的线条要细些；表现思考的线条要粗些。思考中含有愉快情结盟的线条光滑粗大一些；含愤怒情绪的线条粗壮笔直向上；含悲哀情绪的线条则细弱垂下。

“惊”的情感是逆乱，剪此种情感的线条，一般为短小刚硬，互不连接。其中，杂乱、重复、折叠的线条出现频多。一般不用连续对称的图案。

“悲”的情感是消耗正气，软弱无力。走剪时，剪速相对慢，从小向下，越剪线条越细，常常将极细的线条靠在一个参照物上。此线条虽柔弱，但并不中断；虽无力，但不会随风起动。因为“天人合一”论说明，“悲”的环境宜用无力之风、柔弱之水来表示。

“恐”的剪法也是向下，走剪时线条相对有力，好像是哆哆嗦嗦地向下行。在下行中不断地有各种小弯曲，这些小弯曲无规律、不连续、不对称。例如，表现人被吓得两腿发抖，两腿就不能像跳霹雳舞那样有节律、有力度。

值得提出的是，剪纸这门艺术几千年来主要出自农家妇女之手，在几千年的封建礼教束缚下，广大的妇女被禁锢在“大门不出，二门不迈”的家庭天地里。旧时的妇女，命运大多数是不幸运的。婚姻靠媒妁之言，婚后伺候公婆，承担着繁重的家务，没有地位，任人摆布，挨打受骂是常事，她们潜藏着强烈的反抗意识，但在封建伦理和“三从四德”的重重约束下，又不得不屈服，艰难地苦度着岁月。这种悲痛的心情，感受在五行中属金，金（悲）可以滋生水（惊恐），再滋生就是木（怒），就会起来反抗。反抗若无出路，金（悲）可以被火（喜）所相克，用喜庆、快乐的剪纸来克制、转移悲的剪纸来克制、转移悲的情绪，这也是她们排解不良情绪的一种手段。