色彩艺术论文精选(九篇)

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第1篇：色彩艺术论文范文

（一）16世纪——文艺复兴时期油画色彩的光影与明暗

这一时期的油画色彩突破了以往绘画形式的色彩语言，进行了大胆探索，画家们喜欢表现大自然的壮美辽阔、天光一色的景象，画面光线耀眼，奔放挥洒，带有强烈的戏剧性和主观性色彩。比如，康斯特布尔将自身对于田园风光的主观亲切感融入到用色中，在其代表作《山谷农田》的烂漫影色中可以清晰感受到画家对自然的主观感受。由于油画的调色媒介是亚麻子油，干得较慢，这一时期的画家可以在颜料未干时对画面色调加以修改和调整，或采用古典多层染法，营造色彩的层次感。16世纪的名作《蒙娜丽莎》中，达芬奇通过对远景施用蓝绿色调来陪衬蒙娜丽莎美丽的肤色，并运用渐隐法使色彩近暖远冷、远虚近实增加了画面空间感。这一时期的画作以利用光和影描绘人物为主要表现手法，使得画面形象的立体感大大增加，实现了“强烈光照下真正的色”。16世纪的画家们信奉受光的色彩，投影和暗部的色彩只是作为辅助色或偶然色出现，用色的总体原则是通过色彩表现主体的受光部，暗部则少用色彩。很多画家在表现山、树等远景的油画中采用“色彩透视法”，即用浅蓝、紫蓝、蓝绿画远景，越远越淡。除此之外，画家们还用黄、金黄、土黄等黄色系营造受光部的聚光效果，力求展现光照下“真正的色”。这种程式化的“空间层次”色彩表现技法一直沿用到17世纪。

（二）19世纪——印象主义时期色彩的瞬间闪烁

19世纪德国自然科学家、诗人歌德发表了著作《色彩论》，创造性地将色彩划分为冷暖色系，并赋予其正负的抽象表情。正色即暖色，红、黄、绿代表喜悦和明朗，负色即冷色，蓝、紫等代表胆怯、忧郁，这种理念成为了19世纪油画色彩的先驱。这一时期油画色彩运用的杰出代表是印象派。印象派画家通过细心捕捉大自然色彩的瞬间变化，使色彩从16世纪的光影和明暗中解放出来。这一时期的点彩油画暗部色彩处理极为透明，用笔也更加随意，通过对或冷或暖的中间色的运用，使得画面呈现出闪烁的感觉，这一技法突破了古典画法明暗色阶对色彩的捆绑，展现出色彩律动的光感，画面更为活跃、即兴。印象主义时期，油画色彩的生命感被画家们用来表现象征意义，高更就是19世纪善用色彩象征性的代表，其画作《亡者的灵魂注视着》中，暗紫色背景、墨蓝色围裙等象征死亡的暗色调与黄色床单形成鲜明对比，这种色彩的象征性使得画面充满神秘阴郁的死亡感。到了19世纪后期，以梵高为代表的后印象主义画家更加追求色彩的象征性和主观性。他的《向日葵》中，柠檬黄、铬黄、橙黄等纯黄色系的应用与蓝色背景形成鲜明对比，流动、激情的笔触和用色形成了结实、奔放的油画风格。另一位代表画家塞尚的油画色彩风格更为理性，他不仅利用色彩的明暗展现体积感，还通过冷暖色彩加强事物的表现效果，这种尝试引发了立体主义的兴起，对后世产生了深远的意义。

（三）20世纪——野兽派时期色彩的自发、本能和情感

20世纪，色彩的力量在野兽派的画作中找到了最直接、最强烈的表现形式。以马蒂斯为代表的野兽派画家们本能地、自发地宣泄着色彩表现力，他们热衷于运用鲜艳、浓烈的色彩展现画面的装饰性。注重色彩引起的人们的生理、心理反应是这一时期色彩表现革命的突破性观点。马蒂斯认为，色彩可以独立于油画的客体之外，呈现出影响欣赏者的情感力量，画家们认为单纯色彩的运用影响力更为强烈——蓝色摄人灵魂、红色影响血压，甚至有的色彩拼接会惹人愤怒。通过对画面主体色彩的归纳、取舍以及各种纯粹的红与绿，蓝与橙，紫与黄的对比、分割、穿插、渗透，使画面更为均衡，空间更为自由。以表现性著称的野兽派更加注重色彩的装饰性，画家们致力于通过色彩的搭配和并置，展现色彩的节奏与韵律，创设画面的装饰感，还借鉴装饰画和壁画的用色方法，依靠色彩对比形成画面视觉冲击力。如德兰的油画《伦敦桥》通过大块不同色调的强烈对比展现了画面强烈的视觉冲击力和装饰性，加强了作品的艺术感染力。

二、西方油画艺术中色彩的艺术特征

西方油画色彩经历了以上三个重要的历史时期后，确立了独特的艺术特征，下面笔者就将详细阐述西方油画色彩主观性、象征性和装饰性三个艺术特征。

（一）西方油画中色彩的主观性

西方油画色彩的主观性是指区别于客观事物本身的色彩，是画家根据画面美学需要和绘画主题对色彩进行的二次创造，这时的色彩已不再是自然物象色彩的客观反映，而成为一种表达特定精神内涵以及主体思想情感的个性艺术语言。例如，塞尚的油画通过色彩结构的重组以及块面、色域的冷暖渐变，使作品和现实拉开了距离，流露出了画家的情感体验，从而使色彩焕发了精神。又如，后印象派代表画家梵高更加重视色彩的表现力与象征性，通过主观性色彩的巧妙运用，将内心热烈而又质朴的情感表达了出来。到了以表现性绘画为特色的野兽派，油画色彩成为完全主观的表现手段，成为构建画面空间感和情感氛围的主体。用色彩表现精神是近现代西方油画的主要特征之一。色彩主观性特点在油画各个流派中都有运用，除了在后印象主义、抽象主义及主观主义等流派中可以寻到其足迹外，还能在许多具象油画作品中看到其表现。例如，现代派最具影响力的画家毕加索就很好地表现和运用了色彩的主观性这一特点，在他的作品中蓝灰色调通常用来宣泄颓废、苦闷的情绪，再搭配线条和色块组成的韵律，流露出忧郁、伤感的情绪。

（二）西方油画色彩的象征性

早在原始社会人们就有了对色彩的认知，之后西方宗教绘画中的色彩又被赋予象征性，而且色彩象征性已不单单指象征事物，还指色彩象征抽象的意念。在近现代油画作品中，色彩象征性还常被用来表达特定的意图，或是明确画面的色调关系，深化整幅作品的主题，因而成为画家们表达色彩语言的主要途径之一。例如，被誉为印象派三杰之一的高更就擅长运用象征性色彩，在其代表作《雅格与天使搏斗》这幅作品中，高更将对比用色发挥得淋漓尽致，表达出他丰富的想象力和敏锐的洞察力。作品中用强烈的橙红、亮红色调描绘远方天国环绕的幻影，用躁动火热的色彩象征雅格与天使格斗时紧张激烈的气氛，突出了拂晓时分雅格于天国四处捕杀天使的紧迫性和真实性，这种象征意义的选取，凸显了绘画的效果。而在《美丽的恩其拉》中，高更又展示了另外一种情调，他将完全按照色彩结构要求修饰着形的肖像创意性地安置在虚幻的圆圈里，赋予人物一种超自然的色彩，然后在左侧描绘出一尊模糊的佛像，橘红带绿的颜色象征了东方神秘主义，整幅作品通过色彩的象征性表达了奥妙无穷的神秘之感。

（三）西方油画色彩的装饰性

第2篇：色彩艺术论文范文

在视觉艺术中，色彩所呈现出的文化内涵远远超越了色彩原理本身，它更是艺术家内在精神气质、心灵情感的流露与表达。色彩的演变过程不仅体现了西方艺术史的伟大变迁，同时也折射出艺术与科学、宗教、神学、心理学、医学等文化领域的相互影响和渗透，具有跨文化性内涵。

一、从“色彩偏见”到“色彩解放”

――色彩演变的文化内涵

在上千年的西方艺术中，人们对色彩的认知经历了从“偏见”到“解放”、从“客观描绘”到“主观表现”的文化演变。这种演变恰恰体现了西方艺术史由“再现”向“表现”、由“传统”向“现代”的跨越，具有时代性的文化意蕴。

西方传统文化艺术的发展源于公元前6世纪的古希腊时期，并在16世纪的文艺复兴运动中达到了辉煌。从古希腊哲学家亚里士多德的“模仿说”到文艺复兴奇才达・芬奇的“镜子说”；从关注解剖学的研究到对透视学、明暗学的掌握，皆有力地推动了西方写实艺术的发展，体现了追求真实与和谐的艺术审美准则。

西方传统艺术在面对色彩问题上也形成了独特的色彩法则，而这种色彩法则无疑是带有一定偏见性的。一方面，人们认为在绘画中素描永远是第一位的，色彩只是素描的一种补充。另一方面，色彩的选择应以表现事物的自然属性为准。在以“客观地再现自然”为宗旨的传统审美准则中，色彩是否自然逼真无疑是评价艺术作品优秀或粗制滥造的永恒标准。

西方传统艺术大师在色彩的运用和选择上，也时常体现出这一倾向。文艺复兴的达・芬奇、丢勒、曼坦纳等人的艺术都以素描为主，色彩仅处于辅助和从属的地位。米开朗琪罗在面对雕刻和绘画艺术时，曾说“雕刻是绘画的指导，前者是太阳，后者是月亮”。可见，他更偏爱线条而轻视色彩。19世纪法国古典主义大师安格尔认为色彩应服从于古典，并称“素描才是艺术的真谛”。德国古典美学家伊曼纽尔・康德在1790年出版的《判断力批判》中也对色彩做出了评价：“色彩自身决不能使画更美。”这些都似乎向色彩下达了最后的判决书，“色彩这个结构的仆人，构图的随从，从此只能待在厨房里了”。①当然，，在西方传统艺术中，还有众多的色彩大师，如波提切利、提香、维米尔、庚斯勃罗等在色彩革新的道路上勤奋探索。

西方艺术史上对色彩的解放完成于古典艺术向现代艺术转换的时期。当时的先锋派艺术家以自己的理论和实践逐渐改变着人们对色彩的认识。浪漫派大师德拉克洛瓦提出，画家应“放弃一切现有的色彩”；印象派画家让我们体味到了大自然的纯色组合；塞尚潜心研究、探索出“色彩造型”的方法，色彩取代了线条和素描的地位，成为绘画的第一构成要素；高更在1888年也清晰地感受到色彩的表现力，称“色彩能够作为一种密码来传递信息”；梵高更是借助色彩表现内心精神世界的一位高手。1905年的法国秋季沙龙展上，以马蒂斯为首的野兽派艺术家郑重地把解放了的色彩展现在世界的面前，色彩终于成为艺术王国里的自由公民了。

从“色彩偏见”到“色彩解放”，再到后来出现的“色彩至上”，人们对色彩的逐步认知体现出不同时代的文化特性，西方艺术中色彩“身份的转变”不但标志着现代派艺术的粉墨登场，而且体现了色彩自身的潜在能量。色彩就像是一个先锋家和鼓动者，不断地挑战着人类审美文化与艺术表现的边界。

二、用色彩体味人生、诠释情感――深化色彩的人文关怀

当色彩的功能从再现转向表现，从真实模写转向情感表达时，色彩也开始逐步与人的情感、精神联系到一起。在艺术的世界里，色彩可以承载艺术家的情感冲动、心灵体验甚至神秘的幻想。这极大地丰富了色彩的性格和表现力，深化了色彩的人文关怀和文化内涵。

约翰・拉斯金曾说，“最纯洁、最有创见的人是那些最热爱色彩的人”。的确，西方现代艺术大师大都是色彩表现的高手，在他们的艺术图谱里，色彩的力量总是最动人心魄的。

荷兰画家梵高擅长运用纯色表现内心最深处的痛苦和激情。纯粹的黄色是梵高艺术图谱中的经典用色，著名的《向日葵》正是其黄色画风的代表。黄色的向日葵被梵高赋予了一种神秘的精神力量和永不褪色的光辉，这满眼的金黄色既是他热爱生活、对艺术执著追求的写照，又是其苦难生命体验的缩影，体现了他人生全部的理想、热情、痛苦和挣扎。

此外，梵高还经常运用对比强烈的互补色作画。《夜间咖啡馆》《星・月・夜》《乌鸦群飞的麦田》等皆体现了某种恐怖、不安的心理暗示和与命运搏斗、抗争的精神力量。

表现主义艺术的国际先驱者、挪威画家爱德华・蒙克也是一位用灵魂作画的艺术家。蒙克常常通过画面中强烈的、充满主观情感的色彩来表现内心深处的痛苦和郁闷，将自己的生命体验融入在血红和黑色的斗争之中，从而获得精神上的慰藉。正如美国艺术评论家约翰・拉塞尔在《现代艺术的意义》中所说：“蒙克在色彩的运用上给我们上了一课，不仅如此，他还教导我们要热爱自己的经历而不要害怕它。”②

现代艺术大师、野兽派领军人物亨利・马蒂斯把色彩的表现力发挥到了极致，这些丰满、充满个性的色彩是艺术家“对生活的提炼，而不是对生活的模仿”“对于色彩谁也没有他懂得多。因此他所说的话对我们影响很大，还有他所描绘的大变革现在看来是不可避免的”。③

在这些“色彩专家”中，还有一位不能不提，他就是抽象派艺术大师瓦西里・康定斯基。在绘画中，他把“调色板上色彩的感觉变成各种心灵的体验”④，力图“触及人类的灵魂”。同时，康定斯基相信色彩有其独特的生命意义。例如，他在1910年写的《论艺术的精神》一书中认为，黄色是人类的世俗，代表着大地；蓝色是天空色，代表着高贵和升华；绿色是平静、自我的满足；红色与绿色相对，它是前进运动的力量；紫色意味着衰败和枯谢；强烈的黄色象征着活泼好斗；橘黄色像教堂的钟声一样清脆响亮；白色代表着一种虚无，犹如生命出现之前的冰河时期；黑色则意味着死亡，是无生命的沉寂……

西方现代派艺术大师精彩的色彩观体现出独特的人文关怀和魅力，是艺术家自我表现意识觉醒的象征。

三、色彩包含的跨文化因素――拓展色彩的文化张力

随着时代的发展，艺术创作中色彩的跨文化性研究越来越受到重视，这对于发掘色彩内涵、拓展色彩的文化张力具有重要意义。关于色彩的跨文化性因素，笔者认为，可以从以下几点窥视。

（一）色彩体现科技含量。人类对色彩的认识经历了从“无法”到“有法”再到“无法”的跨越。伴随着西方第二次科技浪潮的洗礼，光学、色彩学的进一步发展促进了印象主义、新印象主义艺术的生成；各种色彩理论体系的建立和对“原色”与“补色”关系的研究使艺术创作有时更像是一场科学试验；照相、摄影技术的出现使艺术家面临前所未有的忧患感，进而催生了表现主义、抽象主义艺术的发展……这一切都显示了色彩与科技的相互影响、融合。

（二）色彩包含宗教内涵。众所周知，在人类的文化史中，艺术与宗教几乎是同时出现并紧密联系的。色彩在宗教艺术、宗教仪式及巫术、神学活动中起到重要作用。如早在原始社会的祭祀、巫术礼仪活动中，原始人就用红色、土黄等强烈色调涂抹身体和祭祀物品。原始人认为红色是血与火的代表，象征生命和温暖；黄色则是土地的象征，象征归于尘土的朴素想法。在欧洲中世纪艺术中，色彩斑斓的教堂彩色天窗给人以更接近天堂的宗教冥想。

（三）色彩辅助心理治疗。色彩能够作用于人的生理及心理已经成为不争的事实。人们通过实验发现“按照蓝色、绿色、黄色、橙色、红色的顺序照射被试者的时候，被试者的肌肉弹力显示出增强的趋势，同时，被试者的脉搏也会相应的增强”⑤。这就说明亮度强、饱和度高、振动波长较长的颜色如红色、明黄色等能够令人兴奋；相反则会让人产生舒缓或者抑郁的心理变化。随着时代的发展，将艺术引入心理学及医学的治疗，已经成为一种新型的治疗方式，并催生了“艺术治疗学”的发展。色彩在艺术治疗中起的作用也日益受到人们重视。例如让小脑受损、平衡感破坏的病人穿上绿色衣服辅助治疗其头晕、走路失衡的症状。色彩具有的心理学暗示也在生活的方方面面发生着作用，如人们常常在餐厅悬挂些色彩明快的艺术作品，起到促进食欲作用；早教课堂上，给婴幼儿更多的色彩刺激，以促进婴幼儿大脑神经的发育等。

可见，色彩体现出的跨文化性内涵使人们对色彩有了更为全面的认识，拓展了色彩的文化张力。

最后，让我们用约翰・拉斯金对色彩的精妙描述体味色彩的文化内涵。“色彩能在人心中唤起永恒的慰藉与欢乐；色彩在最珍贵的作品中、最驰名的符号中、最完美的印章上大放光芒。”⑥

注释：

①②③约翰・拉塞尔.现代艺术的意义[M].北京：中国人民大学出版社，2003：30，62，31.

④毕加索，等.现代艺术大师论艺术[C].北京：中国人民大学出版社，2003：84.

⑤鲁道夫・阿恩海姆.艺术与视知觉[M].长沙：湖南美术出版社，2008：307.

第3篇：色彩艺术论文范文

室内设计艺术应用色彩的效果概述

1.改变室内环境单调呆板传统，增添审美意境

单调的环境总会给人无趣、呆板、枯燥的感觉，处在这样的环境中，人们容易产生厌烦心理。因此，室内设计艺术中对色彩进行搭配和运用，创造出新颖有趣的室内环境，是室内设计艺术中常见的手法。在室内合理搭配色彩，创造出丰富多彩的空间，即美化室内环境，又可以增加审美情趣。中央电视台有一个叫《创意空间》的室内设计节目，邀请两位设计师分别对两个家庭的房子进行设计，设计之前，室内都显得非常单调，而经过设计师“妙手回春”式的设计，设计后的室内环境变得生动活泼、美观起来，非常具有审美享受。

2.协调整体

不同人群对室内的要求各不相同，对家具、物品的款式、色彩及摆放位置各不相同。例如：年轻的女孩比较钟爱粉色系小清新的家具;而老年人群体比较倾向于沉稳复古风的家庭陈设。同时，不同的室内空间有其特殊的功能作用，在对其进行色彩搭配时，也应根据其特征和作用进行色彩的选取。例如：客厅作为待客区，应选择比较柔和沉稳的色彩，而卧室则可以选择与床罩、梳妆台颜色相搭配的色彩。室内设计艺术中，对色彩进行合理运用，能够协调室内的整体环境，凸显整体特色，为整体加分。例如，当室内光线过于明亮时，可以采用偏冷色调的墙纸或墙漆，使室内整体变得柔和，不至于因光线太刺眼使人感觉不舒适，同时，对室内家具等物品也可以选择偏冷色系，与背景色相搭配，使整个空间给人柔和明亮之感。

3.体现创意和个性

对室内空间进行不同色彩的设计和搭配，凸显主人或者设计师的个性和创意。例如：整个室内空间只应用一种色彩，如绿色。整个墙壁和天花板全部贴上淡绿色的墙纸，墨绿色沙发，湖绿色地板，粉绿色窗帘，芽绿色书柜等，整体给人一种宁静祥和之感。绿色系体现出主人或设计师平和安宁的个性;以蓝色系为主表现出主人或设计师理性沉稳的特点;以黄色为主色调呈现出轻松明快的的个性特征等。对室内色彩的不同选择和搭配方式表现出设计者不同的创新和性格特征。用一句话说便是“见其室内设计如见人”。

4.影响情感情绪

室内空间的色彩将会对居住者的情感情绪产生影响。因为人们眼睛在接收外部色彩刺激后，会在大脑内发生反应。不同颜色的光对人眼进行刺激，会触发人体不同的感觉系统。人们长时间处于某种色彩的空间中，会不自觉受到色彩所赋予的情感色彩所影响。因此，卧室的色彩应尽量柔和平静，以保证舒适的睡眠环境;而在自主火锅店，一般采用鲜艳的大红色，营造一种紧张气氛，使顾客食量变小，加速顾客的离开速度。

室内设计艺术对色彩运用的基本要求

1.协调室内环境

室内设计艺术对色彩进行运用时应使其与室内整体环境相协调一致，这样才能发挥色彩运用对室内设计艺术的功能和作用。不协调的色彩，将会与室内其他陈设相冲突，使整体变得杂乱无章，没有条理性。影响人们的审美享受，而且将影响居住者的情感情绪，使之变得焦躁不安、烦躁郁闷，久而久之，很可能危害居住者的身心健康。

2.协调室外环境

室内的整体设计，色彩的选择和搭配应该与室外环境相协调，这样给人一种和谐自然、无缝过渡的美感。室内艺术设计风格应与室外环境形成一个整体，统一而和谐。例如：在室内放置一些植物，种一些花花草草，装饰和点缀室内环境，使居住者生活在室内也能与室外环境相接触。另一方面，针对室外环境的特点，如室外古木参天，郁郁葱葱，室内在设计时可以尽量选择森林系的风格。

第4篇：色彩艺术论文范文

关键词；美术；教学：设想

这几年来，我一直从事中等美术教学，上素描和色彩课时，往往被一种现象困扰着：学生中有相当一部分人连素描色彩最基本的东西没弄清楚。这到底是怎么回事呢?我觉得是美术教材中欠缺一套完整的、科学的，行之有效的基础方法。我们知道，艺术是能“教”的，而技术是可教会的。但是，我们的课本很少谈到技法问题，因而上课老师也不能很好地把这些技法传授给学生，帮助他们在美术领域里向前走，都是过而忘之。

我毕业实习前，老师给我们放一组幻灯片，感触很深的是：片中有一组上课时的学生习作，约十几张。第一张是副非常写实的水粉风景，然后逐渐过渡到色彩和形的分离，到最后一张已经面目全非，成为其它的系列作业。从中我们清楚地看到其教学的科学性，他们通过一系列精心安排的教材，把笼统的、复杂的、虚的艺术问题分解为一连串较简单的、看得见摸得着的、实实在在的课程，每个单元都有具体明确的目的要求，学生在学校学完这些课程以后，能较好地掌握习作的基本方法，达到预期的教学目的、教学方法。也就是说，没有明确地把素描这门复杂的课程分解为一个个具体的单元，把构成素描的各种因素单抽出来，并设计相应的作业，由易到难，循序渐进，使教师和学生能逐一解决。我们现在的素描教学，虽然也是按循序渐进的原则安排的，但课程基本上是按所画对象的简与繁、易与难进行设置。

当然，现在有不少教师自觉或不自觉地在教学中采用了分解难题的办法。但是，在大多数情况下，无论是一年级还是二年级，学生都是在教室里照着书画，让学生照着画时去“悟”。悟性高的学生，遇到了好老师，可能也没有能掌握最基本的要领。再不就是只讲哪儿长、哪儿短、哪儿亮、哪儿暗，弄得学生不知所措。从一开始就用全因素的标准要求学生，而没让他们象学徒那样从每一具基本的技法性问题入手，从每一个最简单的要求做起。

有一句老话“先学会走，再学跑”。但我们的教材教学使相当一部分学生永远只会“走”，只会跟着老师画，被动临摹；而学生又性急，一开始就想“跑”。我们的教学技法，应该让学生“走”的时候想到“跑”，为了“跑”得更快而学会一步一步的“走”。要目的明确，分阶段逐步达到。

另外，在绘画色彩教学教材的相当范围内，还继续着师傅带徒弟的作风。这有好的一面，就是说老师的风范及对艺术探索之精神会无形中传给学生。也有不好的一面，由于教师的知识量及艺术趣味的限度，容易使学生思路狭隘，不利于学生发展。

所以，我们的色彩教学，应该怎样教，才能更有利于教学，怎样做才能更好地引导学生，为他们走向艺术打下坚实的基础，的确是我们应该认真思考的、刻不容缓的问题。

我在多年教学工作中，时常反思以往的学习，并认真学习了当今色彩教学的动向，待静下来后，却感到一片茫然。现在的教学与几年前的老师教学相比，并没有什么变化。当然，我认为并非变就好，不变就不好。只是觉得，目前，在中师色彩教材中存在随意谈谈形象、明暗、冷暖等，仅从词义上简单讲讲，却不去研究色彩自身的客观规律的现象。而在我国艺术蓬勃发展，众多思潮循环往复的今天，就更难得有谁系统谈谈色彩规律及教学问题了。

省师范科成立了美术课改中心组，以写实或抽象等面貌特点相互区别，但是不管做什么，在对色彩的认识与处理原则上，却都是有共同规律的。而我们是不是引导学生去研究这些具有普遍意义的问题。

现在，一些教师对学生色彩教学做了一些改革，比如，上学生参与课题布置，专门学习色彩构成等等，但这还远不能令人满意。因为构成规律是从规律当中提出的规律，普遍性过强，个性不足，未免有些远离自然，略有生硬之感。如果放任学生自己安排课题，只重个性，又觉得有些草率。参与本身虽然可以刺激学生作画的主动性，但学生仅仅是画了一张自己认为有趣的画，并没有在课题中发现，理解和系统地解决什么。这又过于自由，失去了教学的严谨性。我们不能仅仅把学生培养成照虎画虎，照猫画猫，或是东抹西抹，似乎就是前卫，别的什么也不学不管的人。这对学生是不负责任的，只会助长学生的惰性，压抑了学生的创造性和对各种风格与表现方法的探求精神。我想，如果让学生的才华得到真正的自由发展，真正地把他们的创造力激发出来，就必须引导他们走一条科学、严谨的治学之路。为今后走上美术教育打下坚实的基础。

我们暂时抛开学校教学不谈，回顾一下以往的大师们没有哪一个不是认真研究自然，从自然中发现规律，并在自己的艺术实践中充分体现的。文艺复兴盛期时大师达，芬奇就是认真研究了15世纪大师的色彩与构图之后，一改以往的线性透视中所追求的用平面来排列，而用以中心点出发的透视方法。也就是我们现在所用的焦点透视法。在色彩上也改变了以往平板、单纯的色相对比，而把明暗对比的全部色域引入他的作品中。如在《岩洞圣母》与《施洗者约翰》等作品中，都是从明暗处理的角度抑制了色彩的对比效果，突出了明暗效果，从而扩展了明度领域。这个巧妙变异的技巧，成了今天的明暗对比法。由此可见，历代的大师没有哪一个不认真研究前辈大师及艺术规律的。正是由于他们的苦心经营，人类的文化艺术史才有了今天的背景，给艺术研究与发展创造了各种可能性。这也是我们今天要加以研究，加以继承与发展的东西。

色彩教育，应该从学习那天起，就让受教育者认识艺术规律及自然规律，并在科学、系统的指导下，对色彩学的系列问题进行认真练习。教师的责任则是系统、明晰地引导学生研究训练这些课题。从而使他们通过对色彩的学习，领悟色彩艺术的真谛。可是在中师的色彩教材中，欠缺系统的理论，教师多凭自身的经验(有的是不合格的经验)来教学，因此，教学的效果并不那么理想。

色彩教学，应该着重训练色彩自身的艺术规律，把色彩系列对比及美学理论等课题逐个加以解决，在色彩对比的课题中，我们是否可以从色相对比与绘画的角度开始研究呢?

也许，我们可以从色相的明度上开始学习。色相在改变了明度之后，会有什么样的表现力?是否会在某种程度上改变原有的性质?黑白在色相对比中的意义是什么?黑白是否能改变色彩的明度?它们在色彩构图中有什么特殊地位?类似的许多问题，都需要在教室中，经过大量的色彩训练与分析之后才能解决。而我们在教学中往往过分提示学生注重形状、画线、填色，很少研究色域及每块色彩的特色及力度，这对学生是十分有害的。

第5篇：色彩艺术论文范文

论文关键词：三层解读“假如我变成了一朵金色花”

《金色花》是印度诗人泰戈尔的经典之作。是一首优美的散文诗，文章主要成功塑造了两个形象：一个天真、顽皮、可爱的孩子，一个勤劳、圣洁、虔诚的母亲。通过母子游戏，我们感受到浓浓的带有宗教色彩的神圣母爱，以及孩子纯真的感恩之心。如何凸现这首诗的情感教育，笔者试从全诗的首句“假如我变成了一朵金色花”作三层解读。

一、“假如”——美妙的预设。“假如”是一种想像，因为全诗都是孩子一种善意的想像，这种善意的想像又是真实的再现。预设的美妙彰显的是神圣的母爱，文中的母亲是一个真、善、美的完美结合，全诗从三个方面来写母亲。

1、祷告——圣洁的母亲。沐浴之后，长发披肩，漫步林阴，嗅着花香，做着祷告的母亲是美的。

2、读书——虔诚的母亲。读书时的女人最漂亮，并且读的是《罗摩衍那》，一部反映宗教故事的名著，午饭过后，捧读经典，更是一种仪式。读书的母亲是美的、虔诚的、更是善的。

3、去牛棚——勤劳的母亲。黄昏掌灯去牛棚，这时的母亲是勤劳的，朴实的，更是本真的。

预设的美妙，神圣的母爱更体现在下面三个词上。

1、“嗅——闻”，祷告时，“你会嗅到这花香”文学艺术论文，这里的“嗅”字绝不能用“闻”字，“闻”更强调花香的浓郁， “嗅”体现一种“淡淡花香”。只有淡淡花香更吻合朴实、淡雅的宗教氛围，从而更好映衬出母亲的高贵、淡雅，又能体现我的隐密性。

2、“投——照、射、映”，读书时，“我便要将我小小的影子投在你的书页上。”这里如用“照、射、映”等词来替换“投”字均不理想，“投”一方面体现儿子投身母亲怀抱的浓浓深情，同时“投”字反映出金色花影子的光线也是淡淡的，只有淡淡的光线既不让母亲发现，又能保护好母亲的视力，更不影响母亲看书。

3、“落——站、飞”，去牛棚时，“我便要突然地再落到地上来”，用“站、飞”等词来替换“落”显然不妥，“落”是飘落，带有轻轻的动感，既给母亲一个惊喜，又不至于吓着母亲。三个词：“嗅”从母亲角度写，“投”、“落”从孩子角度写，写出淡淡的花香、淡淡的色彩、轻轻的动感，从而组合成一幅美好而和谐的画面，并与宗教淡雅、宁静、高贵的气氛相吻合，烘托出浓郁的宗教色彩。宗教给予人的教化也是淡雅的朴实的，儿子就像敬重神灵一样敬重自己母亲中国知网论文数据库。

二、“变成”——纯真的天性。多变、善变是孩子的天性。解读“我”的个性从两个角度：一是模仿，二是游戏。而模仿与游戏恰恰是儿童两大天性。

1、游戏，诗中主要写了儿子与母亲捉迷藏的游戏，这个游戏可分几个阶段，反映出儿子几种心理。

①一变变成金色花在玩耍，不见了我，看母亲着急不着急，验证一下自己在妈妈心中的地位，再看看妈妈找不到自己而着急的窘态。

②二变变成花香、影子，默默地为妈妈做点好事，回报妈妈且又不想让她发现。

③三变变回自己，突然降临妈妈面前，给妈妈一个惊喜，给自己一个得意。

2、模仿，诗中主要模仿孩子与母亲捉迷藏时的对话情景，体现在四个问句上。自问两句：

a、你会认识我吗？

b、你会猜得出这就是你孩子的小小的影子吗？

这两句问句表达了孩子当时自鸣得意又迫切希望母亲认可的心理。同时也说明孩子很在乎妈妈是否关心自己，又非常向往摆脱妈妈的管束的心理，既迷恋妈妈，又向往自由独立恰恰是儿童特有的矛盾心理。

他问两句：

a、孩子，你在哪里呀？

b、你到哪里去了，你这坏孩子？

这两句是孩子模仿母亲的口吻在发问，有着急、责备、嗔怪、爱怜等语气情感。很多老师喜欢叫学生朗读这两句，但不知究竟那种语气该强烈一点，从哪个角度进行朗读指导？其实从语序角度稍加辨析指导，情感把握轻而易举。a、“孩子，你在哪里呀？”变换语序“你在哪里呀，孩子？”反复比较朗读文学艺术论文，不难发现变句找不到孩子时着急的心情更强，由此可见，原句可能是妈妈逗着孩子玩，捉迷藏时，妈妈明明知道孩子在干嘛，却故意装着不知道，满足孩子的成功心理。

同样把b句“你到哪里去了，你这坏孩子。”换成“你这坏孩子，你到哪里去了？”换句应该是找了好久好久仍找不到孩子的母亲突然找到孩子时的感受，所以责备的语气更强，原句应该是正找不着孩子的母亲突然孩子自己回来时的感受，着急语气更强。有欣慰，孩子还听话没走远；有责怪，孩子有点野；有爱怜，孩子太活泼调皮了。这两句不是母亲亲口说的，而是孩子设想说的，这说明孩子模仿非常逼真，甚至连母亲这些情感细微的变化都能模仿出来，可见母子情深。

三、“金色花”——圣洁的心灵。金色花本是圣花，《罗摩衍那》是圣书，牛在印度教里也是圣物，全诗充满浓郁的宗教色彩。读的是宗教神话故事，做的是宗教祷告礼仪，面对神圣的母爱我将用世上最好最神圣的东西——“金色花”回报母亲，用它的形、香、影表达自己最圣洁的心灵，在神圣母爱的沐浴下感化了一个孩子，教化孩子富有一颗感恩之心。

第6篇：色彩艺术论文范文

论文关键词：戏剧翻译，归化，异化，翻译目的

一、归化和异化

归化和异化策略起源于德国哲学家施莱尔马赫1813的著名论文《论翻译的方法》，文中提到，翻译的方法有两种：一种是“the translator leaves the author in peace, as much as possible, andmoves the reader towards him”; 另一种是“thetranslator leaves the reader in peace, as much as possible; and moves theauthor towards him”（Shuttleworth&Cowie, 1997: 43-44）。1995年，美国翻译理论家劳伦斯·韦努蒂在其 The Translator’s Invisibility 一书中，将第一种方法称作为“异化法”，第二种方法为“归化法”。归化和异化是意译和直译理论的延伸。

1.归化策略

归化，即是在翻译处理中要求译者向目的与读者靠近，采取读者所习惯的目的语表达方式，来传达原文的内容。归化派的代表人物为美国翻译理论家E.A.奈达，他认为，“所谓翻译，是在译语中用最切近而又最自然的对等语再现源语的信息。”（Nida,E,A&Taber, C.R., 1969）。他提出了“功能对等”和“读者反映论”的观点，认为判断译本的好坏不宜拘泥于相应的词汇意义、语法类别和修辞手段的对比，重点是考查接受者正确理解和欣赏译本的程度。因此归化的特点就是重视读者，采用地道的通顺英语进行翻译。这种翻译方法可以让读者更好地理解原文，避免文化冲突，消除文化障碍怎么写论文。

2.异化策略

异化文学艺术论文，即是要求译者向作者靠拢，采取相应于读者所采用的源语表达方式来传达原文的摘要体现了翻译作为文化交流媒介的功能，译者引导读者理解和接受，并进一步欣赏源语文化。

3.归化和异化策略的关系

归化和异化都是翻译的策略，然而近两个世纪以来，围绕翻译是走向归化还是异化之路，学术界却争执不休。归化和异化策略各有有优劣。翻译的目的不同，语境不同，可以采取不同的方法。因此，归化和异化不是不可调和的矛盾，而应该在翻译中得以统一，以促进翻译的发展。

二、王佐良、巴恩斯《雷雨》译本的归化策略

由先生创作的《雷雨》以其交织错综的情节，个性鲜明的人物在戏剧舞台上长演不衰。而人物与情节塑造的成功与其简洁易懂又含蓄深沉的语言有直接关系。关于其语言艺术美，钱谷融先生有如下评价，“我确实太喜欢剧本中的语言了，每次读先生的剧本，总有一种既亲切又新鲜的感觉，他那色彩明丽而又精炼生动的语言，常常很巧妙地把我带进一个奇妙的艺术世界，给予我无限的喜悦。” 王佐良和巴恩斯(A.C.Barnes)的英译本《雷雨》不仅再现了原作的戏剧艺术魅力,也再现了原作精炼含蓄的语言特点，使文段读起来朗朗上口，非常适合舞台表演。关于剧本的翻译技巧，笔者认为，归化策略起了非常重要的作用。有一下例子为证：1. 鲁贵：四凤，别——你爸什么时候借钱不还帐？你现在手下方便，随便匀我七块八块好吗？（王佐良&巴恩斯，1958；p21-22）

LU:——don’t be like that, Sifeng. When did Iever borrow money and not pay it back? Now, what about a little loan of sevenor eight dollars, now that you are in the money.

在原文中，中文的货币单位是“块”，鲁贵说，“匀我七块八块”；此处，译者并没有采取异化的策略，例如解释“块”这个货币单位在汉语货币中的地位，或是在英文中找出其对等的货币单位；译者使用了归化的策略，直接将“块”以为“dollars”, 使作品走向读者，从而使读者轻而易举的理解文章文学艺术论文，更加适合舞台表演。

2. 贵：你看你这点骨头！老头说不见就不见，到下房在等一等算什么！我跟你走，这么大院子，你别胡闯乱闯走错了….( 王佐良&巴恩斯，1958；p38)

Lu: come down off your high horse! If theold man says he won’t see you, then he won't. Now, why not go down and wait abit longer in the servant’s quarters? Come on, I’ll take you along, otherwisein a big house like this you’ll be losing your way and losing your way andblundering into places where you shouldn’t be.

在此文段中，鲁贵说，“你看你这点骨头”。“骨头”，这个词在中国人的传统文化里，有其独特的含义。在旧中国迷信的说法中，有一条称为称骨论命，即一个人的骨头越重，说明他的命越好；而骨头轻，说明这个人出身低下，命不好。这里，鲁贵是骂鲁大海的出身低下，不配和周仆园讨价还价。译者同样忽视了“骨头”这个词的文化含义，采取了归化的策略，直接将其译为“Come down off your high horse”。“high horse”是英文的一个典故，它表示的意思是“趾高气扬、自以为很了不起”，相应地，“to come/get(down)off one's horse”意思即为“谦和一点，别摆架子了”。译者使用的是原滋原味的英文，使英语读者在读译本的时候感同身受。

3. 冲：我以为这些人替自己的一群人努力，我们应当同情的怎么写论文。并且我们这样幸福，同他们争饭吃，是不对的。这不是时髦不时髦的事。(王佐良&巴恩斯，1958；p106-107)

CHONG: I thingk we ought to sympathize withthem. After all, they’re only doing their best to help their own people. Besides,it’s not right that people who are as well off as we are should grudge themenough to keep body and soul together. And it’s not a matter of fashion,either.

在这句话中，周冲提到“争饭吃”，译者使用了很形象的一个英文成语，“to keep body andsoul together”, 它的意思是“Obtain one’s basic living expenses, to earn engouh money to keeponeself alive.”,意思是“赚到刚够维持生计的钱，不被饿死”。译文非常贴近英文读者，译者又一次使用归化的策略，使译文走向读者。

这只是笔者从文中截取出的三个例子，但是我们由此可以窥豹一斑。可以说，王佐良和巴恩斯先生的译本文学艺术论文，译文中广泛应用了英语中的俚语和成语，文笔流畅，可以称得上地地道道的英语。这就是归化的策略，译本完全贴近英语读者。

三、结语

戏剧作品具有双重身份，一方面它可以作为剧本来指导舞台表演；另一方面，也可以作为文学作品来阅读。因此戏剧作品的翻译不同与其他题材作品的翻译，可以根据其不同的用途采取不同的翻译策略：如果剧本是为舞台表演服务，那么为了使广大外语听众不被文化差异所干扰，更好更快的理解原文，译者可以采取归化的翻译策略，使作品走向读者；如果剧本是作为文学作品来阅读，译者可以采取异化的策略，向读者传递原语文化，使读者读到原滋原味的原语表达。从这一层面上来说，归化和异化策略之争，也不是绝对的非此即彼，就戏剧作品翻译而言，译者可以根据不同的翻译目的，来选择不同的翻译策略。

参考文献

Nida, E.A. & Taber, C.R.. The Theoryand Practice of Translation. E.J. Brill, 1969

第7篇：色彩艺术论文范文

论文关键词：《局外人》，默尔索，悲剧精神，自我

 

任何生命都具有自我存在和自我超越的本能。因此，每当生命遭受外力的摧残或者生活的欲望受到阻碍时，人会感到强烈的恐惧与伤痛。这种对生命苦难的恐惧形成了人类具有本能的悲剧意识。但正是在这种悲剧意识的驱动下，人类才会产生出种种超越与抗争的强烈意念和行动。朱光潜先生说：“悲剧美就在于对生命的抗争冲动中显示出的强烈生命力和人格价值”。[1]在《局外人》这一文本中，加缪通过描述荒诞的社会环境为主人公默尔索的生命注入了根深蒂固的悲剧色彩。

“在加缪看来‘荒诞’不是一种理论，而是一种经验。它是一种关于不协调状况的认识：肉体生命的强烈感受与死亡的必然性势不两立；人对理性的坚持与他生活在其中理性世界的针锋相对”。[2]对于这样荒诞、悲剧的生活，默尔索感到愤怒、痛苦，他也在抗争，文本的结尾处说道：“巨大愤怒清除了我精神上的痛苦，也使我失去了希望”。至此，默尔索终于认识到这个世界是荒诞的，而自己则永远被这个世界作为异类被排除在外。但是默尔索并没有绝望，他对这个世界充满了不屑和漠视，即使在生命的尽头仍然以自己坚强的意志对这个荒诞的世界叫嚣、对抗，他说：“还希望处决我的那一天有很多人来看，希望他们对我报以仇恨的喊叫声”。默尔索的悲剧性不在于杀人被判刑，而在于他脱离了人与人、人与社会的关系，在于默尔索至死都坚持着对本真自我的顽强追求。但是，正是在这个意义上来说，他被认定为脱离于这个社会的局外人，他与这个社会越来越不协调，社会成了要消灭他的力量文学艺术论文，最终导致默尔索走向死亡。

一、主体与客体的格格不入

“今天，妈妈死了。也许是昨天，我不知道”。简短的句子，简单的结构，以这种不同寻常的叙事基调展现给读者的是主人公默尔索的冷漠、麻木、无动于衷论文格式模板。一个具有正常社会思维的人，在失去至亲之后应该是悲痛欲绝的，而表示悲痛最直接的方式就是哭泣。然而，默尔索不仅没有哭，反而因为需要去借黑领带和黑纱而“感到有点儿烦”。从得知母亲去世直到送母亲安葬，默尔索看似一直不悲不泣，他不愿开棺再看母亲最后一眼，甚至在刚刚安葬完母亲，默尔索就想到“要上床睡它十二个钟头时所感到的喜悦”。自始自终，默尔索似乎毫无丧母之痛。

安葬完母亲的第二天，默尔索去海滨浴场游泳，遇到了玛丽，和她打闹，并且一起去看了喜剧演员费南代尔的片子。对于和玛丽的爱情，默尔索似乎也无所谓，“大概不爱她，”结不结婚也无所谓。同样，对于和莱蒙做不做朋友，默尔索也是认为“怎么都行。”甚至，对于老板要派遣他去巴黎工作，默尔索也是感觉无关紧要，他认为“生活是无法改变的，什么样的生活都一样。”对于很多人都向往的巴黎，默尔索的评价却是“很脏，有鸽子，有黑乎乎的院子。人的皮肤是白的”。

默尔索的生活看似单调、简单而且百无聊赖，似乎没有自己的思想，只知道吃吃喝喝、玩女人，过着一种机械而又缺乏活力的生活。表面上看，默尔索选择了寻常人的生活方式，但是在骨子里并不认可寻常人的生活态度。他不适应荒诞的社会生活，拒绝扮演社会规定的角色，采取冷漠的态度对抗生活，却在精神上实现了自我放逐。默尔索这种与他人关系的失落以及他在其他方面强烈的自我意识，是一种真正意义上的新的悲剧情景。他杀死了阿拉伯人并不令人感到意外。默尔索失去与他人的关系，实际上就是失去与现实的关系。他意识到他与别人、与整个社会是对立的。所以当他开枪打破了海滩上的平静时，事实上他并不知道阿拉伯人在干什么，“好像在笑”，似乎感到“那把刀刺眼的刀锋总是隐隐约约地对着我，滚烫的刀尖穿过我的睫毛，挖着我痛苦的眼睛”。另外文学艺术论文，在文本中，加缪也通过突出自然环境诸如，阳光、沙滩、海浪的作用、模糊时间概念，戏剧性地衬托出默尔索内心的孤独。

默尔索杀了人，社会同样要以杀人来惩罚杀人这一罪行。但是在审理案子的时候，无论是检察官还是被指派来的律师都把犯罪事实和犯罪动机排除在外，都无一例外地对默尔索在母亲葬礼上的表现感兴趣。开庭前，律师交待默尔索“回答问题要简短，不要关键词、难以沟通。另外，虽然一系列的偶然事件单一地看是真实存在的，一旦生硬地拼凑在一起时却组成了荒诞的闹剧。理清文本中这些难以言明的处境，默尔索之所以沉默、冷淡的原因就变得清晰明了。最终，法官推导出“他在母亲死后的第二天就去干最荒诞无耻的勾当，为了了结一桩卑鄙的桃色事件就去随随便便地杀人”，默尔索还是被判处以死刑。

二、对本真自我的追求和抗争

正是这种与他人、与社会的冷淡、疏远、隔膜，默尔索不仅意识到世界的荒诞，而且在有意识地反抗着荒诞。他以一种超脱淡然、看似无所谓的态度面对生活，但是这种离经叛道的生活方式又加剧了他与社会的隔膜。默尔索不为大家所理解，但是他也不愿意去理解别人。文本中，他那冷漠的语言、鲜少的对话和厌倦的态度表现出明显的距离感。默尔索的情感流露是自然而流畅的，他不去刻意地压抑自我。他对律师说：“我有一种天性，就是肉体上的需要常常使我的感情混乱”。正是他恣意地满足身体的需要，而不是为了迎合社会和他人去抑制自己他的精神和情绪时常由于身体的需求而受到波动。正因为如此，在母亲的停尸间里，他想喝咖啡、想抽烟，虽然他犹豫了，“不知道能不能在妈妈面前这样做”，他还忍不住睡意“打了个盹儿”论文格式模板。即使他自己也不知道这样做是否合适，但结果却都是顺从了自己的本能欲望和生理需求。

面对正统社会秩序的强大，默尔索选择了生活在自己的主观意愿里，通过对自身存在状态的选择和坚持，默尔索实现了精神上的自我放逐。不仅如此，默尔索也一直保持着心灵的清澈、真实，不理会被人误解而导致的自身孤独感，拒绝说谎话，即使在关系到自己的生死问题也是如此。虽然默尔索杀死了阿拉伯人，其实他只要按照律师的交待，以撒谎对社会制约和传统道德稍作妥协，即使他在事实上杀了人，也有可能避免被判处死刑的厄运。但是，默尔索拒绝说谎，拒绝背叛自我，对于自己的作案动机，默尔索只是如实回答“因为太阳”。当然，默尔索也幻想着“判了死刑的人逃过了那无情的、不可逆转的进程文学艺术论文，法警的绳索断了，临行前不翼而飞”，或者能够“逃跑”，或者“获得特赦”。尽管这样，默尔索在临死前还是根据自己的意愿拒绝接受神甫的指导，坚持着自己的信仰。母亲葬礼上，默尔索不哭也不装哭；他不爱玛丽也不为了讨好她而说爱她；他拒不接受神甫的指导，完全按照自己的意愿选择自己的信仰。默尔索拒绝接受一切虚幻的东西，诸如眼泪、谎言、上帝，却选择坚持信仰自我。这是他对理性世界的挣扎，对本真自我的坚持和追求。默尔索因为把母亲送进养老院，因为在母亲的葬礼上没有哭，就被其它人指控为不孝，被检察官认定为“一个在精神上杀死母亲的人”，是一位“自绝于人类社会”的异类，最终被社会彻底排除在外。

面对外界压力、灾难和死亡，默尔索表现出旺盛的生命力和强烈的求生欲望，这种符合人性的抗争精神使其人格力量得以提升，悲剧精神和意志的能动性得以淋漓尽致地展现出来。因此说，默尔索的命运是具有强烈而又有震撼力的悲剧美。因为“对悲剧来说紧要的不仅是巨大的痛苦，而且是对待痛苦的方式，没有对灾难的反抗，也就没有悲剧。引起我们的不是灾难，而是反抗”。[3]

默尔索被社会视为异己、疏离者、局外人，最终被作为“一个社会公敌而斩首示众”。脱离了与他人、与社会之间的关系的默尔索在坚守自我、追求本真、对抗荒诞，展现出一种无所畏惧的悲剧美。《局外人》是加缪为富于悲剧精神的默尔索唱响的一曲悲壮的哀歌。

参考文献：

[1]丁尔苏译.现代悲剧.[M]. 南京：译林出版社 2007：179

[2]朱光潜.悲剧心理学.[M]. 北京：人民文学出版社 1983：206

[3]邱紫华.悲剧精神与民族意识.[M]. 武汉：华中师范大学出版社 1999 ：6

[4]郭宏安、顾方剂、徐志仁译.局外人/鼠疫.[M]. 南京：译林出版社 2007.

第8篇：色彩艺术论文范文

引言

体育运动和美学艺术在很大程度上都是紧密相连、相互借鉴的。在物质与文明均高度发展的今天，社会对体育运动的美学要求也在日益增加，人们认为体育运动也应该是令人赏心悦目的。因此，在当前情况下，为了满足人们的审美需求，许多的体育运动中或多或少的融入了一定的美学艺术。

1 体育运动与美学艺术

体育运动是指人们在发展的过程中为了加强自身身体素质所逐步发展起来的各种活动。体育运动一般都是以舞蹈、走、跳、跑等多种形式展开的，我们通常都把体育运动当做身体练习的过程。而美学艺术则是一种关于人们精神文化层面的审美表现，它主要是人们对世界的美学体验和感受。

从字面上看起来，体育运动和美学艺术可以说是毫不相关的。体育运动具有教育、娱乐、经济、政治以及强身健体等多种功能，但是在体育运动漫长的发展历程中，体育运动一直都是以强身健体和娱乐为主要目的。但是随着社会的不断进步和发展，体育运动逐渐拜托了其传统理念的束缚，并逐渐转演变成为了一种的社会文化现象，当代社会的体育运动还是以身体活动为基础的，但是它的目的变得更加的丰富了，现在的体育运动不仅仅在于保持健康、增强体质，还在于培养人们的各种品质以及体现民族文化等等。

随着我国社会的进步，人们的审美也有了质的改变，为了满足现代社会的需求，现代的体育运动一般都蕴含着丰富的美学艺术，并且其美学艺术的体现是多种形式的，它往往存在与体育运动的各个方面。例如体育运动中丰富多彩的竞赛环境、优美的肢体语言以及紧张的比赛节奏等都体现了体育运动中的美学艺术。也就是说体育运动不仅给人带来了精神上的舒畅感，还给人们带来了心灵上关于美的享受，可以说当前形势之下的体育运动和美学艺术是密不可分的。

2 体育运动所蕴含的美学

2.1 体育运动的刚性美和柔性美

刚性美和柔性美是体育运动中基本的美学艺术特征，体育运动是一种随着人类社会进步和发展而逐步发展起来的社会活动。可以说体育运动作为一种社会文化的基本形态，它最初是起源于人们的生产劳动的。由于人是拥有生命的活体，且人的所有特征都是在环境的长期影响下产生的，因此，人本身就具有一定的自然结构美，其结构的美主要体现在身材外形的匀称和形态的协调。而且由于男子和女子在生理结构上有很大的不同，因此男子和女子在生理结构以及体育运动中所体现的美都是各不相同的。首先，男子一般都是具有阳刚之气的，他们棱角分明、肌肉发达，在进行体育运动时往往都能体现出一种刚性美。而与男子相比较而言，女性的体态表现了柔和、秀美等阴柔之美，他们在参与体育运动时一般都体现出了一种柔性美。男子的阳性美和女性的柔性美都是美学艺术在体育运动中的具体表现。

2.2 体育运动的平衡对称美

除了刚性美和柔性没，平衡对称美也是美学艺术在体育运动中的一种具体表现。体育运动是随着人类社会的进步而进步的，虽然从一开始是起源于人们的生产劳动，但是随着人类社会的发展，以及人类价值观和审美观的不断进步，人们也对体育运动进行了一些列的改进。因此，在现在的体育运动中我们不仅能有效的锻炼体质，还能在其中看到体育运动的平衡对称美。在体育运动进行的过程中，有些动作与项目只有保证平衡与对称才能顺利的进行，因而在体育运动的过程中，我们或多或少的也表现了美学艺术中的平衡对称美。

3 体育运动中的美学艺术

3.1 体育运动的节奏艺术

体育运动进行的环境实际丰富多彩的，因此在体育运动进行的过程中，我们往往可以感受到各个运动项目中所蕴含的节奏美。在体育运动中，不同的运动项目及运动员队伍都会体现出不同的节奏，且每一种节奏都是独特的。例如集体运动项目中，队形的变化、攻守的策略等都呈现出了不同的风格和基调。除此之外，个人运动项目中，每个运动员的动作、步伐以及步幅也都体现了不同的节奏。所以说，体育运动还蕴含了丰富的节奏艺术。

3.2 体育运动的造型艺术

造型艺术也是美学艺术在体育运动中的一种具体表现。在体育运动中，运动员外在造型以及身体的又要造型都是无处不在的。首先，是运动员外在造型上的艺术美，不同的运动项目运动员往往都会有不同的造型和丰富多样的色彩，这些独特的造型和色彩往往就体现了体育运动中的造型艺术。其次，是关于运动员的身体造型美，且在不同的运动项目中，其身体造型美都是各不相同的，例如田径运动中，奔跑的身体如满弓之箭是一种身体造型美，篮球运动中，投篮瞬间的千钧之力聚于一身也是一种造型美。虽然运动员的身体并没有大的动作，但是他们的体内如爆发的火山，这种内在力量与外在动作的协调，无不体现了体育运动中的造型艺术。

3.3 体育运动的艺术精神

艺术精神是美学艺术在体育运动中的最高表现，我们要想保证体育运动与美学文化的融合就必须加强艺术精神的把握。艺术精神可以说始终贯彻与整个运动项目。首先，体育运动的目的必须体现出崇高的艺术精神，我们在运动中要努力的超越自我，追求更高、更快、更强。其次，体育运动的过程也必须体现崇高的艺术精神，体育竞赛的重在参与过程，而不是竞赛结果。这一系列的精神都是艺术精神在体育运动中的具体表现。

第9篇：色彩艺术论文范文

[关键词]文学;文艺;人民性

[中图分类号]I022[文献标识码]A[文章编号]1005-3115(2010)06-0065-02

在当今话语转型的大环境中,作为特殊历史背景下的产物,文学的人民性依然没有淡出理论研究的视野,文学的人民性问题的当下思考和讨论仍然是一个不容忽视的主题。同时,频繁更新的社会现实及文学现象之下,对人民性的理解一反其宏观群体价值定位,而趋向于对民本、边缘等个体价值的发现和强调,甚至由此过渡到将文学的人民性直接等同于文学形式层面的边缘性。文学的人民性作为一种文学理论和审美尺度,在我国曾一度遭受冷遇乃至被否定,给批判继承文学遗产和发展社会主义文学事业造成了不可低估的损失。现在,我国社会发展已进入一个改革、开放的新时代,阶级关系和时代特点已发生了重大变化,人民的概念和社会的任务都有了新的内涵。因此,有必要进一步论证文学的人民性。

人民性是文学实际存在的一种社会属性。“文学的人民性”这个特定概念是用来说明文学与人民群众的关系的。从这个概念质的规定性以及文学的社会功能来看,它的生命力应该是永恒的,它的意义应该得到充分肯定。

人民性就是最大的善,就是文学道德最主体的内涵。因此,文学是不可能超越人民性道德的。当文学的人民性普遍丧失并形成危机的时候,能够救助这种危机并成为文学重建之重要一维的便只有人民性。

高尔基曾经说过:“知识分子是人民的良心。”作家作为知识分子的一个组成部分,应该站在人民的立场上,为民众说话,反映民众的要求和意愿,反映民生疾苦。如同雨果、狄更斯、列夫•托尔斯泰、契诃夫、马克•吐温这些伟大作家一样,他们作品中的人民性也相当鲜明。

人民性这一概念最早出现在俄国文学辞典里,还可译作国民性、民族性或群众性。研究俄国文学的专家认为:人民性产生于18世纪中叶俄罗斯文学中的浪漫主义流派之中,19世纪俄国进步的民主主义者别林斯基和杜勃罗留波夫指出,民族生活不是统一的,它有民众的生活和“有教养的社会”的生活,即贵族的生活两种;而文学必须表现人民的生活,首先要描写农民的命运;文学的人民性在于无情地批判统治阶级,反映人民的思想、感情、愿望和利益,在于真实而深刻地描写现实生活。很明显,进步作家理解和认同的人民性是针对当时文学中的贵族性而提出来的。

在别林斯基率先使用之后,后来的许多俄罗斯理论家都谈论过这个概念。乌宾斯基在《土地的威力》中说,作家尤其是“人民知识分子”不应该迷恋和纵容那种“动物界和丛林界中信奉的真理”,而是应该把“上帝的真理带到民间去”,“他们扶起被无情的大自然抛弃、孤苦伶仃听任命运摆布的弱者。他们帮助,而且总是以实际行动帮助人们抵抗动物界真理的过份凶残的进逼”。文学艺术的人民性是文学艺术和它的创造者和人民的联系,人民大众的生活在文学艺术上的反映,劳动者的思想、感情、愿望和利益在文学艺术上的表现。从作品的角度来说,人民性就是要表现人民的心理、人民的希望与期待,也就是反映劳动群众的利益;从作家的角度来说,人民性就是创作主体的对待人民的态度问题,同情人民大众,表现人民大众的情感、愿望,代表他们的利益。

中国是一个具有悠久文学历史的大国。早在《诗经》年代,文学就有着采民风、观得失的功能。从屈原的“哀民生之多艰”到白居易的“惟歌生民病”,一直有着反映民生疾苦的现实主义传统。即使在“五四”中,仍然涌现出了像鲁迅、茅盾、巴金、老舍、、沈从文等一批杰出的现实主义作家。他们关注民生,都有着一种浓厚的人文精神。哪怕是在改革开放之初,中国文坛在春风频吹下逐渐解冻,无论是被冠以“朦胧诗”的“崛起的诗群”,还是以知青题材为代表的“伤痕文学”,几乎都是以反映现实、对现实加以反思而得以震动文坛的。也就是说,中国文学的改革开放,最初便是以现实主义的旗帜撞破坚冰、打开通道的。港澳等地甚至把《伤痕》、《天云山传奇》、《芙蓉镇》以及一大批知青文学称为“新现实主义”文学。

这里需要强调一个问题,在张扬现代中国文学人民性精神的同时,也不能不对一种伪人民性有所分别。它们以人民的身份出现,而在所指层面,是极为抽象的政治概念和与这种政治概念共生的权威性“超人”。在一种貌似雄壮的抒情大合唱中,所宣扬的人民性因为附和时代共鸣的需要而蒙上了一层虚伪的色彩。在这种情况下文学创作掩盖、抹杀了“我为人民鼓与呼”的正义声音而企图制造出一派处处莺歌燕舞的盛世景象。被置换了内涵的人民性是我们当下重倡人民性精神应该警惕的。

人民性理所当然地应该成为当下知识分子的一种道德理想。人民性包含着深厚的对于黎庶的真实关切,一个真正的人民知识分子,对于人民的生活理所当然地应该采取“介入”的态度。

今天,我们倡导文学的人民性,并非对现实主义的简单回归和瞬时的感性冲动,而是有着深刻的背景和所指,是文学重新归属大地为人类植根而努力的一个向度。作为当下文学危机中使知识分子重拾道德理想的出发点,人民性是危机中重建的重要一维。文学应该是创作者和他的文本世界对于外在世界的张望,是对于他人(也可能是对立的)基于人性意义的关爱,是对自己的也是对他人的生存权利的尊重。它在表现的过程中可能是情绪化的,但却出于一种人文的理性。它不是一种用来规范所有人的道德模式,但却是当下知识分子为抵御政治权力和经济的合谋侵害所提出的一个最切实的话语命题。尽管在它面对现实时,仍不免带有道德理想主义的色彩。

文学对人民性的守护不是要文艺升入天堂,而是植根于大地的归属性,以我们精神的饱满丰富,带着神圣价值和审美尺度,重新返回现实中充满着苦难、欢乐、艰辛、痛苦、智慧、不幸和偶然纷争的大地。文学重新立足于大地,浸透于生活之中,这才是文学真正的精神肉身,才是灵魂的栖息地,它守护着美、善和真理,启示着永恒的奥秘和神圣。因对信念、信仰的守护,文学因理想之光的普照而从世俗中提升出来,生命由此而获得一种充实,作家和作品也因此获得尊荣和高贵!

文学对人民性精神的守护就是守护一种信念、理想和信仰。

文艺的人民性理论是文艺理论的一个重要内容,它必然要随着时代的发展而不断遭遇新的挑战,并在实践推动下不断丰富自己的理论内涵。近年来,我们的文艺在同人民的奋斗一道前进的同时,也出现了这样那样脱离人民的不良倾向。对这些不良倾向,人民群众强烈不满。

人民性是一切革命文艺、进步文艺的显著特征,尤其是有中国特色社会主义文艺的本质属性。本文提出人民范畴的广大性和革命性是文艺人民性理论的一个根本论点,仅是一孔之见,供研究人民性理论的方家批评和参考。我们要继续深入研究人民性理论,以坚持人民性、高扬人民性,努力促进我们的文艺在为人民服务、为社会主义服务的实践中不断取得新的成绩。

[参考文献]

[1]别林斯基.别林斯基论文学[M].上海:新文艺出版社,1958.

[2]莫•谢米沃斯基.反对错误地解释文学的人民性问题[C].苏联文学艺术论文集:学习杂志社,1954.269.

[3].文艺论集[M].北京:中央文献出版社,2002.43, 58~60.