绘画表现手法精选(九篇)

第1篇：绘画表现手法范文

关键词：山水画；风景画；表现手法；造型；笔墨；油画；融合创新

一、历史上的中国山水画与西方风景画

1.中国山水画

中国山水画是中国人情思中最为厚重的沉淀。从山水画中，我们可的以集中体味中国画的意境、格调、气韵和色调。再没有那一个画科能像山水画那样给国人以更多的情感。若说与他人谈经辩道，山水画便是民族的底蕴、古典的底气、我的图像、人的性情。

我国山水画发展历史悠久，渊源流长.在魏晋南北朝时已逐渐从人物画中分离出来，形成独立的画种，到唐代已完全成熟.自古以来在着色的山水画中就有清绿、浅绛、螺青之说.由此可见前人就很重视山水画的色彩表现，在千百年的实践中逐步总结了很多宝贵经验，掌握了色与墨的妙用，使中国山水画的色彩在一种定型的模式下发展.

中国山水画，是中国人对自然美的认识和对自然美的表现欲发展到了一定阶段的必然产物.是中华民族文化自身发展、完善的成果.

2.西方风景画

务实的笔触，浓烈的色彩，真实的再现所见所想是西方绘画的特点，从西方绘画中我们能够感受到的，极其强烈的个人主义色彩，反映现实，批判，犀利的线条加上块面感，融合科学的绘画分析，给人带来视觉盛宴的同时又表现了其准确性，科学性。西方风景画，无论从色彩还是结构还是运用笔触都表现了西方绘画的科学精神，与中国的轻描淡写不同，西方风景画色彩极其浓烈，好像把人拉近了作者的强烈的内心世界。

二.在阐述美学理论的基础之上谈论其表现手法的差异

中国画家在儒、道思想的影响下，致力于自身与天道的融合。他们通过笔墨的运用，在山水画中体现自身的情感；西方画家则通过使用与中国画截然不同的绘画材料来体现西方的宗教思想与人文主义思想。西方艺术受基督教的影响，认为神圣的价值在人和世界之外存在，需要去看，去听。因此，西方的画家就不会有中国画家的精神境界。而在他们眼里上帝是世界及美的创造者，如此追溯一番就不难理解西方艺术的写实性。这些美学思想体现在西方不同文化领域。当然，也是西方风景画的起源和发展的美学基础。这就使得西方的早期风景画家在描绘自然的时候忠实、并接近于自然。

美学原理的不同导致了中西绘画的差异，在对表现手法的分析上我们结合这种传统思想的不同可以挖掘出更深层次的含义。

1.造型手段-线条，面的运用，留白，虚实

不同形态的线条，往往引起人们不同的感知，如水平线使人感到平稳、安静；斜线使人感到烦躁与不稳定；曲线给人一种流畅柔和的感觉。而绘画都始于勾线，后来西方绘画虽然向以面为主体的造型发展，但凡是有所成就的画家仍然重视线条。和西画相比，在中国画中线条占有着十分重要的位置，甚至被一些大师认为是中国画的根本。中国画一向坚持以线造型的原则，并赋予线条以内在的生命力和个性特征。相反，“西方画家在描绘物体时，是将它们当作“面”来理解的。西方认为“线”表现的较为抽象，而“面”似乎要具象一些，表现出的东西更容易让人认识，但实则缺乏中国画家的精神境界。

中国国画艺术中的空白和曲线，空间虚实的对比与衬托，不仅能表现出人在自然角度里所见到的事物的关系，而且也抽象地反映出物质的非自然化的内在规律。它给予人们一种能够通过多视角观察，在有限的画面上突破封闭的疆域，进入美的想象的可能性。东方古老的艺术，尤其是中国的传统绘画艺术，不仅在自己的发展中不断地绽放崭新的艺术奇葩，而且在欧洲油画艺术的美的变异中，也显示出它作为艺术基因的顽强生命力。

2.笔墨特点和油画技巧

讲求笔墨是中国画的另一特点，所谓笔墨并不是用具材料上的笔就是有中国画家寻求的“神游”的意境或者装饰化的手法，运用笔墨，是作者传情达意的的一种艺术技巧。

与笔墨手法有很大不同的西方的油画包括色彩、明暗、线条、肌理、笔触、质感、光感、空间、构图等多项造型因素。所有这些就是为了更完美的表达出作者的视觉感受。西方风景画家在作品的造型上贯彻自己的美学思想，充分利用油画的特性极力展现大自然的瑰丽。真实的再现大自然一树一草，油画的特性有利于作者反复的修改，长时间的观察，然后逐渐深入的表现自然景色。他们所创作的作品更接近自然，而不是单纯为了对象的“神”，而对形象的“形”有所忽略。它的造型特点简言之就是写实性，充分表现色彩的细微变化，以及光感、质感的不同，在画面上营造一种真实如身临其境的感觉。

三.在比较差异的同时追求中西方绘画的融合创新与发展

从以上的比较分析中，我们可以看出中西方绘画在表现形式或表现技法、透视法、地域风俗、艺术风格等方面有许多不同.但在线条作为造型手段、无论是中国传统的意象绘画（介于具像与抽象间），还是西方的古典具象绘画、现代抽象艺术中西绘画中的线都注重表现情感，富于节奏感和形式美.在中西文化交流越来越频繁的今天，面对中西文化交融的思潮，从事中国传统绘画的艺术家们不得不在中西绘画的反复比较中进行思考，并采取相对应的策略.

也许在今天或是不久的将来，中西文化的交融也只能限于局部，而且这种局部性的交流是在克服一个又一个阻力的前提下实现的。所以在西方艺术空前影响和交流的今天，我们应该意识到，宽容是理解和摄取的前提，宽容能为我们的思考和最终的选择赢得宝贵的时间和天地。

参考文献：

[1]王强，《造型艺术鉴赏》，首都师范大学出版社，1999年.转贴

[2]（俄）康定斯基 著，李政文编译《艺术中的精神》，云南人民出版社，1999年. 转

[3]葛鹏仁，《西方现代・后现代艺术》，吉林美术出版社 ，2000年.

[4]（美）威廉・弗莱明 著，宋协立译《艺术与观念》， 陕西人民美术出版社 ，1991年.

第2篇：绘画表现手法范文

【关键词】写实素描教学；再现；表现

1写实素描教学中的再现教学

在写实素描教学的过程中进行“再现”教学的目的主要是为了让绘画学习者的素描基本功可以得到切实的训练，为绘画学习者后续的写实素描创作打下坚实的基础。美术教学中的“再现”教学，其本质是对自然事物外在形态的一种真实的模仿，“写实”是其核心的追求与目标，它是一种较为传统和较为基础的美术教学形式，许多美术学习者绘画生涯的开端就是从写实素描的“再现”训练开始的。在进行写实素描的“再现”教学时，要让绘画学习者掌握基本的素描绘画方法，从“线条”、“结构”、“形体”，三个方面来有计划、分层次的对学生的素描能力造型能力进行培养。首先，提高绘画学习者对素描线条的把控力，加强绘画学习者对素描线条美感的控制力度，对绘画学习者不规范的线条表现手法，如线条画的太短、头重脚轻、下笔过重、布局死板等问题，进行一一的修正;其次，从结构关系和明暗调子入手，强化绘画学习者对物体结构的理解，让绘画学习者能够通过准确的明暗度对比来进行物体结构的塑造，让绘画学习者能够对光影现象进行有效的分析，从而加深对物体结构、质感、明暗的理解;再次，要对绘画学习者的形体构建能力进行训练和培养，让绘画学习者在了解物体结构本质的基础上归纳出相应的形体造型规律，加强绘画学习者对物体“形”的把控。

2写实素描教学中的表现教学

写实素描教学中的“表现”教学是更具人文精神的绘画教学手法。“表现”教学突破了“再现”教学中对于自然物体外在形态模仿的潜在限制，更多的强调绘画表现者自身的情感诉求与思想观念，是一种带有创新思维和创新意识的时新教学形式，是对“再现”教学方式的进一步发展。虽然写实素描中的“表现”教学手法，也需要完成用素描展现现实生活的目的，但是这种对自然事物和现实生活的反映，带有较大的主观表现意愿，绘画创作者将自身的情感与思想注入在其创作的素描作品中，从而达到一种“人画合一”的艺术境界。“表现”教学是绘画学习者绘画想象力的挖掘，它可以激发绘画创作者的艺术创新精神。实现绘画学习者绘画个性能力的发展是写实素描中“表现”教学矢志不渝的追求，“表现”教学强调绘画艺术创造过程的尝试与创新，鼓励绘画学习进行绘画方式和表现手段的探索和实践。写实素描中的“表现”教学有两个主要的特点:一、落实“以人为本”的人本主义教育理念。在表现教学的过程中，绘画教学者更加注重对绘画学习者个性能力的挖掘工作，尊重绘画学习者的个性需求，切实的做到“有教无类”、“因材施教”，让绘画学习者形成自己的写实素描特征。同时绘画教学者在布置日常写实素描训练任务的过程中，要积极的鼓励绘画学习者把自身的情感与思想注入到素描创作全过程，依照绘画学习者实际的写实素描作品和其中流露出的思想情感，从侧面了解绘画学习者对写实素描的理解与看法，从而有针对性的对绘画学习者进行后续的写实素描辅导;二、注重对绘画学习者创新思维的培养。写实素描的教学工作不能够只停留简单的对素描手法的传授中，还要更进一步的提高绘画学习者自身的创新能力，让绘画学习者可以独立的进行写实素描的绘画创作，从对自然事物的简单模仿发展成为对自然事物的再创造。

3写实素描教学中再现与表现的有机结合

素描绘画是传统美术教学的基础课程，也是绘画学习者必须具备的基础绘画能力，只有切实的加强对写实素描的学习，才能为绘画学习者今后的专业学习和美术事业打下坚实的基础。“再现”教学和“表现”教学是写实素描两种最为基本的教学手法，它们各有所长、各具优势，写实素描的教学工作者可以通过对两者的有机结合，来有效提高写实素描教学的成效，让绘画学习者能够接收到更为全面的写实素描教学。“再现”、“表现”在写实素描教学中的有机结合，要切实的遵循先难后易、步步推进的结合原则。把“再现”教学的有序开展当作是两者有效结合的开端，让绘画学习者能够切实的掌握基本的写实素描表现手法，采用临摹训练和即兴训练相结合的方式，让绘画学习者的素描知识和素描技能得到有效的提高。然后再对绘画学习者的素描习惯和作品特征进行概述和分析，加强对绘画学习者个性创造力的挖掘和培养，通过科学合理的表现教学手法，给绘画学习者布置相应的素描主题，让绘画学习者进行写实素描作品的独立创作，在绘画学习者学习在作品中表现自我，表达观念，发展自身的创新思维能力。

4结语

写实素描教学是一个复杂而系统的教学工作，只有把“再现”教学手法和“表现”教学手法进行有机的结合，才能给绘画学习者提供更为优质的素描绘画教学服务，让绘画学习者的写实素描能力得到切实的提高，让我国的绘画事业得到更好的发展。

参考文献:

［1］王文娟．探讨写实素描的观察方法和表现方法［J］．艺术品鉴，2015(07)．

［2］沈名杰．试论点、线、面概念的革新与创意素描教学模式改革［J］．戏剧之家，2015(18)．

第3篇：绘画表现手法范文

关键词：药用植物园；数字动画；手绘图

0引言

手绘动画将绘画艺术与人文艺术完美地结合，在动画史上创造了很多经典的作品。然而，随着新媒体体时代的到来，数字动画成为不可阻挡的大潮流，数字动画具有高效率、内容表达丰富、形式生动直观、制作成本相对较低等优势[1]。药用植物园数字化过程中需要展示大量的中药材及中药植物的视觉信息，借助数字动画的视觉优势，选取部分植物采用数字动画进行展现，通过数字动画的形式传递中医药文化，表达内容丰富多彩，展示形式生动直观，在实际应用中能起到很好的传达效果。

1数字动画的发展与特征

手绘动画是动画的始祖，是动画原始的表现形式，是由设计者在纸上进行绘制并按顺序拍摄产生的。传统的手绘动画的制作流程主要分为剧本设计、构图设计、角色绘制、拍摄合成等[2]，其中最核心的阶段是角色绘制，它又分为关键帧绘制、补间帧绘制、清稿、描线与上色等步骤。早期的动画制作完全由手工完成。由手工制作的经典国内外动画有《大闹天宫》《白雪公主与七个小矮人》和《米老鼠和唐老鸭》等，这些作品取得了巨大的成功，但制作周期长，制作上需要付出大量的人力和物力。其中《大闹天宫》是上海美术电影制片厂于1961—1964年制作的一部彩色动画长片，该片是中国动画片的经典作品，影响了几代人，用了3a时间由7万幅手绘图打造而成；而83min的动画片《白雪公主与七个小矮人》总共绘制了2亿张草图，历时3a完成。随着现代技术的发展，带来了更加便利的数字媒体技术，从而改变了传统的动画产业的发展模式，数字化的高效制作使得动画作品产量倍增，如手绘板的出现，手绘方式已经由传统纸上手绘发展到电脑制图[3]。数字动画是一种结合了多学科的动态视觉艺术，在新媒体时代，数字动画种类、品种日新月异，其应用领域深入各行各业，已形成一个完整的数字动画产业[4]，进入了商品市场。现代的手绘工具与技术的应用使得制图的高效性、易修改和色彩丰富性得到空前加强，借助手绘板、上色、拍摄合成等一系列计算机辅助工具制作的手绘图，与传统手绘相比，大大减少了手工绘制的工作量、缩短了工期、节约了制作成本，同时画质也得到了很大的提高。当前数字动画的主要特征表现在：(1)数字化的制作模式。数字动画制作虽然会用手绘技术，但均已被现代手绘方式所整合，全都采用现代的设备和技术进行数字化的制作；(2)多样性的传播媒介，如VR、手机、平板、电脑、广告大屏等，这些媒介更受年轻人喜爱，受众人数众多，是一个很好推广和宣传的渠道；(3)制作平台简单智能化。对动画制作者的专业和美术素养要求不再是高不可攀，有一定的动画制作基础、对数字动画创作感兴趣、有想法的人都可以制作自己的数字动画，并通过网络发布，进行自由表达与展示，具有很强的交互性。

2数字动画在药用植物园数字化上的应用

数字动画是新媒体时代的必然产物，相对于传统的手绘动画，省去了大量的绘制工作，既节省了成本与时间，又能使动画的画面更加逼真和真实。利用数字化软件，可以实现随时对动画进行修改和动作检查，减少了因返工和人工检查与修改所花费的时间[5-6]；不断出现的新软件，功能更智能化、操作更简单化，也使数字动画的制作变得简单，这也降低了动画制作人员的专业素质要求。药用植物园数字化过程中急需引入多元化的设计元素，如何扩大数字化的药用植物园的影响力，如何让线上园区更具生动性、直观性和强有力的亲和力势必成为药用植物园数字化建设的重要因素[7-8]，这些都与数字动画的主要特征不谋而合。药用植物园数字动画的主题和内容的选择，均从用户内心的情感出发，以经典典故为表现主题，在带给他们中药信息和情感体验的同时，也向大众展示了中华大地的人文精神。以三国为背景，以故事的形式展现。数字动画在药用植物园数字化设计上的展现价值主要体现在内容、视觉效果及艺术形式上。首先，在主题的表达上，手绘图的内容和主题能选择不同药用植物和药用植物的不同部位进行表现；其次，在视觉效果上，数字动画表现得更活泼、更有沉浸感，从而体现药用植物园数字化资源的个性化特征。自然地引入中药的故事情节，为主角“亳菊”的登场做好了铺垫。数字动画的表现方式灵活，可以写实也可以抽象，把药用植物的性状、特点、药性等信息以形象直观的形式表达出来，以满足不同用户的需求。在完成上述故事情节演绎的基础上，为突出“亳菊”性状、特点、药性等特征，采用写实的手法对“亳菊”的中药知识进行普及。

3药用植物园数字动画案例实现过程

3.1情景构思

情景的构思以呈现药用植物为主线，挖掘中药文化，以亳州当地的历史为背景，选取华佗为主要角色，以华佗的视角展现中药及中药文化的独特魅力，弘扬传统中医药文化，向历史名医致敬。这一阶段主要完成故事情景设计，确立动画手绘设计方案初稿，重点是将文稿和设计师脑中的灵感快速地手绘到稿纸上，每一个画面都可能有多种构图想法，将这些想法以草图的形固定到纸上，避免有些构图灵感稍纵即逝。这个阶段主要是以草图的形式呈现。

3.2动画手绘草图优化

动画手绘草图优化，指的是在上一阶段初步绘制的手绘草图基础上，对不同想法的手绘草图进一步推敲和优化，这个过程依然会有一些新的构思出现。优化的目的是实现草图的意境在表达上进一步升华，使得整体透视准确，效果初步实现。同时需要展现具体结构和画面的穿插关系，让手绘图呈现多维度、多视角且相对成熟的绘图效果，以实现其在不同的视角里视觉效果有较准确的空间定位关系，最终形成相对完整的手绘情景方案。这个阶段主要借助现代计算机技术，如采用Photoshop、Coreldraw等图形设计软件来实现，利用手绘输入设置，如数字化手绘板等进行设计、处理和调试。

3.3数字动画编排与合成

数字动画编排与合成是设计收尾阶段，也是最重要的阶段，为讲好某一中药材及其药用植物的故事与情景，重点要理清各手绘图的逻辑关系、因果关系和页面的布局效果，同时还应充分考虑用户的心理需求，再运用二维矢量动画制作软件Flash并结合ActionScript3.0脚本语言开发出数字动画短片，力求在手绘图的基础上形成一个有艺术性、生动性、趣味性又容易被理解和接受的数字动画作品。

第4篇：绘画表现手法范文

关键词：建筑装饰；室内设计；设计思维表达；手绘

根据中国商情报网资料显示我国建筑装饰业以每年15%以上速度发展，到2013年，其年总产值接近24170亿元。巨大经济规模使装修市场也出现了越来越多的高端工程。随着社会经济水平的发展，社会对室内设计师的水平要求越来越高。虽然社会在建筑装饰设计人才培养上也有较大进步。但现状巨大的市场却缺乏高级设计师。

相关概念

室内设计师的职业能力与后期职业能力

高等院校毕业生成为室内设计师职业生涯一般经过毕业实习绘图员，也就是帮助设计师画图的学徒，再成长为能独立设计的设计员，再到能独立面对客户交流接单。最后到指导他人进行设计构思表达修改的设计总监。其中成为接单设计师和设计总监手绘表现能力是非常重要的设计能力。

手绘表现图主要分为三类：手绘效果图、快速手绘表现草图、设计分析草图。

研究意义

1.提升从业人员素质水平参差不齐的问题

对多数企业建筑装饰设计员就业情况调查总结后，发现室内装饰行业就业门槛低，很多公司招个绘图员能操作cad买几本设计书就开始吹嘘自己是专业设计公司，靠嘴巴忽悠客户。这样的做法只能毁坏市场，提高从业人员基本素质，净化市场迫在眉睫。

2.尽快满足企业对高端设计师需求并找到改革高校室内设计手绘教学模式的方法。

2011-2013三年，利用对实习生走访活动，作者对浙江省东阳市广奥装饰有限公司、博宇装饰有限公司，台州经济开发区设计事务所等设计公司调研，共下发的360份问卷调查收回336份，其中对从业设计师年龄、学历、收入、岗位、手绘能力学习途径、手绘能力在室内设计职业中重要性和实用性方面进行调研，以下是问卷调查的分析和总结：

经过调研发现由于设计师手绘课程内容设置存在的问题导致大量装饰设计员上岗后手绘能力无用武之地，或者根本不知如何使用手绘设计能力。面对客户只能通过价格竞争、或者用专业电脑效果图公司制作的数字表现图像等手段吸引客户，并不能真正直观的表达和分析自己的创意创新及理念。目前多数设计院校对手绘能力培养重点还是放在造型，光影，质感，写实的内容上，还在以八九十年代社会需求来要求现在的学生，当时社会电脑数字绘图还没有完全兴起，所以手绘设计以写实路线为主。而今，很多学校教学仍然采用十几年前的教学方法内容和教学手段，没有和社会企业实际需求接轨，导致学艺无用的问题产生。

另外装饰设计师岗位由于其能力上的差距同时造成了收入上的巨大差距，设计助理也就是普通绘图员岗位多数收入不到千元。走访实习生调研活动也对设计师年龄层次也进行了调研，能适用手绘设计的设计师平均年龄较大，说明手绘设计能力需要年龄时间积累的能力。在设计过程中被逐渐发现提高的。所以在教学中存在如何提高学生认识水平和手绘教学效率的问题。

装饰设计师后期职业能力的提高不仅仅关系到设计师个人本身物质条件提升，也关系到相关培养院校的声誉，部分装饰设计员设计水平的提升也能够带动行业设计整体水平的提高

本文从研究职业岗位能力入手多角度分析研究室内设计师必备的后期职业能力的构建与培养。本研究内容也为各高校培养装饰设计人才提供一定借鉴。

国内外设计师手绘表达能力研究

国内手绘设计技术发展：

从纵向上来看手绘的发展历史，在原始社会以羊大为美，羊长得大，长得肥就是最美好的事物。当时的原始人绘画、文字等内容都是围绕致用性为主。猎人们捕猎后利用闲暇时间总结狩猎经验，传授狩猎技能时利用手绘记录下狩猎过程和场景。最初的手绘是从致用性开始的。

历史发展到封建社会时期，手绘有了更多的内涵，不单是以致用为主，致用性也包含了设计功能，还兼具了培养审美，提升艺术情操的作用。王树良提到古代中国士大夫阶层都是以文人为主，都有一个基本能力就是书画。他们研究绘画，有娴熟的绘画功底，将绘画中的散点透视构图等技巧和绘画美学方法因借于园林居室造景艺术上，道法自然，因人而设，精在体宜，因地制宜，天人合一。另外古代工匠有园艺工匠、砖雕工匠、画工、木雕工、这些工种学艺都是以绘画入门，必须学习工笔白描画。这些绘画训练无疑提升了这个匠人们的艺术水准。这两种不同阶层的人合作建造的中国古典园林和环境景观也自然而然的成为了传世经典建筑及园林景观设计如：安徽宏村、苏州华林园。

除了艺术上的追求，手绘的设计作用也已经初具雏形，从北宋王安石执政时期，为挽救统治阶级的危机，由将作监编修了《营造法式》第一版，这是中国最早的建筑师手册。如：铺作斗拱手工制图 造蜀柱义手托脚之制。

随着历史发展，当今社会手绘具备更多更丰富的内涵，是应用于各个行业手工绘制图案的技术手法，设计类手绘。

王澎是国内唯一获得过普利兹克建筑奖的设计师。从王澎设计师手绘设计稿可以看出，王澎设计师的手绘功底非常扎实，散点透视抓得很准，设计稿主要是分析建筑造型和空间组织形式及功能等内容。王澎通过对明末清初的著名画家陈洪绶在他的名画《五泄山图》理解使用手绘技法分析 “切片式”的设计方法进行分析构思，从而创作出经典获奖作品。从中可以看出手绘技术对高端设计师设计构思的作用。

郑孝东是广州星艺装饰公司的设计师，后来曾担任庐山手绘训练营和绘世界培训学校的教师。在国内室内设计界已经颇具名气，其手绘风格由于有真正的实践经历，所以偏向于实用。绘制技术及效果也非常突出，主要表现内容是空间划分，材料结构使用及工艺节点说明。缺点是不具备环境和心理分析功能。

另外国内还有大多数专门的画家式手绘效果图“设计师”。这些设计师没有实际的经典设计作品流传，但有不少绘画作品成为各大院校师生临摹学习技法的经典作品。

国外室内设计师职业后期设计表达能力培养分析

国外在手绘设计从横向上比较日本、德国和美国等国家水平相对较高。西方国家因为其工业发展水平较高，在学术和技术方面相对国内都有优势。西方高校课程也是把手绘设计列为必修课程，强调创意创新设计用途。并且手绘课程与设计课程结合授课不课割裂。以设计表达训练手绘技法。刘滨宜对十所美国建筑景观大学课程设置进行总结，设计与表达并不分开而是一个整体。

国际建筑设计怪才“扎哈哈迪德”流动的艺术，通过观察扎哈哈迪德手稿，我们可以看其手绘就是在提炼曲线元素而绘制的。其他手绘设计稿主要用来分析建筑形态和功能等设计内容。

被誉为清水混凝土大师的安藤忠雄，在安藤忠雄注重表现空间环境，以及建筑造型、空间分隔、外部环境、立面结构、设计元素提炼、分析计算等内容。其设计的上海保利大剧院模型上甚至也出现其手绘分析计算的内容。可以看出手绘在真正的设计过程中无处不在，无处不用。

日本的伊东丰雄的设计过程同样也是从草图设计开始，其设计草图到施工图到模型的设计流程，手绘功底极其扎实。

从日本设计师长谷川矩祥著作可以看到手绘工具已经采用绘图板结合手绘的电脑手绘技术，既有传统手绘的记录表达优点，又兼具电脑辅助设计易修改保存的优点，缺点是投资大携带不便.

钱强提到日本室内设计士职业资格考试是日本国家正规职业资格考试，其中室内设计进行画就是室内设计手绘草图。是日本设计师资格考试的必考项目。

美国等国家教育重视想象力培养，想象力被看作社会进步的根本，任何东西的发明创造都离不开想象力。大到飞机、坦克、小到手表、手机、鼠标这些改变世界的发明创造都是想像力的结晶。在设计师手中想象力的表达介质就是手绘，手绘技艺娴熟可以做到所想即所得，心手合一。

现代室内设计手绘设计功能及内容的发展

现代手绘设计作用也经历了一个演变期和电脑技术发展息息相关，改革开放后80-90年代中期电脑速度还很慢，在绘图上功能还不够强大，电脑表现图还不能超过手绘表现图，那个时期手绘表现图追求的是一种写实，细腻逼真的表现效果。有很多设计师画几天甚至更久的时间精心描摹一张表现作品。

随着电脑技术发展目前电脑效果图已经完全超越了手绘表现图所能表现的效果了，花时间也差不多甚至更快。所以用手绘和计算机效果图比效果那肯定是有差距的。所以导致很多设计师认为电脑效果图要完全取代手绘效果图的作用，把手绘表现看得一无是处，九十年代末期到现在手绘表现都在经历一个低潮。那就是因为很多设计师都忽略了手绘表达在培养设计师艺术人文修养中的作用。也忽略了手绘在设计在现场记录与快速表达，造型创意，设计功能分析，设计环境分析，设计元素分析等方面的作用，使手绘学习和手绘使用人为的割裂开。其实手绘在捕捉设计灵感，绘制设计方案草图表达设计思维，分析建筑形态提炼设计元素，建筑功能分析，建筑空间设计，建筑形态设计，辅助计算，辅助沟通表达。又不可替代作用即使在电脑信息时代，手绘这种原始表达方式也永远不可能被淘汰，它具有电脑设计不可取代的先天优势。手绘是高端设计师不可或缺的设计武器。是人类想象力最好的载体，掌握好手绘技术可以使设计水平获得极大程度的提高。

通过对照国内外设计师手绘作品发现，目前国内在手绘技法教学基本与国际接轨。在绘画和设计水平上也较接近。但是国外教学强调表现画实用性的同时也需要有一定的艺术性和观赏性。并不一味追求快，而是更重视表达的准确性和所想即所得。

西方国家设计师作品多用于设计，国内手绘作品多用于教学，国外设计师作品偏重于设计内容表现及设计过程分析。国内手绘作品多数是用于表现写实与艺术。

手绘技术学习过程中需要解决的问题

根据时展和企业实际需求认识到手绘设计教学所需解决问题。

1.手绘表现图的三大基础能力培养

（1）构图：手绘表现图中，透视和比例和构图构成了表现图的形。

绘表现图的构图形式主要有：全景构图、远景构图、中景构图、近景构图和局部特写构图。从形式美角度分为：黄金比例构图，水平式，垂直式 散点式等

（2）透视：必须掌握一点透视和两点透视、三点透视、散点透视等多种透视的基本原理，然而针对室内设计一点透视和两点透视相对常见。符合普通人常见观察视角。

（3）比例：比例指的是画作中的物体大小、长宽高之间的数量关系。

抓比例的关键就是应该做到数据在心中。

手绘技术教学重点在于让学员掌握如何画好物体的形、比例、透视、抓准透视和比例构图表现图就成功了一半。

2.“赏算忆”学习模式对室内设计表现图的水平的促进作用

室内手绘表现图是以功能性为主的绘画作品。这类作品不像一些纯艺术作品，无法罗列评定好坏的标准。仔细观察会发现这一类绘画作品是可以找到绘画规律和评定标准的。

有经验的画家都应该知道在绘制一幅好的绘画作品时要从多个方面思考再入手。例如画家在作画时首先考虑绘画对象的形，所谓形准就是所画对象的，透视，比例，构图和轮廓结构。形准了才能开始勾线。线条轮廓有了虚实和空间感，并且尽量做到干练干脆这样才会好看，再开始上色，色彩同时要兼顾笔触美感、空间体积质感光感色彩搭配等绘画因素。当然画面如果兼具比德，畅神，自然那就更具欣赏价值和艺术价值了。

评判透视、比例、构图、结构、空间、线条、光与色彩等经验的获得是如何来的呢，笔者认为主要有两个途径：

一个途径就是使用传统绘画训练方法，不断的临摹训练。在大量临摹训练中慢慢体悟画中精神并达到灵活应用的目的。另外就是通过勤看。勤思考。从他人作品中总结绘画规律。

另一个途径就是欣赏与鉴定，只是看画看一千张而不去绘画是绝对画不出一张好的作品，因为看的人并没有真正思考和懂得这些画好在哪里。但是如果在看画的同时培养学员不断的从形式美法则的各个要素去进行分析总结.教师在教学中注重教导学员分析作品的各个评判要素，形成一种一幅画教师点评学生自评的风气后，那么学员很快就会掌握一幅作品好坏的评判方法。并且将自然的在作画过程中注意到自己绘画中不符合评判标准的地方。

也就是说这时候设计员的欣赏水平高低能够一定程度左右画面效果好次。

所以在教学过程中要特别注意培养学员对画面分析思考总结能力也就是鉴赏力。通俗解释就是必须首先做到眼比手高，再逐渐的发展到心手合一的境界。

解决鉴赏能力问题后再开始进行有针对性的训练可以事半功倍的效果，比传统量化训练提高的效果，增强了学员的学习兴趣。培养了学员专研思考能力。

3.研究默写、记忆与表达之间的关系

科学快速地学习掌握各种表现技法是个循序渐进的过程，在训练方法上采取了“三段式”的教学方法，即第一阶段临摹优秀的表现图，做到逼真临摹，第二阶段进行照片临摹或写生，体会真实的空间物象塑造，第三阶段重新回头默写表现图，强调记忆训练，忆即可积累设计素材，又能锻炼现场表达能力想象能力。设计师脑子里的素材多少决定了设计师现场表现和设计表达能力的高低，强化默写考试及设计表达能力之间的关系，强调记忆能力的培养。

4.研究如何培养学员想象力创新能力，设计分析表达能力。主要是结合工程案例进行设计分析结合口头表达分析。结合手绘设计内容的发展设计更适合当代学生的设计训练案例，以培养设计灵感想象力和手绘技法结合的方式进行训练。

从以上分析可以总结出“赏算忆训”教学模式。

5.另外室内设计师手绘技能需要做到“三多”：就是多看、多想、多练。

多看：“勤学者不如好学者，多练：徒手勾画、记录、速写是最有效的学习方法。 多想：在欣赏佳作时养成用脑习惯，观察时多比较、多思考、多总结，使自己眼心手同步训练，这样才能达到心手合一。

三多教学法属于量化训练方式，设计出适合短期教育教学模式的赏、算、忆、分析、表述教学模式。赏、算、忆与传统三多模式配合，提高教学效果和教学效率。

6.在项目训练基础上结合实际工作需要创新出快速透视制图组合技法

主要应用真高线测量进深法、距点法、量点法、对角线测距法、以及视平线测高法，地面投影方体生成法等多种快速测算方法组合成快速绘制室内空间表现透视图技法。

快速测量计算一点透视和两点透视的比例和透视。从而快速表现室内空间。以下列举几个创新技法。

对角线测距法：

此方法首先利用方体法把室内空间地面分解成诺干正方形，再利用正方形对角线将地面上的正方形等分，从而快速将室内空间图纸网格化。再利用网格抓准比例和透视关系。

如上图所示正方形对角线交点a做水平直线将正方形等分。利用这个原理在透视制图中可以快速判断绘制室内空间的进深。从而快速抓准制图比例。此技法有利于绘画基础较弱的人快速掌握抓形方法。此方法适用于一点透视及两点透视制图。

视平线测高法：

此方法利用视平面上任意一点到地面垂线均等距的原理。利用先根据真高线设定好的视平线来测量室内空间所绘制物体的高度。结合距点法、对角线测距法可以完美的测量室内空间手绘图空间的长宽高纵深的比例关系和透视关系。同样此方法适用于一点及两点透视制图。

视平线测高大大提高了徒手手绘制图的准确率。使大量的量化训练得到减低。

地面投影生成家具造型法

如下图所示使用距点法、量点法、对角线测距法、视平线测高法等方法绘制好室内空间网格图后可以根据网格分布家具大小及位置。绘制出家具地面投影。大部分家具都可以被看作为基本型是方体。先根据方形投影生成立方体，这样比较容易控制好透视找到灭点。再根据立方体基本型逐步细化绘制出家具具体造型（如图所示）

以上几种方法系统结合可以明显提高绘画水平，减少训练时间。

7.根据工作需要创新每种技艺的训练方法

室内设计师的速写训练非常重要，速写可以是一种训练手段，但同时也是一种思维方式。在室内表现速写中线条以直线为主。一张建筑表现室内手绘表现图中的线条80%以上是直线。所以在培养设计师后期职业能力时，要注意直线的训练。这里主要创新出几种教学方法，两点连线、蜘蛛线、网格线等训练法。

两点连线法

大家都知道两点连接成一条直线段，通过连接距离是3厘米、5厘米、8厘米、10厘米等距离的两个点。进行直线感觉的训练。这种训练需要量化训练。好处是简单高效。被训者很短时间内就可以进行非常大量的训练。训练成效周期短。一定时间内就可以绘制出干脆有力的直线段。满足设计师绘制直线的基本功要求。

蜘蛛线法

蜘蛛线法主要是针对设计师绘制室内手绘表现图时需要表现各种方向的线条。训练设计师在各个方向上拉直线的手感。

网格线法

网格线法主要是对设计师绘制水平线垂线和对角线进行训练，并且能有效训练设计师控制线条长短的能力。

通过以上两点连线法和蜘蛛线法、网格线法几种直线训练法，使设计师能够快速灵活掌握直线绘制能力。为绘制室内空间表现图打下坚实基础。

七、小结

目前在通过对手绘对设计师后期职业能力影响深化研究过程中，对手绘课程设计理念上有更新，以培养职业能力为核心，以工作实践为主线，以工作过程（项目）为导向，用任务进行驱动，使学生能力更符合岗位需求。

参考文献：

[1]钱强.日本室内设计士资格的考试 [J].室内设计与装修，1994，（2）

[2]日.长谷川矩祥.效果图表现技法系列[m]中国青年出版社.2008，8

[3]刘旭.图解室内设计思维[m]中国建筑工业出版社. 2007，7

第5篇：绘画表现手法范文

[中图分类号]：J21 [文献标识码]：A

[文章编号]：1002-2139（2013）-4--01

一、 架上绘画的起源与发展

架上绘画源自英文“Easel Painting”。“Easel”指能够支撑画面，并且能够用于作画的木框，即画架。“Painting”指绘画。从广义上说，“Easel Painting”泛指一切架上绘画。从狭义上说，“Easel Painting”就是以油画、水彩或蛋彩画等标准技术法完成的可携带尺寸的创作或美术绘画作品，以区别于其他像壁画、装饰艺术、插图和商业广告设计这类绘画。架上绘画肇始于十三世纪出于祭祀需要的木版画，直到15世纪时，架上绘画才有了模型，到17世纪荷兰小画派的诞生才意味着架上绘画进入了辉煌阶段。这首先是由于文艺复兴时代适应新兴市民阶级出现而产生的审美趣味所致。画架、画框、画板、画布乃至画室的出现，促进了架上画的产生、发展。架上画反过来也推动了它们的改进、完善。凡?爱克等人在油胶粉画法的基础上改进形成的用松节油调制的颜料，取代了绘制壁画的蛋清颜料而成为绘制架上画的主要颜料，使作画时颜色易于调和，便于用笔，可层层覆盖，画面色彩鲜亮、富于光泽和细微变化，有利于对光线、瞬间的情感氛围的表现，使画面效果更适合于社会的审美要求，绘画技巧也由此得到了很大的发展。架上画的产生使肖像画、静物画、风景画乃至风俗画得以独立出现于画坛，它还使美术教学从早期壁画的师徒传授方式转向画室和学院教学，到19世纪，学院教学的方法、手段、目的均以架上画形式为主。西方绘画也是以架上画形式传入中国的，它成为国内油画等创作与教学的主要方式。架上绘画的产生是绘画功能、材料、技巧、形式、教学方法和美学意义上的一次革命性转折，架上绘画在美术史上有着非比寻常的地位和辉煌的历史。1

二、新兴艺术形式的出现与冲击

十九世纪末，著名法国美学家达盖尔发明的银版摄影术改变了绘画的命运，画家们开始意识到绘画的“传播”与“纪实”功能逐渐地被摄影所取代。在达尔盖发明摄影术不久，著名历史画家保罗?德拉洛奇说：从今以后，绘画已死。二十世纪以来，架上绘画作为正统艺术高高在上的地位受到了以摄影、电影、电视和互联网艺术为代表的“新媒体艺术”兴起的强有力的挑战。在这样的背景下，西方艺术界在上个世纪六、七十年代之交爆发了一场关于“架上绘画危机”的讨论.，结果是整个西方艺术界都普遍认为架上绘画的前途一片黑暗。1965年，美国著名的极少数主义雕塑家唐纳德?贾德宣布：绘画已死。那么，架上绘画真的要被新兴艺术所取代而湮没在历史的长河中吗？架上绘画与新兴艺术形式之间必然是生死存亡的斗争吗？

三、新兴艺术形式与架上绘画的辩证关系

唯物辩证法告诉我们：矛盾即对立统一。矛盾双方不仅仅是相互对立相互区别的，它们之间也是相互依存相互联系的关系。架上绘画与新兴艺术形式在技术手段上是相互区别的，它们有着截然不同的表现形式，并且带给人们不同的艺术感受。然而不管是架上绘画还是新兴艺术形式，艺术发展变革的核心问题仍然是关乎人类的想象力，审美能力和对现实的观察能力这些永恒的问题。一个艺术家，不管是用自己的笔触还是用长短镜头来完成他的艺术作品，他所面临的问题都是如何在作品中表达自己的思想、内心情感和对世界的感触。从这一点看，架上绘画与新兴艺术形式是一致的是相互联系的。由于矛盾双方之间是相互依存相互联系，矛盾双方可以利用对方的发展使自己获得发展，也可以相互吸取有利于自身的因素而得到发展。架上绘画从新兴艺术形式中吸收了许多新的表现手段和艺术观念，扩展了架上绘画的内涵和边界，极大地丰富了架上绘画的表现空间。例如英国的新现实主义画家弗洛伊德的绘画中我们就能够看出一种类似希区柯克电影手法的神奇效果。而安迪?沃霍尔后期任意在绘画与影像之间行走的工作方法，彻底颠覆了西方当代艺术中绘画性与新技术二元对抗的状态，在安迪?沃霍尔的艺术中，新媒体技术为我所用的，增加了他绘画的多义性和综合性。他的绘画正是所谓经过影像和观念反省后的“绘画”，其实已经是一种新的、具有总体意义特征的新艺术了。2

四、艺术思想使得架上绘画得以存续

任何形式的艺术作品中都包含着艺术家对生命价值的关怀以及对社会深度意义的探究，它真实表现了作者内心的想法，深刻的体现着作者的思想深度。从这个意义上说，思想是艺术的灵魂，一件没有思想的艺术品不能称之为艺术品。法国画家德拉克洛瓦的架上绘画作品《自由引导人民》展现了法国大革命中激烈的动荡场面，画中自由女神的形象表现了法国人民为自由而战的英勇壮举，千百年来鼓舞着为自由而战的各国人民。正是作品表达了作者对于对于追求自由的讴歌这样的思想，使得这幅画在世界范围内几乎家喻户晓，更使得这幅画在艺术史上成为不朽的作品。思想对于一件艺术作品的重要性由此可见一斑。因此我们有理由相信，架上绘画不会死亡，死亡的只会是艺术家的思想以及观念，只要思想的火种在，架上绘画就会一直存在下去。3

五、架上绘画是独特的艺术表现形式

新兴媒体艺术的兴起拓宽了艺术的表现形式，无论是架上绘画还是摄影、电影、互联网艺术，都只是艺术的具体表现手段，它们具有同等的艺术价值。在现在这样一个及其多元化的时代，每一个艺术的表现手段都有其无法替代的独特性。架上绘画的唯一性和不可复制性的特点使它作为一种艺术表现手段无法被新兴艺术形式取代，也使它不会有真正意义上的死亡。绘画这种最为真挚的手工操作，听命于心灵深处的感召，笔触、色彩之间寄寓着艺术家的情感与精神，这无疑使它对人性具有一种超乎技术的亲切感与领悟力。4哲学大师纳尔逊? 古德曼曾说：“当我们在美术博物馆呆上几个小时后走出来，会发现眼前的世界不同于原先的世界。我们看到了过去没有看到的东西。而且以一种新的眼光观看。”我想，这就是架上绘画的生命力所在。

第6篇：绘画表现手法范文

关键词：意境跟随；写实；笔墨之间

中图分类号：J212 文献标识码：A 文章编号：1005-5312（2013）08-0191-02

中国山水画的笔墨技法不外乎笔法与墨法的综合运用，山水画重写意，不计较一笔一墨的得失，中国山水画自古追求“笔才一二，象已应焉”的境界。相比之下，西方风景画，重在写实，强调虚实冷暖的对比与空间的刻画。西方风景画从古典的超写实，到现实主义，再到印象主义，后印象主义，都在探求绘画的造型与色彩的写实表现。从早期追寻绘画的真实，到中晚期追求绘画中光的运用，再到探索色彩的综合运用......这些都充分说明，东西方风景画从起初就确立了截然不同的价值观，前者臻于绘画意境，强调写意的塑造，后者，探寻造型，透视，光，色彩等的表现与绘画的写实。

然而，随着近代东西方在绘画上交流的增强，像郎世宁，徐悲鸿这样，兼修东西方绘画的人越来越多，人们发现，西方风景画可以有针对性的借鉴东方山水画在绘画意境表达方面的成就，尤其是笔墨之间的意境跟随。

南朝的谢赫在他所著的《古画品录》中，提出的绘画“六法”尤为精辟，成为后来中国绘画追求的最高境界。六法为：气韵生动，骨法用笔，应物象形，随类赋彩，经营位置，传移模写。

一、时空形态的表达之启示

（一）意境时空观

讲到时空在图像中的表达，必然会考虑到绘画中透视法的运用，古代埃及在绘画中使用的正面率、中国画中使用的散点透视，西方的焦点透视，都是在二维平面中表现空间的有效方法。正面率，又称为侧身正面率，是埃及绘画和浮雕表现中经典的形式。

中国山水画，采用散点透视的方法，将意境的表达推向极致，这种意境的表达从早期隋朝展子虔的《游春图》、宋朝被称为“米氏云山”的米芾父子的绘画作品中可以看出其意境的高远。

（二）“三远”的意境表达

东西方绘画有着各自的空间表达方式。就东方的山水画来讲，运用“三远”即“高远”、“深远”、“平远”的表现手法，这一思想出自北宋时期郭思写的《林泉高致集》中，记录其父亲对“三远”的阐述，曰“山有三远：自山下而仰山巅，谓之高远；自山前而窥山后，谓之深远；自近山而望远山，谓之平远”。 宗炳在《画山水序》中提到“坚划三寸就有千仞之感”，“舱里数尺即可体现百里之遥”，所体现的正是这一思想，作品如范宽的《溪山行旅图》、沈周的《庐山高图》都以人物、房屋作为比例，体现山的高耸。这是东方山水画对空间形态的理解，这种将空间置于“三远”的意境之中的表现手法，其本质是写意的，强调了画家与观者视觉心理语言的表达与传递。

西方风景画在表现自然意境的过程中，可以借鉴中国山水画的这种表现手法，特别是意境跟随。

二、造型表达之启示

中国山水画在造型上追求与众不同，强调画中“变”的东西，这与中国的传统文化是息息相关的。在绘画中，画家通过对事物外形的归纳概括，把握事物内在的形象特征，舍弃具象的外形，再结合个性化的构图，给人以新颖的美的感受。这种以形写神的表现手法，在宋代梁楷的《泼墨仙人图》中，表现的最为明显。东晋顾恺之的《洛神赋图》，将人在画中游的形象表现地淋漓尽致。也是这种手法的典型表现。

五代后梁时期的荆浩，在汲取李思训父子、吴道子、王维等人的画风后，所创立的水晕墨章的表现技法，以及他确立的山水画的皴染技法被沿用下来，并被后来的范宽、郭熙、李唐等人沿袭并各有创新，皴染技法尤其丰富，例如表现石头的斧劈皴、拖、云头皴、披麻皴、雨点皴、米点皴、太湖石等手法。这些造型手法虚实相生、意境深远，是西方风景画最重要的可取之处。

三、色彩表达之启示

色彩的形态表现上，中国山水画以墨为主，以色为辅。然而，这也不会影响色彩在意境表达上的重要性。色彩的使用同样也随时代的不同而发生变化，比如，元四家之一的黄公望的《富春山居图》，多以泼墨来表现山峦的起伏延宕。再如宋朝王希孟的《千里江山图》，青绿设色，山脉绵延起伏，气势恢宏。中国山水画在色彩的表现上也紧扣因物象形、随类赋彩的绘画意境。

参考文献：

[1]傅抱石著.中国绘画理论.商务印书馆，1936年.

[2]李泽厚著.中国古代画史论.人民出版社，1986年.

[3]傅抱石著.中国绘画变迁史纲.上海古籍出版社，1998年.

第7篇：绘画表现手法范文

 

关键词：美术创作　绘画艺术　审美因素 

 

美术绘画是一种在二维的平面上以手工方式表现自然的艺术， 

随着摄影技术的出现和发展，绘画开始转向表现画家主观自我的方向，绘画是一个捕捉、记录及表现不同创意目的载体形式，绘画按材料介质的不同，以素描，色彩为主要表现形式。随着现代绘画艺术理论的完臻构建，本文针对影响美术绘画艺术创作的因素，进行了简要阐述和分析。 

 

一、艺术构图因素 

 

所谓构图，是指艺术家在绘画创作时根据题材和主题思想表达的要求，把要表现的形象适当地组织起来，构成一个协调的造型艺术表现方式，它是作品中艺术形象的结构配置方法，是造型艺术表达作品思想内容并获得艺术感染力的重要手段。 

美术绘画创作中，构图是对画面内容和形式整体的安排，构图的基本原则讲究：均衡与对称，对比和视点，变化与统一。常见的构图方法包括三个要点： 

1、画面主题图形的位置。 

2、非主题图形的位置以及与主题图形的关系。 

3、画面底形的位置以及与图形的关系。 

构图是美术作品的基础表现方式，对于绘画构图需要画家去精心营造、布局构思，这是一幅绘画创作成功的基础和关键，是影响作品格调、品位的直接因素。需要画家对其作品的构思立意，要作细致的理性化设计。构图的艺术手段，包括图底关系、空间处理、画面意境的基本设计。除此之外，画家的视觉审美感觉在艺术创作过程中也是极其重要的，它为画家提供了理性表达审美品位高低的评判标准。构图的本质就是是艺术形式美，是艺术作品的第一表现要素。 

 

二、工具材料因素 

 

美术绘画艺术作品创作，需要一定的工具和材料作为传达介质，进行艺术形象的再现，良好的绘画工具以及绘画材料，是美术绘画艺术作品创作成功的重要因素。从一定程度上来说，美术绘画的创作需要对绘画材料的特性比较熟悉，以便更好地应用于绘画艺术创作。一般来说，绘画艺术常用的工具材料主要包括画笔、纸张板材、以及颜料等基本内容。 

1、画笔：是绘画的主要工具，画笔的质量，型号，笔头的方、圆、秃、尖、软、硬等是影响画面效果的工具材料因素。 

2、纸张板材：是画面的载体，画面板材的吸水性、肌理、软硬、薄厚等性能是影响画面效果的重要因素。 

3、颜料：绘画颜料的质量是影响美术色彩绘画效果的主要因素，选择好的颜料是绘画成功的基础。颜料的色泽、附着力、黏稠度、含粉量、调配后的显色性等，均是衡量颜料质量的标准。作画时对颜料的应用也因人品位高低不同，变化无穷。 

 

三、表现技巧因素 

 

美术绘画作品的成功创作，是与艺术家自身的绘画技能密切相关的，技巧是创造成功艺术作品的方法，画家的绘画技巧本身就具备了审美的功能，并且为绘画创作提供了表现性语言，是画面中较为直观的视觉要素。技巧来自于艺术家对绘画工具材料应用的熟练程度，来自于画家对艺术审美元素理解的阐释。美术绘画创作中常用的绘画技巧很多，一般主要包括各类绘画的用笔技法，用色技法，以及相关特殊的绘画创作技法等。 

1、用笔技巧：是画家绘画时的用笔技法，一般包括涂、刷、摆、点、排、堆、擦、皴等等用笔方法。在运笔方向上可顺可逆，讲究力度的控制和审美，用笔讲究笔韵有序，画笔要随心随形而用，笔形相生。 

2、设色技巧：是画家对色彩颜料的应用技法，包括色彩的色相、纯度、明度等应用规律的灵活运用；颜料的干湿程度、黏稠度、薄厚度的控制和把握：画面中的素描关系、冷暖关系、色调的处理；同类色、近似色、对比色、互补色等色彩关系的综合应用等，颜料的应用应体现出力度、装饰等审美韵味。 

 

四、形象塑造因素 

第8篇：绘画表现手法范文

我之所以推崇他，深入研究他的绘画技法与理论，是被他在绘画创作中那种对对象自发的放笔直取的、迅捷的表现所吸引，并在自己的绘画创作过程中深入研究借鉴他的绘画语言，尤其在如何表现与传达画家的直觉感受方面深受他的启发。

劳特累克受印象派影响，又脱离其而另辟蹊径，从德加、高更、杜米埃等人的绘画表现手法中汲取营养，形成自己独特的绘画风格。画面中带有印象派的痕迹，强烈的色彩对比，而对形体的把握又如同“魔术师”，　特别擅长曲线的运用，使画面极富表现力。他特别注重笔触与色彩的巧妙结合，他的众多作品，只用少量颜料结合调色油，让画笔在画布上快速奔驰，达到一种速写式的透明的色彩效果，加之很少的几种颜色被大块地摆在画面上，令人感到色彩的生动新鲜，构图顿时生出不同的效果。作为一名学习油画专业的学生，面对如此生机灵动的线条和丰富的色彩，无不让人赞叹！他在绘画创作中色彩与线条的表现方面，极具速写性质，丰富的内容及所传达的艺术感染力，深深打动了我！我在此只以自己的感受为基准，以他本人的作品来阐述我对绘画作品表现力的认知程度。

他的画色彩上对比强烈，又似信手拈来，生动丰富，不拘泥于客观事物，又超越了客观事物。通过色彩的跃动、色块的对比、色调的映衬和烘托来表现各种各样的场景。他的画面总是神采飞扬，又似“匆匆忙忙”捕捉动态所至，惟恐那一刻的时光和感情就要马上流逝，而也恰恰是这种“慌乱”的绘画状态加之以严谨而不拘谨的动态，使画面有条不紊，给其作品留下了生动的效果。姿态、动作的塑造刚劲精练，沉稳老辣，色彩明快，简洁直率。在人物动态的处理上又极其到位，有些作品甚至都没有将画面颜色填满，如《扎娜·格拉尼埃的微笑》、《梳发的女子》（图-1）、《初领圣体之日》、《浴女》、《路易？巴斯克肖像》等，画布底色还留有痕迹，但确给画面带来特殊的效果。在他的名作《唱“Linger，Longer，Loo”的伊维特.吉尔贝》（图-2）中，画幅尺寸不大，只有53cm×39cm，但蕴涵着强烈的艺术感染力和视觉冲击力。作品线条刚劲有力，酣畅飘逸，传神动人，情与景、线与形的结合恰到好处，虚实相生，疏密有致，彰显出其独特的审美取向。在画面的处理过程中，对对象（唱歌的歌女）人物面部、头部和手部（手套）作了较为生动的刻画，画面其他部分就用一点稀薄的颜色勾勒，但这决不是简单粗略的描绘，利用素描式的或线条式的色彩勾勒出歌女的衣裙，加之画布固有色作为背景色，作品即已完成，整个画面异常完整、灵动，且张力十足，给人一种轻松洒脱的感觉，把一个歌女的形象描绘的惟妙惟肖。在色彩的处理上，画面是单纯中见丰富，对比中有调和，既统一又变化多端。通过整体色调的烘托与大的色块之间的冷暖对比，形式感与视觉冲击力强烈。人物面部以粉白色为主，概括整体，手部（手套）黑色镂空，体现了她在灯红酒绿的纷繁都市，浓妆艳粉，而衣着寥寥数笔，与面部形成鲜明对比，整个人也随之在画布上舞动了起来！艺术表现手法和风格新颖别致，具有强烈的震撼力。整个画面巧妙的运用了概括归纳的表现手法。他对人物所处的环境即背景做了概括和归纳。利用画布本身的一块整体的颜色，用另一种颜色，自如的进行了处理，巧妙画出它的虚实，将画面的氛围，极度概括的表现出来；主体物在形体上做了适度的夸张，还是在概括的基础上，把人物动态夸大，面部表情、手部动作略微夸张，色彩统一中见灵动，既避免了单色造成的单调、拘束感，又恰当的表现出了人物面部的丰富表情，抓住了最具对象个性气质的形象特征，展示出了歌女飘逸舞动的身姿和衣纹服饰的质感，使画面达到非常好的效果。

在我们绘画创作中，往往在内容和表现手法上忽视了这些，对内容和题材的选择过大，要安排多少人，而忽略了对所表现内容的深度理解及真切感受和体会，劳特累克这幅画就一个人，内容与形式及主题都极其简单，一个女子，一个正在唱歌的歌女。人物弯腰向前构图简洁，作者对题材内容的把握与体会却具有异常的深度，这是作为一个绘画专业学生所要学习借鉴的重中之重，以及他对画面的整体控制力度，恰如其分。画面中头饰、手套、大花礼服，自上而下，寥寥数笔，表现力依次减弱，那是一种无意识的“速写”，而这种“无意识”，是通过“有意识”地观察，从理性到感性的不间断地升华，从而映射出画面的艺术形式的完美统一。

在表现手法上做适当的概括和夸张。人物形象的把握和表现处理中线条有适度的夸张，而在环境处理中极富概括能力，强调自身的感受，所体现出的张力，给画面带来巨大的艺术感染力，使其画面有一种膨胀感，虽然在人物安排上数量不多，但画面非常饱满，而且表现力度异常强烈。他在绘画中的线条，有种脱僵的运动之势，表现热烈、迅捷、敏锐。劳特累克在色彩与线条相统一的表现中，都是按自己的心灵轨迹运动的，很松动又很谨慎，既复杂又很自然。在事物的观察、分析、理解、判断到顿悟及下意识的艺术表现上几乎是完美的，他把情感与艺术表现形式恰当的结合在了一起。对从事绘画或与绘画艺术相关的人在如何观察及表现上是很有帮助的。

劳特累克在他简短但又丰富的一身中，多部分时间都是在于艺术活动相关联，虽然他的身体是残缺不全的，但情感却是无比真挚的，通过长期努力探索，以他独特的绘画风格，运用概括的、明快的、带有速写性意味的画面充实了他的艺术世界。他的艺术世界是自由的、真挚情感的道路。通过对劳特累克绘画作品的研究与 分析，我得到一些启示。绘画过程是一个不断思索与探究的过程，而我们在不同的时间、不同的地点、不同的场合看待事物的目光是不同的，这些看待事物的方式和感受取决于我们个人的精力、精神状态和审美取向。如何来认知与调动自己的心理状态，把自己对对象的直觉感受以及自己的情绪真实的情感更准确的通过绘画这种语言真切的表达出来，要通过长期不断的艺术实践与体会。

在我阅读劳特累克以及很多绘画大师的绘画作品的同时，我在似懂非懂间也产生了些艺术表现上的体会。从劳特累克的绘画作品中，我对绘画创作有了一定的理解和感受。艺术作品的产生不是偶然的，突发性的情感能创作出个别的艺术作品，但这不是常有的。劳特累克不是艺术的总称，但他的作品却能从一个角度直观的折射出绘画这门艺术表现形式的内涵。在他的绘画作品中，从单人到群像的展现，从小幅色稿到大的创作中，每一件作品的内容都非常丰富。在色块与色块之间的区别和联系上，冷暖之间的穿插上，以及对整个色调的把握中，都有其独特的方面。他的独特不是孤立存在的，是在绘画艺术艺术语言的基础上产生的。他对每张画中的内容吃的很透，人物动态的感受结合周围的环境，把每一个画面中的元素都联系在一起，整体的考虑画面所要产生的效果，所以在他的画面中，即使人物很少，但通过每一个小的画面因素之间的色彩和线条之间的处理，或对比，或虚实，色块有大有小，线条有宽有窄，主体物与环境的关系，这些绘画中要掌握的东西，都在他的画面中展现伶俐的展现了出来。（图－1）这是做为绘画学生学习中重点。

对劳特累克绘画创作过程中的表现形式的理解与感悟，我深刻体会到艺术是真挚的情感表现。理解艺术的内涵，对艺术的感悟，这些并非简单的机械运动，要通过长期不懈的努力得来的。在我们绘画乃至创作过程中，所传达出来的所有信息，就是自己长期绘画中所得到的体会的真实体现。在绘画创作中，题材选择与题材所要表现的内容的深度和广度的掌握是非常重要的，在杂乱无章的事物面前能否真诚的表白自己的内心情感世界？绘画的性质决定了绘画必须以真实的客观物质展现于人们面前，供人欣赏，这个展现的过程是长期训练摸索的过程，任何人都可以进行绘画创作，但不是每个人的作品都能称为艺术品，或是被大众所推崇认可的艺术品。我认为以自己的真实情感来描绘客观世界的作品，才能感动其他的生命，从而升华为艺术语言或艺术作品。蒙克曾说：“我们要创造，至少要建一种有益于人类的艺术。这种艺术引人入胜，它发自内心深处。”真诚表达内心的艺术才是真正的艺术，艺术的真正魅力也在于此！每种艺术都是创造者在以物质世界为媒介，通过体会和感知为基础，由自己的个人情感和精神世界创造而来的，每一件作品都表达作者自身的情感和精神状态及对物质世界的感受、理解。

绘画作为绘画者本人的心灵参照，是精神境界的表象和情感的抒发，绘画的一切体验与表达的过程，它们都属于绘画者心灵与情感的活动。劳特累克绘画创作中那种带有速写性意味的表现手法，我认为就是长期观察、体会，从而浓缩提炼，表现出来的他对客观事物情感的表象。

在我自身绘画创作体验中我真切的体会到绘画的目的不是对自然的描摹，而是主动出击式的短兵相接，是通过提炼和升华了的感知世界，拉开画面与客观物象之间的距离，更准确的把所要展现的内容精妙的绘于纸上，这是每一位从事绘画工作的人们着手解决的问题，这样才能使绘画创作深入的探究下去。

法国著名文学家雨果曾说过：他们像天上的星星，熠熠发出生辉，指引着地下人们的路。劳特累克的一生，从生理上说是残缺的，但从艺术角度来说，却是收获的一生。艺术的范畴浩瀚无边，合理的吸收前人的知识、经验，加以开拓创新，就能更快更好创造出自己的作品。我学习研究了劳特累克的绘画作品之后，体会到速写性的把握是一种最终流露于画面中的真挚的情感。通过线条、色彩的运用，充分表现了自身的感情世界。感情不是持久不变的，它是富于变化的，快速准确的捕捉表达自己情感的线条和色彩，精彩的展现于人们面前吧！

【参考文献】

第9篇：绘画表现手法范文

关键词：中俄冰雪油画;艺术创作手法;差异性;研究

冰雪油画是油画中的一种题材，在冰雪题材油画创作方面最具有代表性的是中国和俄罗斯两国的画家。但中俄两国冰雪油画创作不管在绘画内容上还是在艺术创作手法上都具有各自非常明显的特征，形成了不同的风格，展现出来的美感也是不相同的。为了使人们更加透彻地分析中俄冰雪油画作品，充分感受冰雪油画作品之美，了解中俄冰雪油画作品在艺术创作手法上的异同，笔者对中俄冰雪油画艺术创作手法的相关内容进行探讨。

一、中俄冰雪油画艺术创作方法比较

要研究中俄冰雪油画艺术作品，应当先详细分析中俄冰雪油画艺术在创作手法、艺术特征等方面的异同，然后从油画创作的角度了解与油画创作相关的内容，如冰雪油画作品具体的创作时期、创作手法以及民族特色等。人们在分析时需要深度挖掘中俄冰雪油画作品中各个层次的信息，并且整理和归纳两者的异同。另外，研究冰雪油画艺术的创作手法要重视审美价值分析。不同时代的中俄冰雪油画作品具有不同的特点，所使用的表现技法也是不同的，所以要尽量提取出具有一定现代性审美价值的作品进行分析。此外，还需要说明冰雪油画创作所呈现出来的地域性和绘画语言本身所具有的审美性。

二、中俄冰雪油画艺术创作手法比较

我国画家在油画创作上受到西方绘画手法的影响，将我国绘画本身的意境、精神与西方绘画手法进行了深度融合，使冰雪油画具有鲜明的我国本土特征。如，群在雪景油画创作中将我国传统的美学理念和西方绘画艺术合理融合，使作品从直接表现逐渐上升到了观念表达层面。我国冰雪油画艺术作品中具有非常浓厚的我国传统文化，这是我国冰雪油画艺术作品的重要特征。而俄罗斯冰雪油画在创作内容上就呈现出与我国冰雪油画较大的区别。俄罗斯所处的地理环境具有非常明显的特征，其不仅横跨了欧亚大陆，而且受到高纬度的影响，每年都有超过一半的时间被冰雪所覆盖，这造就了俄罗斯独特的冰雪环境，长期的冰雪环境给越来越多的俄罗斯画家的冰雪油画艺术创作带来非常多的灵感，因而产生了大量的俄罗斯冰雪油画作品。俄罗斯冰雪油画作品所描绘的主要是俄罗斯大地，不仅意境十分庄严、优美，而且饱含诗意，其中很多具体的描绘是对雪的描绘。中俄冰雪油画艺术创作在内容上存在较大的不同，给人们的感觉也是不同的。这种在创作内容上所呈现出来的不同是中俄冰雪油画艺术创作手法存在差异的重要表现之一。中俄冰雪油画除了在创作内容上呈现出较大的不同外，在审美价值、绘画特点上也呈现出一些不同，这主要是因为两国画家所处的社会环境和文化背景不同，在绘画表现形式上必然存在一定的差异。不同时期画家的绘画创作具有时代特征，这种时代特征不仅表现在绘画形式上，而且体现在表现技法上，所以不同时期的画家所创作出来的油画呈现出明显的时代性。中俄画家在创作技法上所表现出来的不同，使中俄两国油画风格具有十分明显的差异。人们欣赏中俄两国画家创作出来的冰雪油画作品，能够体会到不同的美，获得不同的审美体验。

三、中俄冰雪油画艺术创作手法研究的意义

研究中俄冰雪油画艺术创作手法具有非常重要的作用和意义，主要表现在以下几个方面。首先，将理论与艺术成就结合起来进行深入的研究，能够有效揭示冰雪油画作品的各种价值，如艺术价值、文化价值等。其次，研究和比较中俄冰雪油画艺术创作手法，能够使人们对中俄两国地域性油画有一定的认识，并为后续油画创作提供相应的理论依据。再次，通过收集中俄两国冰雪油画艺术相关资料，深入研究两者的艺术创作手法，充分展现两者的技法理论。最后，将中俄冰雪油画艺术所涉及的技术放置在不同领域中进行分析，所产生的分析结果不同。因此，通过研究中俄冰雪油画艺术创作手法，能够使人们欣赏两国冰雪油画艺术不同的特点，感受中俄冰雪油画艺术不同的美。

结语