绘画专业论文精选(九篇)

第1篇：绘画专业论文范文

【关键词】人文学科 绘画专业 认同感

由于绘画中的传统精神要求与当今社会中的某些流行价值观存在矛盾，另外在诸如高考和本科专业选择等“大事情”上，人们的态度愈来愈现实，使得高校中的艺术类专业在扩招的同时，其中的绘画专业却受到冷落。因此，确立绘画专业的存在价值，让学生从情感上认同所学专业，是教育者必须完成的任务。

一、高校美术教育中绘画专业的困境

我国目前的绘画教学，延用了100年前西方的训练方法。这种方式建立在“科学实验和发现”的基础上，而科学又是相当客观理性的。我国目前的高校绘画教学，至少存在两个方面的根源性缺失：一方面与我国悠久的美术传统断裂，与中华文化的血脉不合拍；另一方面与艺术的关怀精神相分离，对于生命的关注不够。

所以我们看到，中国高校的绘画专业在就业形势的压迫下，呈萎缩之势，而动画、媒体、工业设计、环境艺术等与经济生产建设挂钩的专业日渐热门。

二、绘画专业在高等教育中的定位

高校教育的目的是使人更完善，具备更好的文化品格和社会能力。蔡元培提出“以美育代宗教”，可见美术在功能上与宗教有共同之处。绘画从本质上说是以关怀生命为终极目标的，属于人文学科。

以此反观我们的美术教育，从高考训练时就一味强调“有效”的训练方法，指望以更少的投入换取更多的回报，使得绘画专业的多数学生对自己的专业几乎没有感情。而教师的职责本就是落实教育的意义，让学生逐渐变成熟，使社会更健全美好。

要让学生认同绘画，使绘画成为真正对社会有用的学科，我们可以对教学进行两方面的改变：其一，在教学内容上加入中国的文化传统，尤其是美术传统；其二，教学方式方面，需尊重人文学科的学科特性，积极调动学生的思想活力。

三、在教学内容上加入中国文化传统

1.在高校绘画教学中加入中国传统的必要性

从文化传统的角度反思目前的美术教育，具有深刻的意义。绘画诞生之初，东西方并无太大差异，都与原始宗教相联系，以线条为造型手段。所绘之物，也多是动物形象。但随着各自文化的发展，绘画在不同的文化土壤中生长，吸收不同的养分，逐渐形成相异的面貌。

中国与西方的绘画传统并无高下之分，只是因为各自物质生活与文化形态的发展线路有所区别，而展示出不同的面貌。区别是由文化造成的，而一种文化背景下成长的心灵，自然会对同一背景下的绘画感到亲切。如今，我们发现中国文化传统在国人灵魂中并未丧失，而美术教学却忽视了中国绘画传统的学习内容。

2.如何在教学中加入中国传统

我们先拿古希腊雕塑和秦始皇陵兵马俑做一个比较。二者年代相仿，题材均为人物，但是前者的石膏复制品不管多么粗糙，却已成为我国素描写生的对象，影响着学生对造型的认识；后者却仅仅是著名景点里供人观赏之物。古希腊的雕塑确实具备更强的个体性，动态和比例和谐、多样，又大多肌肉，适合学生从各个角度进行造型研究。兵马俑动态较少，又个个身披铠甲，看似不够鲜活。但是，造型研究不是简单的生理特征剖析，而应该以大文化为背景。中国人属于蒙古人种，面部较平，上身较长、四肢较短。这种生理区别在兵马俑身上不是分别得到了充分体现吗？况且兵马俑属于陪葬品，自然要削减动态，以使其具备墓穴气质。我们的美术教学不应错过如此特点鲜明、取舍得当而又内涵丰富的兵马俑。如果说兵马俑因为年代久远、功能单一而不适宜单独摹画的话，那诸如敦煌莫高窟等地，则展示出更全面的中国造型传统。置身其间，首先唤醒的是对美好生命和纯净心灵的依恋。我们的美术教学如果重视这一份亲切感，可以让学生多一份文化心理的认同感。

当然，仅仅在高校绘画教学的内容上添加中国传统部分并不足以培养学生对所学专业的认同感，还需要在教学中充分调动学生的积极性。

四、在教学方式上调动学生的思想活力

人文学科的一个特点，是鼓励个人思考，希望不同观点的出现。种种思考观点并不存在绝对意义上的对与错。如何在绘画教学中充分挖掘学生的潜能呢？调动学生的积极性是关键。

1.在理论教学上鼓励学生发表个人观点，引入辩论形式

我们知道高校美术教育的专业性部分体现在美术理论和美术史的学习上。而这些课程的传统教法是老师立于讲台之上，将知识告诉学生。在这个过程中，学生经历了听、记两个环节，却很可能错失思辩、提问的机会。

我们可以做这样的尝试：在美术史的教学中加入学生阐述和辩论环节。不同的学生有不同的喜好，即使喜好相同，原因也有区别。每个学生都可以表明自己的观点，支持或反驳他人。人文学科本身无所谓难与易、对与错，是主观性很强的学科。只有认清这一点，教师才能有效地让学生发表观点。作为学生来讲，这种感受——思考——表达——分享的过程正是使绘画进入心灵、融合生命的过程。

2.在绘画教学中需充分了解学生，共享绘画乐趣

绘画有很强的技术性，需要长期的学习过程，教师与学生会共度很长的时光。欧洲的油画技法传承一直采用学徒制。在中国，“师古”是重要的学习途径。教师的作用至关重要，如果我们意识到教育对于个人成长和社会责任的重要性，就必须以贴合人性的方式进行教学。

在绘画教学中，教师须与学生一起作画，并沉浸于自己的绘画之中，以投入的状态带动学生。这才是真正有效的“作范画”。好的绘画教学中，语言是第二位的。所有的关键点都应呈现在绘画过程和结果之中，让学生感受、认同其中的精彩。

学生的学习过程总伴随着阶段性的迷茫，这其实是对进步与意义尚未得到答案的思考。对于学生的迷茫，教师需要从过程和发展的角度来看待。

结语

第2篇：绘画专业论文范文

【关键词】高等教育 绘画课程 培养方式

目前，我国高校绘画教育处于不断发展探索阶段，诸多实验性的课程、新的教学方法正在探索、创新和完善中。教师不仅要注重让学生掌握各种绘画技法与应用规律，还应注重让学生掌握相关绘画理论知识，启发学生自身审美意识的形成与发展，变被动接受为主动认知，把握绘画学习中的规律性并逐渐将规律正确、独立地用于绘画创作中。这就要求教师授课要不断改进教学方式和方法，讲究教学的灵活性与开拓性，把握好教与学相辅相成的良性循环关系。笔者以提高绘画教育教学效果为目的，在近几年的实验性教学实践中探索了以下几点教学方式。

一、共性阶段的教学培养方式

此阶段为高校一年级夯实基础时期，是所有美术专业学生所要经历的共性阶段。要较扎实地完成这一阶段，需要在教学中强调以下两点:

（一）通过示范与启发式教学，使学生绘画专业技术、技法得到提高。具体实施是根据每位学生具体情况做相应的指导，因材施教。由于学生的基础和对知识的吸收并转化为创新的能力不同，需要教师根据学生的差异性进行有的放矢的启发性教学，课堂示范这一教学方式与内容也应力求针对具体学生进行指导。

（二）优化原有的课程设置。课程设置主要包括课程结构和课程内容。合理的课程结构包括开设的课程及其所开设的先后顺序合理，优化各绘画相关课程之间的衔接，使学生通过有序课程的学习获取更多绘画专业所应具备的知识与能力。合理的课程内容指课程的内容安排符合认知学习的规律，合理的课程内容能够反映学科的主要知识。经过优化后的绘画课程设置具备以下三点内容：

1.符合绘画人才培养目标的需求，在明确绘画课程教学总培养目标的前提下，规划课程阶段性培养目标。包括进一步完善课程的阶段性教学内容与教学结构体系，不断更新陈旧的教学计划、教学大纲与教材等。根据为达到阶段性目标所需完成的详细教学重难点等内容在每个阶段罗列出具体要求，循序渐进地完成阶段性教学任务，使教师与学生不断更新原有的绘画实践与美术理论认知，在深度与广度上发展自身专业素质。如增加绘画临摹课程课时量，通过直接向绘画大师学习，达到拓宽学生视野、提高学习兴趣、提高审美能力的目的，使学生始终处于一个宽阔且高的专业观察角度，提升学生的专业审美评判能力。

2.改变原有绘画课程设置过于单一的状况，在注重绘画教学专业侧重点安排的同时注重专业课的课程设置多样化。在原有绘画专业学科基础上增强学科建设，建立起一个层次多、类型丰富的课程设置。具体包括拓宽学生绘画创作的题材范围，增加创作的兴趣点，将细微常见且易于把握的生活题材发掘、提炼出来，作为训练创作主题，如在绘画专业课中，除原有的基础静物、人物、人体、风景写生等课程以外加入静物创作课程。课程设置的优化也使整个教学环境适合学生专业方向的深入发展。再如，对于与绘画技法紧密联系的美术理论知识的扩充，“‘重实践、轻理论、理论不能指导实践’一直以来都是很多美术专业存在的客观事实，简略单一的理论课程内容加上重复的实践课程使得学生思维僵化、没有开拓意识”①。所以，教师在绘画实践教学过程中适时更新相关绘画理论知识是必要的。任课教师应帮助学生将诸多相关知识点串联起来加以熟知，包括使学生了解绘画作品中每一步技法得以实现的本质原因，理解作品背后深刻精神内涵，甚至感悟相近年代画家作品中的互相影响力，知晓其中的必然性与偶然性。所谓“知其然，知其所以然”，使技法知识与理论知识的获取过程相得益彰，在熟练掌握绘画技法的同时补充未知的理论知识，而一定高度的理论认知又支撑着整个绘画习作与创作。长期坚持美术理论与专业绘画技法并重，可以令基础理论知识与技法更有效地相结合，并为提升整个课程教学水平服务。

3.转变教师主导型课堂教学方式为学生自主型教学方法。在传统的教师主导型课堂教学中，大多以任课教师的审美为准则，学生被动接受教师所传授的教学内容，这极大影响了学生的学习积极性与创新性，造成教学效率低下。而在学生自主型教学方式中，除了采用教师单方面的讲授法、多媒体演示法、示范法，还可通过绘画实践教学中教师与学生共同发现问题、探究问题、解决问题的方式启发、开拓学生自主思维。通过一系列学生自主型技法训练，使学生拥有系统学习与自习能力。即使教学后期，学生脱离教师的全程指导亦能独立运用学到的知识和能力创造性地解决学术问题。

二、个性阶段的教学培养方式

本时期是共性阶段后的一个高级阶段。绘画专业学生进入创作环节，需结合前一阶段的学习，在各自创作中凸显鲜明的个性特征，在某种程度上亦是创新性的一种体现。

（一）教师通过这一阶段的授课激发学生的创新潜能，培养出基础扎实而又富创造能力的学生。学生绘画作品创新力度的提升既依赖牢固的基础知识，又要敢于打破惯性思维，学会跳出原有的纯理论的桎梏局限，有针对性地进行取舍。这就需要任课教师充分尊重学生在绘画创作中的主体地位，培养学生的突破性思维，随着绘画专业课程的深入逐渐形成自己的绘画表达语言，即学会“有破有立”。

（二）鼓励学生多做相关绘画专业理论知识点的研究与总结，并定期举办学术交流等活动。不断增强学生的学习信心与兴趣，使实践始终建立在一定高度的理论基础之上，实践与理论始终相辅相成。

（三）专业中不同绘画理论知识的掌握与实践认知积累的良性循环，最终将有助于提高学生的人文综合素质。培养学生拥有完整且个性化的审美能力、理论修养以及个人绘画语言的表达能力与创新力，是当今的教育模式的重点与趋势。

三、以科研成果带动教学实践

讲求教学共长。学生学习的最终效果与教师的传道、授业、解惑的方式、方法有着直接的联系。对教师而言，应注重教师自身知识体系的构建与不断更新，注重提高教师自身的综合素质，注重科研成果质与量的提高，以求科研理论带动教学实践，及时将当下新的研究成果、观念、思维传达给学生，实现科学理论与实际教学实践的共同创新与发展，充分发挥绘画教学中科研理论对具体教学的指导与探索的导向作用。

总之，我们应继续丰富具体课堂实践内容，探析绘画教学课程中的各种创新性教学方式、方法并及时加以转化、提升为理论认知，实现教学共长。继续探索高校绘画教育发展的基本规律，在绘画教学的道路上不断总结经验并加以课堂传授进行推广应用，为培养具有综合素质的符合当代社会发展需求的美术人才而继续努力。

注释：

第3篇：绘画专业论文范文

关键词：苏轼；文人画家；偏激性；形似

        在中国绘画的发展史上，文人画家占着重要的历史地位，自苏轼开始，文人画的大旗正式树起，文人画家们尚意轻形的审美倾向和注重气韵修养的审美实践为中国绘画注入了巨大的活力。但随着后世一些文人对前人理论的牵强附会，以及本身社会优势地位的纵容下，文人画家大力贬低其他非文人画家，抬高自己；不重写实、漠视专业基础，轻俗化写实审美，迷于追求玄之又玄的意蕴，将绘画流于所谓自娱游戏，其偏激的审美倾向对中国绘画的发展带来一些不利影响。

        一、苏轼对文人审美发展的影响

        苏轼可以说是文人画家中的独有代表，他是有名的文豪、书法家。他在美术史上并不以作品著称，人们更关注的是他的绘画理论和审美思想。苏轼建立了系统的文人画理论：他抬高“士人画”（文人画）的审美地位，贬低画工，藐视画院；他强调诗画一律，主张意境美；他强调绘画娱乐性，讲究创作冲动，有感而发；他强调神似，忽略形似、贬低写实；他主张表现方法不受束缚，因需而异。这些绘画理论和审美取向长期成为文人画家审美取向和实践的坐标，并一度左右着中国绘画的发展。苏轼学识渊博，修养深厚，与其他画家相比，更看重绘画中的意蕴审美，强调抒情、娱乐。他建议忽视形似，给后世绘画审美带来了一丝自由的清新空气，一定程度打破了绘画的专业门槛，使得大批的文人也可以下笔丹青，怡情舒意，表达自己的审美感受。而“论画与形似，见于儿童邻，”这句诗话更成为后世文人画家的审美宝典。

        二、文人画家社会历史地位对其审美心理和审美标准的影响

        一定程度上说，苏轼的文人审美观点和审美倾向在当时是先进的、超前的，对绘画审美的发展是有益的。但是，他的审美理解和言论更多是代表当时文人士大夫的美学思想和审美趣味，会和其他阶层人们的审美发生一些冲突。而像苏轼这类出身文人士大夫的画家因为处于优势的社会地位，掌握着话语权，他们可以对其他非文人画家的审美取向大加贬斥，以抬高己方的审美格调和身价，审美观难免出现偏激的倾向。根据美学中的讲述，人的审美具有差异性，受到历史性、时间性等众多因素的影响。

        文人画又称士人画，《东坡题跋》是绘画发展到一定历史阶段的产物，文人画家一词很晚才出现。在古代，中国画画家一般可分为三类：民间画家、院体画家和文人画家。民间画家，又被称为“民间画工”，他们的政治地位和社会地位较低，他们的画称之为“民间画”；院体画家是指在宫廷画院任职的画家，他们的画称之为“院体画”；而文人画家一般是指在绘画上有一定造诣的文人和士大夫，他们的画称之为“文人画”。

        自先秦以来，文人学士作为一个特定的社会阶层已经开始形成。自春秋时期开始，官方“四民分业，划分百工”，制定严格的社会制度，规范各阶层的身份、地位和社会职能，禁止各阶层之间的越位，到魏晋时期，官方更是下令工匠阶层必须世代习父兄之业，禁止读书修习以求上进。《魏书》曾记载太平真君五年这样一道诏令：“今制，自王公以下至于卿士，其子孙皆诣太学。其百工伎巧、驺卒子息，当习其父兄所业，不听私立学校。违者师身死，主人门诛。”，地位、阶层、分工之严可见一斑。虽然后世历朝历代对此划分略有放松，但其等级森严的观念早已深入人心。

        四民者，一般指的是“士、农、工、商”。按阶层划分，文人画家可归于“士”，而民间画家、院体画家则归于“工”。根据我国古代美术教育的发展历史，美术绘画的专业技能教育一直在“工”这一阶层延续发展，自先秦到宋以来，绘画的功能主要在于实用，在于为上层教育服务，满足于上层现实需要。绘画教育也主要在于绘画技艺的学习，以写真为标准的存形状物技艺，一直是衡量当时画工水平的首要条件，真实、形象也是民间画家、院体画家们所追求的主要审美标准。再来看文人画家，他们隶属于“士”这一阶层，“士”列为与贵族，虽是最低一层，却是社会的中坚力量，与非文人画家相比，处于强势的社会地位。作为贵族，虽然他们也学习绘画，学习”六艺“，但他们的学习目的在于明德、开启心智，而不在于执技；而绘画技艺作为下层百工的技艺，也是他们所耻于精到的，他们讲究的是学术上的独特见解和处事的才能。然而，在等级森严，尊卑有序的社会里，相对于权贵阶层来说，他们的地位又是弱势的，用老百姓的话说：“比上不足，比下有余。”这样的尴尬社会地位，难免引发出文人画家审美的偏激因素。

        从中国美术史来看，虽然魏晋南北朝以来，文人中乃至帝王将相从事绘画者也有多人，但从事绘画工作的主力仍然是工匠。唐宋以来，中国绘画的技法、总类趋于成熟，一些文人士大夫出身的画家掌握着精湛的绘画技巧，但是他们中的许多人并不以此为喜，反而羞于技能，在他们看来，掌握这些技能，与那些画工没什么区别，不是值得庆贺的事情。唐代的阎立本和北宋的李成就明确的告诫后世子孙，不得从事绘画，由此可见，文人们在内心对技能是排斥的。作为文人画家，与民间画家、院体画家相比，优势在于他们的深厚学识和特殊的社会地位。北宋以来，社会经济繁荣，政府优待文人，文人生活安逸，传统绘画的审美标准和过于实用的审美功能不再适合他们。个性的解放、思想的表达成为他们的需要。一方面，文人画家们渴望借助绘画表达自己的审美思想和情趣；一方面，许多文人从事绘画却又耻于精湛的技艺，缺乏绘画功底，这使得文人在绘画中不得不忽略形似，而片面追求意蕴和难以把握的神似；进而变本加利得贬低写实，贬低形似，最总走上偏激的审美之路。

第4篇：绘画专业论文范文

关键词：中国画;传统;绘画;白描技巧;欣赏;基础

中图分类号：J212-4;G642 文献标识码：A 文章编号：1005-5312（2016）05-0177-01

在大学的美术专业基础课教学中，素描、色彩课程是各类美术专业中重要的组成部分，学好美术基础课是美术专业学生学习专业技能的重要基础。但在具体教学实践中所涉猎的内容大多都是西方绘画的范畴和技巧，因此在大学美术专业课中开设中国传统绘画--白描课也同样有着重要的作用和意义。中国的传统绘画有着几千年的历史和丰厚的传统、丰富内涵、数不胜数的绘画作品，为我们提供了无以伦比的、异常丰富的学习内容和借鉴的典范，我们不仅要了解中国画还要更好的去传承。在美术专业基础教学中开设白描课，对提高学生的艺术素养、了解学习中国传统文化、提高学生的观察力，开阔学生的视野、提高学生的鉴赏能力、培养学生的正确的审美观，提高学生的创造力、想象力有着非常重要的意义和作用。

如何将白描课贯穿在美术专业基础教学之中，是我们要进行探讨的问题。

首先，教师要进行传统文化教育，讲解中国传统绘画的历史。要结合不同专业的特点来选择学习和欣赏中国传统绘画――白描的内容，并做到因材施教，由浅入深，循序渐进。同时还要采用不同的欣赏方式和教学方法。笔者通过多年的教学经验归纳为五种美术欣赏教学方式：（1）讲座式：教师对中国传统文化和绘画历史进行主观讲解说明。（2）互动式：教师根据古代、现代的名家书画作品提出问题，然后要求学生回答。（3）论证式：以学生为主展开对中国画家作品的讨论，谈主观感受和认识。（4）自助式：以学生为主去就近博物馆和画展的欣赏中国画美术作品。（5）临摹式：临摹古代名家书画作品。

其次，教师要充分把握白描课教学内容的重点、难点，还要结合不同美术专业的学科特点。教师要在课前做好充分的教学准备工作，对要欣赏的中国画作品做好题材的选择，内容的选择，要将不同时代、不同内容与现代中国画结合起来，有侧重的进行诸如时代特征、背景、历史故事以及画家的背景故事，艺术家的主观意识以及美术作品的表现，造型特征和在整体自然环境的关照等进行一系列的介绍，一定要结合教学目的和教学内容来进行教学，要挖掘美术作品中最感人、最本质之处，对古今中国传统绘画大家的作品做出理性、客观、深刻的分析，让学生在掌握中国传统绘画技巧的同时循序渐进的提高学生的审美能力、鉴赏水平。要通过各种手段激发学生学习中国画的兴趣。

在教学过程中要使学生成为中国画教学与中国传统绘画欣赏的主体。教师要有多变灵活的授课方式，激发学生的学习兴趣。不要让学生成为被动的学习者而是要成为主动的参与者，这样才能充分发挥学生自身主观能动性，教师要在双边教学互动中挖掘学生自身的艺术潜能，调动学生各种感官能力，除在课堂完成绘画作业外，还要留课外作业，比如提出问题让学生自己在课余利用图书馆、网络准备好与美术基础课内容相关的欣赏资料，这样既可以辅助美术基础教学内容也可以更深刻理解所欣赏的中国传统绘画作品，从而提高学生对对艺术作品的理解能力，缩短与欣赏内容的距离，产生强烈的欣赏兴趣。

不同专业的学生，要选择不同的学习、欣赏内容。比如动画专业、艺术设计专业、玉雕专业，不同的专业所上的中国画课在绘画内容上有所侧重但相关绘画技能技巧没有区别，所以在选择临摹内容和欣赏内容上要结合不同专业的专业特点，有针对性的学习和欣中国各代名家的优秀中国画作品。

在中国画白描课的教学过程中，学生在临摹优秀的美术作品同时，也让可以让学生进行适当的小规模的写生创作，这样就会使学生将所学的传统的绘画方法运用到实践中去，以更快提高他们的技能技巧。所有优秀的传统绘画作品，都隐含着丰富的思想、情感和丰富精神内涵，以及中国画家的丰富艺术经验，和扎实的绘画技巧、绘画方法。因此教师要充分利用一切手段方法充分调动起学生已有的审美经历和生活体验，激发学生丰富的想象力和情感。在临摹优秀作品时要尽可能的使学生更深刻的理解作品内涵，理解画家所要表达的含义，学习绘画技巧和方法，达到欣赏与实践并行，为提高学生的绘画技巧和审美修养，使学生获得更深层次的审美体验做好心理和物质的准备。在学生临摹中国画绘画作品前教师要根据学生的实际绘画水平，帮助学生选择相应的绘画作品，指导学生临摹作品，做到有的放矢的让学生学习临摹优秀的美术作品，达到事半功倍的教学效果。

在课堂教学中，教师也可可选择中国传统音乐为的背景音乐，营造一个特殊的中国传统文化的艺术氛围，让中国的传统音乐的旋律将学生带入浓厚的中国传统文化情景中，使学生在美术欣赏时展开丰富的联想，从而获得对中国传统绘画作品深层意蕴的领悟和审美愉悦、审美想象。中国古代艺术理论强调“虚静”，一个理想的学习、欣赏的氛围，是使学生进入学习状态的重要手段。

第5篇：绘画专业论文范文

1框架清晰、重点突出，全面介绍服装设计中的美术知识

该书最大的特点就是框架清晰完整，全面介绍服装设计中的美术知识。全书目的明确，以循序渐进的方式引导读者进行服装美术设计能力的提升。编者以简单易懂的语言，素描写生、色彩写生的练习为主要任务目标，搭建起了极为扎实的服装设计美术基础。以色彩绘画章节为例，色彩是服装设计的重要内容，也是服装设计学习的基础环节，该书涵盖了色彩绘画的工具材料和特性、色彩基础知识、色彩写生等多个层面的内容，通过色彩的调配、色彩的观察等训练让读者充分掌握绘画色彩的特点。相关内容条理清楚、全面深入、层层递进，在帮助读者开展训练的同时又培养了服装设计的色彩体会。

2内容丰富生动，阐明了绘画色彩在服装美术设计中的重要性

服装设计中的色彩设计对服装的风格及特色影响极大，当代服装美术设计中大量地运用了绘画色彩的技法，两者之间的关系密不可分。两者相辅相成、相互作用，一方面，染织、刺绣甚至绘图等技术手段的运用，可以将绘画作品直接运用在服装上，展现直观的美感；另一方面，服装设计创意中并不直接体现绘画作品，而是含蓄地展示绘画作品中的色彩。无论是采用哪种方法，绘画色彩在服装美术设计中的重要性都可见一斑。全书共分成12个章节，其中前7章以素描基础知识、透视基本原理、素描写生为主，第8~12章则针对色彩绘画的内容对绘画色彩相关的内容进行重点讲解。作者围绕绘画色彩，介绍了色彩的产生、物体的基本色彩等知识点，围绕这些知识点设置了色彩的采集与重构等任务，对服装设计师的色彩运用给予了相应的帮助。实际上，书中无论是对色彩基础知识、色彩静物写生还是对色彩风景写生、色彩设计等内容的编排，都做到了循序渐进、生动清晰，极好地展示了绘画色彩涉及的基本知识和实践作画的要领，具有极强的可读性与实操性。

3可操作性强，体现了绘画色彩与服装美术设计的融合

第6篇：绘画专业论文范文

关键词：绘画基础课；艺术设计；教学；联系

随着互联网技术与信息技术的不断进步与发展，艺术设计行业越来越依赖计算机。同时，计算机技术与互联网技术的珠联璧合，也让艺术设计工作更加高效，作品更现实化、视觉化与精细化，这使得绘画基础训练逐渐被人们遗忘。但艺术设计中非常重要的价值之一就是审美价值，而这种多元化、高水平、有内涵的审美价值恰恰需要绘画基本功所培养的美学修养与艺术表现力才能获得。

1绘画基础课与艺术设计教学之间的联系

基础绘画课程是增强艺术设计人员创造力与审美能力的重要途径，如果将其看作一门单纯的技术训练课程，这无疑是狭隘的。绘画基础课程不仅包括技术技巧，更包含对审美品位、艺术修养与创新精神的培养与开发，它是一门全面训练“艺”与“技”的课程，同时它也是所有造型艺术的基础，应当受到各大艺术设计教学的重视。［1］艺术美既是抽象的，同样也是具体的，美没有固定标准可言，但其具有特定的规律可循，绘画基础课就是由这些美学规律所构成的。在教授绘画基础课时，教师应将形式美与写生训练有机联系起来。例如，如何处理点、线、面的空间布局与关系、画面各个要素的比例配合、和谐、虚实、主次关系以及结构与构图的形式美等。在学习过程中，逐渐培养学生对美的认知与敏感度，了解在造型艺术设计中美学法则的体现方式，比如单一与重复、多样与统一、对称与均衡以及节奏与韵律、对比与调和等。绘画基础课与艺术设计教学是相辅相成、相互促进的关系。因为艺术设计教学最重要的是培养学生的创造能力，而非把学生培养成“电脑快手”。科技只能作为创造性思维的辅助工具，而不能完全取代人们的创造性思维，进而主宰整个艺术市场。中国古代画论中就有提及“物有常理、画无定法”，绘画的表现形式是多样化的，艺术流派也是百花齐放、百家争鸣的。［2］因此，教师要在绘画基础课上充分鼓励学生自由创造，使其凭借自身独特的创造力与想象力，带着感情作画，让学生在掌握技艺的基础上激发灵感，激活想象力与创造力，从而提高艺术修养，提升艺术设计作品的审美价值。例如，家具和室内艺术设计专业主要是学习空间立体造型的学科，只有将构思用一定形式表现出来才能付诸方案并实施。绘画基础课中的立体构成以及画法几何知识就成为连接技术与艺术的桥梁，是艺术设计的理性基础。［3］在室内设计时，必须展示出表现图，而这种具有二度空间画面的、立体感的绘图需要运用高度概括的绘画技巧与精准的透视制图才能完成。这种快速、思维活跃的绘图表现手法需要用大量的速写训练累积才能掌握，其中还包含对色彩构成以及敏锐的色彩感的训练，也是从不断的写生训练中才能得出。因此，我们说绘画基础课与艺术设计教学是相互影响的关系。

2创新绘画基础课教学，增强创新能力与提升艺术修养

近年来，各大高校中的艺术设计专业不断扩张，但是却鲜有对艺术设计专业教学课程进行创新与改革、提升教学质量与效率的高校。作为艺术设计专业的基础，绘画基础起到了至关重要的积淀作用，古人所说的“厚积而薄发”就是如此。但是很多高校在教授绘画基础时，只是采用传统教学方法，教会学生如何对事物以及人像进行写生，课堂内容枯燥，纯粹是对技艺的训练，而忽视了对学生创造性思维以及艺术修养的培养。教师需要引导与鼓励学生感知、理解、联想以及思考不同自然物体，打破传统限制，重组、重现这些物体的质感、色彩以及形态，实现从具象转换为抽象，从空间转换为平面的教学效果，从中寻找设计的规律，抛弃传统守旧的模式与思维，激发创作灵感，提升艺术设计作品的审美价值。我们应当创新绘画基础课教学，使之在艺术设计专业教学中充分发挥“启蒙导师”的重要作用。

2.1造型设计训练

在新课标的要求下，艺术设计教学对色彩的运用有了更高的要求，让学生学会如何整体性运用色彩，借此增强学生的归纳与抽象创造能力。此外，教师在造型设计训练中，还要注意对形式美的训练，要求在点、线、面的处理上达到和谐、均衡、对称以及对比的效果。因为在艺术设计的审美观念中，和谐是人类对美的追求的最高境界。［4］

2.2使空间与形体从自然转换为抽象

教师通过讲授空间色彩、绘画、透视等知识，增强学生的空间感觉认知能力以及构建能力，同时引导学生认知与分析材料与工具在绘画过程中的意义与作用，从而显著提高学生对色彩的认知与运用水平。

2.3使写生从空间转换为平面

造型设计其实是为学生提供了一个写实的空间，使学生能够突破诸多限制，实现从空间到平面的有机转换。教学的目的在于让学生写生对比合适的物体，由黑白空间转换为彩色平面，从而增强学生的学习能力与设计能力［5］。

2.4让绘画基础课程“活”起来，展开艺术实践交流

现场教学与课堂教学还是存在一定的差异性，教学效果也不同，如果学生每天都在校园里学习教学内容，这将会极大地束缚他们主动学习的意识与兴趣。因此，需要在课堂学习之余穿插一些艺术实践交流活动，用以开阔学生艺术设计的眼界，充实知识与艺术修养，也便于增强学生的整体意识［6］。教师可以带领学生参观各种艺术画展、博物馆以及展览，对优秀艺术设计作品的内涵进行解读，对优秀的设计想法与表现形式进行学习与借鉴，让学生得以多角度、近距离地与优秀艺术设计作品进行交流，激发主动学习的意识与兴趣，拓展与充实设计知识，重视绘画基础课程。

3结语

艺术设计同样也拥有非常激烈的市场竞争环境，但从实质上来说更像是审美的竞争。在商品性能相同的情况下，它的商业价值与经济价值往往被审美价值所评判，这也就是为什么美国人会说“美是一把销售成功的钥匙”的原因。艺术设计专业作为艺术与技术的结合体，绘画基础课程在其中起到的作用是显著的，它通过培养学生的绘画技艺、审美品位以及创造性思维，在不知不觉中实现提高学生的艺术设计水平与艺术修养的教学目的。

参考文献：

［1］…王琪.浅析地方高校新办艺术设计类专业绘画基础课教学中存在的问题与对策［J］.教育教学论坛，2016（25）：100-101.

［2］…王晶，董芳.浅谈现今高校艺术设计专业绘画基础课程教学中的几点创新内容［J］.大众文艺，2013（01）：230.

［3］…徐向东.职业学校艺术设计基础教学中的创造性思维培养与训练［J］.科技与企业，2013（17）：226.

［4］…朱小英.装饰绘画基础课程学业评价体系改革研究——以茶包装中的装饰画为例［J］.福建茶叶，2017，39（03）：115-116.

［5］…应宜文.中美艺术设计专业绘画课程教学的历史传承与现状［J］.美术观察，2013（03）：117.

第7篇：绘画专业论文范文

1.绘画课程教学中存在的问题

目前，大部分高职院校中的艺术生培养方案是存在不足的。高职院校只通过单纯的绘画教学是无法培养出理论性科研人才的，艺术生通过高职教育成为多方面发展人才。不但如此，高职院校绘画教育课程的教学条件在我国高等教育中相对来说较差，如硬件设施落后、部分院校老师教学能力较差。另外，高职院校绘画教育课程的管理模式也有着一定的问题，我国大部分高职院校对教学课程的评估主要是以教学结果来进行评价的，并没有一个健全完善的评估制度和体系，在这其中往往忽略了对教学过程和方法的评估。因此这些评估手段并不能证明课程教育的方法是否正确，且我们不能依此对绘画教育课程进行合理的改革与创新。

2.改进高职院校中艺术生绘画课程教学的建议

（1）改善绘画教育课程的教学条件。高职院校绘画教育课程的教学条件相对落后，因此，完善教学条件是非常有必要的。为了完善教学条件，我们应主要从以下两方面进行提升：第一， 招聘具有较高知识技能、高素质的教师，组织开展教育教学研讨会，提升师资力量，努力提高教师的专业技能和教学理念；第二，培养和引进多元化的教师，学校不但需要专门的教课老师，还需要一批与相关课程有关的企业机构专家来授课，以此使得学生可以通过社会实践对所学的知识进行运用。

（2）完善绘画课程体系。我国各大高职院校的绘画教育还只是停留在理论教学这一层次上，这是因为受到了现有的教学条件的限制，大部分老师都只能从理论方面对学生进行教学，无法结合专业难度较大的专业绘画对学生进行教学。因为这些方面的不足，高职院校现有的教育体系和教育模式严重影响着绘画教育课程教育效果的提升。

（3）对高职院校绘画课程教学方法进行改革。随着课程改革的需要，以往的传统教学模式已不能满足现有的教学需求，不能满足当今高职院校发展目标的需求，所以，对绘画课程教学进行改革也是当务之急。在绘画教学课程中，其中较好的教学方法之一是直观教学法，即让学生通过环境增强自身的想象力来学习，以便能够更好地学习绘画创作，同时也能增加学生的绘画创作兴趣和积极性。更为重要的是，可以让学生很好地将所学知识融合到各种情境中，增加社会实践经验，提升所学技能，从而达到预期的教学效果。

第8篇：绘画专业论文范文

关键词：书法；中国画；写意花鸟画

本文为牡丹江师范学院教育教学改革项目

项目名称：中小学书法教程的开设对高等师范院校书法教学的启示

项目编号：12-xj14079

同为中国传统艺术形式的中国画与书法，其自身均具有浓厚的文化底蕴和历史价值。中国画与书法也同时承载着中华文明的基石，也代表了东方艺术文化的核心价值所在。两者在中国文化艺术史中不断地求同存异、相互发展与创新，如今已是中国高等教育体系中不可缺少的艺术门类之一。随着国民经济的日益强盛以及高等教育的不断完善，民族艺术文化也在高等教育体系中得到了进一步的普及与发展。其中，中国画与书法更加具有民族艺术的特质，两者也在不断地融会贯通，相互簇拥着完善高等艺术文化教育体系。

一、中国画与书法在艺术价值上的共性

中国画与书法在艺术表现形式以及艺术价值上有诸多的共同点：首先，国画与书法的创作工具材料几乎是相同的，俗称的笔、墨、纸、砚都是二者必不可少的绘制工具。尤其是宣纸最具有代表性，国画和书法的艺术表现力大多是通过宣纸作为媒介所表达出来的。其次，两者在创作形式上均是以线条为主要表现手段。国画中的白描与书法的墨线是最具代表性的，在国画中的皴擦点染多为线条，书法中点、竖、撇、横等比划更是由强劲有力的线条组合而成。再次，国画与书法在审美情趣上有着不谋而合的默契之处，两者都具有深厚的传统文化底蕴和艺术表现力。例如在形式章法上都讲究“虚实结合、疏密穿插、骨法用笔”等，其意境神态层面均以“形神兼备、气韵生动”等作为审美准则。

以书法用笔提高绘画技巧是诸多画家必要的途径之一。但绘画用笔不能与书法用笔等同对待，更不能将书法用笔的练习技巧代替绘画用笔之妙处。

二、书法用笔在写意花鸟画中的应用

其写意花鸟画创作与练习中的用笔技法原则上要比书法用笔复杂繁琐。简而言之，在写意花鸟画的绘制过程中所描绘的对象要比书写的文字要更加丰富、复杂，所以写意花鸟画的用笔之道不能完全等同于书法用笔。写意花鸟画的形成与演变、发展均不同程度地随着社会审美价值进行着转变，在写意花鸟画发展的不同阶段，书法用笔的技巧也不同程度地被借鉴和吸收到绘画中。在古代最具代表性的画家有宋徽宗赵佶、林良等。近代画家有齐白石、吴昌硕、潘天寿等。宋徽宗赵佶其花鸟画特点为：常以瘦硬的线条描绘花草、飞禽等，其风格清新雅致，俊秀优美。这也得益于赵佶所创的“瘦金体”。林良的花鸟画风格独特之处在于草书技巧以及草书线条运用到绘画的描绘中，运用线条粗犷繁密但不失形似之妙处。时至近代绘画阶段，绘画巨匠齐白石、吴昌硕以及潘天寿均不同程度在绘画中借鉴和引用了书法用笔之技巧，在中国画的历史中也达到了很高的成就。

三、中国画与书法专业在高校教育中的作用

近些年，国画与书法专业在高校的教学中不断出现危机感。中国画与书法在如今的市场经济大潮中更多地被视为艺术品，从事该专业的从业人员更多地被视为“艺术家”。然而，在高校的教育体系中，国画与书法专业“教什么”这一命题会使人产生困惑，画画与写字更多地被视为该专业的“代名词”。

目前，已有的《国画教程》与《书法教程》高校教学用书可以说已形成一种形式化的趋势，其内容也大同小异。多半是讲解绘画与书写的技法与技巧，然而对于中国传统文化层面进行讲解与分析的高校专业用书少之又少。高等教育体系中的国画与书法教育更应关注古人笔墨形迹所承载的深厚的传统文化内涵，而对传统文化的把握和感悟，仅有技法的训练是远远不够的。

另外，在中国画专业的具体的书法教学中，由于没有一个系统的、可借鉴的教学体系，学生在学习书法的最初阶段，大多数教师没有根据学生的天性为学生选择适合入手的字帖，这样就造成了书法教学方式方法“简单化”“一刀切”的不良循环。同时，在书法对国画学习的重要性方面没有给予足够的重视，不能为学生提供合理的有针对性的艺术方向的引导，这些都是缺乏对国画和书法之间关系的研究。

因此，在现有的教学模式下，要做的就是了解书画之间的内在联系，为学生总结出共性的学习方法，使学生能够很快吸取并能用于实际操作。由于学生的视野或知识有限，教师有责任和义务根据每个学生的秉性兴趣点，开阔学生的眼界，扩展他们的知识含量，使传统的专业与与其他专业进行学科交叉，让学生对国画与书法专业在观念上有新的改观。

高校国画与书法专业的教学，除了应有的传统、现代技法训练外，和书画相关的传统文化基础知识更应当被视为重点，例如中国文学、中国历史、中国哲学、文字学等。书画训练不仅仅是训练笔法与墨迹的美化和熟识，更应该注重人的内在修行与完善，提高文化修养与提高技法熟练程度应得到双向修正。

参考文献：

1.邱振中.关于笔法衍变的若干问题[J].书法研究，1984，（3）.

2.林木.笔墨论[M].上海：上海画报出版社，2002.56.

3.熊炜.论中国绘画笔法与书法笔法[J].艺术百家，2005，（6）.

第9篇：绘画专业论文范文

关键词：动画设计稿;教学模式;教学方法

动画设计稿课程是本科动画相关专业的核心基础课程，在课程结构上隶属于二维动画专业方向。该门课程的开设对于学生专业能力的培养和核心知识架构的构建具有重要意义。在内容上，该门课程强调实践及对学生实际动手能力的培养，力图通过大量设计稿的实践绘制，使学生深入理解动画设计稿的意义所在，提高学生综合运用各种动画表现技法创作动画设计稿的能力。该门课程涉及动画设计稿基本理论，包括动画的构图、构图与设计稿的关系、构图原理及基本方法、动画角色和背景的绘制等内容。课程的重点内容包括背景移动设计稿、镜头移动设计稿以及特殊镜头设计稿的绘制，其中核心是关于“层”的概念理解及绘制。

开设该门课程的专业基础是：要求学生具有一定绘画功底，并且对于动画分镜与故事版，以及对视听语言有一定的理解和掌握。

“设计稿”是指一幅承载了一切与各个场景相关资料的画稿，如每一场景内的背景及角色的位置编排、动作指示，如有些情况下镜头的移动方向及其进行的速度，以及是否需要加入任何镜头效果等。动画电影发展至今，已经变得高度专业化。其在动画制作过程中担当着决定性的角色，使制作的作品能够保持完整性及统一性。这项工序是由高田勋与宫崎骏两位动画大师在1974年制作电视动画《飘零燕》时首次引入到动画制作中。

由于相关技术出现时间较晚，我国相关专业领域对该技术的使用不是十分广泛，因此目前国内各大专院校讲授该门课程的系统方法并不完善。以下是笔者在近几年研究和教学授课过程中摸索出的一些实践经验和方法概括。

一、针对课程内容的思考

设计稿的基本理论是构图，这是绘制设计稿的基础技能。增强该项技能需要大量练习动画场景的绘制，以提升组织和安排整体画面的综合能力。此外，还要启发学生的创作想象力，系统地安排蕴含丰富感彩的命题场景绘制，诸如“阴郁的”“恐怖的”“悲情的”等，使学生不仅掌握相关基本技术，更培养其从精神层面理解运用技术的综合能力，要求学生能实现有冲突、有情绪的思想传递创作。

关于动画设计稿的绘制方法，涉及景别、机位移动、人物关键动作、走向等方法的综合考量，内容涵盖广，具体技术相对复杂。因此，特别强调用心设计和绘制，以及反复测设与修改。此外，该技术还需要根据故事情节布局画面，分层绘制场景，安排人物与场景、人物与道具之间的前后关系等。

二、针对上课模式的思考

1.关于该门课程的实践，需要突出强调拷贝台的运用

设计稿绘制在严格意义上需要学生在拷贝台上实现分层绘制，具体涉及背景移动和镜头移动，同时学生应掌握动画纸组粘技术。虽然在制作软件大行其道的今天，传统的纸上绘制略显低效，但拷贝台绘制过程是绝不能被忽视的，只有亲身感受该创作环节，才能更深刻、充分地了解该环节的重要性以及意义在何处。令学生深切体验铅笔在纸张上留下印记的过程，线条在纸张间自由穿梭，人物关键动作设计的惟妙惟肖，人物之间、人物背景之间的穿插相互关系，对于其动画创作理念的形成无疑是不可或缺的。

2.关于该课程的讲解与课件制作

（1）在讲解内容中融入动画大师的设计手稿分析、影片分析、学生自主分析、课堂绘制练习、动画演示与难点重点知识分析，并在课后通过拓展绘制的方法实现对具体课程内容的深入理解。注意结合国内外优秀动画短片视频案例分析，以及最新设计手稿资料的呈现与分析。（2）课件中不仅需要有相应镜头绘制图式的分解，还需要通过动画演示的方式剖析技术难点，以促进学生对设计稿这道工序的深度理解，令学生明白每幅设计稿都是创作人员专业智慧的核心体现。

综上所述，设计稿虽是动画制作的其中一项工序，但却蕴藏了创作者无穷的想象力，绝非照片或以精确透视法刻意布局计算的作品所能比。虽说是一幅幅铅笔画稿，但是每道笔迹中，无不渗透出创作人的匠心独具。开设此门课程的意义就在于让学生对设计稿的绘制有切身的体会和绘制经验。动画的制作流程较多，从最初的设想和架构到画面设计，再到绘制中间画，最后到后期剪辑与合成，无一不富含创作者团队的集体智慧和努力，每个环节环环相扣，联系紧密。授课者不仅要传授知识，更需谨记培养学生的艺术素养。

参考文献：

[1]布廉・丽梅，孙立军.动画设计稿技法[M].北京：北京联合出版公司，2013.