古典音乐的派别精选(九篇)

第1篇：古典音乐的派别范文

［关键词］古筝表演;作品情感;古典美育;艺术表现力;演奏技巧

古筝属于弹拨类乐器，在我国拥有非常悠久的发展历史。一直以来，古筝表演中所蕴含的独特的艺术表现力和博大精深的文化精髓都受到人们深深的喜爱，具有较高的古典美艺术价值。随着现代文明社会的不断发展，人们的音乐素养水平也逐渐提升，对古筝作品的要求越来越高，古筝表演者除了要不断提高自身的演奏技巧，掌握不同古筝形制的演奏要求和不同筝派的特点之外，还应注重深入挖掘作品内涵，提高自身的艺术表现力，将音乐作品的生命力呈现给观众。只有这样，才能在表演过程中更加得心应手地处理好各项细节，充分展现出古筝作品中所蕴含的古典美艺术价值，使其在现代文明中得到更好的传承与发展。

一、古筝表演的古典美艺术实践

1.历史发展概况古筝最早出现于春秋战国时期，在当时的秦国一带广为流传，故又称“秦筝”，至今已有超过两千年的历史。最初的古筝表演形式多以娱乐目的为主，到盛唐时期，社会民生发达，人们的生活趋于稳定和谐，古筝逐渐超越瑟和筑成为人们广泛认可和青睐的弹拨乐器。唐朝时期的古筝表演已不仅仅局限于表现出“声音”，而是将“声”与“色”完美地结合在一起，进一步增强了古筝表演中的古典美艺术表现力。2.白居易对古筝表演传统古典美的认识白居易除了是我国唐朝时期的著名诗人，还是一名伟大的音乐家，他一生亲自创作的音乐诗歌共计三百余首，内容涵盖面十分丰富，从民间音乐艺术表演到宫廷演奏均有所涉及。在其以古筝为题材创作的音乐诗歌《筝》中，就充分体现了古人对古筝表演的认识和审美看法。白居易认为，古筝在传统古典艺术文化中有着十分鲜明的定位，即所谓的雅俗共赏性。通过白居易的音乐诗歌，我们不难看出古人关于古典美艺术的审美标准，人们更加倾向于从男性角度来欣赏古筝表演并对其进行评价，集中体现了我国传统社会时期盛行的男权文化。3.现代文明对古筝表演中古典美的认识随着时代的发展，不同时期的人们对古典美艺术也有着不同的看法。在现代文明社会背景下，人们在解读“古典美”的含义时更加关注其内在的含蓄和凝重，即便经过岁月无情的打磨，也依然能够焕发出独特的艺术光彩，为世人所传承、发展。古筝表演有独奏、合奏、乐队等多种演奏形式，融合了多种传统文化元素，演奏者在声乐表演过程中应与其他乐器相互配合，只有这样才能充分表现出古筝演奏中的古典美。

二、古筝表演中的情感体现与艺术处理

1.作品的情感表达演奏者只有在充分了解古筝音乐作品内容和创作背景的基础上，才能准确把握作品的情感内涵，真正展示出作品的古典美艺术价值。音乐是人们抒发内心情感的一种方式，只有能够引起听众情感共鸣的演奏才能称为一场成功的古筝表演。因此，古筝演奏者须提前了解作品的主题、风格和背景，在此基础上融入自己的看法，从而演奏出既原汁原味，又能凸显出自身风格的古筝音乐作品。要想达到这样的境界，不仅对表演者的专业素养和演奏能力水平有着严苛的要求，还要求他们能够深刻地体会到古筝表演中精湛的古典美艺术文化精髓。2.作品的处理每种形式的音乐作品都有其独特的处理方法，作为一名合格的古筝演奏者，不仅要具备高超的演奏技巧，还应能够对作品进行理性、成熟的分析，只有这样，才能有效提升古筝表演中古典美的艺术表现力。具体地，我们可以从以下几个方面来对作品进行处理:一是音乐情绪。通常情况下，抒情类作品的节奏大多较为缓慢，演奏者应着重把握其温柔、优美的特征;欢快类作品的节奏极富感染力，需要表现得尽量欢快、活泼一些;激越类作品主要出现在一些比较庄严的重要场合，演奏者在表演时须注入更多的情感。二是速度和力度。在古筝演奏中，对于速度和力度的把握是十分重要的。表演者应根据实际情况来对演奏的速度和力度进行适当调整，注意突出不同段落间的速度的对比，控制弹奏力度的强弱，以此表现出作品中的节奏变化。三是乐句、乐段之间的关系。在古筝音乐作品中，句与句或段落与段落之间的划分停顿是为了突出作品的层次感，表演者在弹奏时一定要注意处理好段落、乐句之间的停顿，既要表现出作品的节奏感，也要确保整个表演的流畅性。

三、提升古筝表演中古典美艺术表现力的途径

1.正确掌握古筝的形制与演奏方法就目前而言，标准规格的古筝多为s型，长约为1．63米，有21根弦。古筝面板材料的主要成分为桐木，框架的材料为白松，首部、尾部和周围侧板的材质则主要为红木、老红木、紫檀等。经过数千年的发展演变，古筝的外形和结构变化都始终体现了我国古代博大精深的哲学思想和宗教文化，故用“仁智之器”来称赞古筝并不为过。古筝的形制风格雅致且端庄稳重，表演者应以坐姿来进行演奏，体态要端正并尽可能地处于放松状态，保持肢体的协调性和平衡性。表演者弹奏过程中应将自己身体的各个部位视为整体，使古筝演奏更加流畅自然，同时还应学会合理运用身体不同部位去表现出音乐作品的需要。女性表演者在演奏时应注意并拢双腿，双脚的位置不宜分开过大，否则会失去古筝演奏的古典美韵味。古筝演奏中最常使用的手法是:右手大拇指、食指、中指拨弦，主要控制音乐的节奏和旋律;左手主要负责润色旋律、升半音和控制弦音等。古筝通用的指法有挑、勾、劈、撮、劈、抹等，各个筝派还有其独有的指法。新中国成立后，古筝的演奏手法有了突破性的发展，古筝表演者们开始尝试在弹奏过程中使用左右手交替，不断涌现出大量的左手创新技法和多声部演奏方法，不仅极大地丰富了古筝演奏技巧，还对表演者的身姿形态提出了更高的审美要求。总的来说，古筝表演者要想提高自身的艺术表现力，首先应正确掌握古筝的形制和演奏方法，使自己的身体与整个古筝表演融为一体，为观众带来一场视听上的双重审美享受，实现对传统筝乐古典美的继承。2.了解不同筝派的特点及演奏形式整体上来看，我国筝乐分为南北两派，具体又可细分为六个派系，分别是蒙古筝、山东筝、潮州筝、河南筝、浙江筝和客家筝，每种派系都有其独有的特色演奏方法。通过对我国古筝音乐源流和表演风格的研究，不难看出各个地区的古筝音乐风格都与当地的戏曲文化、民间说唱有着十分密切的联系，也正是因为这个原因，尽管古筝是一种十分古老的乐器，在我国已有数千年的发展历史，但至今仍然保持着顽强的生命力，在中华大地上生生不息地流传着。此外，不同派系的筝乐在形成与发展方面与外界环境和地域文化存在很大的关系，主要体现在其演奏形式上。例如:客家筝是以《汉皋旧谱》为形成依据，音乐风格含蓄内敛，具有十分鲜明的地域特色;浙江筝主要流传于浙江杭州地区，受江南丝竹影响较深，乐曲也多从琵琶曲移植而来;河南筝是由秦筝和当地民间音乐融合而来，其演奏形式具有“曲高和寡，妙技难工”的特点。每种筝派都有其各自的形成、发展与流传历史，演奏风格多样而迥异，作为一名古筝表演者须对这些不同筝派的特点有所了解，熟练掌握每种筝派的演奏形式，从而在演奏过程中更加得心应手，充分表现出作品中所蕴含的古典美艺术魅力。3.在现代文明背景下，实现对古筝演奏古典美的传承与创新发展在古筝初级教学中并没有局限于某一种特定派系，而是以强调技能训练提升为主要教学目的，教材中包含了各个筝派具有代表性的音乐作品。对于专业的古筝表演者而言，除了要有保留地传承流派，还应充分认识到自身所担负的跨流派传播古筝古典美艺术的重要责任，结合现代文化发展的实际需求来不断地创新古筝表演，不断提高自身的艺术表现力。20世纪80年代涌现出了一大批现代筝乐作品，例如，《天涯歌女》《分飞燕》《香港之夜》《绿岛小夜曲》《一剪梅》等等，这些筝曲大多被用于一些影视作品中，不仅提高了作品的影响力，还让更多现代人了解古筝音乐的魅力。古筝音乐古朴而不失典雅，既有小桥流水般的美好恬静，也有大气磅礴的激昂，总体上呈现出一种超凡脱俗的古典美。与现代乐器相比，古筝的音色优美、秀丽、清雅，婉转的旋律中仿佛包含了种种深情，为人们营造出一种幻想中的仙境。因此，古筝表演者将现代音乐元素融入筝乐作品中，不仅是为了满足现代文化市场的发展需求，还是为了让古筝演奏焕发出新的活力，以全新的表演方式来充分展现出古筝表演中甜美雅致的古典美韵味。在现代化社会背景下，市场化是艺术文化发展的一项重要风向标，现代古筝表演者需在尊重古典文化的基础上迎合市场需求，对筝乐作品进行适当地改编，重谱，实现古典艺术与通俗文化的完美融合，做到热情与优雅并存，充分满足当代人对古筝表演提出的新的审美要求，表演者应与时俱进，准确把握当代人的心理，并将其融入作品的演奏当中，从而有效引起当代人的情感共鸣，提高艺术表现力，将古筝表演的古典美淋漓极致地呈现在观众面前。

四、结语

综上所述，提升古筝表演的古典美艺术表现力是一项需要长期坚持的训练过程，表演者须对不同筝派作品的演奏风格进行系统化的学习和理解，在自身音乐修养的基础上用心感悟作品中深层次的情感表达，同时融入自己关于人生的一些见解和看法，只要这样才能不断提高自己的艺术表现力，在现代文明社会的包容性氛围下，实现对古筝表演中古典美的继承与创新。

［参考文献］

［1］付娜．论古筝的演奏技法及情绪调动［J］．音乐大观，2013(02)．

［2］朱丹．古筝演奏中音色的体现及把握探析［J］．黄河之声，2013(03)．

第2篇：古典音乐的派别范文

关键词：门德尔松；钢琴作品；蕴含；艺术特点

0 前言

被誉为杰出浪漫主义的“抒情风景画大师”的门德尔松是德国浪漫乐派最具代表性的人物。门德尔松的钢琴音乐最为显著的特征就是从根本上结合了浪漫主义跟古典主义两个方面。也就是说，其音乐作品在具备非常丰富的古典主义逻辑性的同时还具备非常显著的浪漫主义幻想性，所以需要认真审视其作用。门德尔松是继莫扎特之后出现的最为完美的曲式大师，其作品具有非常显著的特殊性。他在作品中完美地结合了浪漫主义的志趣跟古典主义的传统，这样一来就直接赋予作品非常丰富的诗意典雅性，其主要擅长的就是在正规的古典曲式中纳入美妙的旋律，如《小提琴协奏曲》e小调就是非常典型的一个曲子，形成了非常丰富的“门德尔松风格”。[1]

1 完美地结合古典主义艺术跟浪漫主义

门德尔松的作品最为显著的特征就是含有非常丰富的抒情元素，同时门德尔松的作品还充满着非常丰富的浪漫主义幻想。通过分析其大部分作品我们可以发现，其还具有非常显著的严谨逻辑性，其从整体上表现出来的是一种均衡之美。门德尔松是浪漫主义代表性人物之一，在分析其作品的过程中我们会发现他的作品存在很多浪漫派系的元素。例如，其擅长的就是柔和以及幻想元素的使用，同时其还对那部分古典音乐给予足够的重视以及关注，其可以在原有的基础上促使传统与浪漫完美地交织在一起。门德尔松在重视以及关注古典音乐的过程中创作出的《马太受难乐》，这部作品得到了人们的重新认可。门德尔松的观点是：传统形式的音乐存在非常显著的价值，同时还存在明显的现实意义，所以在实际工作中，需要在原有的基础上将其传承下去。所以，在分析门德尔松作品的过程中，我们会发现其作品到处都有古典音乐所存在的逻辑性。在传统音乐方面，门德尔松在继承传统音乐的过程中发挥着不可或缺的重要作用。门德尔松在完成钢琴作品创作的过程中，首先，用以下几个方面的古典音乐体裁作为创作的标准要求：变奏曲、协奏曲、鸣奏曲、变奏曲、协奏曲、赋格曲等。其次，他这样做也是为了从根本上防止陷入古典主义模仿的泥潭中。所以，其主要的目的就是完成以下几种类型作品的创作：区别于古典主义，同时不丢弃古典主义的音乐。古典派门德尔松陆续写了15年的《无词歌》，分为8卷出版，每卷各6首，一共48首。同时，代表作《无词歌》也是和浪漫派的分水岭，是门德尔松独创的体裁形式。[2]上述提到的48首曲目篇幅都比较长，但是上述歌曲都存在非常丰富的歌唱性旋律以及歌唱性伴奏，同时全部都是属于完整的歌曲形式，非常精致，并且含有非常丰富的创意，这成为当时门德尔松生活的具体体现。

门德尔松在创新艺术的过程中认为艺术实质上有一个普遍和具有延续性的基本原则，不管其涉及的是哪一个方面的创新其都是在传统的基础上完成变动的，即使是贝多芬，在其创作过程中也会参照传统。例如，贝多芬的《第一奏鸣曲》，该作品享誉全球，分析其实际情况我们会发现，其也在一定程度上继承了莫扎特的音乐特征。所以，在序曲《仲夏夜之梦》出现的时候，有人认为门德尔松完全开辟了新道路。但是对于序曲《仲夏夜之梦》，门德尔松却认为这跟《菲德里奥》（贝多芬）使用的是一致的标准，其中最为显著的差异大概就是两人之间存在不一致的创作思想。在分析门德尔松钢琴音乐作品的过程中，我们发现门德尔松对这种艺术创新道路提出了几点见解。门德尔松在作品中坚持穿插传统艺术，有一部分人批评门德尔松保守以及传统。但其实在继承古典音乐的过程中，门德尔松不是依赖古典音乐或者是抄袭古典音乐，门德尔松保持以下的观点：要传承古典音乐，同时还不怎么喜欢只是旋律单一的创作方法。

2 独立性创作体裁表现

门德尔松的钢琴音乐作品不仅对古典主义模仿形成限制，同时还制定了古典音乐非常重要的一个标准。在协奏曲体裁上，门德尔松按照实际情况的需要并没有使用传统协奏曲所存在的双呈示部属性，其实质上使用的是联合演奏，同时联合演奏是在钢琴跟乐队两者之间实现融合的基础上完成的。在选择题材的过程中，我们分析门德尔松钢琴音乐作品之后了解到，其创作的首选均是有效地结合古典主义以及浪漫主义的风格特征题材。在上述基础上才可以促使其作品具备非常显著的古典主义特征以及浪漫主义风格特征。例如，1829年7月的《苏格兰交响曲》（门德尔松），门德尔松前往苏格兰爱丁堡霍里路德古堡，结合自己的所观所想，产生了《苏格兰交响曲》的创作灵感。《苏格兰交响曲》实质上就是在分析爱丁堡霍里路德古堡典故的基础上完成，它体现的是古典艺术与现代艺术的结合，以及两者之间的交织融合。其中存在非常轻快的行板，这是其最为重要的序奏部分，a小调部分的作曲题材表达哀婉的感情，其主要由双簧管跟中提琴两种乐器来实现，上述曲调像是在感叹古堡。在创作作品的过程中，门德尔松一般会将以下两位杰出人物作为楷模：巴赫、贝多芬。同时，需要以严肃的态度对待变奏曲的写作过程，因为这不是炫耀技巧，也不是玩弄声音。

3 内涵明确的音乐情感

门德尔松在分析实际情况的基础上提出关于音乐跟语言相关的美学观。门德尔松认为，在表达语言难以临摹的情感的过程中，相比语言音乐可以更为明确地表达出情感，在音乐中需要按照实际情况的需要实现感情方面的具体性。在上述的基础上，由于门德尔松对音乐保持的态度，因此在实际创作过程中，他一般都会使用音乐来表达思想感情的变化过程。因此，后人才可以很轻易地给他的《无词歌》中没有标题的曲子冠名。例如，《春之歌》《浮云》《狩猎》等。

4 结束语

我们在分析门德尔松音乐创作的过程中发现门德尔松非常重视诗意典雅，同时重视表达精确的情感，重视表达音乐的形式美。门德尔松的音乐作品具有非常浓烈的抒彩，其涉及的内容非常通俗，非常容易看懂，同时还具有非常显著和丰富的绘画性。门德尔松的作品不会侧重于伟大理想或者是伟大的社会意见，同时也不会侧重于磅礴气势或者壮丽景象。在打动别人的过程中，他抒发的是真挚的情感，所以具有非常典型的浪漫主义代表性。

参考文献：

第3篇：古典音乐的派别范文

关键词：京剧 梅派 美学思维 传承发展

博大精深的梅派艺术可以用一个“美”字来描述，其风格典雅大方，流溢着温文端庄的古典美。已故戏剧大师焦菊隐曾经认为：不仅是京剧，我国古典的或现代的戏曲都是诗。如此说来，梅兰芳的舞台艺术可算是诗化的极致了。梅派艺术的戏境又与传统的诗境、画境相通。古人写诗，讲究“言有尽而意无穷”；古代作画，力求“无画处皆成妙境”。所谓“情景交融”，所谓“虚实相生”，以及“象外之象”、“景外之景”，皆为要为欣赏者留下一块情感想象的自由王国。自梅派成日之始，其成名卓著者，慕而随之者，可谓锦天绣地，满目俊才。

和雅中正 天人合一 圆融高远 天成之美

梅派唱腔体现了中国传统的美学原则，具有端庄娴雅的的古典美。平和中正，恰到好处，处处出自天然，全无人为斧凿痕迹，在表面规矩平淡之中显现出深沉含蓄的内在魅力。梅派音宽清亮，圆润甜脆，梅派唱腔以大方自然为主，平易近人，雅俗共赏，平稳之中蕴藏着深厚的功力，简洁中饱含着深情。

梅派艺术是圆的艺术，给人以美的享受，京剧音乐大师徐兰沅先生有一口诀：行腔不做作，寸劲适当足；音节要相连，不叫板捆住，少用棱角式，重要在满足；非真也非虚，似有也似无；明缓暗偷气，内中皆有骨；脱尽模仿处，现出真面目。这段口诀比较生动形象，对梅派唱腔及行腔要领作了总体概括。梅兰芳作为一代艺术大师，经过一番精雕细琢后，使其精华浸入观众心中，正是此中有真意，欲辩已忘言，使人久在樊笼里，复得返自然。梅派艺术圆融恰当地传承了这种中国传统文化的内涵。中国哲理惯于“道可道，非常道”，讲究感悟。因此梅派艺术在传承中，每位传人都会形成自己的特色，正如梅派弟子言慧珠所形容：早期梅派如隶书，唯美娴熟，成熟期梅派如楷书，中规中矩，晚期梅派如草书，古拙质朴。

欣赏梅派唱腔，心入化境之时很难描绘其神色，因为梅派已臻于化境，以至不着一字，尽得风流。梅派不及程派幽咽冷艳，却自然天成地表达人物内心之忧怨；不及荀派俏媚活泼，却能入微地刻画人物一颦一笑的悲喜之情；不及尚派刚健挺拔，却自有女性一番端雅秀妍。如在《贵妃醉酒》中，表达贵妃之怨，哀懑之至不是号啕顿足，而是在雍容雅态之下唱出满怀凄郁，节奏如诉如泣，幽怨动听，行云流水般而不失端庄大度。“杨玉环今宵如梦里，想当初进宫之时，万岁是何等的待你，何等的爱你，到如今一旦明夸暗弃，难道说从今后两分离”，恨意与缓情相揉，悲切与优美相契，及至最终感怀：“恼恨李三郎，竟自把奴撇，撇的奴挨长夜。去也，去也，回宫去也，只落得冷清清独自回宫去也。”绵绵余味无穷，口齿噙香，使观众在清新旷远中感受无限失宠的遗憾，可见《贵妃醉酒》的唱腔不追求突惊而出的华丽，而在清微澹远的柔静中和婉地表达内心之情，潜移默化感染观众，以致“音声相和”﹑“大音希声”之美。

梅派唱腔华而实，甘甜圆润，醇厚亮丽，中和大气，以至达到大音希声的意境，打动人心却不着一丝痕迹，如春雨润物细无声，充盈天地之间而若即若离，有“不着一字，尽得风流”的功力。梅兰芳晚年时代，将自己毕生的剧曲反复琢磨，形成了最具代表性的“梅八出”，不刻意追求情节的剧烈冲突，而追求心境的诗意之美，不执著于外在的繁华锦绣，而讲究内在意境的平和淡雅。如《宇宙锋》中的经典折子《修本》与《金殿》两场，所有剑拔弩张的危险情境被处理成主人公

赵艳容一弱女子与强权的斗智斗勇，在舞台表现上又被处理成大段描绘心理的不同板式等唱腔。如《我这里假意儿懒睁杏眼（反二黄慢板）》唱腔，该唱段运用深沉的慢板节奏，揭示了剧中人装疯时的悲愤心情，唱腔韵律熔炼深沉，塑造了赵艳蓉的音乐形象，特别是梅派唱法与音乐伴奏“心气合一”，于幽微之处见其巧妙。而在慢板过门音乐中，又表现出声断意不断，段唱腔是在气韵，字韵，声韵之中一气呵成，营造出梅派唱腔具穿透性的经典形式美。梅派塑造人物时，将戏曲的虚拟之美、乐感之美等多方面美学因素浑融婉转地融人情感表达之中，使唱念与表演完美结合。赵艳容装疯时的丝毫不给观众以丑陋之感，所有身段都经过优美的艺术加工提升。正所谓和谐流畅，自然天成之“天地有大美而不言”的儒家境界。

梅派的舞台表演无不在平易中蕴藏着深邃的内涵。在运用各种表演技巧塑造人物的同时，他又能“惜墨如金”，如眼神，在关键时目光一致，神采倍增，使人产生不可名状的美感。梅派的水袖功夫极好，但不滥用，所以总以最简捷的方式最精炼的动作，武功极有根底，步法准确而且轻盈迅捷，开打干净漂亮，又于舞打中融入舞蹈，匀净婀娜，丽而英武，成功地将中国传统艺术精髓融于戏曲表演中。

如《霸王别姬》中的舞剑，《霸王别姬》中虞姬演唱“二六”唱腔与《夜深沉》曲牌伴奏的舞剑，均是因戏而剑。戏中四面楚歌，没有退路，只有决一死战，虞姬性情厚重，她只能忍悲痛劝解大王。因这段生离死别的情景，创出了刚柔相济的歌舞骨风。虞姬唱“二六”是用中板节奏来抒发她对大王的劝解之意，肺腑之言，柔情四溢，圆润的剑姿与腔并行。紧接《夜深沉》音乐伴奏来烘托严谨的舞剑意境。剑锋挥洒将心神合一，刚劲四射，似撕心裂胆的诀别，凄美独特的创意程式，将心境表现得淋漓尽致，其美涵成为永恒的艺术典范。回望梅兰芳在二十世纪一二十年代创作的时装戏和歌舞戏可以发现，梅兰芳试图把中国女性的古典美巧妙地融入现代审美体系之中，《西施》中的翎舞，《廉锦枫》中的刺蚌舞等等，都渗透着充满生机的青春气息，于是中国京剧艺术不再局限于舞台上的唱功技艺，而是向昆曲学习，载歌载舞，昆曲在以京剧为代表的地方戏时代已日趋势微，但美学原理却悄悄保留下来。这便是中国传统文化的气韵，人们推捧以梅兰芳为代表的京剧艺术，皆源自心底深处潜藏的传统美学意识。博大精深的梅派的美学风格不会固定的表现在某一出剧目或某段唱腔中，而是渗透到它的所有经典代表作中，通过演出过程传达出来。如《天女散花》一折中刨出了长绸舞，舞动的戏中意境“天人合一”。该戏创出了灵动的唯美表演形式，使观众耳目一新，在继承与发展的不同时代，从一个天女散花的场景，改到众佛塑性的烘托，形成了雕塑美的气韵，众佛静姿与灵秀的天女舞风融洽结合，其艺术表现力更加鲜活美感。《散花》一戏的不断创意，焕发了京剧艺术的生机。随着时代的不断升华，创造出了崭新的艺术意境。

梅风梅骨 自成一系 循流展派 继古承新

流水不腐，户枢不蠹。运动、变化是事物鲜活生长的保证，世界上没有完全一样的树叶。突破、创新，是一切事物发展的规律。流派在创造中产生，更需在创造中传承、繁衍。和世界上任何事物一样，梅派艺术也需发展，按照它自身的规律向前发展，也就是应当在古典和谐美的基本表演法则的指导下，进一步实现唱念和做表之间的和谐统一。

梅派之所以成为梅派，之所以领军京剧、风靡中国、惊艳世界，在于梅大师的勇于创造和对美的永无止境的追求。京剧是梅兰芳的生命。执着，是梅兰芳生命的支撑。梅的一生，生命不止，创新不已，终修成梅派艺术和梅派精神。获得梅派真传的梅派弟子，都具有梅派精神，善于继承、发展，勇于开拓、创新。梅派发展成今天的参天大树，不仅依仰梅兰芳突破窠臼，开辟新天地的勇气与智慧，还有追随他、弘扬他，像他一样勇于不仰赖前人，走自己探索之路的诸多弟子和传人。因此，才有今天我们看到和感受到的如此枝繁叶茂﹑硕果参天的梅派。如程砚秋。程砚秋15岁时拜梅兰芳为师。此后，梅兰芳发现他有一条特殊的与众不同的好嗓子，不适宜学自己，便让程拜王瑶卿学习，经老师的因材施教，程砚秋终于唱出了自己。仅仅十年，便脱颖而出，与梅兰芳、尚小云、荀慧生一起享有中国京剧四大名旦之美誉，谱写出中国京剧和流派发展史上最荣赫、最辉耀的一笔。程与梅的不同，不仅证明了流派的形成最重要的在创新，更表现了梅兰芳的胸襟慧眼和程的坚毅、向上，表现出艺术大师的形成，归根到底在于崇高谦和的伟大人格魄力。

对梅派艺术传承的最大功臣自是我们尊敬的梅派掌门人梅葆玖先生。他对梅派艺术的执着与忠诚，使得梅派艺术之花始终娇媚无比，并众望所归地成为梅派最具权威的传承人。他使最纯正的梅风、梅韵遍涉天下，桃李无数。如优秀梅派传人李胜素﹑张慧芳等艺术名家。

学流派而不囿于流派，是当今流派传承的一大特点。如李佩红、史依弘，二人原都是刀马旦兼武旦演员，

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都曾在全国比赛中获过金奖，但她们却因喜欢文戏，尤爱梅、程，而毅然改学青衣，不但获得老师赞许，且都获得成功。李佩红将梅派经典改用程派演出，是因其心仪梅派很久，很想将梅、程乃至关的艺术熔于一炉表现。这表现了她的大胆卓识。梅派青衣史依弘钟情程派经典《锁麟囊》很久，她说：这是她小时看京剧唯一让她落泪的一出戏。所以，她演《锁麟囊》既是“寻梦”，也是“圆情”，便在她有条件自主抉择剧目时，大胆地走向破格。二人殊途同归，当为梨园佳话。较后的李维康，在广集博采各旦角流派的基础上，坚持独自发声、行腔和极其婉约细腻感彩的处理，别具风神，受到广大观众的追捧。“一样心情别样娇”，说的岂止是青年才俊为京剧艺术带来了这样的新奇与明艳，更因其在对梅派艺术传承发展中的新和美而使整个梨园界对京剧艺术的继承与发展产生了新的感悟与思考。时代的发展已将我们年轻的演员改变提升，由戏的思考进入到人的思考，是时代的进步和人的进步。时代需要考虑这一代人如何在传承老一辈艺术家艺术的同时，如何将他们开启的道路拓得更宽，从而使我们京剧艺术继古承新，一往无前。

流派发展依赖创新。继承、发展流派艺术，是振兴和弘扬京剧的一大关键。当代京剧演员应将其引为一生之使命，以崭新的理念、开放的思维，发展的眼光，认真对待流派，善于继承，勇于超越，将新时期的京剧艺术推向更高、更新、更美的境地。

总之，梅派艺术是京剧流派历经沧桑之路历练的奇葩，在近百年的金声玉振中愈加夺丽，已臻炉火纯青，功成卓著。梅派艺术的美学涵韵不仅是中国传统艺术的精华所在，更是天地宇宙之气合一的美学内在，静和高远，国之气魄。作为世界三大体系之一的梅派艺术，对其合理的继承发展乃至超越，启发者当代世界对于传统的回归，使之永远绽放在世界艺术之林！

参考文献：

[1]《中国大百科全书——戏曲曲艺卷》 中国大百科全书出版社，1983年8月第一版

[2]《戏曲音乐新论》 安禄兴﹑钱国桢编著，中国文联出版社，2003年8月第一版

[3]《中国戏曲美学》 朱恒夫主编，南京大学出版社，2008年11月第一版

第4篇：古典音乐的派别范文

关键词：古筝流派；流派形成；筝曲；风格特点

中图分类号：J632.32 文献标识码：A 文章编号：1673-2596（2016）09-0194-03

古筝是我国最为古老的、发展历史最为久远的弹拨乐器之一，距今已有两千多年的历史。由于古筝具有自身独特的音色与音韵特点，音色优美，音域宽广，演奏技巧丰富，具有很强的表现力，它那浓郁的韵味，别具一格的演奏技法，是其它任何乐器所不能替代的。这一古老的民族乐器和其他姊妹乐器一样，在祖国的文化宝库中被保留下来，并得以新生。在民间由于地域的不同，筝受当地民歌、戏曲、说唱等艺术的影响，形成了以不同音韵特点和独特演奏技巧为特色的地方流派。近代具有代表性的流派以山东筝派、河南筝派、潮州筝派、客家筝派、浙江筝派最具影响力。河南筝派拥有大量极具地方特色的代表性筝曲。其主要来自于大调曲子和板头曲两部分，音乐明朗粗狂、泼辣高亢，富有独特的韵味同时河南筝乐对近代古筝的创作也具有深远影响。……

一、古筝流派形成的原因

随着古代人类文明历史的进程，战争、迁徙等，已经成为中华大地流传最广的民族乐器之一。古筝音乐行为作为一种时间活动，与地理环境之间有着密切的关系。在音乐艺术领域内，由于生成背景、创作方式、传播手段乃至价值取向的不同，各类音乐对于自然环境的依赖程度或者说与地理的关系之深浅、疏密也就存在着差别。因此地域的自然、气候与地理的形成都有着潜移默化的影响。我国广阔的地域和复杂的地貌，为不同地区文化类型的发展提供了充裕的条件。我国北方属高山气候，寒风凛冽；南方风景秀丽，气候温和，这就造成了人们性格气质，生活习惯、民风民俗的差异，在音乐上就有了南北音乐风格的差异，就形成了刚健有力的北派和婉转明快的南派。但仍可以更细致的分为九大流派。

由此我们可以看出，古筝音乐的流派是以地方色彩和演奏手法的差异来划分的。现今中国古筝的主要流派有以下九个：陕西筝派、河南筝派、山东筝派、浙江筝派、潮州筝派、客家筝派、福建筝派、蒙古筝派、朝鲜筝派。由于蒙古筝和朝鲜筝与其它筝派的各方面差异较大，又是具有少数民族特色的乐器，所以对古筝音乐整体的发展有一定的影响。

二、古筝流派的风格特点

（一）陕西筝派

陕西筝：陕西地区是中国筝的发源地，但现在“真秦之声”的筝乐却几乎近于绝响，这里有丰富多彩的戏曲和民间音乐，其间传统的惯用乐器均不为少，但唯独无筝或极少用筝；只有在榆林地区才用筝作为伴奏乐器，跟洋琴、琵琶、三弦一起在榆林小曲的伴奏中出现。

1957年，榆林筝名家白葆金参加了全国的民间音乐调演和陕西省第三届民间戏曲汇演，并独奏了《掐蒜苔》、《小小船》筝曲。1961年全国古筝教材会议在西安召开以及会议对陕西迷胡筝曲的肯定，都对秦筝在陕西的发展起了有力的促进作用。后来涌现了象《秦桑曲》、《姜女泪》、《香山射鼓》、《三秦欢歌》、《绣金匾》等优秀的陕西风格筝曲。

陕西风格筝曲的鲜明特色，首先是音律上的特殊性和二个变音的游移性。七声音阶中的四级音编高，七级音偏低。所谓偏，当然不是半个音。这两个音又游移不定。一般来说，是向下滑动紧靠下一级音的；其次，在旋律进行上，一般是上行跳进，下行级进的。第三，在弹奏时的左手按弦，使用大指较多，这是出于旋律进行需要而必然使用的技术。第四，风格细腻，委婉中多悲怨；慷慨急楚，激越中有抒情。已故著名浙派筝家王巽之先生谈古筝流派时说“陕西派多抒情”，说明了陕西筝曲的风格特点。

（二）河南筝派

河南筝：从《史记》、《汉书》中所记载的文字来看，筝在秦汉两代已有相当普遍的发展。在东汉，光武帝建都洛阳，而北宋建都汴梁（即今之开封），都是在河南地区，而在这个地区早就流行着民间音乐“郑卫之音”，秦筝随着迁都流入河南，和当地民间音乐“郑卫之音”融合发展成为后世有名的中州古调。

河南筝的曲目直接来自民间说唱音乐和戏曲音乐。河南曲子是历史悠久的民间说唱音乐，清以后衰落了，只有南阳地区还十分兴旺，所以又称之为南阳鼓子曲。它的重要组成部分是带有唱词的“牌子曲”和纯器乐的“板头曲”，筝是其中重要的伴奏乐器，同时，也脱离说唱而独立演奏。现存河南筝派的代表性曲目，几乎毫无例外的都是河南曲子的板头曲与牌子曲。过去，艺人相见，就经常首先演奏一首板头曲以会知音，并借伯牙与子期的故事易名为《高山流水》。

（三）山东筝派

山东筝：它的流传主要在包括郓城和鄄城在内的菏泽地区，和鲁西的聊城地区，特别是菏泽地区的民间音乐甚为流行，被人们誉为“筝琴之乡”，出过不少民间说唱、戏曲和民间器乐的演奏人才。这两个地区的古筝传授系统不同，曲目也不相同，但传统古曲大都是长度为六十八板的“八板体”结构的标题性乐曲，在演奏技法上也无很大差异。聊城地区的古筝传人和古曲数量较少，它的传统筝曲主要是聊城地区临清县金郝庄的金灼南先生和金以埙先生传下来的。由于聊城地区的传统筝曲未能在山东和全国范围内流传，它的历史、传谱等尚待进一步整理、发掘，故人们对于“山东筝”的概念，习惯上只指菏泽地区的古筝。

山东筝曲多和山东琴书、民间音乐有直接联系，曲子多为宫调式，以板编组而成。其中一部分是作为琴书的前奏出现的琴曲，跟河南板头曲相似，有六十八板“大板曲”，橡《汉宫秋月》、《鸿雁捎书》等都是；在民间常常用套曲联奏的形式来表现多侧面的音乐形象，《琴韵》、《风摆翠竹》、《夜静銮铃》、《书韵》这四首小曲就是作为联缀演奏的套曲，五十年代曾被加上《高山流水》的大标题并在全国流行。另外，也有由山东琴书的唱腔和曲牌演变而来的，如《凤翔歌》、《叠断桥》。

（四）浙江筝派

浙江筝：即武林筝，又称杭筝，流行于浙江、江苏一带。演奏特点有“大指摇”、“快四点”、“夹弹”、“提弦”等技法，并借鉴、学习、融汇了琵琶、三弦、扬琴乃至西洋乐器的演奏技法。

浙江筝曲和江南丝竹有着密切的联系，曲目有许多是相同的。江南丝竹明朗、细腻、绮丽、幽雅，在浙江筝曲中，像《云庆》、《四合如意》等比较多地保留了江南丝竹音乐早期的形态，有清香的泥土气息，“四点”手法的运用也不少，它以明朗的音色和轻快的节奏，速写了一幅幅江南水乡的民俗画。

浙江筝曲《高山流水》和古琴曲《高山流水》在曲调上毫无共同之处，只是同名异曲而已。在其他流派的筝曲中，如河南《南阳板头曲》有称之为《高山流水》的；山东的《琴韵》、《风摆翠竹》、《夜静銮铃》、《书韵》四个小曲的联奏，有称《四段曲》、《四段锦》的，亦有称《高山流水》的。

（五）潮州筝派

潮洲筝：流传于广东潮州一带，音乐结构特殊，旋法别具一格。筝能自成一格而有别于其他乐器，至为重要的就是左手按滑音的变化，即所谓以韵补声，舍此，则很难言筝乐的流派和发展。在潮筝中，这一手法的运用可以说是到了十分绝妙的地步。实际上就是弹筝时通过左手按音的变化，以达到几种音阶和调式的组合形式，而且音律也不同于十二平均律和其他地方的民间音乐。

在民间，用筝等拨弦乐器来演奏古乐“诗谱”称为弦诗乐。《柳青娘》是该诗乐中最为流行的一首乐曲，它虽不属大套曲，但它包括“轻六”、“重六”、“活五”和“轻三重六”四种调，曲调又优美，极具潮乐的特色，在潮乐中称之为“弦诗母”，意即乐曲之母。在学习潮筝时，《柳青娘》是必不可少的曲目。此外，像《寒鸦戏水》、《月儿高》、《锦上添花》等也都是潮筝中常用的曲目。

（六）客家筝派

客家筝：即广东汉乐筝曲，是广东优秀传统音乐之一。广东汉乐的历史源远流长，相传它是在晋安帝九年（公元405年）至宋亡前后一段漫长的历史时期中，随着中原一带人民多次南迁带来了古朴的“中州古调”和“汉皋旧谱”，跟当地的音乐、语言、习俗相结合后，逐渐形成了一种具有独特风格的音乐，当地人称之为客家音乐，或外江弦、儒家乐，多在广东东部地区包括梅县、惠阳、韶关等部分地区流行，此外在赣南、闽西南、潮汕、台湾以及国外有华裔的地方也很流行。

广东汉乐的古筝演奏有久远的历史，它是以《汉皋旧谱》（即汉调音乐）为主要依据，受当地风格及方言影响而形成了文静含蓄的风格。客家筝曲是由客家音乐中“丝弦音乐”的合奏形式（由古筝、琵琶、椰胡、洞箫组合的小合奏），经过历代客家筝人的丰富、充实、发展、提炼而逐渐形成的独奏曲。

客家筝曲以古朴优美、典雅大方见长，《出水莲》可以说是这一艺术风格的典型代表之一。串调板无定数，具有戏曲音乐的特点。为了便于乐曲调性的掌握、技法的运用以及乐曲内容的发挥，又将乐曲分类为“软套”、“硬套”和“反线”。

（七）福建筝派

福建筝：流行于闽南语系和客家语系的漳浦县、云霄县、东山县、诏安县、上杭县、永定县等闽西南诸县份，习惯称福建筝为“闽南筝”。自宋末明初至同治年间，古筝已在福建各地长期流行着。

从明末清初到民国初年，闽西南各县盛行着一种民间器乐合奏，诏安县称为“古乐合奏”，云霄县称为“合乐”，东山县称为“和乐”，闽西各地多称为“汉乐串”。这种民间器乐演奏形式的最突出特点是，以古筝做为主奏乐器，领头定拍，尤其在诏安和云霄两县最为讲究。

福建“古乐合奏”的历史，实际上就是闽筝史，“古乐合奏”以古筝为主奏的演奏形式，相似于河南板头的“中州古乐”和“弦索雅乐”，可以说，闽南筝和河南筝、山东筝、客家筝、潮州筝，武林筝是同源分流，都可能是出始于古老的秦筝。

（八）蒙古筝派

蒙古筝：即雅托葛，流行在我国锡林郭勒、伊克昭盟一带古老的民族乐器，表现力十分丰富，其结构、定弦法、演奏风格均区别于汉族古筝。

雅托葛历来用于蒙古民歌伴奏或自弹自唱。因此，它的演奏风格和技巧有许多是从蒙古民歌的演唱中吸收进来的，当然也吸收了一些其它蒙族乐器（如：马头琴、四胡、三弦）的表现手法，逐渐形成了地区特点。

锡盟一带的民歌特点是高昂、开阔、奔放。锡盟的弹筝艺人们除演奏一些当地的民歌之外，还演奏一些“阿斯尔”、“八音”之类的民间乐曲。据说，“阿斯尔”乐曲的形式最初（清朝初期）还是个民歌的前奏（间奏）曲，后来逐渐发展、演变成为一套独奏乐曲（也叫宴乐）。

伊盟一带的民歌非常丰富，故有“鄂尔多斯歌海”美称。这个地区的民歌情绪欢快、节奏明朗、旋律音程的跳跃性大，载歌载舞是他们的主要特点。

（九）朝鲜筝派

伽琴，朝鲜族拨弦乐器，形似筝，相传公元6世纪时已流传于朝鲜新罗南方的伽国。

伽琴流行于朝鲜和中国吉林、辽宁、黑龙江、内蒙古、河北等地的朝鲜族居住区，相传系公元6世纪朝鲜伽国嘉悉王仿中国筝所制。其形似筝，有12、13或15根丝弦，弦下设柱，可移动调音，五声音阶定弦。原有雅乐伽琴和俗乐伽琴之分，前者比后者宽、长。演奏时，琴身较大者置于桌上；琴身较小者，左端置于琴架，右端置于奏者右腿。演奏方法与筝相近。

伽琴常用于女声弹唱和独奏。中国朝鲜族的伽琴，于19世纪末由朝鲜传入。20世纪60年代后出现了改革伽琴，扩大音箱，增加弦数，并按七声音阶定弦。

三、结束语

有着二千多年历史的中国古筝，近来随着各流派之间交流的不断增加，似乎各流派之间，从筝的形式、演奏方法、筝曲创作、风格特征等有着弱化的趋势。这将对繁荣我国的古筝事业发挥更多的作用。以它们独有的风采屹立于祖国的各派之林。

参考文献：

〔1〕袁静芳.民族器乐[M].北京：北京人民音乐出版社，1987.

〔2〕杨荫浏.中国古代音乐史稿[M].北京：人民音乐出版社，1981.

〔3〕成公亮.山东派古筝艺术[M].上海：上海音乐出版社，2001.

第5篇：古典音乐的派别范文

一、音乐导入

音乐能缓解人紧张的情绪、释压、放松，用好的音乐作为一节课的开始亦是这节课成功的开始。用与课堂内容有关的音乐作为课堂导入，让学生在轻松、愉悦的音乐环境中，不知不觉进入学习状态，在感受音乐的同时，迅速进入古典诗歌的学习，从听觉盛宴中走进绚丽的想象空间，在愉悦的听觉感中进入心理、精神上的享受，引发学生学习古典诗歌的兴趣。

例如以安雯的《月满西楼》导入李清照的《声声慢》，《月满西楼》是由李清照另一首词《一剪梅》经谱曲而成的，让学生通过音乐感情的直观表达，走进作者的内心世界，了解这首词表现的是李清照闺阁离愁的情绪，以此引出作者的艺术风格，再提出问题，作者的人生经历对作品有没有影响，让学生带着疑问进入学习。同时，以《月满西楼》来回顾之前学过的诗词，做到温故而知新，引发学生用音乐探索新知识的兴趣。

以音乐导入课堂，能够在课堂伊始就吸引住学生的注意力，迅速调动学生兴趣，营造浓郁的课堂学习氛围。同时，诗歌在歌曲直观的表达下，学生也能够更容易理解诗歌和作者的感情色彩。

二、音乐感知情感

学习鉴赏古典诗歌的重难点之一，就是学习诗歌的感情色彩。人的感情表达是抽象的，有时诗人会运用正衬、反衬、比喻、反问等各种修辞手法或选择意象来表达感情，含蓄的表现手法、具有年代感的意象表达，让学生学习理解作者真正的感情就显得有些困难。这时可以利用音乐帮助学生理解作者感情，用豪放式的音乐作苏轼的诗歌的背景，用哀婉的音乐作柳永的诗歌背景，用直观的音乐色彩表达抽象的作者感情，再加上教师语言的讲解，那么学生对诗歌感情的理解学习就变得事半功倍了。

例如用民族乐《江河水》作为柳永的《雨霖铃》的朗读背景。《江河水》中作者面对江水，怀才不遇、痛不欲生、似泣似诉的悲伤情怀与《雨霖铃》作者感叹自己人生遭遇、哀伤悲痛的感情相照应。让学生通过背景音乐，理解作者运用乐景写哀情的艺术手法，表达出人凄婉、哀伤的思想感情。在音乐的配衬下，学生进行朗读，诗与音乐感情相融，学生仿佛进入了兰舟催发的别离画面，把词人的离愁别绪、人生感叹、乐景哀情通过音乐一一展现在眼前，使学生能更好地理解词人的感情，诗、情、画、意一个不少的都直观展现出来。

在講解诗歌感情时，选用的音乐必须契合诗歌感情，一诗一曲，互相展现，曲作为词的感情基调，诗作为曲的语言补充。诗曲融合，在学生脑海中画出诗歌表达的画面，把学生带入想象的空间。作为历史的旁观者，进入作者的人生，去理解作者想要表达的感情。以曲配诗，用诗补充曲，把诗歌中表达的诗情画意直观展现在学生面前，让学生学习诗歌的过程，变成快乐的感情诗歌画意的过程。

三、音乐回味

富有感染力的音乐能给人绕梁三日而不绝的感官刺激。在诗歌课堂讲解结束后，再配上令人回味的曲子，更能让学生铭记作者的佳篇佳句，并能把这些文学诗篇转化为自身的文化素养。另外，音乐还有一项功能，是帮助学生背诵记忆。用音乐的魅力感染学生，音乐作为学生记忆背诵的催化剂，能让学生更好更快的深刻背诵，并有可能达到终身不忘的效果。

比如用《三国演义》的片头去作为苏轼《念奴娇赤壁怀古》一词的结尾。这样每当大江东去的歌词响起，学生都会想起苏轼的这首词；学生也能通过诸葛亮、周瑜的形象想起这首词，这时就是用音乐，成功的运用了联想教法。同时，歌词与诗句语句的重复能让学生做到又快又好的背诵。以后再听到这首歌，学生自然就想到这首词，诗人的经历、诗人的感情、语言的魅力等在不经意间就唤醒了学生当时学习时的课堂记忆，这样这首词自然已转化为学生的文学修养，达到了新课程的要求。

随着美妙的音乐结束了古典诗歌的课堂学习，让学生沉湎于音乐与古典诗歌的美感中，期望着下次再与古典诗歌的相遇，为课堂结束画上了完美的句号。

四、音乐拓展

我国诗歌的源头就是劳动人民随兴而歌。在课后，教师可以引导学生自己填曲，通过自己对诗歌的理解，谱出与诗人感情相同的曲子。这样即增强了学生的兴趣，又让学生通过对诗歌的再复习，培养了学生的音乐素养，一举三得。除了对诗歌可以进行音乐的再拓展，还可以拓展诗歌文化常识，利用音乐对诗歌流派、诗人风格、事物意象等文学常识进行拓展。比如《黄河大合唱》如同豪放派诗歌，《二泉映月》如同婉约派诗歌。让学生把听过的音乐进行分类，引导学生找出所分类的音乐与诗歌的共同点和不同点，由音乐欣赏引到诗歌鉴赏。再比如让学生课下找出现代送别的歌曲，比较古代诗人送别与现代歌曲中表现送别感情的表达方式有什么不同。把诗歌与音乐进行有机结合，让学生在音乐的韵律美中进入到诗歌语言美的学习中。

第6篇：古典音乐的派别范文

 

关键词:西欧　古典乐派　创作特征

西欧音乐史上，在1750--1825年前后，称为古典乐派时期。一般认为，古典乐派的音乐以主调音乐为主，多属于无标题的纯音乐。旋律紧凑、优美，结构匀称、平衡，具有高度的形式美。音乐本身和谐、细腻，情绪明朗、乐观，充满了抒情和温暖的感情，表现深刻、重大的生活题材和富于哲理的内容。本文仅就维也纳古典乐派的代表人物海顿、莫扎特和贝多芬的音乐创作中的民族特征作一简要阐述。

    海顿、莫扎特和贝多芬，通过天才的音乐创作，成功地创作出符合时代精神(启蒙思想)和新的美学观点的不朽音乐杰作。他们各自的创作无不吸取了当时各种各样民间的和民族的音乐营养，从而创作出许多光辉灿烂的乐章，在音乐史上产生了深远影响。

    维也纳古典乐派的先驱—海顿的创作与民间音乐有着广泛的联系。海顿自幼受民间音乐的影响，他所处的时代及所处的社会地位等都促使他在思想上、认识上倾向于当时的启蒙运动，倾向于新成长起来的市民阶层。这种特点在他的作品中有深刻的反映。这个时期他创作的著名的《十二首伦敦交响曲》，确立了民间的世态风俗形象，表现了自己的创作特征。

    我们可以从海顿的作品中听到当时各种民族音乐的音调，如德国的阿列曼德舞曲、奥地利的连德勒舞曲、匈牙利等民间音乐的音调。在他创作的具有重大历史意义的清唱剧屯四季》中，就运用了大量纯朴的民间音乐来反映农村生活、大自然景色以及农民形象。音乐上富于生活气息，反映了作者进步的民主思想:

    交响乐在海顿的全部创作中占有特殊重要的地位。在他的音乐创作中，很明显地反映了当时正欣欣向荣的市民阶层的生活和思想感情，渗透着鲜明的民间因素，如他在《鼓声》、《魔伦敦交响曲》等交响乐中就直接引用了某些民族的民歌音调。正是在交响乐这个领域里，他总结了前人的成就，实现了自己的改革，莫定了古典主义器乐创作的基本原则—鲜明的民族特点深刻的哲理性与完美匀称的艺术形式相结合的创作原则。

    莫扎特与海顿不同，他的创作大都不包含现成的、原封不动的民间旋律。在莫扎特的作品中包含的乃是经过诗意化加工的奥地利等民间风俗音乐，如《E大调第三十九交响曲》第三乐章中段是典型的经过加工了的奥地利乡村舞曲的曲调。

    莫扎特喜欢运用暗示同民间音乐创作保持联系的手法，在他的《第三小提琴协奏曲》中，特别是在最后乐章的回旋曲中，我们时常可以听到好像是在模仿古代的法国双人舞的旋律，不一会儿这双人舞就被“斯特拉斯堡”的热情洋溢的民间舞蹈旋律所打断、所以、莫扎特曾把它称为.‘斯特拉斯堡协奏曲’。

    莫扎特像海顿一样，也常常结合着其他民族的音乐素材，在钢琴奏鸣曲中就有出色的异国情调的描绘。如:小调钢琴奏鸣曲”、它以法国一些舞曲为素材.具有法国风格。第二乐章是典型的法国风情舞曲，而在第三乐章，则出现了波兰民间舞曲的因素，最后在一片欢快的民间舞曲音乐中结束。

  莫扎特深深地爱着自己的祖国和人民、特别从他写的娱乐性器乐体裁的音乐中，可以感受到作曲家与本国的民音乐的关系是多么密切:在晚期的创作中，写了大量的德意志舞曲及乡村舞曲，也表现出他对民间体裁的重视，在歌剧创作方面，他以德奥的歌唱剧为基础，吸取了许多德国传统的民歌、新教圣咏，同时，也创造性地借鉴了过去正歌剧以及意大利歌剧的因素来丰富歌唱剧这种体裁，为德国民族大歌剧体裁的发展奠定了基础。从歌剧《后宫的诱逃》到《魔笛》、不论是在曲调语气与和声语气里，不论是在人物的刻画和剧情总的气氛里，都很明显地表现出民族色彩:

    贝多芬是一位伟大的音乐家、他以深邃、锐利的眼光，敏感地把握住了时代和社会的本质，他的创作反映了人民的苦难、斗争和希望，表现了具有深刻社会含义的内容。他非常忠实地、自觉地继承了德国优秀的音乐传统，同时又大量吸取了世界各地的民间音乐精华，创作出一部又一部不朽的音乐佳作:

    贝多芬的交响乐创作既带有浪漫主义风格，又具有明显的民间色彩。贝多芬的《田园交响曲》中的民间因素就非常突出，在第三乐章中有着奥地利民间连德勒舞曲的形象。在第三乐章中段出现了民歌的旋律、并伴以低音弦乐的颤音，好象是乡间风笛的声音。

    贝多芬《第九交响乐》所有的主题音调都很简单通俗，与民问音乐有着紧密联系，整个作品的形象虽然众多，艺术构思虽然非常复杂，但整个音乐却层次清晰、形象鲜明且具有民族个性。

    贝多芬的奏鸣曲也采用了一些民间的音乐:如他的《e小调奏鸣曲》（ QP90 1814)以及《降A大调奏鸣曲》（0P101 1817)中也突出地体现了抒情风格和民歌的影响，这些都是他过去的创作中少见的。

    在一些室内重奏的创作中也渗透了民间的音调。如1906年贝多芬写的三首《拉苏莫夫斯基》四重奏(QP59)中，直接从帕拉契所编的(俄罗斯民歌集》中引用了某些民歌旋律作为乐曲的主题，使得这些作品表现出浓郁的民间色彩。

    在歌曲创作方面，贝多芬也非常注重对民间歌曲的改编。

第7篇：古典音乐的派别范文

关键词：《猫和老鼠》；古典音乐；儿童音乐启蒙

中图分类号：J605 文献标识码：A 文章编号：1005-5312（2013）24-0105-02

随着时代的飞速发展，科学技术日益创新，作为孩子家长越来越用科学严谨的视角来看待早期的启蒙教育的重要性，音乐启蒙更是家长们几乎必选的启蒙方式之一。音乐对人的智商、情商、记忆、认知等等方面都产生巨大而深远的影响。正基于此，孩子的家长们在早期音乐启蒙中付出了很多人力、物力、财力。就美国动画而言，声音主要的用途更主要用于增加角色个性的描绘，用音乐预示即将发生的事及控制情绪的转换。这样的作用，常常可以在迪斯尼动画电影或是动画片中看到。《猫和老鼠》又叫《汤姆和杰瑞》，它从1940年问世以来，一直是全世界最受欢迎的卡通之一，故事内容简单，基本没有语言，都是通过背景音乐来表达故事角色的思想活动。在《猫和老鼠》这部作品中，古典音乐与动画处于并列和相互的关系，不再是音乐服务于动画，而是两者合二为一，这使观众第一时间感受到视觉与听觉相统一的冲击力，对孩子启蒙教育影响较大。

一、古典音乐的内涵

古典音乐作为音乐形式中的一种，具有很强的文化影响力。从广义上看，古典音乐在西方很多国家发展得都比较快，而且有一些知名的作曲家，尤其是欧洲的创作艺术，更是在古典音乐的历史上增添了很多文化特色。一般来说，音乐按照发展的阶段来分有古典音乐和现代音乐两个大类。现如今，我们对古典音乐的定义一般是从中世纪的格里高利圣咏开始，一直到19世纪结束前所创作的音乐，我们统称为西洋古典音乐。一般人印象中的古典音乐往往会被认为是西方音乐的代名词，也有人认为古典音乐是经典和高雅的代表，这些看法并不全面。古典音乐有广义和狭义之分。广义上的古典音乐指的是从西方中世纪格里高利圣咏开始至今，在欧洲主流文化背景下创作的音乐，包括了巴洛克音乐时期、古典主义音乐时期、浪漫主义音乐时期等不同时期、不同体裁的音乐；而狭义的古典音乐则指的是一种带有古典音乐风格的音乐，是以海顿、贝多芬、莫扎特为代表的“维也纳古典乐派”。

古典音乐的表现形式是多种多样的。大量古典音乐大师为人类留下的宝贵音乐作品在许多动画片中被引用。由于这些音乐的加入，使得原本枯燥单调的动画赋予生机，也使得虚拟的卡通形象更加立体生动。

二、动画片《猫和老鼠》中的古典音乐

一般来说，在动画创作中的前期美术设计制定部分，尤其是角色场景的设计都会直接涉及到造型、色彩、声音彼此间的搭配，这些在当今的动画制作中已经是一个非常普遍且被广泛认知和接受的部分。但如果考虑在前期结合一定的古典音乐，创作者很可能从心理学视角将古典音乐要素的色彩引入，进而体现出画面的音乐韵律感，甚至音乐的画面感。在影片中色彩的冷暖变化甚至同一个场景中不同色彩之间的搭配也是有节奏韵律的，角色造型、场景制作的高低胖瘦厚薄远近实虚，也是有节奏韵律的。《猫和老鼠》通过对各种交响乐和管弦乐的使用来表现剧情，而汤姆和杰瑞的动作也和音调的变化同步。没有任何语言，在通过画面编配的大量的背景音乐的衬托下，人们只需要根据汤姆猫和杰瑞鼠滑稽的表情以及夸张的动作，就能够被深深的吸引，从而尽情地感受每一集故事的幽默和风趣。

古典音乐在《猫和老鼠》中应用十分广泛。在动画片中，音乐的配乐是为剧情的需要服务的，它往往能够根据剧情的发展，场景的过渡，画面的转移，卡通人物的情绪变化来运用相对应的音乐元素，从而在揭示主题、渲染气氛、表达情感、塑造形象等方面起到十分重要的推动作用。

如在名为《好莱坞音乐厅》的一集中，汤姆猫化身为交响乐团的指挥，身着燕尾服，手拿指挥棒，派头十足，而老鼠杰瑞这时也赶忙来凑热闹，也想来指挥这场音乐会，而汤姆猫对于老鼠杰瑞的到来却完全不欢迎，其恶劣的态度惹恼了老鼠杰瑞，从而老鼠杰瑞进行一系列报复行动，使得汤姆猫为了演出的顺利进行而疲于奔命，无暇顾及指挥，最后老鼠杰瑞如愿成功指挥全场而告终。在这一集中所用到的乐曲是奥地利作曲家小约翰·施特劳斯所创作的《蝙蝠序曲》。《蝙蝠序曲》的序奏部分采用三部曲式，乐曲以一个速度为小快板的全奏开始，热烈而欢腾，而此时汤姆猫隆重登场，指挥范儿十足。在汤姆猫的指挥下，乐曲也逐渐舒展开来。在整个乐队轻柔的伴奏下，双簧管奏出充满生机的主题，流露出明显的喜剧色彩。老鼠杰瑞也适时登场。在交响乐团的演奏中，指挥是至关重要的，而在本集中，更引人关注的则是汤姆和杰瑞的激烈交锋，而它们之间的火花也与整首乐曲的演奏契合起来。当老鼠杰瑞决定实施行动来对付汤姆猫时，全曲进入最高潮，在波尔卡舞曲的欢快节奏下，速度越来越快，情绪也愈加激昂，全曲也在这热烈的氛围中告终。

再如在名为《猫的协奏曲》的这一集中，汤姆猫化身为钢琴演奏大师，为我们倾情演绎着弗朗兹·李斯特的《升C小调匈牙利狂想曲2号》。在汤姆猫进行演奏的同时却无意中吵醒了置身于琴箱中安睡的小老鼠杰瑞，从而展开杰瑞的一系列报复行动。李斯特的《匈牙利狂想曲》具有浓烈的匈牙利民族特点，饱含着李斯特对于祖国的深厚情感。在汤姆猫和老鼠杰瑞的斗智斗勇中，乐曲由开始的沉重压抑逐渐进入欢快跳跃的部分，乐曲的速度越来越快，力度也越来越强，仿佛带领着我们进入了一场狂欢派对。一如既往的是汤姆猫不敌老鼠杰瑞，在一番征战中，汤姆猫已无力招架，整场表演则在一派热烈的气氛中结束。

在《猫和老鼠》中还有许多很经典的古典音乐作品。比如在名为《飞行猫》的一集中，汤姆猫为了捉住金丝雀和老鼠杰瑞无意中学会利用裙伞做成了飞翔的翅膀，当他得意且悠然地飞起来时，我们耳中能听到欢快的圆舞曲调，这时我们听到的乐曲，正是“钢琴诗人”肖邦所创作的《降E大调华丽圆舞曲》，这首身心都在跳跃的圆舞曲在此时为汤姆猫插上了翅膀。这些悦耳的乐曲和生动有趣的画面吸引着孩子们，潜移默化，并伴随着孩子们的童年，成为孩子们音乐启蒙的第一课。

三、《猫和老鼠》中古典音乐对儿童音乐启蒙的效果

（一）听觉注意力的培养

从一定层面上来说，动画对儿童启蒙的影响不仅仅因为其中画面所具有的吸引力，也不能小视音乐在其中的作用。在《猫和老鼠》这部作品中，对儿童听觉注意力培养的影响非常明显，能让儿童感受到来自视听两个层面的艺术冲击。例如，在《猫和老鼠》作品中，我们经常能看到汤姆拼命追赶杰瑞的场景，而在这一场景里面少不了急促的钢琴声、猛烈的鼓声和响亮的锣声，再配合频繁的色彩变换和场景切换，能让儿童对动画片有种别样的注意，尤其是能跟随着音乐节奏的变化，产生感染，增强儿童的听觉注意力。

古典音乐中不同作品、不同场景、不同乐器都可以产生很大的听觉差异，对于儿童启蒙而言，好听的音乐对于儿童以后的教育都会产生一定的影响，尤其是对音乐美感的认识与判断。在《猫和老鼠》这部作品中，不同的乐器种类以及各种乐器的不同演奏风格等等，都在刺激着儿童的听觉，吸引着他们的注意力，影响着他们的心灵，这就是音乐启蒙的魅力。

（二）音乐形象的初步建立

儿童对音乐的认知具有很大的不确定性，在音乐启蒙教育时期音乐的熏陶作用、规范性等都会对儿童音乐形象的建立产生很大影响。相信《猫和老鼠》对儿童的影响范围应该是以亿为计量单位的，这种影响绝不仅仅是杰瑞和汤姆之间的斗智斗勇，而是其中近乎完美的声音效果，尤其是二位主人公与背景古典音乐之间的契合度非常高，高兴时、搞恶作剧时、悄悄做事时等等场景灵活生动的音乐，能让儿童听到音乐，即使不看画面也能想象到会是怎样一个场景。这就是音乐产生的效果。

音乐形象属于哲学中的美学范畴。我国儿童音乐启蒙教育与欧洲国家存在很大差别，其中之原因也少不了宗教音乐背景的影响差异问题。在《猫和老鼠》的作品中，音乐是作品的灵魂部分，其作用甚至超过画面的效果，汤姆的出现经常有种“伪绅士”的感觉，而老鼠杰瑞的出现常有一种明星闪亮登场的范儿，音乐贯穿于作品之中，儿童通过其中的音乐能产生情感的变化和对美的认识，建立良好的音乐形象。

（三）促进身心健康发展

音乐对于儿童启蒙时期的教育非常有帮助，能有效促进其身心健康发展。一般而言，儿童年龄到3岁之后就开始识别不同旋律之间的差异，4岁之后就有音乐的节奏感，5岁之后就能分辨声音的响度和美感，6岁之后就能有音乐的欣赏和协调能力，7岁之后的韵律感和节奏感都进一步完善，9岁之后对音乐的美感认知基本形成，并具有一定的音乐辨别和判断能力。因此说，不同阶段的儿童对音乐的认知是在不断发展变化的，启蒙时期的音乐教育影响着儿童的身心健康发展。

《猫和老鼠》的作品中，实现了人物形象与音乐虚幻的完美融合，人物的喜怒哀乐都与背景音乐相协调，让儿童在观看的时候有种身临其境的感觉，能够置身于动画之中，去学习、思考、领悟其中的音乐与动作之间的关系。在儿童音乐启蒙时期，对于音乐的感觉以及对于肢体的协调性的控制都是在发展的，儿童的注意力和兴趣都随着故事情节的发展而变化，能在心灵上产生想象力和感染力，并逐渐形成抽象思维，产生有意识的心理动机。

四、结语

科学的实践已经证明音乐启蒙教育对于儿童的成才至关重要，音乐会影响到儿童的智商、情感、思维、能力等等很多方面，从一定意义上来说，对儿童进行音乐启蒙教育会收到事半功倍的效果。儿童启蒙音乐的发展越来越倾向于潜移默化的影响，注重对儿童音乐审美的培养。首先，《猫和老鼠》中的古典音乐能影响儿童音乐启蒙的整体意识。其次，《猫和老鼠》中的古典音乐能影响儿童音乐启蒙的节奏意识。再次，《猫和老鼠》中的古典音乐能影响儿童音乐启蒙的欣赏意识。最后，《猫和老鼠》中的古典音乐能影响儿童音乐启蒙的审美意识，一些经久不衰的曲目带给儿童足够的美感，视听效果通过神经传递到孩子的心里，能引导孩子客观理解音乐的整体性美，达到音、心、形的完美统一，使儿童确立正确的音乐审美和世界审美。

参考文献：

[1]谢嘉幸，徐绪标.音乐教育的研究与实践[M].上海：上海音乐出版社，2009.

[2]刘冬昕.古典音乐在迪斯尼动画片中的运用[J].电影文学，2012（01）.

[3]王晓璐.动画片中音乐的艺术魅力[J].艺海，2010（09）.

[4]李刚，孙丽娟.动画与古典音乐的联姻[J].文艺争鸣，2010（18）.

[5]闫飞.论古典音乐与青少年艺术修养的提升[J].新西部下半月，2010（08）.

[6]陈斌.在多元化的交融中凸显民族个性——新时期中国动画电影音乐发展的思索[J].当代电影，2011（02）.

第8篇：古典音乐的派别范文

【关键词】中国古典音乐；书画；意境

中国人常用“诗情画意”一词来表达美的境界。“意境”最早见于唐代王昌龄的《诗格》，其中称：“诗有三境”，提出了意境、物境、情境三境说。继而中唐诗僧皎然在《诗式》中提出了“境”这个美学范畴；刘禹锡对“境”的美学范畴做了最明确的规定。中国古典音乐以独特的精神内涵融入到包括绘画及诗书的中国传统文化之中。

中国古典音乐注重情趣和意境。“诗中有画、画中有诗”是说抽象的文字可以表达抽象的情趣。诗词是用文字来表达人的情感和动人的意境，而绘画则是用图画来描绘美丽的图景。正是受这种意境的影响，中国音乐有其独特的美学思想和艺术境界。音乐艺术本身就是一个文学、诗歌、美术的综合体。所有艺术都是在主观和客观相互关系之间建立起来的，中国艺术中诗与画能做到“互相启发，循环无端”，其实音乐与诗文，音乐与书法，音乐与诗画亦是如此。因此要很好地欣赏中国古典音乐，就要把握好中国自古以来一直追求的这种意境。在演奏和欣赏一些诗情画意的古代曲目时，我们可以结合诗与画的特征来演奏和欣赏它。那么，音乐和诗书画能够高度和谐统的原因有哪些呢？

一、几种艺术形式产生和发展息息相关

“宫、商、角、子、羽”是中国古代的记谱方法，包括《诗经》、《楚辞》、汉乐府、唐诗、宋词、元曲都是记谱的，有的用于吟唱，有的用于演奏，所以这些中国古典的几种艺术形式都只是用一种文学的形式流传下来。这直接导致中国古典音乐与中国的诗词歌赋有千丝万缕的关系，而且许多古典音乐的意境只是存在于某一特定的自然境界和生活场景中，也正是这种独特性，才影响了中国古典音乐的独创力和影响力。因此中国古代文学与古典音乐的融合成为中国古典音乐发展的一个特征。比如：

李白、杜甫、刘禹锡、王之焕、王维、柳宗元等诗人的著名诗篇有的被编成了民歌，有的则以琴歌形式被保存了下来，尤其是王维的《阳关曲》，更是成为了人们送别朋友经常演唱的曲目。

宋代时期都市经济逐渐繁荣，市民阶层日益扩大。社会音乐活动的重心由宫廷走向世俗。北宋已出现了市民音乐活动场所“勾栏”、“游棚”。适合于市民和文人趣味的诸如词调音乐、说唱音乐、戏曲音乐得到了尤为迅速的发展。在词体音乐方面，宋代堪称是我国词体音乐创作的黄金时代，按风格可分为婉约派与豪放派。婉约派多以男女之情为主，讲究音律与曲调的配合，而豪放派在词的内容上，打破了音律的束缚，风格雄健粗犷，代表词人有苏轼、辛弃疾、张寿祥、岳飞等。如俞之豹在《吹剑录》中所说，“学士（苏轼）词，须关西大汉，铜琵琶，铁绰板，唱‘大江东去’。”

二、几种艺术形式都受到儒道思想影响

中国的古代音乐家往往也都是以“文”和“画”闻名。受儒、道二家思想的影响，音乐和诗画一样是文人们对天地，对人生，对社会的一项价值观察与评判，是他们心境的艺术折射。文人们通过传统乐器传达出他们所积淀的优雅绝伦的文人精神品格。比如：从古琴曲《梅花三弄》、《阳春白雪》、《幽兰》等作品，我们就能看出它们象征一种人格的美好或道德、政治的寄托，而这些都是古代文人审美追求。这种风格所追求的意境自然是一种恬逸、闲适、虚静、深静和幽远的境界。《溪山琴况》）的唱奏处理方式，均是文人们为实现自己的道德理想和人格魅力，而苦心创造的艺术积累和艺术创造。《山水情》的画面我们能感受到那种很强烈的文人气质，影片选用古筝作为音乐的主要表现手法，也就更突显了影片中所要表现的古代文人所追求的人格美、意境美的审美境界。

三、几种艺术形式都有浓厚的中国韵味

意境通常我们叫“情景交融”也就是情与景的结合。意境的特点，主要是依据空间境象来表达作者思想感情。艺术是作者主观意识对客观现实反映的表现，但由于所表现的内容、题材、体裁、的不同，产生了不同的艺术性能效果。中国丹青不喜浓墨重彩，诗文讲究言由心生，音乐也注重清新淡雅。音乐与画都追求意境，意境与音乐、画之间的关系表现为：音乐产生意，画产生境。音乐和意是主观情感，画与境是客观的景象。主客观契合，即音乐中有画，画中有音乐，意中有境，境中有意。

如我国著名的乐曲《春江花月夜》就是一首典型的用其独具中国韵律的融诗、画为一体的优秀作品。这首乐曲很好地将诗情与画意融合在音乐中，并带有浓厚的中国韵味。乐曲开篇成功地将“春江潮水连海平，海上明月共潮生。滟滟随波千万里，何处春江无月明。”的意境表现得淋漓尽致。而这样的诗意又让人自然而然地联想到中国古代山水画那种清新秀丽的风格，使人眼前浮现出春江戴月、月潮共生的美丽夜色，它具有的“乐中有画，画中有乐：歌中有诗，诗中有歌”的强烈艺术感染力很好地体现了中国古典音乐中的诗画意境。而中国一首首赖人寻味的古曲就是在质朴的深沉、典雅的明丽、柔美的清逸、细腻的拙直中体现中国文化最为深厚的底蕴。

四、几种艺术形式有相同的表现手法

中国古典音乐同诗画有很多一样的表现手法，比如虚实相声，动静结合，对比映衬等。《高山流水》充分发挥中国古典音乐的特色，音乐中虚实相生，显示山川万物的阴阳变化及创作音乐主体的独特感受。在音乐中，我们感受到浓浓的刻画出苍茫山色，水的“白润”与墨的“黑韵”交融在流动的画面中，虚中带实，实中带虚，从而形成一个意中之境的水墨音乐空间。

【参考文献】

[1]杨荫浏.中国古代音乐史稿[M].北京：北京大学出版社，2001.

第9篇：古典音乐的派别范文

品味天籁之音

那晚，正乙祠院中沉香袅袅，琴音阵阵，溶溶月色下，中庭两端摆放着的香炉与古琴营造出禅意气氛，信步徜徉看去，心境渐渐平静下来。昏暗中摸索着坐进一排木靠背椅中，随着三声空灵淡远的磬音，一阵暗香悄然浮动在空气之中，只见一白衣童子手捧莲花香炉从观众席间恭敬穿过，手臂上玉镯银环偶然碰撞发出的声音清脆悦耳，衬托出 “走香”仪式的静谧安详，古典韵致随之如香薰般在席间弥漫开来。

据說，“古琴演奏是非常讲求仪式感的”，古人弹琴之前要沐浴焚香，非常讲究，这诸多严谨礼制正是为了增加虔敬感，“琴声之妙在于‘怡心’，要怀着一颗虔敬的心细细体味方可寻得，像品茶一样品味弹奏出来的每一个乐音，这也是此次演出得名《怡心琴韵》的主要原因”， 古琴音乐会的编导暨主奏黄文懿女士这样解释道。好在虔诚不必正襟危坐，放松下来，敞开心扉，“怡心”由此开始。

纱帘轻起，影影绰绰间身着中式衣装的女琴师已在长几后面开始抚琴。弹指一拨，如遥远的水声般，古琴名曲《流水》渐次入耳，闻之所有人的心沉静下来，满座静谧无声。洗耳恭听时，眼前的景象模糊了，胸臆却开阔起来，一时间仿佛走进自然的怀抱，与高山流水对视。涓涓细流欢畅跳跃着向前，汩汩流淌，聚集一处再汇成滔滔江海。此前解說人讲述了“伯牙、子期相遇知音”的历史典故，听曲时在感慨古人竟能遇如此知音之时，不禁心中涌起温暖和感动：“人生得一知己足矣”，或者流水叮咚日日流淌，汇聚厚重心意才可遇此生知音？

第一次知道，古琴乐音如天籁之音，第一次惊叹古人的抒情如此古朴，更第一次近距离感受琴师纤纤十指间弹拨出的情愫，那般飘逸那般典雅。顿觉寻常俗人烦事离心远去，无不可放下。

更别致的是双琴协奏的《梧叶舞秋风》。常听得古人吟咏秋日秋风的诗歌无不充满萧瑟肃杀悲观伤感之气，而这首由“虞山吴派”后人吴文光先生改编的双琴协奏曲却清新灵动，充满活泼情趣。特别是协奏采用现代音乐手法，融入现代音乐元素，一改古琴独奏稍显单调的缺憾，旋律听来十分丰富生动，如同眼见梧桐树叶在秋风中旋转跳跃，纷纷摇曳飘落，铺满一地金黄，动感十足且充满活力。

每曲间隙，都有知名媒体人杨浪平实亲切的细致介绍和延伸讲解，几曲下来，并不觉古琴古曲辽远枯燥，反倒意犹未尽。接着又有惊喜，音乐会特邀著名男高音姜嘉铿吟唱《阳关三叠》，女高音李元华吟唱《胡茄十八拍》。姜氏唱法铿锵有力而又沉郁饱满，把个长亭送友人远行的惆怅情怀唱得一叠叠愈加浓厚，坐中闻者几乎洒泪。李元华吟唱《胡茄十八拍》中的三拍，其音高亢婉转，时有裂帛之声，似有《四世同堂》剧中骆玉笙先生所唱“重整河山待后生”的意蕴，倍感文姬归汉时的心境悲愤多于哀怨，虽有放不下的儿女情长，更有重返家乡回归家国的欣慰慨叹。

看介绍得知演奏者都是大家，只是寻常百姓不谙音律，只会几首流行歌曲，更不知古琴界的沿革流派。不过当场见识著名琴师们的演奏，也听出些许门道。印象深刻的是唯一男琴师贾建军的演奏，一拨弦就觉与众不同，琴声铿锵有力，威风凛凛。一曲《广陵散》弹奏得荡气回肠，叫人感奋。解說者和网上评论都论到，此曲与聂政刺韩相有关，因嵇康受大闢刑而绝世。但吾等外行现场听来只觉非常长我志气，有千军万马一挥向前的霸气，如此器宇轩昂地指挥大军冲锋陷阵，好不痛快！贾氏启蒙于广陵派传人梅曰强，曾随张子盛、李凤云、李祥霆等名家习琴，2002年即获古琴大赛银奖。仅凭一只古琴七根琴弦，竟能奏出这般气势，确实不能不刮目相看。

在百年古戏楼中，合着深远的古琴声，聆听古曲吟唱，胸中浊气尽扫，你会沉醉在中华文化深邃悠远，诗歌音韵博大精深的浓浓氛围中。

寻觅古乐知音

座中沉醉者不少，但知古琴者不多。自古以来，古琴便以其高妙典雅的文化格调深得文人雅士的欣赏。修养身心、体悟生命，古琴一直是古人提升自我的载道之器，其所蕴含的博大精深的东方哲学和美学思想，使这一音色最为朴素的乐器成为中华泱泱五千年文化史上最富盛名的艺术符号之一。作为“琴棋书画”四艺之首的古琴艺术，历来被视为王公贵胄和文人雅士们指下的“阳春白雪”。

“曲高”往往“和寡”，对于每日忙碌于生计的现代人，特别是听惯了重金属摇滚的年轻人，这古琴悠扬飘渺的音韵听来显得陌生、遥远，不易体味其中的美妙。

传承需要普及，欣赏更需要接受，而且是在愉悦中接受，在懂得中学会欣赏。

古琴音乐会的策划者杨浪、黄文懿均是个中高手。他们一位是资深媒体人、著名作家，一位是文一琴舍馆长、师从古琴大师的演奏家，前者深谙大众传播之学，后者通晓古琴精妙之处。经他们之手包装并呈现在观众面前的古琴音乐会《怡心琴韵》，不是故作姿态的蓄意清高，也不做门可罗雀的孤芳自赏，它不仅是由著名古琴“虞山吴派”吴文光大师弟子汇聚、特邀著名古琴大师徐元白嫡孙、杭州浙派琴家徐君跃专程赴京演出的琴曲雅集，更是一次全面接近琴学知识的生动课堂，还是一场引人入胜的典雅音乐会。每场演出都由身穿华服的杨浪亲自担当主持人，他以舒缓而亲切的声音将乍一看诘屈聱牙的古琴典籍娓娓道来，他的讲解既通俗易懂，又意趣横生。《广陵散》在创作时如何暗藏僭越隐喻的？从不记录节奏的琴谱究竟是如何被琴人诠释的？被称之为“怪符”的减字谱是如何记录乐谱的？一个个饶有趣味的问题配合多媒体互动在演出期间被一一解答；同时，盈满整面舞台的《伯牙鼓琴图》《潇湘图卷》等多幅故宫数字藏画，与主题环环紧扣，令观众更加深刻地体会到传统文化的魅力，在沉香缭绕的“吴派、浙派琴音中收获到更多琴学知识，拉近了古琴与自身的距离。

一边品赏精致高雅的天籁之音，一边聆听意趣横生的通俗解读，一边观看图文并茂的多媒体图示，让座中许多观众大呼“过瘾”。“不是我卖关子，我也是刚知道。你知道这是什么谱子吗？”首场演出一结束，网友“烟斗老曼”便发了条微博，配图上正是《怡心琴韵》中多媒体播放的一幅造型奇特的减字谱。首轮演出现场，少长咸集、高朋满座，二百余座的老剧场中座无虚席，更有不少家长是带着孩子来接受美育教育的，他们坦言“正是看中了此次演出细致全面的内容讲解和古典雅致的表演氛围”。面对观众的意外爆棚，担当古琴音乐会讲解的主持人杨浪显得十分兴奋：“本以为是曲高和寡的艺术，却没想到来了这么多观众”，然而随后其又面露愁色，因为观众太多，满场加座，他候场时只得“委屈”地坐在一旁的小板凳上欣赏曲目。

人们常說“知音难觅”，寻觅也是培育。高贵典雅的天籁之音要觅得广泛的大众知音，既要放下“架子”，让今人听得懂，又要不失本色，让现代人在沉静的古乐中读懂古人所追求的意境，受到陶冶。

古戏楼的前世今生

据传，古琴雅集音乐会选在百年古戏楼上演也独有深意。正乙祠戏楼是北京京剧最知名的戏楼之一，也是中国最老的保存基本完好的纯木结构戏楼。正乙祠戏楼建于清康熙二十七年（1688年），重修于康熙五十一年，是中国戏楼建筑史上第一座纯木质古戏楼，迄今已有三百年历史。戏楼建于佛教寺庙的原址上，具有悠久的历史，京剧大师梅兰芳曾在这里演出。正乙祠古戏楼是北京城除了故宫畅音阁、恭王府戏楼以外，数得着的古色古香好戏楼了。

杨浪說，戏楼所在胡同民国时已然是繁华的金融地段，周边有众多钱庄。是一些商贾们集资购买院落，再重新修缮的。而今的西河沿已是褪尽繁华比较僻静的去处，不仅外地人，即便是年轻的北京人也不大知道，在北京吃烤鸭消费最高的全聚德后身，竟有这样一处能让人浮想联翩、又不由得不静下心来放慢脚步的地界。

走进戏楼古意盎然、雕梁画栋的中庭院落，沉香袅袅的香炉、乐音阵阵的古琴和“正心观自在”的茶室，已然让人感到一种禅意。室内一尊梅兰芳大师的蜡像，极为逼真，很有神韵。大师的戏装、行头，以及数十幅照片，让人流连。有网友文塔称：百年的古戏楼，隐于市井里弄中。庭院厅堂虽狭，但一廊一檐一台一椅之设，皆具匠心。久别的古琴声，久别的吟唱，久别的尊雅。在物流世界里塔愿在“冰酷里别雅间存活”……是个迎合世人“梦回”之愿的好所在！

而戏楼内部三层的建筑更为别致。一楼的木靠背椅，虽有软垫，但落座立马有了旧时戏园子观名角的感觉。舞台近在咫尺，周围中式雕花的背景加上曼妙的纱帘，仿佛俊俏旦角会掀帘步出。两侧的包厢高悬，让不大的戏楼毫无压抑之感。