古典音乐论文精选(九篇)

第1篇：古典音乐论文范文

（1）流行音乐。流行音乐有多种定义。威廉斯认为流行音乐“1）意味着为多数人所喜闻乐见的。2）处在高级文化与通俗文化的比较之中。3）用于描述一种人们自身自定的文化。4）意味着大众媒介通过商业利益对人们的强力”。《中国大百科全书音乐舞蹈卷》认为流行音乐的形式在于“通俗易懂、轻松活泼、易于流传、拥有广大听众”，“有别于严肃音乐、古典音乐和传统的民间音乐”。综合以上界定，我们认为流行音乐，专指那些在我们当今生活中广泛流传、内容通俗、贴近生活，主要为青年人所喜欢，且伴有较强商业目的的音乐作品。（2）具有古典美的流行音乐歌词。具有古典美的流行音乐歌词指的是吸收、借鉴和利用了古典文学、古典文化元素，具有意境美、语言美特点，高雅含蓄的流行音乐歌词。

2新时期具有古典美的流行音乐歌词

（1）具有古典美的流行音乐歌词的产生与发展。古典美歌词是伴随着流行歌曲的发展而不断完善的，经过了长期的积累和沉淀。新时期出现了大量的优秀音乐作品，较早的有20世纪80年代邓丽君的个人专辑《淡淡幽情》（1983），收录的12首歌曲的歌词全部选自中国古典文学唐诗宋词里的名作。此外，还有香港的词作家黄霑的作品《沧海一声笑》和《梁祝》等。20世纪90年代有陈小奇的《涛声依旧》《白云深处》《巴山夜雨》和黄安作的词作《新鸳鸯蝴蝶梦》等。随着流行音乐的不断发展，21世纪的词作家方文山、陶喆、王力宏等新一代音乐人也创作了大量的具有古典美的歌词，如《千里之外》《东风破》《青花瓷》等。最近又出现了霍尊的《卷珠帘》，被刘欢誉为“具备大家闺秀风范的中国风”。（2）具有古典美的流行音乐歌词的特点。具有古典美的流行音乐歌词，汲取了古典文化的长处，语言考究化、意象精致化、意境整体化、人文精神大众化，给人带来独特的美感享受。与很多流行音乐的歌词毫无意义，创作低俗、浮躁、无病呻吟、没有逻辑、无聊烦琐，意义表达模糊、感情表达直白低下，缺乏意境美形成鲜明对比。（3）流行音乐歌词与古典文学、古典文化元素的融合形式。在流行音乐歌词的创作中，不少词作者尝试着将古典文学、古典文化运用于歌词的创作中，不仅提高了歌曲的艺术欣赏价值，也从侧面间接地传播了中国的传统文化。流行音乐歌词与古典文学、古典文化元素的融合有以下三种形式：1）直接运用古典文学诗词。这类形式以邓丽君为代表，如《但愿人长久》的歌词出自苏轼的《水调歌头》，《独上西楼》的歌词出自《相见欢》等。在这之后，又陆陆续续出现了很多这样的歌曲，如根据白居易的《长恨歌》、李清照的《一剪梅》等诗词谱写的歌曲。这些具有古典美的流行音乐歌词，散发着浓厚的古典文学的清雅意境，最终成为经典歌曲而广为流传。2）化用古典文学诗句。作词家在创作中，将古典文学中的美词妙句穿插其中，使得歌曲意境优美，更符合时代特点。例如，陈小奇的《涛声依旧》，借用了唐代诗人张继的《枫桥夜泊》；黄安的《新鸳鸯蝴蝶梦》化用了李白的《宣州谢眺楼饯别校书》。3）采用古典文学的形式或意境。词作家直接采用古典文学的形式意境进行创作，把中国文学含蓄、委婉的特点，巧妙地用于现代的白话文中，增加了歌曲的意境美。例如，由黄霑作词的《沧海一声笑》《上海滩》等，都模仿了古典文学的形式与意境；此外如以方文山为代表的“中国风”歌词，《发如雪》《千里之外》《菊花台》《青花瓷》《东风破》等。这类歌词通过词中的意境或情境，体现了流行音乐歌词与古典文学的关联所在。

3具有古典美的流行音乐歌词研究现状

根据掌握的文献，具有古典美的流行音乐的研究主要集中在邓丽君的歌曲和以方文山为代表的“中国风”歌曲上。由于研究点处于文学和音乐的交叉领域，研究者们有从音乐学角度出发，有从文学角度出发，还有从文化学或社会学角度出发来研究的。而对于具有古典美的流行音乐歌词的研究，研究者们大多从文学角度来加以研究。对从中国知网和万方数据库检索到的文章分类后，可以得到关于具有古典美的流行音乐歌曲的研究现状。对于邓丽君歌曲的研究，大致分为两类：一是音乐方面的研究，如杨艳丽《从城市民族音乐学视角看“邓丽君现象”——关于邓丽君歌曲在大陆、台湾和日本的流行原因研究》，黄金蝉、揭冰《邓丽君音乐形象的建构与塑造探析——以古典专辑<淡淡幽情>为例》、陈奕虹《邓丽君音乐中的美学研究》、彭英姿的硕士论文《邓丽君音乐对中国内地流行乐坛的影响研究》等。二是文学方面的研究，如陈湘辉《淡淡幽情声律兼美——邓丽君与张晓农古典诗词歌曲专辑演唱风格之比较研究》、庄宏道《一缕芬芳，几丝情愁——聆听<邓丽君歌曲精选80首>的随想》等。具有古典美的“中国风”歌曲的研究性论文，有以下几类：（1）音乐学研究。例如，潘存奎《“中国风”——传统音乐与流行音乐的相遇》和李娜娜《“流行歌坛中国风”歌曲的民族化研究》。（2）文学研究。例如，宋秋敏《试论周杰伦专辑中歌词意象的古典化倾向》、赵澜涛《日月潭洗青瓷——浅析周杰伦歌词对古典诗歌的传承》、罗涵的《从文学与语言的角度分析周杰伦成功的原因》、段丽的《方文山“中国风”歌词的艺术质感》等文章从古典诗词出发，阐释中国古典诗词对以“中国风”为代表的现代流行音乐歌词创作的影响，以及“中国风”歌词如何继承古典诗词和在此基础上的创新。（3）文化学研究。例如，黄彩萍《返回古典与文化乡愁——方文山歌词的文化阐释》、曹军英《论方文山歌词中的文化意蕴》等论文认为方文山创作“中国风”歌曲是一种文化上的“寻根”。（4）社会学研究。例如，马珺的《“中国风”流行歌曲的文化研究》、赵[专业提供写作论文和 论文写作服务，欢迎您的光临dylw.net]朴的《从“西北风”到“中国风”——社会文化环境对流行音乐影响刍议》等论文，主要从社会文化经济和文化环境、传媒、明星影响力、听众的审美趣味、创作者的观念以及音乐方面分析“中国风”产生和流行的原因。

综合以上，从文学角度对具有古典美的流行音乐歌词的研究文献还很缺乏，尚存在较多的研究空间。参考文献：

雷蒙·威廉斯.文化社会的词汇山.刘建基，译.北京：三联书店，2005：356.

中国大百科全书出版社编辑部.中国大百科全书·音乐舞蹈卷仁.北京：中国大百科全书出版社，1989.

蔡音颖.略论流行音乐歌词创作中的古典文学元素.艺术评论，2007（7）.

晨枫.中国当代歌词史.桂林：漓江出版社，2002.

刘芳智.方文山“中国风”歌词研究.湘潭大学，2011.

第2篇：古典音乐论文范文

探析当代通俗古典音乐 文章 来源

引言

通俗古典音乐是当代新兴的音乐形式,是文化融合和音乐发展的必然结果。古典音乐文化底蕴深厚,旋律经典、优美,通俗音乐表达形式丰富,表达手段多样,因此集二者优点于一身的通俗古典音乐有着深厚的文化内涵和丰富的文化表达,是当前音乐发展和文化发展的主要趋势。下面本文将从通俗古典音乐的艺术特点和创编手法两个方面对通俗古典音乐所体现的文化融合和表现进行探析。

一 通俗古典音乐的艺术特点

1 融合两种音乐艺术特点的表达方式

通俗古典音乐是以通俗音乐的表达方式对古典音乐进行重新演绎,因此通俗古典音乐具有融合两种音乐艺术特点的表达方式,这也是通俗古典音乐的基本艺术特点。古典音乐有着悠久的历史和深厚的文化沉积,在漫长的发展岁月中流传下来很多经典的音乐曲目。通俗音乐则是近展起来更加贴近人们生活的音乐表现形式,具有当前最广泛的听众基础。因此,融合了两种音乐艺术特点的通俗古典音乐在音乐艺术的表达方式上能够兼两者之长,以更加丰富的表现方式表达音乐中的各个经典。通俗古典音乐让古典音乐通俗化,让通俗音乐经典化。通俗古典音乐可以从通俗音乐中汲取更加丰富的表现形式,更具色彩的舞美效果,更具现代特色的时代气息,同时还可以从古典音乐中挖掘更具文化力量和内涵的音乐内容,从而在艺术表达方式上实现雅俗共赏的表达效果。

《春江花月夜》原本是一首中国古筝独奏曲,在经过现代手段改编后,曲中添加了琵琶、笛子等其它中国民族乐器,成为了一首更具时代气息和古典韵味的中国民乐协奏曲。改编后的音乐由于增加了乐器从而使得音乐表现力得到了加强。此外,改编者还对原音乐节奏和衔接进行了更改,使得音乐更具动感的艺术表现力。通俗古典音乐便是在保留古典音乐主题思想的前提下对音乐进行从音乐内容到表现形式等方面的包装,使得这些古典音乐更加符合现代人的音乐需求和感知变化。当代着名小提琴手陈美便是对古典小提琴演奏进行了大胆的通俗化改革,并首先使用电子小提琴进行演奏,将融合两种音乐艺术特点的通俗古典音乐表达优势表现得淋漓尽致。她改编的《化蝶》既有古典音乐的婉转动人,又有现代音乐的激昂、壮美,将生死缠绵的爱情主题表达得更加彻底。改编后音乐在表现梁山伯与祝英台两人由相识到相爱的过程时曲风秉承中国传统古典音乐的舒缓、悠扬,喜悦、亲切,让听众如醉如痴而在表现两个人无法在一起时又采用电子小提琴激烈的演奏方式,将两个人与命运抗争的悲愤表现得壮烈、激昂。由于融合了古典音乐和通俗音乐的两种表达方式,因此这首改编后的《化蝶》一经推出便受到了音乐爱好者的追捧,其观众群体也包括了不同年龄段的音乐群体。由此可见,将古典音乐和通俗音乐融合而成的通俗古典音乐,在音乐表现方面并没有失去古典音乐的文化底蕴和流行音乐的表现能力,也没有失去两个不同音乐受众群体的观众。不同的音乐爱好者都能在通俗古典音乐中找到自己所钟爱的音乐元素,并且喜爱这种新型艺术的表达方式。

2 对文化的多元化表达

无论古典音乐还是通俗音乐,都是文化的重要表现形式和主要载体。即使单独分析古典音乐或者通俗音乐,不同地域的古典音乐和通俗音乐也都有着文化上的差异,例如,中国的古典音乐和欧洲的古典音乐就有着较大的文化差异,不同国家和地域的通俗音乐也都有着各自鲜明的文化特色。因此,将古典音乐通俗化过程中所进行的通俗古典音乐中可以看到更多对于文化的多元化表达。古典音乐通俗化的发展背后是世界各民族文化互相学习、交流和融合的结果,因此这个过程是对文化进行多元化表达和融合的过程。从层次上看古典音乐和通俗音乐属于不同的文化形态。古典音乐是不同民族传统文化或者古典文化的集中体现,例如,中国的古典文化便体现着中国传统文化中“天人合一”的道家思想。欧洲的古典音乐则体现着欧洲古典文化中对于礼教的规范和对科学的研究。而通俗音乐则表现的是在当前社会发展的状态下,普通大众人们的文化意识形态,即以各种音乐形式和文化形式来表达心中的情感,而不再过分强调表达的形式,打破形式上的束缚,是通俗音乐最主要的文化特征。

通俗古典音乐则是以更加开放、自由的形式对不同文化的表达和致敬。中国年轻歌手李玉刚演唱的《新贵妃醉酒》从名称上看便是一首对古典音乐重新演绎的曲子。演员的服饰也深合中国古典文化的内涵。但在演唱的风格和唱法上,李玉刚则展现了在古典音乐和通俗音乐之间游刃有余的演唱功底。其中,无论是对于歌曲通俗唱法的叙述还是对于歌曲升华时中国传统旦角唱法的演唱,李玉刚都演绎得尽善尽美。这首对于文化多元化表达的古典通俗歌曲一经推出,便深受不同层次音乐爱好者的喜爱。通俗古典音乐的文化魅力可见一斑。美国着名的跨界歌手莎拉·布莱曼便是一位融合古典和通俗两种演唱风格于一体的着名歌手。北京奥运会上她演唱的主题曲《我和你》让全世界人们感受到古典音乐的空灵和现代音乐的激情完美融合的音乐佳作。而在演唱的背后,是莎拉·布莱曼音乐学习过程中对于两个层次的文化进行学习和理解的结果。通俗古典音乐对于文化的表达内涵和表达形式更加丰富和多样,是对文化多元化表达的体现。

二 通俗古典音乐的创编手法

1 编配手法改变

在通俗古典音乐的创编手法中,编配手法改变是其最常用的创编手法。古典音乐虽然在创作的格式上不如通俗音乐那样自由和丰富,但其漫长的积累和沉淀是新兴的通俗音乐所无法相提并论的。古典音乐中经典、优美的旋律举不胜举,并且经过代代相传在人们心中留下了深刻的印象。因此,对于古典音乐中一些旋律的借用变成了通俗古典音乐创编的主要手法。例如,中国的古典音乐《茉莉花》原本是一首江苏民歌,因为其旋律优美,流传甚广,深受广大听众的喜爱,因此被中国乃至世界的众多音乐家重新编配出各种不同版本的《茉莉花》。同样迷人的旋律,因为编配手法的改变而使得音乐在不同的地区散发出不同的色彩。上文所述陈美演奏的《化蝶》从创编手法上看同样是一首用通俗的编配手法对古典音乐进行创编的过程。创编者对这首古典的曲目进行了深入的分析,通过编配手法的改变对曲子中的旋律情感进行加强,尤其在表达两个人在和命运进行抗争的旋律时,通过电子小提琴演奏的编配使得曲子的基调变得格外激昂、壮烈,这是传统旋律中所无法达到的艺术效果和文化效果。对于古典曲目创编手法的改变同样体现着不同文化在音乐表现上的融合。通俗音乐中自由、开放、丰富的创编方式体现着现代流行文化中对于情感表达的自由、开放和丰富。因此,对于古典音乐运用现代文化的创编方式进行重新编辑是现代文化对于古典文化重新解读和演绎的过程。例如,中国的传统音乐中多以单乐器表演为主,这源于中国传统乐器多取材于自然,因此单乐器演奏更能够表达人与自然的和谐关系和意境。而现代文化中多文化的交流与融合已经成为了文化发展的主流趋势和动力,因此人们在对古典音乐重新编配时,自然引入了更多的乐器来表现更加复杂的情感内容和文化内容。此前一些不曾有过的乐器搭配在新时期的通俗古典音乐创编中被全新地组合和搭配在一起。文化的融合为创编方式的融合提供了文化基础和动力。经过创编后的通俗古典音乐在保留原古典音乐文化内涵的基础上又增添了多元化的文化形式。

2 音乐元素的融合

通俗音乐中的音乐元素更加丰富,音乐表现上也更加注重对各种音乐元素的运用。灯光、舞美、音效、服饰等都被十分重视地运用到音乐表演中。在通俗古典音乐中,创作者通过对各种音乐元素恰到好处的改变,将古典与通俗两种音乐完美地融合在一起。如上文所述的莎拉·布莱曼在一场演唱会中为了突出“月光女神”这一主题,设计者用圆形的幕布将舞台四周围起,并通过灯光的变幻营造出一个神秘的宫殿氛围并且根据演唱的曲目而不断变化着场景。在演唱《月光》时,站在舞台中央的身穿黑色纱裙的莎拉的歌声在上空悠悠地回旋,舞台布景随着天籁般的音乐变成了一个广裹的夜空,上面点缀着星光。无不带给人以巨大的视觉冲击力。演唱会灯光的运用可谓是恰到好处地把握了音乐的脉搏,如同人的情绪一般非常好地调节了现场气氛。当音乐的旋律低缓时,灯光也变得暗淡。当莎拉演唱《今夜无人入睡》时,原先一直固定不动月亮形状的天桥这时开始旋起来,此刻身穿一身金光闪闪的演出服的莎拉站在天桥的顶端。当莎拉用她那极具难度的高音唱出歌曲最后一个音符的瞬间,舞台上所有灯光全部聚集在这位女神身上。完美的舞美、灯光和音响效果为这场融合古典和通俗音乐元素的演唱会画上了圆满的句号。一次完整的音乐表演是由各个音乐元素组成的,因此通过不同文化风格、艺术风格和音乐风格的音乐元素组合而成的通俗古典音乐对于音乐和文化的多元化表达起着十分重要的作用。其中古典音乐元素中的旋律和主题是灵魂,而通俗音乐元素中的舞美、灯光、音效等形式是躯体。两者的完美融合必然塑造出具有灵魂,表现充实的音乐文化作品。同时,不同音乐元素的融合也体现着多元化文化的融合,具有更具时代性的文化创作。

3 音乐结构的改变

对古典音乐结构进行大胆的创新和改变,创造出兼具古典音乐和通俗音乐结构的新型音乐是通俗古典音乐发展过程中的重要过程。每一首音乐的创作都源于那个时期特殊的文化背景和创作者的情感状态。在古典音乐发展的漫长岁月中,音乐人对于古典音乐尤其是一些经典音乐曲目只有传承而稍有创新,更不用说改动。代表着文化融合的通俗古典音乐由于丰富了音乐的创作手法,因此便开始了对古典音乐结构改变的创新式设计。例如,现代着名的钢琴演奏家理查德·克莱德曼便善长对古典音乐结构进行创新和改变。在他演奏的贝多芬《命运交响曲》中的《命运》不但承袭了贝多芬的庄严宏伟以及与命运顽强抗争的音乐精神,同时用动感而鲜明的节奏把贝多芬的这首乐曲“摇滚”化了。在演奏的开头,理查德·克莱德曼采用了猛烈的键盘敲击来表达命运所具有的壮烈、激昂等主题属性,之后又改用辽阔的旋律表达了与命运抗争胜利之后的安宁与喜悦。前后音乐结构的巨大反差将贝多芬的名言“如果这是命运,我要扼住命运的喉咙”表现得淋漓尽致。钢琴曲的原结构虽然同样用于表达贝多芬与命运抗争的主题,但强烈之中缺少变化,所以表达的情感虽然强烈却并不丰富。理查德·克莱德曼对这首乐曲结构的改变无论从情感的表现上,还是音乐的变化上都是十分成功的。由于融入了不同的文化内涵所代表的音乐结构,这首改编后的钢琴曲也成为了通俗古典音乐中一个重要的符号被广泛研究。

第3篇：古典音乐论文范文

在音乐的发展历程之中，人类将从巴洛克时代一直到20世纪早期的音乐称为古典音乐。而20世纪初到现在，以非传统手法所创作的音乐作品，被称为现代音乐。随着经济的发展，相对古板、严肃的古典音乐渐渐被追求个性的现代人所抛弃，现代音乐则成为主流。而在现代音乐的发展中，古典音乐也是渐渐地被融合进现代音乐之中。所以现阶段，音乐艺术呈现出了一种古典与现代相交织的发展现象。

一、古典音乐与现代音乐的异同

（一）古典音乐与现代音乐的区别

古典音乐严肃、庄重，起源于古代欧洲的皇室音乐，更加注重强调乐曲本身，在创作时任何一个细节都要经过严密的思考甚至是计算，而这也很有可能是现代大多数人听不懂古典音乐的一个重要原因。

与古典音乐相比，现代音乐更注重人声，以演唱者为着重点，相较于严密的古典音乐缺乏旋律的严密和思维的严谨。但也正是因为其通俗、随意，现代音乐在现代更为人们所接受。

古典音乐带给听众的感受是和谐、深刻、优美，让人在欣赏音乐的同时能够很好地感受到作者想要表达的深层的感情。《月光曲》的轻柔、《天鹅湖》的凄婉、《英雄交响曲》的庄严等等，都是古典音乐严密的乐理逻辑和严谨的曲序给我们带来的来自内心深处的感受。不论是哪一个时期的哪一个流派，古典音乐带给我们的都是灵魂的深化，让我们的心情在作者精心营造的音乐环境之中得到沉淀。总之，古典音乐以其或恢宏大气、或轻柔婉约的曲调，给听众不寻常的感受。

与早期为皇室所独享、规格严整的古典音乐相比，20世纪初期开始流行的现代音乐以其不受拘束的旋律和个性洒脱的曲调，被更多的人们所喜爱。现代音乐的类别比古典音乐更为多样，但是无论是狂暴的重金属电子音乐，或者是婉转的蓝调，亦或是令人费解的印象主义音乐，现代音乐给听众带来的，是无与伦比的冲击与震撼。古典音乐因为严密的乐理逻辑，使听众的感觉大同小异，但是现代音乐给听众带来的冲击，却是因人而异的。

从创作的角度进行分析，古典音乐家是将自己的感情糅合进了自己的音乐，而现代音乐的作曲人更加注重的是从自己的生活之中取材，让音乐更加贴近生活，这也是现代音乐给人带来巨大冲击的原因之一。

（二）古典音乐与现代音乐的共同点

无论是古典音乐还是现代音乐，音乐的目的都是宣泄人类内心的情感，所以现代音乐和古典音乐最大的相似之处，就是在于情感的宣泄。古典音乐的创作将自己的感情糅合进乐曲之中，通过不同的乐器与旋律的起伏来渲染感情的表达。而现代音乐则是将现实生活和音乐艺术进行糅合，通过简单易懂的旋律和曲调的风格将现实生活巧妙地展现在了乐曲之中，让乐曲活了起来。而更多的现代乐器在现代音乐之中的应用，也让本就冲击力十足的现代音乐更富冲击力。

古典音乐虽为古典，但是在古典音乐创作的年代，古典音乐也是那个时代的现代音乐。所以浓厚的时代色彩，是古典音乐和现代音乐的另一个相同点。

二、古典音乐与现代音乐的融合

随着现代社会的发展，单一的古典音乐或者现代音乐的渲染力已经不能更好地满足听众对于音乐的需求。而现代音乐的创作者在不断地音乐实践之中，也发现了现代音乐因为太追求个性，而带来的乐理与曲调之上的不足。古典音乐严密的曲调和严谨的乐理逻辑开始渐渐地被现代音乐创作者所接受，很多作者都开始注重将古典音乐加入流行音乐之中，让音乐在给人以冲击的基础上，带来古典音乐厚重的感受。在此基础上，现代音乐也在古典音乐的影响之下开始追求内在的感染力和思想深度，努力营造一种来源于生活而高于生活的音乐环境。

古典音乐因为其浓厚的时代色彩，给现代听众所带来的感情冲击并没有现代音乐那么强烈，甚至很少能够引起听众内心的共鸣，更多的是带给听众一种听觉之上的共鸣。所以现如今的古典音乐演奏，开始向现代音乐学习。在保证古典音乐所特有的内在感染力和思想深度的基础上，从乐器等角度下手，增强古典音乐对现代人的感染力。

第4篇：古典音乐论文范文

【关键词】古典钢琴；情绪；音色

1、古典的定义

所谓“古典的”，准确地说，是指古希腊和古罗马时期，那是西方文明两个伟大的时期。多少个世纪过去了，人们依然在企图借鉴那个时代的精华。一直到十八世纪中叶新发掘出来的古希腊和南部意大利的神庙又真正开始重视“古典”。

2、古典主义的定义

“古典主义”是一个不明确的词义，它有几种不同而又相关的含义。一种很不恰当的用法是将它认为成流行音乐以外的音乐，包括所有种类的严肃音乐，不管它是何时创作的以及为什么目的而写的。而此处我们所指“古典主义”的是大约1750年开始至1827年贝多芬逝世为止这一时期的音乐。

由于优秀的古代文化的影响，人们常将“古典”一词视为杰出的、卓越的含义。不论是一首诗，还是一辆汽车，如果说是“古典的”，那就意味着它是此类中的佼佼者。人们也往往倾向于把某个图案设计称之为“古典”，意味着这个比率保持了自然的平衡，并无奇特或标新立异，而是遵循规范的原则。

正由于信奉这种“适当的比率”和“自然平衡”的原则，使得古典时期的音乐风格迥异于其他时期。实际上这一时期的作曲家在考虑音乐结构时都遵循这一基本概念：一种调性间平衡的概念，使听众明确的感觉到这段音乐是如何进行；并且因为段落之间的平衡，听众在聆听一首乐曲时能准确地知道紧接着出现的内容是什么。作曲家只是对这个作曲系统和轮廓加以变化，而不是积极地创作出乐曲来使听众着迷或感到不可思议。

或者我们可以说在音乐创作上不存在所谓“古典时期”，而可以把其称为“古典风格”。按照这种风格，海顿、莫扎特和贝多芬写出了他们的名作。但是这种风格并非仅仅出现于他们三人的作品中，这个时期的其他作曲家的创根基本上也是这种风格。

3、古典时期后的过渡风格

在巴洛克时期和古典时期之间，还有一些短暂的过渡阶段。其中之一是洛可可（Rococo），就像音乐史学者给巴洛克取名一样，是按照其风格而取名的。这一名称原是艺术史学者专门用来指17世纪末18世纪初法国的装饰性艺术的。这一时期的法国建筑中，巴洛克式的雄伟、严峻的风格分解或者柔化。由此发展出一种新颖的、优美的、富有想象力的风格。像所有的法国文化及趣味一样，这种风格也迅速传遍欧洲，在德国南部及奥地利特别流行。

另一类是华丽风格。在音乐上它首先有流畅的旋律，并且摒弃了复杂的和声对位手法；其旋律听来极为清晰，通常用通奏低音演奏固定的音型或者很慢地进行。华丽风格的乐曲最理想的表演媒介是人声，作曲家通常把乐句分得简洁而又规律，使用问答式进行，歌者的声音较为朦胧但却极富感情。另一种流行的表演媒介是长笛，人们特别欣赏它那优雅而温和的色彩。华丽风格也指舞蹈节奏的使用，巴赫等人在他们的键盘乐组曲中采用的外加乐章之一，即称为“华丽曲”；它意味着常常使用一些固定的、短小的旋律乐句，一如姿态优雅的鞠躬和礼仪。

4、古典钢琴作品的触键与其情绪

海顿、莫扎特、贝多芬三位大师，先后以维也纳为生活、创作的中心地，他们之间有着内在的深刻继承关系，共同对欧洲音乐史产生了久远的影响。音乐中的“古典主义”一般以维也纳古典派的主题创作特征为标志，在作品中追求三大要素的平衡，即：通俗的音乐语言、严谨的音乐结构、深刻的音乐内容。古典钢琴作品的音色与作品的韵味、意境、情绪密切相关，无论是强烈或暗淡、明亮或轻盈，又都与作品的结构密不可分。

同时，弹奏钢琴需要身体各部位的协调运动来完成。有的作曲家的作品依靠手指的快速跑动来完成，这种方法奏出的音色晶莹纯净，颗粒清晰；有的不仅使用手指，还特别注意使用手臂，乃至躯干自然施加的下沉重量触键，即所谓的重量弹奏法，这种奏法适宜弹奏明亮坚实、浑厚辉煌的作品；而弹奏古典钢琴作品只需要手指结合手臂的自然重量即可，躯干与大臂过分的动作都会改变应有的声音。

不同触键方式会产生不同的音色，用指尖顶端触键，发出的声音透明单薄；用手指指面多肉部位触键发出的声音柔和丰满。古典钢琴作品的音色和情绪变化丰富，要求演奏者不断改变手指触键的部位，透明圆润的声音要使用指尖顶端的部位，而柔和深沉的音色应使用靠近指面的部位；不同的力度要求应选用不同的手指触键高度，一般来讲，手指较高的触键法声音洪亮，较低的触键法声音轻柔。古典钢琴作品大多以低高度触键为主，为了获得某种特定的音色，弹奏是需要多方面因素结合，触键时掌关节、腕关节与肘部乃至肩部的灵活放松、协调配合也是十分重要的。同时，为了弹奏出古典钢琴作品轻巧明快、纯净亮丽的音色，还要有明确的触键落点，落点并非只在琴键的底部，各个深度都可以产生不同的力度层次，落点的深浅要视具体作品、具体乐段和具体乐句的要求而定。

5、结语

总之，不同的时代产生不同的音乐作品内容，不同的作曲家因其所属的时代不同创作出来的作品也各有不同，这就要求我们，在弹奏不同的钢琴作品时，要先对其所处的时期和作品的情绪有个大致的了结，这样才能更好的弹奏出原汁原味的作品。

【参考文献】

[1]修海林.音乐美学通论[M].上海音乐出版社，2010.

[2]陈最，王成文.古典钢琴音乐的发展历程与后现代钢琴音乐展望[J].高等函授学报（哲学社会科学版），2012（04）.

[3]陆泓.古典钢琴教学方法及其对我们的启示[J].钢琴艺术，2012（08）.

第5篇：古典音乐论文范文

说到古琴的传承，就不得不说现在的高职教育中的音乐教育了。当前高职院校虽然都开设了乐器课程，但主要是一些西方乐器，学习古琴的学生少之又少。笔者认为，对于古琴专业的教育，根本在于培养学生广泛而坚实的基础知识，同时要具有古琴专业的知识和技能。在很多的高职教育中，普遍存在着传统授课的现象，教师一味地授课，学生单一地、被动地听课，课堂没有一丝的生机。所以，高职课堂中教学的规律应适当地有一些变化。在一些课时的安排上，教师应做到有意减少授课的时间，主动增加一些鉴赏古琴的时间，让学生亲身体验和感受学习古琴所带来的快乐，使学生在学习中占据主要地位。

虽然中国古典音乐在现实生活中的审美价值毋庸置疑，但是中国古典音乐现在的发展情况却不尽如人意。音乐理论界甚至出现了“古琴必然消亡论”。近年来，音乐界西化成风，很多人忽视了自己民族的传统音乐——古典音乐，这就使古典音乐的创作没有大的进展，无奈地退出主流音乐的舞台。我们一直倡导东方式的含蓄美——清静、微妙、玄远，这与西方艺术有很大差别，很多人已经和传统文化中的优秀艺术产生了隔膜，而且相对于其他乐种来说，有关部门、团体对中国古典音乐较为忽略，如经费少、编制少、人才少等，致使现在了解古琴的人越来越少。

由此可见，古琴需要普及，需要“大众化”。一般而言，广大人民群众对音乐作品的评价处于主导地位。音乐作品的形成需要一个特定的环境，在特定的时代中起到的作用也是不同的。当社会条件有了变化以后，这些有时代特征的音乐作品在发挥其功能的基础上也会有新的变化。古琴不受重视，无法参与大型音乐会进行传播，是由于古琴本身也有缺点，首要问题是它能发出的音量太低，演奏古琴的场所必须具备音响设施，这样才能够使观众听到它的声音，这就给现场演奏带来了一些麻烦，不便于让大众进行欣赏。然而有了音响的加入，又对古琴原有的韵味产生了一些影响，所以这就要在音响装置方面进行研究和补救。此外，古琴的曲子较难懂，一般人不易接受，所谓的“琴道”“文人琴”“修身养性”等观念的思想包袱太重，让人们不敢与之亲近。这就需要坚守古琴音乐业者，尝试古典与现代音乐的嫁接，让两者间不可逾越的艺术鸿沟逐渐消失，将古典音乐在保持纯粹的基础上，融合进一些有利于贴近大众的元素。例如，改革古琴曲让其能焕发新声，改革弹琴方式与乐队结合，甚至改革琴学观念，让其合乎时代旋律，反映社会现实生活，为人民大众服务等。在今日社会，我们要努力推广古琴，让更多的人了解古琴、弹奏古琴，在不违背古琴的本质内涵、继承中华琴学的精粹的基础上，将数千年来古琴文化中最优秀、精华的成分结合今日时代旋律进行发扬，真正弘扬中国古琴文化。但我们要注意的是，若在“大众化”的改革与创新中丢失了古琴的本质精华而迎合大众欣赏习惯、以博得大众欢迎，丢弃了古琴静美、清雅的品性，那便得不偿失了。

古琴音乐自古以来就是一种精英文化，也许，古琴的确不同于任何一件民族乐器，因其古朴、幽静的品位决定了它无法成为时尚，我们需要真正把握琴之特质，发掘琴文化之精华，并坚持不懈、持之以恒继承下来、弘扬开去，若始终使自己处于孤芳自赏的清高中，这有可能使曾经璀璨的文化成为历史的尘埃。我们应该重视古琴演奏艺术的推广和传播，比如，专业团体在世界各地巡回演出，音乐家经常进行古琴专题演讲，为电视台、广播编写古琴专题片等，让更多的人了解古琴、欣赏古琴、传承古琴。

第6篇：古典音乐论文范文

论文摘要：近几年来，形式新颖的“中国风”音乐大行其道。从传统审美角度来看，这种音乐形式无论在歌词、编曲、演唱方法还是整体风格上都符合中国古典审美精神，与民族文化的心理积淀有密切关系。但在这种音乐形式广泛流行的同时，我们也应该认真反思，探索传播传统文化的最佳途径。

近几年来，一批新生代音乐创作人和歌手将中国的一些民族文化的元素融合在自己的歌曲中，形成了独特的“中国风”流行音乐。这种新奇、独特的音乐形式很快席卷了流行乐坛，受到了听众的广泛关注，获得了大众的追捧。也正是因为这样，越来越多的歌手为了迎合大众，将“中国风”音乐的风潮推到了极致。同时，这种“中国风”也在广告、电影、服饰、建筑等各种艺术中大放异彩，形成了独特的“中国风”文化。可以说，“中国风”的流行，与在儒、道、佛影响下的中国传统审美精神有密切的关系，同时，这种现象也源自中国民族文化的心理积淀。

一、何谓“中国风”音乐

“中国风”，如果按字面上解释，即有中国特点的音乐风格。当然，这并非是指中国的传统音乐，而是指在流行音乐领域的一种融合传统音乐的独特音乐形式。关于“中国风”音乐的定义，得到大家普遍认可的音乐人黄晓亮在博客中说道:“中国风就是三古三新(古辞赋、古文化、古旋律和新唱法、新编曲、新概念)结合的中国独特乐种。歌词具有中国文化内涵，使用新派唱法和编曲技巧烘托歌曲氛围，歌曲以怀旧的中国背景与现代节奏的结合，产生含蓄、忧愁、幽雅、轻快等歌曲风格。”也有人曾经试着给“中国风”音乐下过如下的定义:“中国风”的歌曲多采用“宫调式”的主旋律;在音乐的编曲上大量运用中国乐器，如二胡、古筝、箫、琵琶等;在唱腔上运用了中国民歌或戏曲方式;在题材上运用了中国的古诗或传说故事。虽然这两种说法还有待商榷，但也在一定程度上揭示了“中国风”音乐的特质。

(一)歌词包含中国古典文化

“中国风”音乐最突出的特点是在歌词中包含中国古典文化。有的作品直接把古辞赋拿过来运用，如王菲的《水调歌头》、蔡琴的《如梦令》、伊能静的《念奴娇》等，即是把古典诗词直接谱曲并融入现代配乐来重新演绎。有的作品则是借用古典文学作品中常用的意象如“月”、“水”、“镜”、“梅”、“竹”、“兰”、“茶”、“杨柳”等融人作品，如《东风破》、《发如雪》、《菊花台》、《千里之外》、《青花瓷》、《兰亭序》等。还有的作品传达了中国传统的情感内容，如周杰伦的《以父之名》、《听妈妈的话》、《蜗牛》等，这些歌曲显然和中国传统的重亲情的伦理情感紧密契合。有音乐人指出:“‘中国风’音乐作品的歌词主要有两大特点，一是歌词整体营造古典民族的文化氛围，运用大量的古典意象;二是歌词中带有一些鲜明的民族符号，以此来体现民族特色。

周杰伦的代表作《东风破》，其歌词是:“一盏离愁孤单伫立在窗口，我在门后假装你人还没走，旧地如重游月圆更寂寞，夜半清醒的烛火不忍苛责我，一壶漂泊浪迹天涯难人喉，你走之后酒暖回忆思念瘦……枫叶将故事染色结局我看透，篱笆外的古道我牵着你走过，荒烟漫草的年头就连分手都很沉默”。歌名本身就是词牌名，其中“离愁”、“烛火”、“古道”、“思念瘦”等充满古典意象的词语更是营造出悲凉的气氛。((青花瓷》中的“素胚”、“釉色”、“临摹”、“窑烧”等描述青花瓷制作工艺的词被巧妙融合在歌词中，同时极力渲染江南雅致淡然的景色，构成了极具画面感的内容。《本草纲目》借用了李时珍的医学著作《本草纲目》来传达古典情怀，胡彦斌的《曹操》则描述了一代袅雄曹操的故事。因此，包含传统文化是“中国风”音乐在歌词内容上的主要特点。

(二)编曲和唱法融合大量的民族音乐特征

一般来说，当代流行音乐习惯以西洋键盘乐器、打击乐器和电子音乐为主，而“中国风”音乐使用传统的乐器，如二胡、琵琶、竹笛、古筝等，使中国韵味被积极地呈现出来，是一种全新而且独特的音乐表达。如周杰伦的《东风破》主要运用了二胡;《霍元甲》则主要融入琵琶和大鼓，沉闷而厚重的鼓声阵阵，表现一代宗师的武学气概，全曲气势十足。林俊杰的《江南》主要运用了箫，箫声绵绵，流畅抒情，委婉动听。民族乐器与现代音乐元素巧妙地揉合在一起，恰如其分地表现出江南水乡的雅致淡然。

除了配乐和编曲之外，很多“中国风”音乐大胆地运用了传统音乐的演唱方法，如民族唱法、戏曲唱腔等。如陈升的《北京一夜》用老生腔演唱，之后有《霍元甲》中的花旦腔，《红尘女子》、《以父之名》中的青衣腔，《在梅边》里的昆曲，陶品的《SUSAN说》则引用了京剧《苏三起解》中的唱段。《千里之外》两种音乐形式和唱法的交替使音乐发生了奇妙的化学变化，让人耳目一新。随着2009年央视春节联欢晚会上周杰伦和宋祖英两种不同音乐形式的巧妙融合，这种“混搭”的音乐形式越来越受到欢迎。

(三)整体风格追求古典意境

在中国传统艺术中，意境是艺术家创作的重要标准，也是中国古典审美精神的重要体现。王国维在《人间词话》里说:“气质，言神韵，不如言境界。有境界，本也。气质、神韵，末也。有境界而二者随之矣。意境是中国古典美学的一个重要范畴，中国古典艺术作品无论是诗词还是曲乐，都讲究含蓄、淡泊，追求意境的绵长深远，含蓄朦胧。

“中国风”音乐无论在歌词、编曲、唱法、旋律还是MV的拍摄上，都注重使音乐整体上能够展现出典型的东方古典意境。“中国风”音乐多采用古典诗词作为题材，情感表达符合“中和”的审美标准。同时，曲调的悠扬和谐也体现了含蓄蕴藉、温柔敦厚的儒家美学观。除此之外，MV的拍摄也体现了情景交融、虚实相生、含蓄蕴藉的古典美学要求。在中国古代艺术中，存在着诸如“落花”、“大雁”、“春”、“暮”等具有特定含义的意象，在美学的层面上，它们是一些具有相对稳定性的独立的艺术符号。美国符号论美学家苏珊·朗格将审美意象作为“情感符号”和“艺术幻象”来考察。她说:“艺术品作为一个整体来说，就是情感的意象，对于这种意象，我们可以称之为艺术符号。朗格从艺术是表现人类情感的符号出发，认为艺术意象也是一种情感的符号。在“中国风”的音乐中，充满了类似的传统意象，如周杰伦的《青花瓷》，与其说是一首歌，不如说是一出烟雨朦胧的江南水墨山水，水云萌动之间依稀可见伊人白衣素袂、群带纷飞。“烟雨”、“青花”、“素胚”、“芭蕉”、“门环”等古典意象配上悠扬的曲调和水墨风格的唯美的MV，组合成了独特的意境。这种欲说还休、借景抒情的表达方式正是符合了“含而不露”这一中国传统的审美要求。

二、“中国风”音乐背后的古典审美精神和民族文化心理积淀

所谓审美精神是指一个民族审美文化所独自具有的内在审美气质和性格，它是构成一个民族的审美观念、审美意识、艺术态度的核心因素，属于一个民族文化比较深沉的东西，与一个民族的哲学精神相一致。审美精神一旦形成便会融合在民族文化心理结构中，长期地影响着民族文化、艺术及审美的发展。中国古典审美精神是在中国多民族、多元文化的不断冲突与融合以及以儒、释、道为核心的哲学精神中逐渐生成、建构出来的。音乐学者林华先生就曾在其论著中提到:“在我们的审美个性中，既有来源于人类共有的审美经验积淀成份，同时又有受到民族审美意识影响的成份……”。

在中国传统审美精神中，“天人合一”的观念是其核心的哲学基础。这种“天人合一”的哲学观促使中国古典艺术强调“道”、“气”贯穿的生命精神和博大精深的宇宙意识，注重直观感悟的生命体验，同时还追求“内在超越”的理想价值。生命精神和宇宙意识构成了中国艺术审美精神的内在特质。中国艺术所注重的不是孤立的个体生命和对象，而是生命的整体感、流动感和蓬勃的生命力，这种审美精神导致中国古典审美重神韵、气韵、气势、气脉、气象和意境等，也就是重生命精神，要求表现宇宙无限的生机活力。这种审美精神必然会影响中国人的审美实践。尽管中国的流行音乐是以西方音乐形式为主流，但这种根植于民族心理的审美精神要求也呼唤符合中国人审美特点的音乐形式出现，而“中国风”音乐正是符合了中国人内在的审美要求。

同时，中国人长久以来受儒、道、佛思想的影响，其中，礼义廉耻、中庸之道、重亲情、尊伦理等也在一定程度上影响了艺术中的情感表达，由此产生的审美方式使人们在潜意识当中钟情于写意的古典歌词，倾心于传统的民间乐器，醉心于含蓄、内敛的情感等等。在欣赏“中国风”流行音乐时，这种对传统文化的“怀旧”情怀，使听众很容易就和音乐产生情感上的共鸣。

三、“中国风”音乐带来的反思

对于艺术领域中的这种“中国风”现象，很多学者是持肯定态度的。面对飞速发展的社会，全球化的日益加剧，今天，更多的文化形式和审美标准影响和改变着我们的审美实践。在这种形势下，如何传承五千年来中国的传统文化无疑是值得我们关注的重要问题。在消费时代，任何文化行为只有在转化为商业行为的消费中实现对文化信息的获取和传播，才能被公众更多地关注与接受。而“中国风”音乐无疑是传播传统文化的新途径。它通过特定的商业传播手段和商业行为方式，使文化消费群体在文化消费中得到审美的愉悦，最终实现传统文化和古典文明的传播。由此看来，这种独特的音乐形式不失为一种传播传统文化的有效途径。

第7篇：古典音乐论文范文

关键词：古典和声；特征；色彩因素；中国民族

中图分类号：J616 文献标识码：A 文章编号：1005-5312（2012）32-0143-01

“和声——犹如一切事物——基于它所处的时空条件、环境、土壤，甚至某种机遇，作为一个划时代的伟大艺术成果，诞生于人类文明史的发展进程中。自从和声成了音乐语言不可缺少的重要组成部分，它便自始至终伴随着音乐艺术浪潮的起伏演进而更换着自己的角色风貌，以求完成其烘托各种艺术格调的特殊使命。和声的发展虽以技法的变化更新为表征，但它所带来的，却是新音乐语言的艺术内涵在敲动人们的心弦。”和声的发展是逐步的，10～16世纪，欧洲复调音乐从早期的奥加农发展至复调写作的完善阶段当复调音乐的各声部相互间以协和音程为主作对位结合时，即形成和声音程、和弦与和声进行。17世纪，早期巴罗克时代随着单旋律乐曲的形成和歌剧的产生，采取为单声部歌唱加和弦式伴奏的方法。开始应用数字低音以指示伴奏部分的和声。18世纪上半叶，后期巴罗克时代在这一时期中，器乐写作得到更大的发展，建立在大、小调和声体系基础上的自由复调音乐是主要的织体形式。18世纪后半叶，古典乐派时期主调音乐成为主要的体制。19世纪，浪漫主义时期19世纪初，和声手法基本上与上世纪后期相同。20世纪在19世纪后期大、小调体系和声发展至极限的基础上，不少作曲家探索新的创作手法，或回复至古老的音乐风格，其结果都打破了过去200年来传统和声的规范。

本文中“和声”是指19世纪初古典乐派风格乐音音响组合。它包含：（1）和弦，是和声的基本素材，3个或3个以和声上不同的音，根据三度叠置或其他方法同时结合构成，这是和声的纵向结构。（2）和声进行，指各和弦的先后连接，这是和声的横向运动。补充一句。和声有明显的浓，淡，厚，薄的色彩作用；还有构成分句，分乐段和终止乐曲的作用。由于18世纪后半叶，古典乐派时期以主调音乐主要的体制。追求的是思想内容与结构形式上的单纯明晰的特点，也表现在和声手法的简朴方面。大、小调体系成为和声的基础，中古调式消失其影响。和声的调性意义更为明确集中。著名音乐理论家贾达群先生对于“古典和声”一词还有更详细的定义： “古典和声的定义应该是：建筑在泛音列前八个音基础上的、以三度叠置为基本结构、以属主关系为基本‘功能序进’逻辑、以大、小、增、减为色彩对比的和声。”

和声是多声部音乐的音高组织形态，是音乐的基本表现手段之一。和声一直被看成是对位的基础。和声有结构功能和色彩功能两种基本属性： 结构功能是指和声对音乐形式构成方面的意义。这主要表现在：（1）音高纵向结合的组织作用；（2）确立或瓦解调性、调式的作用；（3）发展或终止某一结构的作用。色彩功能即和声的音响作用。两种功能的对立统一，是和声内部矛盾的集中表现，它决定着和声风格的历史演变以至每一和声现象的面貌特征。和声在调性音乐中，具有功能性与色彩性的意义。和声的功能与调性密切相关，离开了调性或取消了调性，和声也就失去了它的功能意义。和声的色彩，是指各种和弦结构、和声位置、织体写法与和声进行等所具有的音响效果。无论在调性音乐或非调性音乐中，它都具有重要意义。这种西方色彩因素在中国音乐中的体现时，也能够达到美的效果。例如中国作曲家何占豪、陈刚创作的小提琴协奏曲《梁山伯与祝英台》，堪称中西结合美得典范。它充分体现了中国民族和声风格特色之美。其实，当今的中国民族和声写作技法理论主要还是建立在西欧古典乐派和声理论、方法基础之上的，自萧友梅等中国老一辈音乐家通过“留洋”发现了古典和声之美，并且将其引入中国，又经中国几代作曲家、理论家的改进和处理，使之融入了中国五声性调式风格特征。

“和声”是音乐的基本表现手段之一。它不仅仅是西方音乐的重要组成部分，在中国近代音乐发展中也有着不可候缺的地位。随着中国几代音乐前辈的不断探索，和声在于中国民族音乐的不断交融中，更加大发光彩。

参考文献：

[1]吴式锴.和声艺术发展史[M].上海音乐出版社，2004-10-1.

[2]桑桐.和声的理论与应用[M].上海：上海文艺出版社，1982．

[3][苏]伊·杜波夫斯基斯·叶甫谢耶夫等合著.和声学教程[M].北京人民音乐出版社，2000年1月北京第1版.

第8篇：古典音乐论文范文

关键词：大学生古典音乐接受

古典音乐是音乐艺术文化体系中的重要构成元素，引导大学生加强对古典音乐的学习，增强大学生对古典音乐的接受意识，能够促进学生音乐艺术素养的培养，为大学生深入学习音乐文化知识奠定基础。因此在高校开展古典音乐教育的过程中，应该针对古典音乐进行系统的分析，并结合大学生的特点和古典音乐教育需求以及教育现状等制定更加科学的教学指导方案，有效提高学生对古典音乐的接受意识，增强古典音乐教育教学实际效果。

一.古典音乐

古典音乐广义上就是已经进行长时间传承和传播具有持久价值的音乐艺术形式，其主要是相对通俗音乐和轻音乐提出的。一般情况下对古典音乐的内涵进行解读，发现其是一种高度关注音乐艺术价值取向和人生意义的音乐形式。在古典音乐的发展过程中其更追求音乐艺术的语言表现形式、艺术表现手法以及音乐技巧方面的创新，在具体音乐艺术的呈现形态方面具有复杂性和技术性的特征，不仅要求听众在欣赏音乐的过程中可以形成对音乐艺术的良好感知，还希望听众能够具备敏锐的感受能力，能在欣赏过程中获得相应的审美经验。对于当代大学生而言，由于一般没有接受过系统的音乐艺术教育，造成大学生对音乐艺术的理解不够深刻，在欣赏古典音乐时也难以感受到其艺术美感，因此对古典音乐的接受度偏低，甚至部分学生对古典音乐的学习存在抵触心理。所以要结合当代大学生的特点和古典音乐艺术的发展需求开展古典音乐艺术教学，有效促进大学生古典音乐艺术的接受程度得到明显的提高。

二.大学生对古典音乐艺术的接受现状

针对我国当代大学生对古典音乐艺术的接受情况进行了适当的研究，发现大学生接受古典音乐艺术的程度存在普遍偏低的问题，对学生的实际情况产生了相应的不良影响。结合相关调查数据看大学生对古典音乐艺术的接受现状，发现集中从以下几个方面体现出来：

（一）大学生接受古典音乐的程度不平衡

相关调查数据显示，我国不同专业的高校大学生对古典音乐艺术的接受程度存在明显的差异，文科学生一般接受程度偏高，理科生对古典音乐艺术的认同感则有所不足[1]。主要原因是学生在欣赏古典音乐时无法理解古典音乐，也不能产生良好的艺术审美感受，造成学生的欣赏体验感严重不足，打消了学生学习和接受古典音乐知识的积极性。

（二）大学生接受古典音乐的主动性不足

一般情况下如果学生喜欢古典音乐并愿意接受古典音乐，就会自觉搜集一些古典音乐加以欣赏，并有意识的从多渠道获取相关音乐素材，尽量创造更多学习古典音乐的机会。但是由于大学生对古典音乐的认同感偏低，对古典音乐学习重要性认识不足，导致大学生一般不会主动获取古典音乐方面的知识和素材，学习古典音乐的过程中出现了被动学习和被动接受的情况，会影响古典音乐接受效果。

（三）大学生接受古典音乐的目的不够明确

科学合理的设置学习目标是引导学生进行有效学习的关键，但是综合分析当前大学生学习和接受古典音乐的情况，发现存在的明显问题是教师没有为学生设置明确的目标，学生学习和接受古典音乐的目的不够明确，甚至部分学生学习古典音乐主要是为了附庸风雅、随波逐流，亦或是为了完成学业，学习古典音乐的目标引导性严重不足，会制约大学生学习古典音乐过程中对古典音乐艺术的认同感，不利于大学生对古典音乐接受程度的逐步提升[2]。

三.有效提高大学生对古典音乐接受程度的建议

在明确分析当前我国大学生古典音乐接受现状的情况下，为了能够促进古典音乐教育作用的发挥，奠定大学生培养工作的基础，新时期在指导大学生学习古典音乐知识的过程中，可以对大学生实施有效的教育指导，改善大学生对古典音乐的认识情况，使大学生能够积极主动的学习古典音乐方面的知识，为古典音乐教育的落实和大学生广泛接受古典音乐创造良好的条件。具体分析，在高校人才培养工作中，要想循序渐进的提高大学生对古典音乐的接受程度，可以从以下方面入手进行系统的解读。

（一）引导大学生树立正确的音乐审美观念

从当前大学生古典音乐接受情况的调查研究能够看出，目前大学生不喜欢古典音乐主要是由于大学生无法对古典音乐艺术形成深入的理解，大部分学生表示他们“听不懂”古典音乐，也难以感受到古典音乐的艺术美感[3]。针对这一情况，部分教育研究人员提出古典音乐教学应该转变传统教育中存在的文学化和美术画的倾向，避免使用语言文字的方式向学生呈现古典音乐的内容。换言之，音乐教师应该明确认识到，对古典音乐的理解不能将使用语言文字表述音乐作为标准，而是应该认识到音乐艺术所塑造的形象本身具有不确定性，在教育实践中要求学生“听懂”古典音乐并使用语言文字表述出来的做法是错误的。所以，在高校教师指导大学生欣赏古典音乐的过程中，必须转变传统的教育理念，在教学实践中引导大学生树立正确的音乐审美观念，在欣赏音乐时能够体悟和感受到古典音乐旋律的形式美，在高低起伏的音乐中获得情感共鸣，进而增强学生的音乐欣赏体验感。如此，学生在欣赏古典音乐的过程中能够感受到古典音乐的艺术美感，学生对古典音乐的认同感必然会明显的增强，其接受古典音乐的程度也会有所提升。

（二）开设专门的公共艺术教育课程

公共艺术教育课程是提升学生文化艺术接受能力的重要课程，高校针对学生古典音乐接受程度偏低的情况，应该有针对性的开设专门的公共艺术教育课程，对学生实施相应的公共艺术教育指导，并为学生提供参与艺术选修课程的机会，有效对学生的文学艺术修养加以强化。在开设专门公共艺术教育课程后，为了保障课程教学作用的系统发挥，还应该注意加强对课程的管理，从课程教学目标的设置、课程教学内容的选择到课程考核评价，都应该按照人才培养工作的实际需求制定相应的管理规范，并且积极选择业务能力强、教学水平高的音乐教师对学生实施古典音乐教育，增强古典音乐教育教学的趣味性和有效性，吸引学生的注意力，让学生能够基于公共艺术教育相关课程的学习主动参与到古典音乐课程的学习方面，增强对古典音乐的接受程度，为学生音乐艺术修养的培养奠定基础[4]。

（三）积极组件丰富多彩的学生艺术社团

在学生艺术社团中宣传古典音乐并组织学生加强对古典音乐的学习和接受也是提高学生接受程度的重要方法。在高校针对本校学生开展音乐艺术教育的过程中，可以结合古典音乐接受需求适当的开设管弦乐团、合唱乐团等，并将古典音乐艺术作为核心组织学生参与排练和演出活动，借助古典音乐艺术活动对大学生的课余生活加以丰富，有效提升大学生的人文艺术修养[5]。同时，在艺术社团中，结合教师的指导也可以有意识的让社团中的学生加强对古典音乐的学习和了解，并适当的组织学生结合现代音乐艺术理念对古典音乐进行合理的应用，创编新的音乐艺术形式。如此，高校大学生就能够形成对古典音乐文化的深入认识和理解，拉近学生与古典音乐艺术的距离，增强学生自主接受和自主学习古典音乐方面知识的意识。

（四）积极营造轻松和谐的校园文化氛围

校园文化氛围的营造会发挥出文化熏陶和环境影响的作用，增强学生对古典音乐文化艺术的认同感，促进大学生古典音乐文化艺术的接受程度得到明显的提升。在具体将古典音乐融入到校园文化建设的过程中，学校可以积极组织开展高雅艺术进校园活动，并且长期将古今中外的古典音乐艺术引入到校园文化建设中，并适当的组织丰富多彩的文化活动让学生以古典音乐艺术为核心进行适当的沟通和交流，有效加深学生对古典音乐艺术的认识和理解，逐步提升学生的学习效果[6]。此外，在将古典音乐融入到校园文化建设的过程中，学校可以适当的邀请相关专家和学者到学校中开展讲座活动和表演活动，让学生能够与古典音乐艺术文化进行直接接触，在和谐的校园音乐艺术文化氛围中接受相应的熏陶，进而改善学生对古典音乐的认识情况，促进学生对古典音乐艺术文化的学习，进而真正发挥出古典音乐艺术文化在培养高素质人才方面的作用，为将高校大学生打造成为全面发展的高素质人才奠定坚实的基础。综上所述，古典音乐是人类音乐艺术文化体系发展过程中得以良好传承的精髓和经典内容，在高校大学生人才培养工作中，加强对古典音乐的重视，提升大学生的音乐审美品味，能够有效提高大学生的人文艺术修养，为大学生的未来全面发展奠定坚实的基础。因此结合当前大学生古典音乐接受现状，应该制定相应的应对措施，让大学生在学习和探索过程中能够真正感受到古典音乐的艺术魅力，进而增强大学生对古典音乐的认同感，有效增强古典音乐教育效果。

参考文献

[1]戚昭君,姜力宾.当代大学生对古典音乐接受现状的探析[J].黄河之声,2017(19):60-60.

[2]胡爽.浅谈西方古典音乐与幼儿多元发展[J].北方音乐,2016,36(9):132-132.

[3]张乐心.贝多芬在中国--西方古典音乐接受问题个案研究[J].音乐传播,2016(3):123-123.

[4]王樱朴.浅谈电视文艺晚会中古典音乐的“流行化”改编--以《最忆是杭州--G20杭州峰会文艺晚会》为例[J].黑龙江教育:理论与实践,2017(12):81-82.

第9篇：古典音乐论文范文

关键词：流行音乐；民族与古典音乐；课堂；融合

中图分类号：G632.0 文献标志码：A 文章编号：1674-9324（2014）37-0072-02

在“流行音乐进课堂”这个讨论了多年的话题尘埃落定之后，“让古典、民族音乐进课堂”这个教育部十年前就发出的呼吁近期又重被部分教育专家提起。这两种观点貌似冲突，其实并不矛盾，两者不是你死我活的关系，不应对立起来。我们要做的，是取长补短，让两者在音乐课堂中并驾齐驱。那么，怎么样才能更好地让古典、民族音乐与流行音乐互相融合，使音乐课堂更有吸引力？下面就这个问题略谈浅见。

一、古典、民族音乐与流行音乐在学生中的现状

曾有一个音乐教育研究课题组，在一所初中学生中做了关于“你喜欢的音乐体裁”的调查，其中喜欢古典音乐的占调查人数的9.3%；喜欢民族音乐的占48%，喜欢流行音乐的占100%。这项统计，虽不一定非常精确，但有一点可以肯定，其他学校也存在这种情况，而且，农村中学喜欢古典音乐的人数比例还会更低！还有调查表明：现在大约有80%的中学生能唱10首以上的流行歌曲，而大多数学生对于音乐课上所教的歌曲能流畅地演唱的则寥寥无几。面对如此现状，作为音乐教育工作者，我们如何让学生有选择地吸收流行音乐，与此同时快乐地接受古典、民族音乐熏陶，让其与优秀的流行音乐在音乐课堂中齐头并进？从个人多年中学音乐教学实践中，总结出了以下几点体会。

二、解决的策略与途径

1.老师自身首先要更新观念。有部分音乐老师，不能与时俱进，老在过去自己所学的领域中自我陶醉，拒绝接受现代的东西，鄙视流行音乐，认为流行音乐肤浅、俗气；不从学生实际出发，以个人好恶来确定课堂教学的内容，自己喜欢美声，就想让学生也喜欢帕瓦罗蒂、道格拉斯；自己喜欢笛子，就不厌其烦地让学生听《梁祝》、《沉思曲》。这无形中拉开了师生间的距离，不利于教学。我们应该知道，在现实生活中，有昙花一现的“高雅”音乐，而流行音乐中也有优秀之作。因此，老师要胸襟开阔、雅俗共赏，这样才能适应学生的不同需求。

2.培养学生对流行音乐的鉴别能力。青少年学生特有的生理和心理特征决定了他们对流行歌曲的偏爱，但同时，他们还没有具备完善的鉴别优劣的能力，难免会受到负面的影响，这就需要教师对学生进行正确引导。通过对部分流行歌曲进行举例、分析，使学生认识到，在铺天盖地扑面而来的流行歌曲中，不乏优秀作品，但部分的流行歌曲，在艺术性上是比较单薄的，缺少营养价值，只能成为过眼烟云；更有些歌词直白的流行爱情歌曲，不适合中学生年龄特点，如果不分优劣全盘吸收，不仅起不到音乐陶冶性情的作用，反而给学生的心理健康带来消极影响。